Kunstbiennale Venedig 2022, Die Milch der Träume, Teil 1, Die Künstler

Die 59. Internationale Kunstausstellung der Biennale di Venezia mit dem Titel „The Milk of Dreams“, kuratiert von Cecilia Alemani, war von Samstag, 23. April bis Sonntag, 27. November 2022 für die Öffentlichkeit zugänglich. Die Ausstellung findet im Zentralpavillon (Giardini) statt. und im Arsenale mit 213 Künstlern aus 58 Ländern; 180 davon nehmen erstmals an der Internationalen Ausstellung teil. 1433 der ausgestellten Werke und Objekte werden 80 neue Projekte speziell für die Biennale Arte konzipiert.

Die Ausstellung „The Milk of Dreams“ nimmt Leonora Carringtons jenseitige Wesen und andere Verwandlungsfiguren mit auf eine imaginäre Reise durch die Metamorphosen von Körpern und Definitionen des Menschen. Der Titel „The Milk of Dreams“ stammt von einem Buch von Leonora Carrington (1917–2011), in dem die surrealistische Künstlerin eine magische Welt beschreibt, in der das Leben durch das Prisma der Vorstellungskraft ständig neu wahrgenommen wird. Es ist eine Welt, in der sich jeder verändern, transformieren, etwas oder jemand anderes werden kann; eine befreite Welt voller Möglichkeiten.

Aber es ist auch die Allegorie eines Jahrhunderts, das der Definition des Selbst einen unerträglichen Druck auferlegte und Carrington in ein Leben im Exil zwang: eingesperrt in Nervenheilanstalten, ein ewiges Objekt der Faszination und Begierde, aber auch eine Figur von verblüffender Macht und Mysterium, immer auf der Flucht vor den Beschränkungen einer festen, kohärenten Identität. Diese Ausstellung basiert auf vielen Gesprächen mit Künstlern, die in den letzten Jahren geführt wurden. Die Fragen, die aus diesen Dialogen immer wieder auftauchten, scheinen diesen Moment in der Geschichte einzufangen, in dem das Überleben der Spezies bedroht ist, aber auch viele andere Fragen zusammenzufassen, die die Wissenschaften, Künste und Mythen unserer Zeit durchdringen.

Wie verändert sich die Definition des Menschen? Was macht Leben aus und was unterscheidet Pflanze und Tier, Mensch und Nicht-Mensch? Welche Verantwortung haben wir gegenüber dem Planeten, anderen Menschen und anderen Lebensformen? Und wie würde das Leben ohne uns aussehen? Dies sind einige der Leitfragen für diese Ausgabe der Biennale Arte, die sich insbesondere auf drei Themenbereiche konzentriert: die Darstellung von Körpern und ihre Metamorphosen; die Beziehung zwischen Individuen und Technologien; die Verbindung zwischen Körpern und der Erde.

Viele zeitgenössische Künstler imaginieren einen posthumanen Zustand, der das moderne westliche Menschenbild – und insbesondere das angenommene universelle Ideal des weißen, männlichen „Man of Reason“ – als festen Mittelpunkt des Universums und Maß aller Dinge herausfordert. Stattdessen schlagen Künstler neue Allianzen zwischen Arten und Welten vor, die von porösen, hybriden, vielfältigen Wesen bewohnt werden, die Carringtons außergewöhnlichen Kreaturen nicht unähnlich sind. Unter dem zunehmend invasiven Druck der Technologie wurden die Grenzen zwischen Körpern und Objekten völlig verändert, was zu tiefgreifenden Mutationen führte, die Subjektivitäten, Hierarchien und Anatomien neu abbilden.

Heute scheint die Welt dramatisch gespalten zu sein zwischen technologischem Optimismus – der verspricht, dass der menschliche Körper durch Wissenschaft endlos perfektioniert werden kann – und der Angst vor einer vollständigen Übernahme durch Maschinen durch Automatisierung und künstliche Intelligenz. Diese Kluft hat sich während der Covid-19-Pandemie vergrößert, die uns noch weiter voneinander entfernt hat und einen Großteil der menschlichen Interaktion hinter den Bildschirmen elektronischer Geräte eingesperrt hat.

