Œuvre d’art totale – HiSoUR Art Culture Histoire

Œuvre d’art totale (allemand: Gesamtkunstwerk) est une œuvre d’art qui utilise toute ou plusieurs formes d’art ou qui s’efforce de le faire. Un Gesamtkunstwerk est un travail qui combine divers arts tels que la musique, la poésie, la danse / pantomime, l’architecture et la peinture. La compilation n’est pas arbitraire et illustrative: les composants se complètent nécessairement.

Gesamtkunstwerk, qui signifie aussi «œuvre d’art totale», «La synthèse des arts», «œuvre d’art universelle», «synthèse des arts», «œuvre d’art complète», «forme d’art globale» ou «oeuvre totale». À un type d’œuvre autonome intégrant simultanément et lié à différents médias ou disciplines artistiques, le Gesamtkunstwerk a «tendance à éradiquer la frontière entre la structure esthétique et la réalité» (Odo Marquard). Ce n’est pas une référence à la création divine, comme c’était l’usage dans l’art entre le gothique et le baroque, mais elle revendique sa propre validité.

Le terme a été utilisé pour la première fois par l’écrivain et philosophe allemand K. F. E. Trahndorff dans un essai en 1827. Cependant, la synthèse de la fusion des arts a longtemps apparu dans l’histoire. Le compositeur d’opéra allemand Richard Wagner a utilisé le terme dans deux essais de 1849, et le mot est devenu particulièrement associé à ses idéaux esthétiques.

Depuis sa frappe, le terme Gesamtkunstwer a été largement utilisé dans la dramaturgie, les beaux-arts et les arts scéniques, et en général pour décrire différentes manifestations artistiques dans lesquelles des éléments de divers arts sont combinés. L’art cinématographique et d’autres arts audiovisuels tels que les vidéos musicales ou les jeux vidéo ont également été qualifiés d ‘«œuvres d’art total» en raison de leur combinaison de théâtre, musique, image, etc. En architecture, ce terme désigne un bâtiment dans lequel une partie est conçue pour compléter les autres dans un ensemble.

Au vingtième siècle, certains auteurs ont appliqué le terme à certaines formes d’architecture, tandis que d’autres l’ont appliqué au cinéma et aux médias.

Le terme a également été utilisé par les artistes appartenant à la « Sécession de Vienne » du début du 20ème siècle, pour décrire son objectif esthétique.

Histoire:
Ancienne synthèse des arts:
Les traditions de la pensée synthétique et les attitudes épistémologiques remontent à l’Antiquité, se manifestant dans divers langages symboliques (les chercheurs pointent par exemple vers les hiéroglyphes égyptiens). Déjà à cette époque, le lien entre les mots et les images était révélé – dans les pictogrammes, qui constituaient le noyau de la littérature visuelle moderne en tant que combinaison intégrale d’une variété de significations matérielles et communes.

Dans la culture grecque, il était important de relier lyrique et musique et de traiter le texte comme un poème mélitique, qui devrait toujours être associé à la mélodie et chanté. Par exemple, tous les poèmes conservés de Sappho ont un caractère mélodique (le melos grec signifie autant que la mélodie).

Dans la culture romaine, le poète Horace, dans sa Lettre aux pizzas (art poétique), a inclus la fameuse phrase pictura poesis (poésie latine comme peinture), utilisée comme inspiration dans l’esthétique de la Renaissance, par exemple par Leonardo da Vinci comme l’auteur du Traité de La peinture.

L’idée du Gesamtkunstwerk émerge à l’époque romantique. Le philosophe Friedrich Schelling, par exemple, a souligné le «devenir nécessaire de l’homme» (Bruno ou le principe divin et naturel des choses, 1802). Cette confiance en soi accrue a permis d’assimiler le travail de l’artiste au travail de la nature. Le terme lui-même est d’abord utilisé par l’écrivain et philosophe Eusebius Trahndorff dans son ouvrage Aesthetics ou Doctrine of Worldview and Art (1827). En 1849, il réapparaît dans le livre de Richard Wagner, The Art and the Revolution. Si Wagner connaissait le travail de Trahndorff est une question ouverte.

Œuvre d’art totale du moyen âge:
En dehors de l’inspiration ancienne, la sensibilité à la communauté des arts a été révélée par le Moyen Age, en particulier son ars moriendi (art latin de la mort) en tant que sujet dans les arts visuels (capturé de manière narrative et littéraire).

Un autre domaine d’interpénétration mutuelle était au Moyen Age un manuscrit. La floraison à l’époque, d’abord dans les monastères bénédictins, quel que soit leur sujet et leur qualité artistique, promet l’esthétique de la bande dessinée.

