Bienal de Arte de Venecia 2022, La leche de los sueños, Parte 1, Los artistas
La 59ª Exposición Internacional de Arte de La Biennale di Venezia, titulada «La leche de los sueños», comisariada por Cecilia Alemani, estuvo abierta al público desde el sábado 23 de abril hasta el domingo 27 de noviembre de 2022 en los Giardini y el Arsenale. La Exposición tendrá lugar en el Pabellón Central (Giardini) y en el Arsenale, incluyendo 213 artistas de 58 países; 180 de estos participan por primera vez en la Exposición Internacional. 1433 las obras y objetos expuestos, 80 nuevos proyectos son concebidos específicamente para la Biennale Arte.
La exposición «La leche de los sueños» toma a las criaturas de otro mundo de Leonora Carrington, junto con otras figuras de transformación, como acompañantes en un viaje imaginario a través de las metamorfosis de los cuerpos y las definiciones de lo humano. The Milk of Dreams toma su título de un libro de Leonora Carrington (1917–2011) en el que la artista surrealista describe un mundo mágico en el que la vida se replantea constantemente a través del prisma de la imaginación. Es un mundo donde todos pueden cambiar, transformarse, convertirse en algo o en alguien más; un mundo liberado, rebosante de posibilidades.
Pero también es la alegoría de un siglo que impuso una presión intolerable sobre la definición misma del yo, obligando a Carrington a una vida de exilio: encerrado en hospitales psiquiátricos, un eterno objeto de fascinación y deseo, pero también una figura de poder sorprendente. y misterio, siempre huyendo de las restricciones de una identidad fija y coherente. Esta exposición se basa en muchas conversaciones con artistas mantenidas en los últimos años. Las preguntas que fueron surgiendo de estos diálogos parecen capturar este momento de la historia en el que la supervivencia misma de la especie está amenazada, pero también resumen muchas otras preguntas que impregnan las ciencias, las artes y los mitos de nuestro tiempo.
¿Cómo está cambiando la definición de lo humano? ¿Qué constituye la vida y qué diferencia a las plantas y los animales, los humanos y los no humanos? ¿Cuáles son nuestras responsabilidades hacia el planeta, otras personas y otras formas de vida? ¿Y cómo sería la vida sin nosotros? Estas son algunas de las preguntas orientadoras de esta edición de la Biennale Arte, que se centra en tres áreas temáticas en particular: la representación de los cuerpos y sus metamorfosis; la relación entre individuos y tecnologías; la conexión entre los cuerpos y la Tierra.
Muchos artistas contemporáneos están imaginando una condición posthumana que desafía la visión occidental moderna del ser humano, y especialmente el presunto ideal universal del “Hombre de Razón” masculino y blanco, como centro fijo del universo y medida de todas las cosas. En su lugar, los artistas proponen nuevas alianzas entre especies y mundos habitados por seres porosos, híbridos y múltiples que no se diferencian de las extraordinarias criaturas de Carrington. Bajo la presión cada vez más invasiva de la tecnología, los límites entre cuerpos y objetos se han transformado por completo, provocando profundas mutaciones que reasignan subjetividades, jerarquías y anatomías.
Hoy en día, el mundo parece dramáticamente dividido entre el optimismo tecnológico, que promete que el cuerpo humano puede perfeccionarse infinitamente a través de la ciencia, y el temor a que las máquinas se hagan cargo por completo a través de la automatización y la inteligencia artificial. Esta brecha se amplió durante la pandemia de Covid-19, que nos separó aún más y enjauló gran parte de la interacción humana detrás de las pantallas de los dispositivos electrónicos.
La presión de la tecnología, el aumento de las tensiones sociales, el estallido de la pandemia y la amenaza inminente de un desastre ambiental nos recuerdan todos los días que, como cuerpos mortales, no somos ni invencibles ni autosuficientes, sino parte de una red simbiótica de interdependencias que nos unen unos a otros, a otras especies y al planeta como un todo.