Der technologische Druck, die Zunahme sozialer Spannungen, der Ausbruch der Pandemie und die drohende Umweltkatastrophe erinnern uns jeden Tag daran, dass wir als sterbliche Körper weder unbesiegbar noch autark sind, sondern Teil eines symbiotischen Netzes von Interdependenzen, die uns aneinander, an andere Arten und an den Planeten als Ganzes binden.

In diesem Klima stellen sich viele Künstler das Ende des Anthropozentrismus vor und feiern eine neue Gemeinschaft mit dem Nicht-Menschlichen, mit der Tierwelt und mit der Erde; Sie kultivieren ein Gefühl der Verwandtschaft zwischen den Arten und zwischen dem Organischen und dem Anorganischen, dem Belebten und dem Unbelebten. Andere reagieren auf die Auflösung vermeintlich universeller Systeme, entdecken lokalisierte Wissensformen und neue Identitätspolitiken neu. Wieder andere praktizieren das, was die feministische Theoretikerin und Aktivistin Silvia Federici die „Wiederverzauberung der Welt“ nennt, indem sie indigene Traditionen mit persönlichen Mythologien vermischen, ähnlich wie Leonora Carrington.

Die Ausstellung
Die Ausstellung findet im Zentralpavillon der Giardini sowie in der Corderie, Artiglierie und den Außenbereichen des Gaggiandre und Giardino delle Vergini im Arsenale-Komplex statt. Die Ausstellung zeigt zeitgenössische Arbeiten und neue Projekte, die eigens für die Biennale Arte konzipiert wurden und im Dialog mit historischen Werken ab dem 19. Jahrhundert präsentiert werden.

The Milk of Dreams umfasst über zweihundert Künstler aus 58 Ländern. Mehr als 180 dieser Künstler waren bisher noch nie in der Internationalen Kunstausstellung. Zum ersten Mal in ihrer 127-jährigen Geschichte wird die Biennale eine Mehrheit von Frauen und geschlechtsnichtkonformen Künstlern umfassen, eine Auswahl, die eine internationale Kunstszene voller kreativer Gärung und ein bewusstes Überdenken der zentralen Stellung des Menschen in der Kunstgeschichte widerspiegelt und zeitgenössische Kultur.

Beim Gang durch die Ausstellung im Zentralpavillon und in der Corderie treffen die Besucher auf fünf kleinere, historische Abschnitte: Miniaturkonstellationen von Kunstwerken, Fundstücken und Dokumenten, die zu bestimmten Schlüsselthemen gruppiert sind. Wie Zeitkapseln konzipiert, bieten diese Ausstellungen innerhalb der Ausstellung zusätzliche Instrumente der Untersuchung und Selbstbeobachtung und weben ein Netz aus Referenzen und Echos, das Kunstwerke der Vergangenheit – einschließlich bedeutender Museumsleihgaben und unkonventioneller Auswahlen – mit den Werken zeitgenössischer Künstler im umgebenden Raum verbindet .

Dieser weitreichende, transhistorische Ansatz spürt Verwandtschaften und Affinitäten zwischen künstlerischen Methoden und Praktiken nach, auch über Generationen hinweg, um neue Bedeutungsebenen zu schaffen und eine Brücke zwischen Gegenwart und Vergangenheit zu schlagen. Was entsteht, ist ein historisches Narrativ, das nicht um Systeme direkter Erbschaft oder Konflikte herum aufgebaut ist, sondern um Formen von Symbiose, Solidarität und Schwesternschaft.

Mit einer spezifischen Choreographie architektonischer Räume, die in Zusammenarbeit mit dem Designduo Formafantasma entwickelt wurde, regen diese „Kabinette“ auch zum Nachdenken darüber an, wie die Kunstgeschichte um Museums- und Ausstellungspraktiken herum konstruiert wird, die Geschmackshierarchien und Mechanismen der Ein- und Ausgrenzung etablieren. Viele der Geschichten, die in diesen Kapseln erzählt werden, sind noch nicht in den offiziellen Kanon aufgenommen worden und wurden zu lange als unbedeutend und obskur angesehen.