Un artiste polyvalent est apparu au Moyen Age, embrassant et réunissant beaucoup de son imagination – une femme, bénédictine et mystique Hildegarde de Bingen: poète, peintre, compositeur, aussi un théologien (femme-théologien) et un philosophe (et un phytothérapeute pratiquant la médecine naturelle et un cuisinier qui apprécie ce que le 20ème siècle a appelé la nourriture organique).

Œuvre d’art totale de la Renaissance:
La Renaissance s’intéressait à l’imagination, qu’il considérait comme fantasmatique, mais aussi cognitive. Les fondements théoriques de Œuvre d’art totale (tels que le romantisme) ont été donnés par la philosophie et l’esthétique du néoplatonisme florentin, en particulier Marsilio Ficino dans de longs commentaires sur la Fête de Platon et dans le traité Théologie platonicienne. Le symbole de la renaissance était aussi le sujet du renouveau. Gian Francesco Pico della Mirandola dans son essai sur l’imagination, il a souligné les peintures symboliques comme beau et utile pour élever la jeunesse. De nombreux lexiques de symboles ont été publiés dans cet esprit.

Grâce à l’invention de l’imprimerie, les livres étaient déjà imprimés et gagnaient (pour la tradition médiévale des manuscrits) un riche cadre typographique, utilisant des graphismes (généralement des gravures sur bois), qui exigeaient la perception du lecteur dans l’esprit de la synthèse artistique. Un tel personnage était, par exemple, le Père Noël du Père Noël, contenant des gravures, comme une sorte de livre emblématique. Les volumes, dans lesquels le texte a été traité comme un matériau graphique distinct, sont également devenus populaires; ils étaient le noyau de la littérature visuelle.

La recherche d’une synthèse artistique strictement comprise, cependant, a été inhibée par le classicisme de la Renaissance, mettant l’accent sur l’autonomie de chacun des arts.

Synthèse baroque des arts:
Il a développé complètement la pensée sur la communauté jusqu’à l’époque baroque, en cherchant la connaissance universelle et l’unité spirituelle et formelle de tous les arts. Les dictionnaires baroques des symboles s’ouvraient à la compréhension de l’être comme étant l’unité de toutes ses manifestations spirituelles et matérielles – l’unité «capturée» par le symbole. Cesare Ripa et son iconologie ont eu une signification particulière – un large, illustré de gravures sur bois, un dictionnaire de notions couvert d’une manière emblématique: comme une image symbolique et un commentaire discursif sur elle. À l’époque baroque, l’interdépendance entre la nature et la culture a également été révélée. Cela a eu un impact sur l’esthétique baroque.

Pole Sarbiewski dans un essai sur les avantages et les inconvénients de l’élégie dans l’esprit de reconnaître l’uniformité de la perception, il analysa la dimension émotionnelle des voyelles et dans le vaste traité Dii Gentium donna un dictionnaire des mythes culturels combinant la tradition ancienne et chrétienne .

Dans l’art baroque, l’accomplissement de Œuvre d’art totale est devenu un emblème en tant que genre à la frontière de la littérature et des beaux-arts. Il y avait aussi de nombreux ouvrages et livres traités expérimentalement dans leur globalité, à la limite de la littérature et des arts visuels, avec une composition fantaisiste du texte, traité du côté typographique comme une «peinture». Le texte prend la forme d’un sceptre, d’un arbre, d’un grand verre, etc. Le baroque est, à ce point, une période de floraison luxuriante de la littérature visuelle. En Pologne, de telles formes étaient fréquentes dans la littérature occasionnelle, et des exemples sont des textes en forme de croix, des sceptres, des étoiles, un obélisque ou un monument funéraire.

Cependant, le rêve d’une communauté artistique est réalisé par l’opéra, un genre créé à l’époque baroque, précisément dans la recherche de la synthèse, combinant la musique (composition, création de fondations solides), la littérature (libretto sung), le théâtre (mise en scène) et la peinture (à partir de laquelle il dessine la scénographie). L’opéra a été formé dans le cercle Florentine Camerata (le contexte théorique a été donné à la nouvelle pensée esthétique par la Renaissance Vincenzo Galilei dans le traité révolutionnaire Dialogo della musica antica e moderna), développé à Venise, et ses premiers chefs-d’œuvre ont été donnés par Claudio Monteverdi (en 1607 ses premières d’Orpheus comme le début de l’espèce).

Baroque visionnaire, combinant divers matériaux et domaines de perception a permis pratiquement de réaliser le concept de Œuvre d’art totale.

La synthèse des lumières des arts:
L’exception était l’opéra, pas le tout (souvent limité à la performance vocale elle-même), mais celui créé par Wolfgang Amadeus Mozart. Deux de ses œuvres lyriques les plus complètes – Don Giovanni et The Magic Flute – créent une combinaison parfaitement harmonieuse de musique, de texte, d’histoire et de jeu d’imagination.

