Biennale d’art de Venise 2022, Le lait des rêves, Partie 1, Les artistes
La 59e exposition internationale d’art de La Biennale di Venezia, intitulée « Le lait des rêves », organisée par Cecilia Alemani, était ouverte au public du samedi 23 avril au dimanche 27 novembre 2022. L’exposition a lieu dans le pavillon central (Giardini) et à l’Arsenale, dont 213 artistes de 58 pays ; 180 d’entre eux participent pour la première fois à l’Exposition Internationale. 1433 œuvres et objets exposés, 80 nouveaux projets sont conçus spécifiquement pour la Biennale Arte.
L’exposition « The Milk of Dreams » emmène les créatures d’un autre monde de Leonora Carrington, ainsi que d’autres figures de la transformation, comme compagnons d’un voyage imaginaire à travers les métamorphoses des corps et les définitions de l’humain. The Milk of Dreams tire son titre d’un livre de Leonora Carrington (1917-2011) dans lequel l’artiste surréaliste décrit un monde magique où la vie est constamment repensée à travers le prisme de l’imaginaire. C’est un monde où chacun peut changer, se transformer, devenir quelque chose ou quelqu’un d’autre ; un monde libéré, débordant de possibilités.
Mais c’est aussi l’allégorie d’un siècle qui a imposé une pression intolérable sur la définition même de soi, contraignant Carrington à une vie d’exil : enfermé dans des hôpitaux psychiatriques, éternel objet de fascination et de désir, mais aussi figure d’une puissance surprenante. et de mystère, fuyant toujours les carcans d’une identité figée et cohérente. Cette exposition est fondée sur de nombreuses conversations avec des artistes tenues au cours des dernières années. Les questions qui ne cessent d’émerger de ces dialogues semblent saisir ce moment de l’histoire où la survie même de l’espèce est menacée, mais aussi résumer bien d’autres interrogations qui imprègnent les sciences, les arts et les mythes de notre temps.
Comment évolue la définition de l’humain ? Qu’est-ce qui constitue la vie et qu’est-ce qui différencie le végétal et l’animal, l’humain et le non-humain ? Quelles sont nos responsabilités envers la planète, les autres personnes et les autres formes de vie ? Et à quoi ressemblerait la vie sans nous ? Telles sont quelques-unes des questions directrices de cette édition de la Biennale Arte, qui s’articule notamment autour de trois axes thématiques : la représentation des corps et de leurs métamorphoses ; la relation entre les individus et les technologies ; le lien entre les corps et la Terre.
De nombreux artistes contemporains imaginent une condition posthumaine qui remet en question la vision occidentale moderne de l’être humain – et en particulier l’idéal universel présumé de l' »homme de raison » blanc et masculin – comme centre fixe de l’univers et mesure de toutes choses. À sa place, les artistes proposent de nouvelles alliances entre les espèces et des mondes habités par des êtres poreux, hybrides et multiples qui ne sont pas sans rappeler les créatures extraordinaires de Carrington. Sous la pression de plus en plus envahissante de la technologie, les frontières entre les corps et les objets se sont profondément transformées, entraînant de profondes mutations qui redéfinissent les subjectivités, les hiérarchies et les anatomies.
Aujourd’hui, le monde semble dramatiquement partagé entre l’optimisme technologique – qui promet que le corps humain peut être perfectionné à l’infini grâce à la science – et la crainte d’une prise de contrôle complète par les machines via l’automatisation et l’intelligence artificielle. Cette fracture s’est creusée pendant la pandémie de Covid-19, qui nous a encore plus séparés et a mis en cage une grande partie de l’interaction humaine derrière les écrans des appareils électroniques.
La pression de la technologie, l’aggravation des tensions sociales, le déclenchement de la pandémie et la menace imminente d’une catastrophe environnementale nous rappellent chaque jour qu’en tant que corps mortels, nous ne sommes ni invincibles ni autosuffisants, mais plutôt partie d’un réseau symbiotique de interdépendances qui nous lient les uns aux autres, aux autres espèces et à la planète dans son ensemble.