En este clima, muchos artistas vislumbran el fin del antropocentrismo, celebrando una nueva comunión con lo no humano, con el mundo animal y con la Tierra; cultivan un sentido de parentesco entre las especies y entre lo orgánico y lo inorgánico, lo animado y lo inanimado. Otros reaccionan a la disolución de sistemas supuestamente universales, redescubriendo formas localizadas de conocimiento y nuevas políticas de identidad. Otros practican lo que la teórica y activista feminista Silvia Federici llama el “reencantamiento del mundo”, mezclando tradiciones indígenas con mitologías personales de la misma manera que Leonora Carrington.
La exposición
La exposición se desarrolla en el Pabellón Central de los Giardini, y en la Corderie, Artiglierie y los espacios al aire libre de Gaggiandre y Giardino delle Vergini en el complejo Arsenale. La exposición presenta obras contemporáneas y nuevos proyectos concebidos específicamente para la Biennale Arte, presentados en diálogo con obras históricas del siglo XIX en adelante.
The Milk of Dreams incluye más de doscientos artistas de 58 países. Más de 180 de estos artistas nunca han estado en la Exposición Internacional de Arte hasta ahora. Por primera vez en sus 127 años de historia, la Bienal incluirá una mayoría de mujeres y artistas de género no conforme, una elección que refleja una escena artística internacional llena de fermento creativo y un replanteamiento deliberado de la centralidad del hombre en la historia del arte. y la cultura contemporánea.
A medida que los visitantes recorren la exhibición en el Pabellón Central y la Corderie, se encuentran con cinco secciones históricas más pequeñas: constelaciones en miniatura de obras de arte, objetos encontrados y documentos, agrupados para explorar ciertos temas clave. Concebidas como cápsulas del tiempo, estas muestras dentro de la muestra brindan herramientas adicionales de investigación e introspección, tejiendo una red de referencias y ecos que vinculan obras de arte del pasado, incluidos importantes préstamos de museos y selecciones no convencionales, con las piezas de artistas contemporáneos en el espacio circundante. .
Este enfoque transhistórico de amplio alcance rastrea los parentescos y las afinidades entre los métodos y las prácticas artísticas, incluso a través de generaciones, para crear nuevas capas de significado y unir el presente y el pasado. Lo que emerge es una narrativa histórica que no se construye en torno a sistemas de herencia directa o conflicto, sino en torno a formas de simbiosis, solidaridad y hermandad.
Con una coreografía específica de espacios arquitectónicos desarrollada en colaboración con el dúo de diseñadores Formafantasma, estos “gabinetes” también invitan a reflexionar sobre cómo se construye la historia del arte en torno a prácticas museísticas y expositivas que establecen jerarquías de gusto y mecanismos de inclusión y exclusión. Muchas de las historias contadas en estas cápsulas aún no han sido absorbidas por el canon oficial y han sido consideradas menores y oscuras durante demasiado tiempo.
Estas secciones participan así en el complejo proceso de reescritura y relectura de la historia que ha marcado los últimos años, cuando ha quedado más claro que nunca que ningún relato histórico puede considerarse definitivo.
Los artistas, las artistas
El punto de apoyo de The Milk of Dreams es una galería en el nivel inferior del Pabellón Central donde la primera de las cinco cápsulas presenta una colección de obras de arte de mujeres artistas de los movimientos históricos de vanguardia, incluidas, entre otras, Eileen Agar, Leonora Carrington, Claude Cahun, Leonor Fini, Ithell Colquhoun, Loïs Mailou Jones, Carol Rama, Augusta Savage, Dorothea Tanning y Remedios Varo. Las obras de estas y otras mujeres artistas de principios del siglo XX, que se muestran en un conjunto inspirado en las exposiciones surrealistas, evocan un dominio de lo maravilloso donde las anatomías y las identidades pueden moverse y cambiar, siguiendo el deseo de transformación y emancipación.
Muchas de las mismas líneas de pensamiento regresan en el trabajo de artistas contemporáneos expuestos en las otras galerías del Pabellón Central. Los cuerpos mutantes convocados por Aneta Grzeszykowska, Julia Phillips, Ovartaci, Christina Quarles, Shuvinai Ashoona, Sara Enrico, Birgit Jürgenssen y Andra Ursuţa sugieren nuevas fusiones de lo orgánico y lo artificial, ya sea como medio de auto-reinvención o como inquietante anticipo de un futuro cada vez más deshumanizado.
