Música alto-romántico

La música romántica es un período de la historia de la música que data de aprox. 1830 y 1910. Tenía más parecido con el romance en otras artes, como la literatura y la pintura, es decir, el individualismo, el patriotismo, el deseo de libertad, y la duración y la búsqueda de la meta, en lugar de la meta en sí misma. El romance de la música llegó relativamente tarde en relación con el romance de la literatura y el arte, y duró mucho más.

El período comenzó como una transición deslizante del clasicismo, pero también como una clara violación de esto. Cuando los clásicos de Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Early Ludwig van Beethoven se centraron en los ideales clásicos de la iluminación, la claridad, la calma y el equilibrio, el romance fue mucho más emocional, dinámico y con fuertes contrastes musicales. Un anhelo de algo y el viaje allí era más importante que el propósito del viaje. El alto dominio de Richard Wagner, Giuseppe Verdi y Johannes Brahm dominó a los personajes. Al mismo tiempo, el romance nacional se hizo cada vez más dominante en una serie de países y territorios, especialmente en Rusia, la República Checa y Escandinavia. Aquí hubo diferentes ideas de que uno debe ser influenciado por la música folk o escribir su propia música inspirada en el país. Hacia el final del romanticismo, la música se alejó de los ideales románticos, hacia un mayor realismo, movimientos menos emocionales y un estilo más neoclásico o impresionista.

Período de alto-romanticismo
El período altamente romántico es el período más dominante en el tiempo y en el desarrollo de la música. La ópera tuvo un desarrollo significativo, especialmente con las óperas dramáticas y Verdis melodiosas de Wagner. Incluso estas dos óperas hicieron que la ópera alemana e italiana fuera cada vez más dominante, hubo varios compositores de ópera franceses que notaron, especialmente Georges Bizet y Jules Massenet. Durante este período, la ópera dramática y seria regresó con fuerza. La opereta también tuvo un gran desarrollo con Jacques Offenbach y Johann Strauss dy

Valser se hizo cada vez más popular, pero las danzas nacionales y nacionales se convirtieron en obras más orquestales en algunos casos que la música para bailar. Al mismo tiempo, el ballet recibió un impulso con la ayuda de Rusia al final. Las sinfonías tuvieron un revés durante mucho tiempo, pero fueron devueltas a la popularidad de Johannes Brahms, Anton Bruckner, Antonín Dvořák y Pjotr ​​Tsjkovsky especialmente. El período romántico nacional se hizo particularmente pronunciado en Rusia, la República Checa y la región nórdica. Brahms se marcó a sí mismo como un multitalento con varias buenas composiciones en varios géneros.

El período comenzó con un cambio generacional. Mendelssohn murió en 1847, Donizetti en 1848 y Chopin en 1849. Schumann tuvo problemas mentales en 1850 y murió en 1856, mientras que Meyerbeer compuso menos después de 1850. Los nuevos compositores se hicieron cargo, varios sin la estrecha conexión con el clasismo como la generación anterior o el nervio hasta bajo o se rebelaron contra. Con el desarrollo de tantos géneros y tantos países, la música se volvió mucho menos controlada y mucho menos faceta que antes.

Valser y otras danzas
Johann Strauss comenzó su propia orquesta en 1825 y jugó un papel importante en la popularización del vals. También fue él quien se situó detrás de lo que se conoce como el Valle de Viena. Su vals moderno llegó a toda Europa, especialmente en 1838 en Londres. Llegó a Noruega en 1840 e hizo popular a los vieneses allí. Strauss, el anciano, sin embargo, pertenece a casa en el período inicial, a excepción de su Radetzkymarsj. Sin embargo, sus dos hijos Johann Strauss y Josef Strauss también fueron entusiastas compositores electorales. Marshs y Poles también se unieron a los miembros de la familia. En particular, Strauss dys An der scönen blauen Danube desde 1867 un rollo muy popular. Strauss Dy continuó desarrollando el rollo como un ciclo de varios bailes y piezas, algo que su padre y Schubert hicieron antes que él. Strauss Dy también había agregado iniciaciones y finales elaboradas, y transiciones entre las piezas, lo que ayudó a que el vals fuera más aceptado también entre un público más exigente.

José Strauss se convirtió después de que su hermano Johann Strauss se atrevió a componer, el director del coro dominante, junto con su hermano Eduard. Josef Strauss estaba interesado en combinar el vals y la sinfonía, y no tenía miedo de probar música nueva. Entre otras cosas, había incluido piezas de la ópera Tristan e Isolde de Wagner en sus conciertos de rodaje, por lo que muchos de los asistentes estaban familiarizados con varias de las canciones antes de que se estableciera la ópera.