Dans ce climat, de nombreux artistes envisagent la fin de l’anthropocentrisme, célébrant une nouvelle communion avec le non-humain, avec le monde animal et avec la Terre ; ils cultivent un sentiment de parenté entre les espèces et entre l’organique et l’inorganique, l’animé et l’inanimé. D’autres réagissent à la dissolution de systèmes supposés universels, redécouvrant des formes localisées de savoir et de nouvelles politiques identitaires. D’autres encore pratiquent ce que la théoricienne et militante féministe Silvia Federici appelle le « réenchantement du monde », mêlant traditions indigènes et mythologies personnelles à la manière de Leonora Carrington.
L’exposition
L’exposition se déroule dans le pavillon central des Giardini, ainsi que dans la Corderie, l’Artiglierie et les espaces extérieurs du Gaggiandre et du Giardino delle Vergini du complexe de l’Arsenale. L’exposition présente des œuvres contemporaines et de nouveaux projets conçus spécifiquement pour la Biennale Arte, présentés en dialogue avec des œuvres historiques du XIXe siècle.
The Milk of Dreams comprend plus de deux cents artistes de 58 pays. Plus de 180 de ces artistes n’ont jamais participé à l’Exposition internationale d’art jusqu’à présent. Pour la première fois en 127 ans d’histoire, la Biennale accueillera une majorité de femmes et d’artistes non-conformistes, un choix qui reflète une scène artistique internationale pleine d’effervescence créative et une remise en question délibérée de la centralité de l’homme dans l’histoire de l’art. et la culture contemporaine.
Au fur et à mesure que les visiteurs parcourent l’exposition du pavillon central et de la Corderie, ils rencontrent cinq sections historiques plus petites : des constellations miniatures d’œuvres d’art, d’objets trouvés et de documents, regroupés pour explorer certains thèmes clés. Conçues comme des capsules temporelles, ces expositions dans l’exposition fournissent des outils supplémentaires d’investigation et d’introspection, tissant un réseau de références et d’échos qui relient les œuvres du passé – y compris les prêts de grands musées et les sélections non conventionnelles – aux œuvres d’artistes contemporains dans l’espace environnant. .
Cette approche large et transhistorique retrace les parentés et les affinités entre les méthodes et pratiques artistiques, même à travers les générations, pour créer de nouvelles couches de sens et relier le présent au passé. Ce qui émerge est un récit historique qui n’est pas construit autour de systèmes d’héritage direct ou de conflits, mais autour de formes de symbiose, de solidarité et de fraternité.
Avec une chorégraphie spécifique d’espaces architecturaux élaborée en collaboration avec le duo de designers Formafantasma, ces « cabinets » invitent également à réfléchir sur la manière dont l’histoire de l’art se construit autour de pratiques muséales et d’exposition qui établissent des hiérarchies de goût et des mécanismes d’inclusion et d’exclusion. Beaucoup d’histoires racontées dans ces capsules n’ont pas encore été intégrées dans le canon officiel et ont été trop longtemps considérées comme mineures et obscures.
Ces sections participent ainsi au processus complexe de réécriture et de relecture de l’histoire qui a marqué ces dernières années, lorsqu’il est devenu plus clair que jamais qu’aucun récit historique ne peut jamais être considéré comme définitif.
Les artistes
Le point d’appui de The Milk of Dreams est une galerie au niveau inférieur du pavillon central où la première des cinq capsules présente une collection d’œuvres d’artistes femmes des mouvements d’avant-garde historiques, dont, entre autres, Eileen Agar, Leonora Carrington, Claude Cahun, Leonor Fini, Ithell Colquhoun, Loïs Mailou Jones, Carol Rama, Augusta Savage, Dorothea Tanning et Remedios Varo. Les œuvres de celles-ci et d’autres femmes artistes du début du XXe siècle – présentées dans un ensemble inspiré des expositions surréalistes – convoquent un domaine du merveilleux où les anatomies et les identités peuvent se déplacer et changer, au gré des désirs de transformation et d’émancipation.