La synthèse du romantisme des arts:
La période de renouvellement des vieux rêves et une nouvelle fascination pour Œuvre d’art totale est devenue, renouvelant ainsi la vieille pensée, et atteignant aussi les maîtres baroques (comme Shakespeare), le romantisme. Il a aussi inspiré les conférences sur l’esthétique de Hegel, qui traitait l’art comme une manifestation de l’absolu dans une forme sensuelle, de vastes réflexions consacrées aux formes symboliques de l’art, à la «forme romantique de l’art» et à certains types d’art.

La pensée philosophique et esthétique du romantisme s’est souvent concentrée sur l’unité spirituelle de l’homme et de la nature, la culture et la nature, et la proximité de la personne humaine et de Dieu, dessinant un projet d’art qui affecte symboliquement ces affinités: Jean Paul Richter, Friedrich Schleiermacher a écrit à ce sujet, le peintre Otto Runge (ami du peintre représentant symboliquement le paysage), aussi le penseur Karl Trahndorff (1782-1863), qui a développé le concept de Gesamtkunstwerk (œuvres d’art universel ou plutôt «total» – compris comme cohérent combinaison de divers arts: poésie, musique, peinture, danse). Partout, l’art est conçu comme un langage homogène, malgré la variété des matériaux, révélant un être – un «travail total» (Gesamtkunstwerk).

Accomplir la synthèse des jeux a été donné par les auteurs de la limite de la lumière et du romantisme: Johann Wolfgang Goethe (dans la tragédie de Faust) et, surtout, polyvalent William Blake (mystique, poète, peintre et graphiste, harmonieusement

Dans le romantisme mûr, le concept de la communauté de l’imagination et du matériel a été proclamé et réalisé, ouvrant leur travail à l’inspiration d’autres arts: le peintre Eugène Delacroix et le compositeur polonais Fryderyk Chopin. D’autres romantiques polonais façonnent aussi la synthèse des pièces de théâtre: Juliusz Słowacki (surtout dans les dernières œuvres donnant une unité visionnaire de poésie et d’effets picturaux et musicaux) et Cyprian Norwid (artiste polyvalent: poète, peintre et dessinateur – « le magicien », s’appelle lui-même).

Le genre qui était riche à cette époque dans les grandes visions dans l’esprit de la synthèse des pièces de théâtre était le drame, ou plus précisément le genre pour l’époque idiomatique – un drame romantique. La réception romantique du baroque (pas encore appelée comme une ère), y compris Calderon, et surtout Shakespeare, lu comme un visionnaire qui enseigne la liberté artistique, combine divers styles et matériaux de l’art, a eu un grand rôle dans sa forme. La base théorique du drame romantique a été formulée par Victor Hugo. Un Faust de Goethean, plein d’effets musicaux et, surtout dans la Partie II, presque « film » a donné la vision syncrétique et l’accomplissement de Œuvre d’art totale. Toujours dans le romantisme, ces caractéristiques ont mis en évidence les adaptations d’opéra que Charles Gounod (Faust) et Hector Berlioz (Faust’s Damnation) ont donné. Dans le drame romantique polonais, Adam Mickiewicz à Dziady (surtout dans la partie II) et Juliusz Słowacki dans les drames (le plus complet dans le dernier – Samuel Zborowski) donnent des visions syncrétiques.

L’opéra romantique renouvelle l’original, façonné en baroque, la tradition du genre en tant que forme syncrétique (Gaetano Donizetti et Lucja de Lammermoor, Modest Moussorgski et Borys Godounov, Gounod et Berlioz), et surtout Giuseppe Verdi et les opéras basés sur les tragédies de Shakespeare. Macbeth et Otello). En France, une variation du genre, sans le savoir (sans une telle conscience esthétique) se référant au baroque, devint un grand opéra, dont le représentant était Giacomo Meyerbeer. Souvent, cependant, l’opéra romantique se concentrait trop sur les parties vocales spectaculaires, perdant l’essence du genre.

Le compositeur romantique tardif Richard Wagner, qui a formulé les théories du concept de drame musical (distingué de l’opéra), a joué un rôle particulièrement important. Ses œuvres (telles que Tristan et Isolde, la tétralogie de l’Anneau de Nibelung), faites de ces suppositions, étaient un nouvel accomplissement de la conception Baroque-Romantique de la cohésion de la matière des divers arts dans un travail visuel créatif. Wagner a mis en œuvre le «travail total» postulé par les théoriciens précédents – Gesamtkunstwerk. Il a lui-même écrit un livret poétique pour ses œuvres.