Los vínculos entre el ser humano y la máquina se analizan en muchas de las obras expuestas, como las de Agnes Denes, Lillian Schwartz y Ulla Wiggen, por ejemplo, o las superficies biombo de Dadamaino, Laura Grisi y Grazia Varisco, recogidos en una segunda presentación histórica que explora el Arte Programado y la abstracción cinética en la década de 1960.
Los lazos entre el cuerpo y el lenguaje están en el corazón de otra cápsula inspirada en Materializzazione del linguaggio, una muestra de Poesía Visual y Concreta en la Biennale Arte 1978 que fue una de las primeras exposiciones abiertamente feministas en la historia de la institución. Poemas visuales y concretos de Mirella Bentivoglio, Tomaso Binga, Ilse Garnier, Giovanna Sandri y Mary Ellen Solt se yuxtaponen aquí con experimentos de escritura automática y comunicación mediúmnica de Eusapia Palladino, Georgiana Houghton y Josefa Tolrà, y otras formas de “escritura femenina ” que van desde los tapices de Gisèle Prassinos hasta las micrografías de Unica Zürn.
Signos, símbolos y lenguajes privados también afloran en la obra de artistas contemporáneos como Bronwyn Katz, Sable Elyse Smith, Amy Sillman y Charline von Heyl, mientras que las pinturas tipográficas de Jacqueline Humphries se yuxtaponen con los grafemas de Carla Accardi y con el código máquina. que informa el arte de Charlotte Johannesson, Vera Molnár y Rosemarie Trockel.
En contraste con estos escenarios hipertecnológicos, las pinturas y ensamblajes de Paula Rego y Cecilia Vicuña visualizan nuevas formas de simbiosis entre animales y seres humanos, mientras que Merikokeb Berhanu, Mrinalini Mukherjee, Simone Fattal y Alexandra Pirici elaboran narrativas que entrelazan preocupaciones ambientales con ctónicas antiguas. deidades, produciendo innovadoras mitologías ecofeministas.
La exposición en el Arsenale abre con el trabajo de Belkis Ayón, una artista cuyo trabajo se basa en las tradiciones afrocubanas para describir una sociedad matriarcal imaginaria. El redescubrimiento del potencial creador de mitos del arte también se puede ver en las pinturas a gran escala de Ficre Ghebreyesus y las visiones alucinatorias de Portia Zvavahera, así como en las composiciones alegóricas de Frantz Zéphirin y Thao Nguyen Phan que mezclan historias, sueños y religiones. Basándose en el conocimiento indígena y subvirtiendo los estereotipos colonialistas, el artista argentino Gabriel Chaile presenta una nueva serie de esculturas monumentales, hechas de arcilla sin cocer, que se elevan como los ídolos de una fantasiosa cultura mesoamericana.
Muchos artistas en la exposición imaginan nuevas y complejas relaciones con el planeta y con la naturaleza, sugiriendo formas sin precedentes de coexistir con otras especies y con el medio ambiente. El video de Eglė Budvytytė cuenta la historia de un grupo de jóvenes perdidos en los bosques de Lituania, mientras que los personajes de un nuevo video de Zheng Bo viven en total, incluso sexual, comunión con la naturaleza. Una sensación similar de asombro se puede encontrar en las escenas nevadas bordadas por la artista sámi Britta Marakatt-Labba, y las antiguas tradiciones también se superponen con nuevas formas de activismo ecológico en las obras de Sheroanawe Hakihiiwe y en las composiciones oníricas de Jaider Esbell.