Sin embargo, también había muchos más bailarines locales que habían golpeado. Chopin había compuesto Masurques y polacos inspirados en Polonia, y a finales de la década de 1860 y más allá, Brahms con danzas húngaras, probablemente inspirados en los conciertos que tuvo con el violinista Eduard Reményi. Las danzas húngaras se volvieron financieramente lucrativas para Brahms. En la década de 1870 Antonín Dvořák llegó con su bailarín eslavo. A diferencia de Brahms, quien recibió mucha influencia de la música popular a través de Reményi y refugiados políticos húngaros que conoció en Hamburgo, el bailarín eslavo de Dvořák se volvió más artificial, es decir, los escribió con pocas fuentes externas de inspiración.

Ballet
El ballet en Francia había sufrido durante la Revolución Francesa y la agitación que siguió, lo que ahuyentó a los compositores, debilitó la capacidad de la nobleza o ambos. Sin embargo, el ballet volvió a crecer durante el auge del romance en la década de 1830. En el ballet romántico, como en la ópera, lo sobrenatural era importante. Un ejemplo de esto fue Sylphiden, donde el protagonista se enamora de un hada justo antes de su propia boda. En particular, la bailarina Marie Taglioni y su padre, el coreógrafo Filippo, fueron esenciales para el desarrollo del estilo romántico, en parte porque Marie Taglioni interpretó a la religiosa mucho más convincente de lo habitual en el ballet. Uno de los ballets más famosos de este período fue Giselle, con música de Adolphe Adam. También se caracteriza por seres sobrenaturales, en este caso los espíritus de las vírgenes que murieron antes de poder casarse.

El ballet se enfocó principalmente en bailes y coreógrafos, y mucho menos en bailarines, lo que significaba que había muchos menos bailarines de ballet. Esto ayudó a sabotear la popularidad del ballet en Europa Occidental. En Rusia, donde la danza, y especialmente la danza masculina, era una parte importante de la identidad nacional, sin embargo, el ballet desde el principio estaba destinado a la danza dramática del lado de los hombres. La combinación de la coreografía de Marius Petipa y las composiciones de Pjotr ​​Tsjajkovsky se convirtió en el rescate. La música de Tchaikovsky estaba tan bien adaptada a los bailarines que logró sacar al compositor de la sombra del coreógrafo y los bailarines. Sus composiciones Lake Swan (1876), Torneros (1889) y Cascanueces (1892) fueron cruciales para aumentar la popularidad del ballet también en el oeste. Tchaikovsky tuvo éxito en encontrar las buenas melodías que eran fáciles de humillar, la orquestación colorida que coincidía con la historia y la atmósfera aventurera, y las melodías que luchaban muy bien para el movimiento de las danzas de ballet. Además, creó un ballet sinfónico mucho más.

Opera y Opera
La ópera estaba a punto de evolucionar de Grand Opera a Opera Lyrique, una mezcla de Grand Opera y Opera Comique. Esto encajaba mal con el estilo de Meyer Beer, y aunque tuvo un éxito relativamente alto en 1850, su estilo podría haber sido de todos modos. En cambio, Charles Gounod y Jules Massenet estaban dominados por este estilo de ópera. Sin embargo, la ópera fue dominada en breve por dos compositores que estaban del lado de la ópera francesa, a saber, Wagner y Verdi. Además, aparecieron otros talentosos compositores de ópera, como Leo Delibes y Georges Bizet, que añadieron exotismo y realismo a la ópera.

Richard Wagner
Sin embargo, para Wagner, el año revolucionario de 1848 se caracterizó por un gran compromiso político y fue llevado al exilio debido a sus actividades revolucionarias. Wagner también escribió análisis musicales, incluido el arte del futuro de la novena sinfonía de Beethoven, donde dijo que “la última sinfonía ya está escrita”. En 1850, escribió anónimamente una pieza antisemita, Judas Judgment Judgment in Music, en la que acusó a los judíos en general ya Meyerbeer y Mendelssohn en particular por contener la música romántica. No es característico de Wagner tener comentarios tan notablemente negativos sobre sus competidores. A pesar del hecho de que Verdi (discutido abajo) tenía muchas opiniones sobre Wagner, no se encontraron declaraciones, excepto por las notas en el diario de la esposa de Wagner, y solo muy triviales, de Wagner sobre Verdi, que en la actualidad era más conocido y más en la lista.