Wagner et le Gesamtkunstwerk:
Certains éléments de la réforme de l’opéra, à la recherche d’une formule plus «classique», avaient commencé à la fin du XVIIIe siècle. Après la longue domination de l’opera seria et de l’aria da capo, un mouvement commença à faire progresser le librettiste et le compositeur par rapport aux chanteurs, et à ramener le drame à un foyer plus intense et moins moraliste. Ce mouvement, « l’opéra réformiste », est principalement associé à Christoph Willibald Gluck et à Ranieri de ‘Calzabigi. Les thèmes des opéras produits par les collaborations de Gluck avec Calzabigi se poursuivent dans les opéras de Carl Maria von Weber, jusqu’à ce que Wagner, rejetant à la fois la tradition du bel canto italien et l’opéra français, développe son union de musique, drame, effets théâtraux, et de temps en temps danser.

Cependant, ces tendances s’étaient développées fortuitement, plutôt qu’en réponse à une philosophie spécifique de l’art; Wagner, qui a reconnu les réformes de Gluck et admiré les travaux de Weber, a souhaité consolider son point de vue, à l’origine, dans le cadre de ses opinions sociales et politiques radicales de la fin des années 1840. Avant Wagner, d’autres qui avaient exprimé des idées sur l’union des arts, qui était un sujet familier parmi les romantiques allemands, comme en témoigne le titre de l’essai de Trahndorff, dans lequel le premier mot a eu lieu, « Esthétique ou Théorie de la Philosophie de l’Art » . Gottfried Lessing, Ludwig Tieck et Novalis sont d’autres auteurs de synthèses artistiques. La critique enthousiaste de Carl Maria von Weber sur E.T.A. L’opéra d’Hoffmann, Undine (1816), l’admirait comme «une œuvre d’art complète en elle-même, où les contributions partielles des arts connexes et collaborateurs se fondent, disparaissent et, en disparaissant, forment en quelque sorte un nouveau monde».

Wagner utilisa le terme exact «Gesamtkunstwerk» (qu’il épelait «Gesammtkunstwerk») à deux reprises, dans ses essais de 1849 «Art et Révolution» et «L’Art du Futur», où il parle de son idéal d’unification de toutes les œuvres de art via le théâtre. Il a également utilisé dans ces essais de nombreuses expressions similaires telles que «l’œuvre consommée du futur» et «le drame intégré», et souvent appelé «Gesamtkunst». Une telle œuvre d’art devait être l’expression la plus claire et la plus profonde de la légende populaire, bien qu’abstractée de ses particularités nationalistes à une fable humaniste universelle.

Wagner a appelé la tragédie attique le « grand Gesamtkunstwerk ». Dans son ouvrage L’Art du Futur, écrit peu de temps après, Wagner a élargi le sens du terme. Dans sa conception d’une œuvre d’art intégrale et diverse, qu’il décrivit en détail dans son vaste ouvrage Opera and Drama et qui fut plus tard traité par d’autres comme un drame musical, Wagner subordonna les «arts frères» à un but commun, le drame. De son point de vue, la division croissante du travail (par exemple dans la séparation des divisions théâtrales) et l’isolement égoïste dans la société devraient être abolis. En même temps, en tant que modèle et ennemi, il a imaginé le grand opéra français, dans lequel tous les arts de la scène étaient déjà unis sur leur dernier stand technique. Wagner partait de la conviction que l’opéra était sur la mauvaise voie s’il mettait la musique en valeur absolue et subordonnait tous les autres éléments, surtout le drame lui-même.

Les frères et sœurs de Wagner avaient été acteurs, chanteurs et danseurs en même temps, ce qui n’était plus possible grâce à la spécialisation des professions du théâtre après 1850. D’une autre manière, cette universalité devait être restaurée: par un travail égal des artistes dans le travail de l’art au service de son auteur. Wagner a parlé d’une «coopérative de tous les artistes». Il part des idées esthétiques des romantiques allemands ainsi que des discours politiques et esthétiques virulents à Paris vers 1840 à la suite des différentes révolutions et espère réaliser une utopie sociale par l’esthétique:

« La grande œuvre d’art, qui doit englober tous les genres de l’art, de manière à consommer, pour ainsi dire, chacune de ces espèces en tant que moyen d’atteindre le but collectif de tous, à savoir l’exposition inconditionnée et immédiate de la nature humaine parfaite, il ne reconnaît pas cette grande œuvre d’art comme l’acte arbitrairement possible de l’individu, mais comme le travail commun nécessairement concevable des hommes de l’avenir.