Diese Abschnitte beteiligen sich somit an dem komplexen Prozess des Umschreibens und Neulesens der Geschichte, der die letzten Jahre geprägt hat, in denen klarer denn je geworden ist, dass keine historische Erzählung jemals als endgültig angesehen werden kann.

Die Artisten
Der Dreh- und Angelpunkt von The Milk of Dreams ist eine Galerie auf der unteren Ebene des zentralen Pavillons, wo die erste der fünf Kapseln eine Sammlung von Kunstwerken von Künstlerinnen der historischen Avantgarde-Bewegungen zeigt, darunter unter anderem Eileen Agar, Leonora Carrington, Claude Cahun, Leonor Fini, Ithell Colquhoun, Loïs Mailou Jones, Carol Rama, Augusta Savage, Dorothea Tanning und Remedios Varo. Die Arbeiten dieser und anderer Künstlerinnen des frühen 20. Jahrhunderts – gezeigt in einem von surrealistischen Ausstellungen inspirierten Ensemble – beschwören einen Bereich des Wunderbaren herauf, in dem sich Anatomien und Identitäten verschieben und verändern können, dem Wunsch nach Transformation und Emanzipation folgend.

Viele der gleichen Gedankengänge kehren in den Werken zeitgenössischer Künstler wieder, die in den anderen Galerien des Zentralpavillons zu sehen sind. Die von Aneta Grzeszykowska, Julia Phillips, Ovartaci, Christina Quarles, Shuvinai Ashoona, Sara Enrico, Birgit Jürgenssen und Andra Ursuţa einberufenen Mutantenkörper suggerieren neue Verschmelzungen des Organischen und des Künstlichen, sei es als Mittel zur Selbsterneuerung oder als Beunruhigung Vorgeschmack auf eine zunehmend entmenschlichte Zukunft.

Die Verbindungen zwischen Mensch und Maschine werden in vielen der gezeigten Arbeiten analysiert, etwa in denen von Agnes Denes, Lillian Schwartz und Ulla Wiggen oder den schirmartigen Oberflächen von Dadamaino, Laura Grisi und Grazia Varisco, gesammelt in einer zweiten historischen Präsentation, die sich mit programmierter Kunst und kinetischer Abstraktion in den 1960er Jahren befasst.

Die Verbindungen zwischen Körper und Sprache stehen im Mittelpunkt einer weiteren Kapsel, die von Materializzazione del linguaggio inspiriert ist, einem Schaufenster visueller und konkreter Poesie auf der Biennale Arte 1978, das eine der ersten offen feministischen Ausstellungen in der Geschichte der Institution war. Visuelle und konkrete Gedichte von Mirella Bentivoglio, Tomaso Binga, Ilse Garnier, Giovanna Sandri und Mary Ellen Solt werden hier mit Experimenten des automatischen Schreibens und der medialen Kommunikation von Eusapia Palladino, Georgiana Houghton und Josefa Tolrà und anderen Formen des „femininen Schreibens“ konfrontiert “, die von den Gobelins von Gisèle Prassinos bis zu den Mikrofotografien von Unica Zürn reichen.

Zeichen, Symbole und Privatsprachen tauchen auch in den Werken zeitgenössischer Künstler wie Bronwyn Katz, Sable Elyse Smith, Amy Sillman und Charline von Heyl auf, während Jacqueline Humphries typografische Malereien Carla Accardis Graphemen und dem Maschinencode gegenübergestellt werden die die Kunst von Charlotte Johannesson, Vera Molnár und Rosemarie Trockel prägt.

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Im Gegensatz zu diesen hypertechnologischen Szenarien stellen die Gemälde und Assemblagen von Paula Rego und Cecilia Vicuña neue Formen der Symbiose zwischen Tieren und Menschen ins Auge, während Merikokeb Berhanu, Mrinalini Mukherjee, Simone Fattal und Alexandra Pirici Erzählungen entwerfen, die Umweltbelange mit antikem Chthonic verweben Gottheiten, was zu innovativen ökofeministischen Mythologien führt.