El punto principal para Wagner era, sin embargo, que echaba de menos la ópera alemana con temas alemanes, ya que el Pan de la Cazadora de la Web se había convertido en gran parte en provincia y poco interesante. Wagner había tenido éxito con The Flying Dutchman y Tannhäuser, y rápidamente regresó como compositor de ópera cuando Liszt creó Lohengrin, como escribió Wagner en 1847, en Weimar en 1850. Lohengrin fue un éxito y predijo la futura fascinación de Wagner por las leyendas medievales y el pueblo alemán aventuras, a menudo moralizantes y simbólicas. En la apertura se refiere a cuando uno de los héroes derrotó a los daneses, y la historia también trata de librar una guerra contra los húngaros que habían roto el alto el fuego, dirigida por el húngaro Liszt.

Wagner comenzó en 1848 cuál sería su trabajo principal, el Nibelungenring, un ciclo de ópera de cuatro partes. La primera parte, Rhingullet, no estaba lista hasta 1854, y la siguiente parte, Valkyria, dos años después. Ambos usan Search Motiv, es decir, una parte melódica que se repite de vez en cuando para enfatizar el estado de ánimo o la persona que es el sujeto de la ópera. La melodía puede aparecer en la orquesta, en una canción o en el coro para ilustrar el punto lo mejor posible. El uso de Wagner del motivo de búsqueda recuerda la idea fija de Berlioz. La diferencia es que Wagner podría usar varios de ellos en la misma ópera que hizo con Tristan e Isolde, y también los usa con tanta frecuencia que los motivos hacen que el programa que explica la acción sea redundante. La melodía guía las acciones aún más, y puede crear emociones simultáneas, conflictivas y reforzadoras en la ópera. El operastile de Wagner también fue influenciado por Mozart, Beethoven, Cherubini, Weber y, de hecho, Meyerbeer, que así brilló. A pesar del hecho de que Wagner era escéptico de los compositores anteriores, Beethoven y Gluck excepto, él tenía un contacto cercano con el pasado.

Musicalmente, las óperas de Wagner a menudo son cambios de acordes cromáticos complejos, como en Tristan e Isolda. La mezcla de al menos trescientos años entre la música diatónica (sin signo) y la cromática (con firma) y entre pasajes estables e inestables fueron los componentes básicos de gran parte de la música de Wagner. Esto a menudo creaba la sensación de duración y las necesidades insatisfechas. Solo la longitud y el camino hacia la meta ya eran ideales románticos de Weber de los que Wagner utilizó mucho. Además, Wagner también logró llegar a un acuerdo final con Bell Canto usando la orquesta de forma tan consciente que la orquesta y el cantante podían dar impresiones contradictorias. La idea de Wagner era la ópera completa donde el canto, la orquesta, la escenografía y las obras colisionaron para dar una poderosa expresión dramática.

Giuseppe Verdi
Allí Wagner compuso 10 óperas del avance con Rienzi, escribió Verdi 26 después de su gran avance con Nabucco, y donde Wagner era más famoso por el motivo principal y el uso de la orquesta, Giuseppe Verdi era famoso por su habilidad para escribir buenas melodías y captura personajes de personajes, emociones y situaciones en ellos. El valor también era realista, sus acciones deberían relacionarse más a menudo con este mundo, no un mundo mítico con dioses y monstruos. A Verdi también le preocupaba, a diferencia de Wagner, que la orquestación no dominara a los cantantes, sino que añadiera color y atmósfera. Allí Wagner escribió sus propios libretos, a menudo con la mezcla de muchas fuentes diferentes, Verdi estaba ansioso por elegir obras conocidas de William Shakespeare, Friedrich von Schiller, Lord Byron, Victor Hugo, Voltaire y Alexandre Dumas, el más joven.

El gran avance de Verdis se produjo cuando se retiró de la política y la ciudad de Busseto. Allí tuvo tiempo de escribir la trilogía Rigoletto, basada en una pieza de Victor Hugo, Il Trovatore, basada en una pieza del dramaturgo español Antonio García Gutiérrez, y La Traviata, basada en una pieza de Alexandre Dumas dy. Todo el mundo logra combinar la tradicional ópera de campanas con el uso de la melodía para enfatizar la personalidad de los personajes principales y los estados de ánimo principales. Esto significaba que el estilo de la música y la canción se convirtió en un sello distintivo de los roles. Al mismo tiempo, también usó motivos para recordarle a la audiencia sobre eventos pasados. Esto introdujo a Verdi al mismo tiempo que Wagner’s Search Motiv, pero contrariamente a los principios de Wagner, los motivos para Verdi no estaban destinados a impulsar la acción o crear conflicto o los diferentes motivos acumulados, sino más bien para vincular la acción más cerca. Los motivos de Verdis tampoco eran nada nuevo, por ejemplo, Donizetti ya había sido usado en 1835. Las óperas de Verdi tampoco están muy lejos de las óperas Bell Canto de Rossini y Donizetti, y también tomó prestado de los estándares de la ópera de Rossini.