Wagner a estimé que les tragédies grecques d’Eschyle avaient été les meilleurs exemples (bien que toujours imparfaits) de la synthèse artistique totale, mais que cette synthèse avait été par la suite corrompue par Euripide. Wagner a estimé que pendant le reste de l’histoire humaine jusqu’à nos jours (c’est-à-dire 1850), les arts se sont éloignés de plus en plus, ce qui a provoqué de telles «monstruosités» que le Grand Opéra. Wagner estimait que de telles œuvres célébraient des chants de bravoure, des effets scéniques sensationnels et des intrigues insignifiantes. Dans « Art et Révolution » Wagner applique le terme « Gesamtkunstwerk » dans le contexte de la tragédie grecque. Dans « L’Art-Travail du Futur », il l’utilise pour s’appliquer à son propre idéal, encore non réalisé.

Dans son vaste ouvrage Opera and Drama (achevé en 1851), il approfondit ces idées en décrivant en détail son idée de l’union de l’opéra et du drame (appelé plus tard drame musical malgré la désapprobation de Wagner), dans laquelle les arts individuels sont subordonnés. à un but commun.

Le propre cycle d’opéra de Wagner, Der Ring des Nibelungen, et en particulier ses composantes Das Rheingold et Die Walküre représentent peut-être le plus proche de lui, ou de qui que ce soit d’autre, venu à réaliser ces idéaux; il était lui-même après cette étape pour assouplir ses propres restrictions et écrire plus «opérationnellement».

Wagner accordait une grande importance aux éléments de l’environnement, tels que l’éclairage, les effets sonores ou la disposition des sièges, pour attirer l’attention du spectateur sur la scène, réalisant ainsi son immersion complète dans le drame. Ces idées étaient révolutionnaires à l’époque, mais elles furent bientôt assumées par l’opéra moderne.

Gesamtkunstwerk musique:
Le terme de musique gesamtkunstwerk indiquait l’idéal du théâtre dans lequel convergent la musique, le théâtre, la choreutique, la poésie et les arts figuratifs, afin de parvenir à une synthèse parfaite des différents arts. De plus, ce travail total constituera d’une part l’expression la plus profonde de l’âme d’un peuple, d’autre part il sera projeté dans un champ d’universalité. L’exemple suprême de cette conception fut, pour le compositeur de Bayreuth, la tragédie attique et surtout eskyléenne, tandis que plus tard, d’Euripide à la tradition lyrique, notamment en Italie, l’idéal du Gesamtkunstwerk se détériora progressivement; L’intention de Wagner était précisément de rétablir l’œuvre d’art totale et de l’imposer comme une forme artistique parfaite et définitive. Peu de temps après Wagner, Aleksandr Skrjabin conçut son Prométhée ou poème de feu, synesthésie artistique grandiose, pour laquelle il conçut même un instrument associant à chaque note un faisceau de lumière colorée qui devait inonder la salle. Un projet, ceci, tellement en avance sur son temps, qu’il n’était pas possible de le réaliser.

L’idéal du Gesamtkunstwerk est exalté par les artistes figuratifs de la Sécession viennoise dont Gustav Klimt qui dessine, sculpte, peint et décore en vue d’une fusion idéalisée des différents arts.

Gesamtkunstwerk architecture:
Certains architectes ont utilisé le terme Gesamtkunstwerk pour désigner les circonstances dans lesquelles un architecte est responsable de la conception et / ou de la supervision de la totalité du bâtiment: coque, accessoires, mobilier et paysage. Il est difficile de revendiquer quand la notion de Gesamtkunstwerk a été utilisée pour la première fois du point de vue d’un bâtiment et de son contenu (bien que le terme lui-même n’ait pas été utilisé dans ce contexte jusqu’à la fin du XXe siècle); Déjà à la Renaissance, des artistes comme Michel-Ange ne voyaient pas de division stricte dans leurs tâches entre l’architecture, le design d’intérieur, la sculpture, la peinture et même l’ingénierie. L’historien Robert L. Delevoy a fait valoir que l’Art nouveau représentait une tendance essentiellement décorative qui se prêtait ainsi à l’idée du Gesamtkunstwerk architectural. Mais il est également possible qu’elle soit née de théories sociales issues de la crainte de la montée de l’industrialisme.

Cependant, des preuves d’intérieurs complets qui caractérisent le concept de Gesamtkunstwerk peuvent être vues quelque temps avant les années 1890. Il y avait une tendance croissante parmi les architectes aux 18ème et 19ème siècles pour contrôler toutes les facettes d’une commission d’architecture. En plus d’être responsables de la structure, ils ont essayé d’étendre leur rôle à la conception (ou au moins à la validation) de tous les aspects du travail intérieur. Cela incluait non seulement les caractéristiques architecturales de l’intérieur, mais s’étendait à la conception de meubles, de tapis, de papier peint, de tissus, de luminaires et de poignées de porte. Robert Adam et Augustus Welby Pugin sont des exemples de cette tendance à créer un effet d’harmonisation global qui dans certains cas pourrait même s’étendre au choix ou à la conception de l’argent de table, de la porcelaine et de la verrerie.