Die Ausstellung im Arsenale beginnt mit der Arbeit von Belkis Ayón, einem Künstler, dessen Werk sich auf afrokubanische Traditionen stützt, um eine imaginäre matriarchalische Gesellschaft zu beschreiben. Die Wiederentdeckung des mythenstiftenden Potenzials der Kunst zeigt sich auch in den großformatigen Gemälden von Ficre Ghebreyesus und den halluzinatorischen Visionen von Portia Zvavahera sowie in den allegorischen Kompositionen von Frantz Zéphirin und Thao Nguyen Phan, die Geschichten, Träume und Religionen verschmelzen. Der argentinische Künstler Gabriel Chaile stützt sich auf indigenes Wissen und untergräbt koloniale Stereotypen und präsentiert eine neue Serie monumentaler Skulpturen aus ungebranntem Ton, die wie die Idole einer phantasievollen mesoamerikanischen Kultur in die Höhe ragen.

Viele Künstler in der Ausstellung stellen sich komplexe neue Beziehungen zum Planeten und zur Natur vor und schlagen beispiellose Wege des Zusammenlebens mit anderen Arten und der Umwelt vor. Das Video von Eglė Budvytytė erzählt die Geschichte einer Gruppe junger Menschen, die sich in den Wäldern Litauens verirrt haben, während die Charaktere in einem neuen Video von Zheng Bo in totaler – sogar sexueller – Gemeinschaft mit der Natur leben. Ein ähnliches Staunen findet sich in den verschneiten Szenen, die von der samischen Künstlerin Britta Marakatt-Labba gestickt wurden, und alte Traditionen überschneiden sich auch mit neuen Formen des ökologischen Aktivismus in den Werken von Sheroanawe Hakihiiwe und in den traumhaften Kompositionen von Jaider Esbell.

Die Corderie beginnt mit einer anderen Zeitkapsel, in diesem Fall inspiriert von der Science-Fiction-Autorin Ursula K. Le Guin und ihrer Theorie der Fiktion, die die Geburt der Zivilisation nicht mit der Erfindung von Waffen, sondern mit Werkzeugen zur Versorgung und Ernährung verbindet Pflege: Taschen, Säcke und Gefäße. In dieser Abteilung werden eiförmige Panzer der surrealistischen Künstlerin Bridget Tichenor den Gipsskulpturen von Maria Bartuszová, den Hängeskulpturen von Ruth Asawa und den Mischwesen von Tecla Tofano gegenübergestellt. Diese Arbeiten aus der Vergangenheit leben Seite an Seite mit den anthropomorphen Vasen von Magdalene Odundo und den konkaven Formen von Pinaree Sanpitak, während die Videokünstlerin Saodat Ismailova unterirdische Isolationszellen untersucht, die als Orte der Zuflucht und Meditation dienen.

Die kolumbianische Künstlerin Delcy Morelos, deren Werke von der Kosmologie der Anden und den Kulturen des Amazonas inspiriert sind, präsentiert eine großformatige Installation mit einem aus Erde gebauten Labyrinth. Viele andere Künstler der Schau verbinden politische und soziale Ansätze mit der Auseinandersetzung mit lokalen Traditionen, wie in Prabhakar Pachputes großformatigen Gemälden über die Umweltzerstörung durch den Bergbau in Indien oder Ali Cherris Video über die Staudämme des Nils. Igshaan Adams begründet seine abstrakten Textilkompositionen in Themen, die von der Apartheid bis zu den Geschlechterverhältnissen in Südafrika reichen, während Ibrahim El-Salahi seine Krankheitserfahrung und seine Beziehung zur pharmazeutischen Welt durch eine meditative Praxis akribischer täglicher Zeichnungen vermittelt.