The Corderie comienza con otra cápsula del tiempo, en este caso inspirada en la autora de ciencia ficción Ursula K. Le Guin y su teoría de la ficción, que relaciona el nacimiento de la civilización no con la invención de las armas, sino con las herramientas utilizadas para proporcionar sustento y cuidado: bolsas, sacos y vasijas. En esta sección, los caparazones ovoides de la artista surrealista Bridget Tichenor se yuxtaponen con las esculturas de yeso de Maria Bartuszová, las esculturas colgantes de Ruth Asawa y las criaturas híbridas de Tecla Tofano. Estas obras del pasado conviven con los jarrones antropomórficos de Magdalene Odundo y las formas cóncavas de Pinaree Sanpitak, mientras que la videoartista Saodat Ismailova examina celdas de aislamiento subterráneas que sirven como lugares de refugio y meditación.
La artista colombiana Delcy Morelos, cuyas obras están inspiradas en las cosmologías andinas y las culturas de la Amazonía, presenta una instalación a gran escala que presenta un laberinto construido con tierra. Muchos otros artistas en la muestra combinan enfoques políticos y sociales con una investigación de las tradiciones locales, como en las pinturas a gran escala de Prabhakar Pachpute sobre la devastación ambiental causada por la industria minera en India, o el video de Ali Cherri sobre las represas del Nilo. Igshaan Adams fundamenta sus composiciones textiles abstractas en temas que van desde el apartheid hasta las condiciones de género en Sudáfrica, mientras que Ibrahim El-Salahi transmite su experiencia de la enfermedad y su relación con el mundo farmacéutico a través de una práctica meditativa de minuciosos dibujos cotidianos.
La sección final en Corderie es introducida por la quinta y última cápsula del tiempo, que gira en torno a la figura del cyborg. Esta presentación reúne a artistas que trabajaron a lo largo del siglo XX e imaginaron nuevas fusiones de lo humano y lo artificial, como precursores de un futuro posthumano y postgénero. Esta cápsula incluye obras de arte, artefactos y documentos de artistas de principios del siglo XX, como la dadaísta Elsa von Freytag-Loringhoven, las fotógrafas de la Bauhaus Marianne Brandt y Karla Grosch, y las futuristas Alexandra Exter, Giannina Censi y Regina. Aquí, las delicadas esculturas de Anu Põder retratan cuerpos fragmentados que contrastan con los monolitos de Louise Nevelson, los tótems de Liliane Lijn, las máquinas de Rebecca Horn y los robots de Kiki Kogelnik.
Al final de la Corderie, tras recorrer una vasta y diáfana instalación de Kapwani Kiwanga, la exposición adquiere tonos más fríos y artificiales y la figura humana se vuelve cada vez más evanescente, reemplazada por animales y criaturas híbridas o robóticas. Las esculturas biomórficas de Marguerite Humeau se asemejan a seres criogénicos, yuxtapuestos con los exoesqueletos monumentales de Teresa Solar. Raphaela Vogel describe un mundo en el que los animales han vencido a los humanos, mientras que las esculturas de Jes Fan utilizan materiales orgánicos como la melanina y la leche materna para crear un nuevo tipo de cultivo bacteriano.
Escenarios apocalípticos de células enloquecidas y pesadillas nucleares también aparecen en los dibujos de Tatsuo Ikeda y en las instalaciones de Mire Lee, agitadas por el espasmo de maquinarias que asemejan el sistema digestivo de algún animal. Un nuevo video de la pionera poshumanista Lynn Hershman Leeson celebra el nacimiento de organismos artificiales, mientras que el artista coreano Geumhyung Jeong juega con cuerpos que se han vuelto completamente robóticos y pueden volver a ensamblarse a su antojo.
Otras obras oscilan entre la tecnología obsoleta y las visiones del futuro que parecen espejismos. Las fábricas abandonadas y los decrépitos mecanismos industriales de Zhenya Machneva parecen revivir en las instalaciones de Monira Al Qadiri y Dora Budor, que zumban y giran como máquinas de soltero. Para rematar esta serie de dispositivos fuera de control, una gran instalación de Barbara Kruger concebida específicamente para Corderie combina eslóganes, poesía y objetos-palabra en un crescendo de hipercomunicación. En contraste, las esculturas silenciosas de Robert Grosvenor revelan un mundo que parece desprovisto de toda presencia humana. Y más allá de este universo inmóvil crece el vasto jardín entrópico de Precious Okoyomon, rebosante de nueva vida.