Une approche résolument moderne du concept de Gesamtkunstwerk architectural a émergé avec l’école de Bauhaus, d’abord établie à Weimar en 1919 par Walter Gropius. L’école s’est spécialisée dans le design, l’art et l’artisanat (l’architecture n’a pas été introduite comme un cours séparé jusqu’en 1927 après son transfert à Dessau). Gropius a soutenu que les artistes et les architectes devraient également être des artisans, qu’ils devraient avoir l’expérience de travailler avec différents matériaux et moyens artistiques, y compris le design industriel, la conception de vêtements et le théâtre et la musique. Cependant, Gropius ne voyait pas nécessairement un bâtiment et chaque aspect de sa conception comme étant le travail d’une seule main.

La société de développement canadienne Westbank, fondée par Ian Gillespie, utilise Gesamtkunstwerk comme l’idée fondatrice de la vision et de la philosophie de l’entreprise en matière de développement urbain.

Symbolisme et synthèse du modernisme:
Impressionné par la vision du travail «total» de l’art de Richard Wagner, Charles Baudelaire considérait la musique comme un modèle de poésie exprimant les expériences et les impressions les plus personnelles et insaisissables. Une telle importance symbolique était donnée aux musiciens, parce que c’était elle – plus efficacement que le mot, et même l’image (alors toujours réaliste) – qui stimulait les sentiments et déclenchait l’intuition. Le célèbre sonnet Baudelaire Correspondances (dans les traductions polonaises il a été donné à des équivalents ou des échos, bien que le titre signifie simplement Correspondance, dans le sens de «interaction mutuelle» du volume Flowers of Evil, 1857) est bientôt devenu une partie du retour de corespondances des arts comme terme dans le domaine de l’esthétique. Baudelaire dépeint dans ce sonnet l’affinité spirituelle de l’homme et de la nature, appelée la «forêt des symboles». De cette vision romantique de la nature, le poète a dessiné un nouveau concept du symbole, en tant que non pas une particule d’un lexique reconnaissable de significations, mais une vision profondément personnelle et incompréhensible. Baudelaire a inspiré le symbolisme comme esthétique et une direction artistique qui s’est ouverte aux affinités des arts et se dirigeait vers une grande vision syncrétique. C’est ainsi qu’écrit Arthur Rimbaud, qui s’exprime dans sa poésie et sa prose poétique, et par programmation le Sonoflu Sonnet (révélateur des affinités entre le son et l’image).

De l’inspiration du nouveau symbolisme, le modernisme comme une époque dans la littérature et l’art atteint souvent Œuvre d’art totale. Ils ont développé de manière créative les compositeurs Gustav Mahler (dans ses symphonies riches en philosophie) et Aleksandr Scriabin (combinant le son et la couleur dans la performance – le fameux concept du « piano léger »). Parmi les artistes de la jeune Pologne, Stanisław Wyspiański, poète, peintre et dessinateur, réalise la communauté artistique la plus polyvalente – en particulier dans les drames de Noc listopadowa, Wesele et visionnaire Akropolis. La synthèse des pièces est également interprétée par Tadeusz Miciński – avec le panache pictural et presque « film » – la tragédie de Basilis Teofanu ‘

Les définitions de Œuvre d’art totale et de la correspondance des arts sont souvent utilisées de façon interchangeable, alors qu’elles diffèrent dans les buts et les domaines de l’art dans lesquels elles se manifestaient principalement.

Après la Première Guerre mondiale, le poète Guillaume Apollinaire dans la collection de Caligrammes (1918) traita hardiment le texte comme une composition graphique libre, donnant tout le caractère de la poésie visuelle (par exemple dans l’œuvre mandoline, clou de girofle et bambou). Le futurisme a également souvent expérimenté, en essayant de synthétiser les arts.

Un nouvel éloge de l’imagination a été donné par le surréalisme, un peu programmatique ouvert au libre domaine des associations et la combinaison de la matière de divers arts. Le théoricien, André Breton, a donné au Manifeste du Surréalisme (1924) un programme d’art libéré et fantasmagorique. Les réalisations artistiques de ces hypothèses étaient plus modestes. L’exception a été le film muet de Luis Buñuel, un chien andalou de 1928 – une combinaison hallucinatoire d’images drastiques (la célèbre scène de couper l’œil avec un rasoir) avec une signification symbolique vague, surtout érotique; mais c’était avant tout une étude du subconscient. Cependant, la signification de l’idée du surréalisme comme source d’inspiration pour l’art postérieur est grande – c’est le consentement (de l’esprit du baroque et du romantisme) à la liberté créatrice de l’artiste.