Der letzte Abschnitt in der Corderie wird von der fünften und letzten Zeitkapsel eingeleitet, die sich um die Figur des Cyborgs dreht. Diese Präsentation bringt Künstler zusammen, die im Laufe des 20. Jahrhunderts arbeiteten und sich neue Verschmelzungen des Menschlichen und des Künstlichen als Vorboten einer posthumanen, postgender Zukunft vorstellten. Diese Kapsel enthält Kunstwerke, Artefakte und Dokumente von Künstlern des frühen 20. Jahrhunderts wie der Dadaistin Elsa von Freytag-Loringhoven, den Bauhaus-Fotografinnen Marianne Brandt und Karla Grosch sowie den Futuristinnen Alexandra Exter, Giannina Censi und Regina. Hier zeigen Anu Põders filigrane Skulpturen fragmentierte Körper, die im Kontrast zu Louise Nevelsons Monolithen, Liliane Lijns Totems, Rebecca Horns Maschinen und Kiki Kogelniks Robotern stehen.

Ganz am Ende der Corderie, nachdem sie sich durch eine riesige, durchsichtige Installation von Kapwani Kiwanga bewegt hat, nimmt die Ausstellung kältere, künstlichere Töne an und die menschliche Figur wird zunehmend verschwindend, ersetzt durch Tiere und Hybrid- oder Roboterwesen. Marguerite Humeaus biomorphe Skulpturen ähneln kryogenen Wesen, denen Teresa Solars monumentale Exoskelette gegenüberstehen. Raphaela Vogel beschreibt eine Welt, in der Tiere die Menschen besiegt haben, während die Skulpturen von Jes Fan organische Materialien wie Melanin und Muttermilch verwenden, um eine neue Art von Bakterienkultur zu schaffen.

Apokalyptische Szenarien wilder Zellen und nuklearer Alpträume tauchen auch in Zeichnungen von Tatsuo Ikeda und in Mire Lees Installationen auf, aufgewühlt durch das Zucken von Maschinen, die dem Verdauungssystem eines Tieres ähneln. Ein neues Video der posthumanistischen Pionierin Lynn Hershman Leeson feiert die Geburt künstlicher Organismen, während die koreanische Künstlerin Geumhyung Jeong mit Körpern spielt, die völlig roboterhaft geworden sind und sich nach Belieben wieder zusammensetzen lassen.

Andere Arbeiten schweben zwischen veralteter Technik und Fata Morgana-artigen Zukunftsvisionen. Zhenya Machnevas verlassene Fabriken und heruntergekommene industrielle Mechanismen scheinen in den Installationen von Monira Al Qadiri und Dora Budor wieder zum Leben erweckt zu werden, die wie Junggesellenmaschinen surren und rotieren. Als Krönung dieser Reihe von Geräten, die durcheinander geraten sind, kombiniert eine große Installation von Barbara Kruger, die speziell für die Corderie konzipiert wurde, Slogans, Poesie und Wortobjekte in einem Crescendo der Hyperkommunikation. Im Gegensatz dazu offenbaren die stillen Skulpturen von Robert Grosvenor eine Welt, die frei von jeglicher menschlicher Präsenz zu sein scheint. Und jenseits dieses bewegungslosen Universums wächst der riesige entropische Garten von Precious Okoyomon, der von neuem Leben wimmelt.

Den Abschluss der Ausstellung in den Außenräumen des Arsenale bilden Großprojekte von Giulia Cenci, Virginia Overton, Solange Pessoa, Wu Tsang und Marianne Vitale, die den Betrachter auf einem Weg durch tierische Wesen, organische Skulpturen, in den Giardino delle Vergini führen , Industrieruinen und verwirrende Landschaften.