Los grandes proyectos de Giulia Cenci, Virginia Overton, Solange Pessoa, Wu Tsang y Marianne Vitale cierran la exposición en los espacios exteriores del Arsenale, que guían a los espectadores al Giardino delle Vergini a lo largo de un camino que conduce a través de seres animales, esculturas orgánicas , ruinas industriales y paisajes desorientadores.
La Leche de los Sueños fue concebida y organizada en un período de enorme inestabilidad e incertidumbre, ya que su desarrollo coincidió con el estallido y propagación de la pandemia del Covid-19. La Biennale di Venezia se vio obligada a posponer un año esta edición, un hecho que solo había ocurrido durante las dos guerras mundiales desde 1895. Por lo tanto, el hecho de que esta exposición pueda abrirse es un tanto extraordinario: su inauguración no es exactamente el símbolo de una volver a la vida normal, sino el resultado de un esfuerzo colectivo que parece casi milagroso. Por primera vez, excepto quizás en el período de la posguerra, el Director Artístico no pudo ver muchas de las obras de arte de primera mano ni reunirse en persona con la mayoría de los artistas participantes.
Durante estos meses interminables frente a la pantalla, el comisario se ha preguntado qué papel debe jugar la Exposición Internacional de Arte en esta coyuntura histórica, y la respuesta más simple y sincera que ha podido encontrar el comisario es que la Bienal resume todas las cosas. tanto hemos echado de menos en los últimos dos años: la libertad de encontrar personas de todo el mundo, la posibilidad de viajar, la alegría de pasar tiempo juntos, la práctica de la diferencia, la traducción, la incomprensión y la comunión.
The Milk of Dreams no es una exposición sobre la pandemia, pero inevitablemente registra las convulsiones de nuestra era. En momentos como este, como muestra claramente la historia de La Biennale di Venezia, el arte y los artistas pueden ayudarnos a imaginar nuevos modos de convivencia e infinitas nuevas posibilidades de transformación.
Bienal de Venecia
La Bienal de Venecia es una exposición bienal de arte internacional que se lleva a cabo en Venecia, Italia. A menudo descrita como «las Olimpiadas del mundo del arte», la participación en la Bienal es un evento de prestigio para los artistas contemporáneos. El festival se ha convertido en una constelación de espectáculos: una exposición central comisariada por el director artístico de ese año, pabellones nacionales organizados por países individuales y exposiciones independientes por toda Venecia. La organización matriz de la Bienal también organiza festivales regulares en otras artes: arquitectura, danza, cine, música y teatro.
Fuera de la exposición internacional central, las naciones individuales producen sus propios espectáculos, conocidos como pabellones, como su representación nacional. Las naciones que son propietarias de los edificios de sus pabellones, como los 30 ubicados en los Giardini, también son responsables de sus propios costos de mantenimiento y construcción. Las naciones sin edificios dedicados crean pabellones en el Arsenal de Venecia y palacios en toda la ciudad.
Giardini es el sitio tradicional de La Biennale Art Exhibitions desde la primera edición en 1895. Giardini ahora alberga 29 pabellones de países extranjeros, algunos de ellos diseñados por arquitectos famosos como el Pabellón de Austria de Josef Hoffmann, el pabellón holandés de Gerrit Thomas Rietveld o el pabellón finlandés. , un prefabricado de planta trapezoidal diseñado por Alvar Aalto.
El Arsenale fue el centro de producción más grande de Venecia durante la era preindustrial, un símbolo del poder económico, político y militar de la ciudad. Desde 1980, el Arsenale se ha convertido en un sitio de exhibición de La Biennale con motivo de la 1ra Exposición Internacional de Arquitectura. Posteriormente, los mismos espacios fueron utilizados durante las Exposiciones de Arte para la sección Abierta.
Con la expansión gradual de la escala, el alcance de la Bienal de Venecia se ha ampliado para cubrir toda la ciudad. Además de los principales lugares de exposición, también incluye muchos pabellones repartidos por las calles de los pueblos e incluso islas periféricas.