Dans l’entre-deux-guerres, le poète et peintre futuriste, Tytus Czyżewski, a pris ses œuvres de manière proche de la poésie visuelle – ce sont les poèmes Poznań et Dom, le poème Electric visions. Tom Czyżewski Pastorałki accomplit l’effet de Œuvre d’art totale en combinant le texte poétique et stylisé dans les graphiques anciens par des illustrations de Tadeusz Makowski. Les plus proches de Œuvre d’art totale sont les deux artistes polyvalents: Witkacy et Bruno Schulz, à la fois en termes d’étendue des activités créatives et de mise en forme du matériau des œuvres. La théorie des Formes pures de Witkacy était aussi un projet d’art syncrétique qui exprime (comme il écrit) des «sentiments métaphysiques», combinant la dimension esthétique et existentielle, et constituant une catharsis purificatrice. Witkiewicz donna à ses peintures à l’huile une dimension littéraire et visionnaire (Tempting Saint Antoni), tandis que dans ses drames, il créa des tensions pleines de tension, une composition sophistiquée, incluse dans la peinture et le cinéma (Kurka Wodna, Matka, Sonata Beelzebub). Schulz a créé un cadre basé sur l’intrigue érotique des graphiques (Xięga idwochwalcza), et la prose a été exprimée comme des images richement plâtrées construites par expressionnisme.

Synthèse postmoderne des arts:
La littérature récente fait référence à l’idée de Œuvre d’art totale, souvent à l’occasion de l’expérience. Jan Lechoń, un poète toujours sensible à la peinture et à la musique, le poème de Sarabanda pour Wanda Landowska (de son dernier volume, Marble and Rose, 1954), décrit comme presque musical, selon le titre, sarabande, dont le rythme ressemble à une miniature de clavecin. Jarosław Iwaszkiewicz, toujours dans l’entre-deux-guerres dans la pièce dédiée de Witkacy, An Evening to Abdon (1922), a construit une histoire sombre comme une vision de rêve, un rythme musical distinctif et une clarté éclatante de couches d’images. Des années plus tard, comme la synthèse du récit psychologique, des tableaux peints et des motifs leitmotiv de la musique (utilisant les compositions de Wagner), il construisit l’histoire des Rêves à partir du volume des Rêves. Jardins. Sérénité (1974). Dans le dernier volume de poésie et de prose, l’album Tatra (1975) a publié un poème intitulé Niebo écrit en prose rythmique, a d’abord commenté qu’il est « une tentative de placer la forme sonate aussi étroitement que possible dans le mot » – le travail est donc une transposition littéraire de la forme musicale de la sonate.

Dans la culture contemporaine, la synthèse programmatique des arts a été façonnée par le compositeur Olivier Messiaen (doté d’une imagination syncrétique, «audition colorée», associant couleurs et sons), notamment dans l’opéra Saint François d’Assise et la musique électronique utilisant les ondes Martenot. Krzysztof Penderecki a également relié de nombreux matériaux à des œuvres lyriques, le plus complètement dans la sacra rappresentazione (une variété de genre de l’opéra). Paradis perdu, il rejoint directement la tradition stylistique baroque-romantique.

L’individualité particulière était le versatile Roland Topor, de la tradition baroque et, en particulier, du surréalisme (il connaissait breton personnellement), un graphiste, dramaturge et auteur d’histoire dérivant son travail, coopérant également avec le cinéma (lanterne magique pour Casanova Fellini).

Le film créé à l’époque moderne comme technique d’enregistrement et de visualisation du mouvement, et avec le temps et l’art, pouvait construire une vision syncrétique dès que la maturité technique du message était atteinte dans la précision du son et de la couleur. C’est arrivé dans les années 50-60. Le vingtième siècle. Il a construit les plus grandes visions du film, Federico Fellini – le directeur de l’imagination du peintre (et talent artistique), et aussi musicalement sensible. Il a créé une synthèse de pièces de théâtre tout au long de l’œuvre, culminant dans des séquences sélectionnées – dans les films de Giulietta des fantômes (épisodes sensuels et orgiaques de la maison de Suzy, voisin du protagoniste), Satyricon (promenade des amoureux homosexuels), Rome (défilé de mode de l’église), Casanova (magicien du projet de Topor, chorale retentissante par l’épisode musical de Wagner allemand), ville de femmes (épouse du héros, chantant dans la maison Snaporaza aria de Verdiowska La Traviata), Et le bateau navigue (musique par Verdi dans la dispersion des cendres du chanteur en mer et naufrage).