Beaucoup des mêmes lignes de pensée reviennent dans le travail d’artistes contemporains exposés dans les autres galeries du pavillon central. Les corps mutants convoqués par Aneta Grzeszykowska, Julia Phillips, Ovartaci, Christina Quarles, Shuvinai Ashoona, Sara Enrico, Birgit Jürgenssen et Andra Ursuţa suggèrent de nouvelles fusions entre l’organique et l’artificiel, que ce soit comme moyen de se réinventer ou comme inquiétant avant-goût d’un avenir de plus en plus déshumanisé.
Les liens entre l’être humain et la machine sont analysés dans de nombreuses œuvres présentées, comme celles d’Agnes Denes, Lillian Schwartz et Ulla Wiggen, par exemple, ou les surfaces en forme d’écran de Dadamaino, Laura Grisi et Grazia Varisco, rassemblés dans une deuxième présentation historique qui explore l’art programmé et l’abstraction cinétique dans les années 1960.
Les liens entre corps et langage sont au cœur d’une autre capsule inspirée de Materializzazione del linguaggio, une vitrine de poésie visuelle et concrète à la Biennale Arte 1978 qui fut l’une des premières expositions ouvertement féministes de l’histoire de l’institution. Des poèmes visuels et concrets de Mirella Bentivoglio, Tomaso Binga, Ilse Garnier, Giovanna Sandri et Mary Ellen Solt sont ici juxtaposés aux expériences d’écriture automatique et de communication médiumnique d’Eusapia Palladino, Georgiana Houghton et Josefa Tolrà, et d’autres formes d' »écriture féminine ». » qui vont des tapisseries de Gisèle Prassinos aux micrographies d’Unica Zürn.
Signes, symboles et langages privés surgissent également dans le travail d’artistes contemporains tels que Bronwyn Katz, Sable Elyse Smith, Amy Sillman et Charline von Heyl, tandis que les peintures typographiques de Jacqueline Humphries sont juxtaposées aux graphèmes de Carla Accardi et au code machine. qui informe l’art de Charlotte Johannesson, Vera Molnár et Rosemarie Trockel.
En contraste avec ces scénarios hypertechnologiques, les peintures et les assemblages de Paula Rego et Cecilia Vicuña envisagent de nouvelles formes de symbiose entre les animaux et les êtres humains, tandis que Merikokeb Berhanu, Mrinalini Mukherjee, Simone Fattal et Alexandra Pirici élaborent des récits qui entremêlent les préoccupations environnementales avec l’ancien divinités, produisant des mythologies écoféministes innovantes.
L’exposition à l’Arsenale s’ouvre sur le travail de Belkis Ayón, un artiste dont le travail puise dans les traditions afro-cubaines pour décrire une société matriarcale imaginaire. La redécouverte du potentiel mythique de l’art s’observe également dans les peintures grand format de Ficre Ghebreyesus et les visions hallucinatoires de Portia Zvavahera, ainsi que dans les compositions allégoriques de Frantz Zéphirin et Thao Nguyen Phan qui mêlent histoires, rêves et religions. S’appuyant sur les savoirs indigènes et renversant les stéréotypes colonialistes, l’artiste argentin Gabriel Chaile présente une nouvelle série de sculptures monumentales, réalisées à partir d’argile crue, qui se dressent comme les idoles d’une culture mésoaméricaine fantasque.
De nombreux artistes de l’exposition imaginent de nouvelles relations complexes avec la planète et avec la nature, suggérant des manières inédites de coexister avec d’autres espèces et avec l’environnement. La vidéo d’Eglė Budvytytė raconte l’histoire d’un groupe de jeunes perdus dans les forêts de Lituanie, tandis que les personnages d’une nouvelle vidéo de Zheng Bo vivent en totale – voire sexuelle – communion avec la nature. Un émerveillement similaire se retrouve dans les scènes enneigées brodées par l’artiste sami Britta Marakatt-Labba, et les traditions anciennes se chevauchent également avec de nouvelles formes d’activisme écologique dans les œuvres de Sheroanawe Hakihiiwe et dans les compositions oniriques de Jaider Esbell.