The Milk of Dreams wurde in einer Zeit enormer Instabilität und Unsicherheit konzipiert und organisiert, da ihre Entwicklung mit dem Ausbruch und der Ausbreitung der Covid-19-Pandemie zusammenfiel. La Biennale di Venezia war gezwungen, diese Ausgabe um ein Jahr zu verschieben, ein Ereignis, das erst während der beiden Weltkriege seit 1895 stattgefunden hatte. Die Tatsache, dass diese Ausstellung eröffnet werden kann, ist also etwas Außergewöhnliches: Ihre Einweihung ist nicht gerade das Symbol einer Rückkehr zum normalen Leben, sondern das Ergebnis einer kollektiven Anstrengung, die fast wie ein Wunder erscheint. Zum ersten Mal, außer vielleicht in der Nachkriegszeit, war es dem künstlerischen Leiter nicht möglich, viele der Kunstwerke aus erster Hand zu sehen oder die meisten der beteiligten Künstler persönlich zu treffen.

Während dieser endlosen Monate vor dem Bildschirm hat der Kurator über die Frage nachgedacht, welche Rolle die Internationale Kunstausstellung an diesem historischen Wendepunkt spielen sollte, und die einfachste und aufrichtigste Antwort, die der Kurator finden konnte, ist, dass die Biennale alle Dinge zusammenfasst die wir in den letzten zwei Jahren so sehr vermisst haben: die Freiheit, Menschen aus aller Welt zu begegnen, die Möglichkeit zu reisen, die Freude an gemeinsamer Zeit, die Praxis von Differenz, Übersetzung, Unverständnis und Gemeinschaft.

The Milk of Dreams ist keine Ausstellung über die Pandemie, aber sie registriert unweigerlich die Umbrüche unserer Zeit. In Zeiten wie diesen, wie die Geschichte der Biennale di Venezia deutlich zeigt, können Kunst und Künstler uns helfen, uns neue Formen des Zusammenlebens und unendliche neue Möglichkeiten der Transformation vorzustellen.

Biennale Venedig
Die Biennale von Venedig ist eine internationale Kunstbiennale, die in Venedig, Italien, stattfindet. Die Teilnahme an der Biennale wird oft als „Olympiade der Kunstwelt“ bezeichnet und ist ein prestigeträchtiges Ereignis für zeitgenössische Künstler. Das Festival ist zu einer Konstellation von Shows geworden: eine zentrale Ausstellung, die vom diesjährigen künstlerischen Leiter kuratiert wird, nationale Pavillons, die von einzelnen Nationen veranstaltet werden, und unabhängige Ausstellungen in ganz Venedig. Der Dachverband der Biennale veranstaltet auch regelmäßig Festivals in anderen Künsten: Architektur, Tanz, Film, Musik und Theater.

Außerhalb der zentralen, internationalen Ausstellung produzieren einzelne Nationen eigene Shows, sogenannte Pavillons, als ihre nationale Repräsentation. Nationen, die Eigentümer ihrer Pavillongebäude sind, wie die 30 auf den Giardini, sind auch für ihre eigenen Unterhalts- und Baukosten verantwortlich. Nationen ohne eigene Gebäude errichten Pavillons im Arsenal von Venedig und Paläste in der ganzen Stadt.

Giardini ist seit der ersten Ausgabe im Jahr 1895 der traditionelle Ort der La Biennale Art Exhibitions. Die Giardini beherbergen heute 29 Pavillons aus dem Ausland, von denen einige von berühmten Architekten entworfen wurden, wie der Österreich-Pavillon von Josef Hoffmann, der niederländische Pavillon von Gerrit Thomas Rietveld oder der finnische Pavillon , ein vorgefertigtes mit trapezförmigem Grundriss, entworfen von Alvar Aalto.

Das Arsenale war das größte Produktionszentrum in Venedig während der vorindustriellen Ära, ein Symbol der wirtschaftlichen, politischen und militärischen Macht der Stadt. Seit 1980 ist das Arsenale anlässlich der 1. Internationalen Architekturausstellung Ausstellungsort der La Biennale. Später wurden die gleichen Räume während der Kunstausstellungen für den offenen Bereich genutzt.

Mit der schrittweisen Erweiterung des Maßstabs hat sich der Geltungsbereich der Biennale von Venedig auf die gesamte Stadt ausgeweitet. Neben den Hauptausstellungsorten umfasst es auch viele Pavillons, die über die Straßen von Städten und sogar abgelegenen Inseln verstreut sind.

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Tags: Italy