Un style similaire a été révélé par Luchino Visconti (qui appréciait l’opéra et dirigeait des performances d’opéra) dans les films de Leopard et du Crépuscule des Dieux, mais surtout dans la musique repue de Wagner Ludwig (dont le héros était le méchant patron du compositeur – Roi Ludwig Bavarian). La synthèse des pièces est prise par Ken Russell, saturation de ses films avec la musique de compositeurs interprétés, également utilisée dans des scènes strictement visionnaires (Amoureux de la musique – sur Tchaïkovski, Mahler), et Devils donnant une vision brutale et théâtrale du Baroque ère. Russell a fait le film de Tommy en 1975, qui est une adaptation baroque et vivante de la comédie musicale – Œuvre d’art totale est entrée dans le cercle de la culture de masse. À son tour, dans les films d’Andrey Tarkovsky (Andrei Rublev, Zwierciadło, Sacrifice), Œuvre d’art totale est créée par des citations directes des œuvres de peinture, liées à la musique des grands maîtres. Une synthèse similaire a été obtenue par Werner Herzog, associant le paysage et le son filmés «pictural» (Glass Heart – avec de la musique rock psychédélique, Fitzcarraldo – à la musique d’opéra).

Dans l’exposition « The Hang to Gesamtkunstwerk » de Harald Szeemann, qui a été présentée en 1983 au Kunsthaus Zürich, au Musée du XXe siècle à Vienne et au début de 1984 également à Berlin Charlottenburg, diverses œuvres d’art ont été présentées au public: entre autres le Merzbau de Kurt Schwitters, le Goetheanum de Dornach, les cathédrales (comme la Sagrada Família) d’Antonio Gaudi, le Monte Verità près d’Ascona, le Vittoriale degli italiani sur le lac de Garde. L’exposition rassemble depuis 1800 des utopies européennes qui ne veulent pas se limiter à un sens purement esthétique mais qui envisagent une transformation de la réalité sociale en une société renouvelée.

Plus récemment, le terme Gesamtkunstwerk recouvre celui de l’intermédialité (synthétique). Que des œuvres d’art qui s’adressent à des sens différents en même temps, soient des compositions libres dans le sens du multimédia ou des médias mixtes, ou qu’elles répondent à l’exigence de l’unification dans un Gesamtkunstwerk, est une question d’interprétation. Happening, Fluxus, Performance, Théâtre expérimental et autres phénomènes sont également interprétés comme des variations de l’idée du Gesamtkunstwerk.

Un opéra séparé est occupé par un opéra, qui est une adaptation de l’opéra, mais seulement quand le réalisateur ne vise pas le réalisme, mais tire les conséquences artistiques de la rencontre de plusieurs pièces au sein d’une œuvre. C’est ce qu’ont fait Ingmar Bergman (The Magic Flute de Mozart) et Andrzej Żuławski (Borys Godunov d’après Moussorgski). Il est proche du film musical européen, qui dévie de la tradition d’une comédie musicale réaliste – c’est Jacques Demy et Parasolki de Cherbourg avec Catherine Deneuve dans le rôle principal et la musique de Legrand, le film est entièrement chanté, mais aussi plein de bon goût cadres colorés.

Dans le cadre de la peinture et des sculptures après la Seconde Guerre mondiale, Œuvre d’art totale s’est révélée, d’ailleurs, souvent par le syncrétisme de la forme, et finalement le départ du fini, fini par l’artiste, travaille à montrer le processus créatif en utilisant le matériel de divers arts. Un tel art conceptuel lié à la performance improvise, montrant l’art comme un processus – ils utilisent une variété de matériaux: la peinture, la littérature, mais surtout la technologie multimédia (en particulier la vidéo). Oui, avec l’utilisation des appareils électroniques et de la technologie numérique, l’idée séculaire de Œuvre d’art totale prend forme.

Au sein de la culture de masse, le phénomène émergeant de la synthèse la plus simple du matériau dans la perception est une bande dessinée. La manifestation pratique de Œuvre d’art totale, plus intéressante et souvent sophistiquée et artistiquement remarquable, est un clip vidéo – un phénomène commun dans la culture musicale populaire, et basé sur l’association de l’image et du son. Interpréter, ou plutôt visualiser, une chanson, un clip musical tourne autour des contours de l’intrigue, donne à l’interprète le rôle d’acteur, donne du sens aux décors, aux costumes, ou même aux personnages de maquillage. L’ensemble (généralement son rythme rapide) est d’une importance particulière, ainsi que des effets visuels spéciaux obtenus par ordinateur. Le tout résultant de ceci est une synthèse des arts. Les réalisations pionnières à cet égard avaient le groupe Queen (dans la vidéo pour la chanson « Save Me » animation a été utilisé pour la première fois). Les clips musicaux originaux ont été enregistrés par Madonna (« Music », aussi « Hung Up » et « Sorry » – de l’album Confessions on a Dance Floor). Le maître de cette forme était Michael Jackson, dont le clip de la chanson titre de l’album Thriller est considéré comme un chef-d’œuvre.