La Corderie démarre avec une autre capsule temporelle, inspirée dans ce cas par l’auteur de science-fiction Ursula K. Le Guin et sa théorie de la fiction, qui lie la naissance de la civilisation non pas à l’invention d’armes, mais à des outils utilisés pour assurer la subsistance et soins : sachets, sacs et récipients. Dans cette section, les carapaces ovoïdes de l’artiste surréaliste Bridget Tichenor sont juxtaposées aux sculptures en plâtre de Maria Bartuszová, aux sculptures suspendues de Ruth Asawa et aux créatures hybrides de Tecla Tofano. Ces œuvres du passé côtoient les vases anthropomorphes de Magdalene Odundo et les formes concaves de Pinaree Sanpitak, tandis que la vidéaste Saodat Ismailova arpente des cellules d’isolement souterraines qui servent de lieux de refuge et de méditation.
L’artiste colombienne Delcy Morelos, dont les œuvres s’inspirent des cosmologies andines et des cultures amazoniennes, présente une installation à grande échelle mettant en scène un labyrinthe construit en terre. De nombreux autres artistes de l’exposition combinent des approches politiques et sociales avec une enquête sur les traditions locales, comme dans les peintures à grande échelle de Prabhakar Pachpute sur la dévastation environnementale causée par l’industrie minière en Inde, ou la vidéo d’Ali Cherri sur les barrages du Nil. Igshaan Adams fonde ses compositions textiles abstraites sur des thèmes allant de l’apartheid aux conditions de genre en Afrique du Sud, tandis qu’Ibrahim El-Salahi transmet son expérience de la maladie et sa relation avec le monde pharmaceutique à travers une pratique méditative de dessins quotidiens méticuleux.
La dernière section à la Corderie est introduite par la cinquième et dernière capsule temporelle, tournant autour de la figure du cyborg. Cette présentation réunit des artistes travaillant au cours du 20e siècle qui ont imaginé de nouvelles fusions de l’humain et de l’artificiel, annonciatrices d’un futur posthumain et postgenre. Cette capsule comprend des œuvres d’art, des artefacts et des documents d’artistes du début du XXe siècle tels que la dadaïste Elsa von Freytag-Loringhoven, les photographes du Bauhaus Marianne Brandt et Karla Grosch, et les futuristes Alexandra Exter, Giannina Censi et Regina. Ici, les délicates sculptures d’Anu Põder mettent en scène des corps fragmentés qui contrastent avec les monolithes de Louise Nevelson, les totems de Liliane Lijn, les machines de Rebecca Horn et les robots de Kiki Kogelnik.
À la toute fin de la Corderie, après avoir traversé une vaste installation diaphane de Kapwani Kiwanga, l’exposition prend des tonalités plus froides, plus artificielles et la figure humaine devient de plus en plus évanescente, remplacée par des animaux et des créatures hybrides ou robotiques. Les sculptures biomorphes de Marguerite Humeau ressemblent à des êtres cryogéniques, juxtaposés aux exosquelettes monumentaux de Teresa Solar. Raphaela Vogel décrit un monde où les animaux ont pris le pas sur les humains, tandis que les sculptures de Jes Fan utilisent des matériaux organiques comme la mélanine et le lait maternel pour créer un nouveau type de culture bactérienne.
Des scénarios apocalyptiques de cellules en délire et de cauchemars nucléaires apparaissent également dans les dessins de Tatsuo Ikeda et dans les installations de Mire Lee, agitées par le tic-tac de machineries qui ressemblent au système digestif de certains animaux. Une nouvelle vidéo de la pionnière posthumaniste Lynn Hershman Leeson célèbre la naissance d’organismes artificiels, tandis que l’artiste coréen Geumhyung Jeong joue avec des corps devenus complètement robotiques et pouvant être réassemblés à volonté.
D’autres œuvres oscillent entre technologies obsolètes et visions mirageuses du futur. Les usines abandonnées et les mécanismes industriels décrépits de Zhenya Machneva semblent revivre dans les installations de Monira Al Qadiri et Dora Budor, qui vrombissent et tournent comme des machines célibataires. Pour couronner cette série de dispositifs détraqués, une grande installation de Barbara Kruger conçue spécifiquement pour la Corderie mêle slogans, poésie et mots-objets dans un crescendo d’hypercommunication. En revanche, les sculptures silencieuses de Robert Grosvenor révèlent un monde qui semble dépourvu de toute présence humaine. Et au-delà de cet univers immobile pousse le vaste jardin entropique de Precious Okoyomon, grouillant de vie nouvelle.
Pour conclure l’exposition dans les espaces extérieurs de l’Arsenale, de grands projets de Giulia Cenci, Virginia Overton, Solange Pessoa, Wu Tsang et Marianne Vitale, guident le spectateur vers le Giardino delle Vergini le long d’un chemin qui mène à travers des êtres animaux, des sculptures organiques , ruines industrielles et paysages dépaysants.
Le Milk of Dreams a été conçu et organisé dans une période d’énorme instabilité et incertitude, puisque son développement a coïncidé avec l’apparition et la propagation de la pandémie de Covid-19. La Biennale di Venezia a été contrainte de reporter d’un an cette édition, un événement qui ne s’était produit que pendant les deux guerres mondiales depuis 1895. Le fait même que cette exposition puisse s’ouvrir est donc quelque peu extraordinaire : son inauguration n’est pas exactement le symbole d’une retour à la vie normale, mais plutôt le résultat d’un effort collectif qui semble presque miraculeux. Pour la première fois, sauf peut-être dans la période d’après-guerre, le directeur artistique n’a pas pu voir plusieurs des œuvres de première main, ni rencontrer en personne la plupart des artistes participants.
Pendant ces mois interminables devant l’écran, le conservateur s’est demandé quel rôle l’Exposition internationale d’art devrait jouer à ce moment historique, et la réponse la plus simple et la plus sincère que le conservateur a pu trouver est que la Biennale résume tout nous a tant manqué ces deux dernières années : la liberté de rencontrer des gens du monde entier, la possibilité de voyager, la joie de passer du temps ensemble, la pratique de la différence, de la traduction, de l’incompréhension et de la communion.
Le Lait des Rêves n’est pas une exposition sur la pandémie, mais elle enregistre inévitablement les bouleversements de notre époque. Dans des moments comme celui-ci, comme le montre clairement l’histoire de La Biennale di Venezia, l’art et les artistes peuvent nous aider à imaginer de nouveaux modes de coexistence et de nouvelles possibilités infinies de transformation.
Biennale de Venise
La Biennale de Venise est une biennale internationale d’art qui se tient à Venise, en Italie. Souvent décrite comme « l’olympiade du monde de l’art », la participation à la Biennale est un événement prestigieux pour les artistes contemporains. Le festival est devenu une constellation de spectacles : une exposition centrale organisée par le directeur artistique de cette année-là, des pavillons nationaux hébergés par des nations individuelles et des expositions indépendantes dans toute Venise. L’organisation mère de la Biennale accueille également des festivals réguliers dans d’autres arts : architecture, danse, cinéma, musique et théâtre.
En dehors de l’exposition internationale centrale, les nations individuelles produisent leurs propres spectacles, connus sous le nom de pavillons, en tant que représentation nationale. Les nations qui possèdent leurs pavillons, comme les 30 logés sur les Giardini, sont également responsables de leurs propres coûts d’entretien et de construction. Les nations sans bâtiments dédiés créent des pavillons dans l’Arsenal de Venise et des palais dans toute la ville.
Giardini est le site traditionnel des expositions d’art de La Biennale depuis la première édition en 1895. Les Giardini accueillent désormais 29 pavillons de pays étrangers, certains d’entre eux conçus par des architectes célèbres tels que le pavillon autrichien de Josef Hoffmann, le pavillon néerlandais de Gerrit Thomas Rietveld ou le pavillon finlandais. , un préfabriqué avec un plan trapézoïdal conçu par Alvar Aalto.
L’Arsenale était le plus grand centre de production de Venise à l’époque préindustrielle, symbole de la puissance économique, politique et militaire de la ville. Depuis 1980, l’Arsenale est devenu un lieu d’exposition de La Biennale à l’occasion de la 1ère Exposition Internationale d’Architecture. Plus tard, les mêmes espaces ont été utilisés lors des expositions d’art pour la section ouverte.
Avec l’expansion progressive de l’échelle, la portée de la Biennale de Venise s’est élargie pour couvrir toute la ville. Outre les principaux lieux d’exposition, il comprend également de nombreux pavillons disséminés dans les rues des villes et même des îles périphériques.