Después de que Verdi se hizo rico en sus óperas, tomó más diligencia con las últimas óperas, tomando prestadas técnicas de la gran ópera, presentando papeles cómicos y temas exóticos e imágenes de sonido (Aida). Las dos últimas óperas que Verdi escribió fueron las dos óperas de Shakespeare, Otello y Falstaff, una edición más elaborada de Macbeth, ambas excelentes ejemplos en óperas trágicas (Otello) y cómicas (Falstaff). Esta última fue la única comedia de Verdi, y también tienen algunas características de Wagner, entre otras cosas porque tiene una caracterización dramática de personas y situaciones en lugar de llamar a la ópera Canto con los Aries en la presidencia.

Otros compositores de ópera y opereta
Hubo más compositores de ópera francesa con mucho talento. Georges Bizet escribió piezas exóticas de Ceilán (Sri Lanka de hoy) (Pez Perla) y Sevilla (Carmen). Camille Saint-Saëns hizo de Samson una Dalila (ópera bíblica) y Léo Delibes hizo Lakmé, con la acción añadida a la India. De estos, Carmen distinguió tanto en términos de éxito inmediato y retrospectivo y dado el realismo de la acción. La vida sensual y liberal de Carm se asocia con que es un chico gitano y, por lo tanto, en todos los sentidos fuera de la sociedad. También hubo óperas en Rusia y la República Checa, para esto, ver Nacionalismo.

Después de que Napoleón III llegó al poder, la ópera seria se vigiló de cerca, mientras que la ópera cómica, opera bouffe, se volvió más libre. Esto fue utilizado especialmente por la opereta, es decir, la ópera con mucho más habla que la ópera tradicional comique. El compositor más importante en la ópera cómica y satírica fue Jacques Offenbach. El avance de Offenbach vino con Orfeo en el inframundo, donde Orfeo (tenor) estaba realmente enamorado de otro, pero se casó con Evrydike (soprano) con un error y se casó con ella porque le tenía miedo a la “opinión pública” (mezzo soprano). Arregla su muerte porque Plutón está enamorado de ella y vive feliz, algo que Evrydike también hace en el corredor de la muerte con Plutón como esposo, hasta que la opinión pública le exige que la salve. Offenbach también tenía oído para la buena melodía, incluso cuando el decadente murió bailando al galope (una especie de danza), donde la melodía está más tarde ligada inextricablemente al can-can. Al mismo tiempo, sus óperas, que se burlan de la ópera, han recogido mucho de números de canciones virtuosas de principios del siglo XVIII, números contemporáneos contemporáneos, boleros, fangangos, cuadriláteros y rodillos, además de can-can y galope.

La popularidad de Offenbach aumentó drásticamente después de esta obra, y con la hermosa Helena y La vie parisienne también inspiró a otros compositores de opereta y compositores de óperas cómicas en muchos países. Uno de ellos fue Johann Strauss, que intentó y tuvo gran éxito con los Bats en 1874, y más tarde Arthur Sullivan y WS Gilbert en HMS Pinafore y una serie de óperas cómicas a partir de entonces. Esto significó que los compositores ingleses (y nacidos en inglés) tuvieron un papel decisivo en el canto de la música por primera vez desde Henry Purcell a fines del siglo XVII.

Sinfonías
Las sinfonías habían comenzado a ser una anormalidad alrededor de la década de 1850, en gran medida reservadas para estudiantes de música. Por ejemplo, las principales salas de conciertos de París se utilizaron para tocar las sinfonías clásicas de Haydn, Mozart y Beethoven, y el romance inicial de Mendelssohn y Schumann. Pasdeloup, que organizó los conciertos, finalmente fue persuadido para tocar en las sinfonías de Gounonds y Saint Saëns, pero regresó tanto como Bach fue redescubierto y Händel siempre fue popular. Al mismo tiempo, apareció una nueva forma de música en los poemas sinfónicos de Frans Lizst desde 1848 hasta 1857. Estos fueron solos trabajos para orquestas caracterizadas por la filosofía, la literatura o la pintura. Esta era música de programa en línea con Berlioz, pero más descriptiva que narrativa. Lizst tuvo éxito en una armonía innovadora y con efectos orquestales que caracterizaron el resto del siglo XIX. La sinfonía de las obras está representada, entre otros, en los contornos de la forma sonate.

La sinfonía como género volvió fuertemente cuando Johannes Brahms se separó de la situación obstinada entre la música moderna y un sabor que pasaba por las viejas sinfonías. Eligió combinar los dos escribiendo sinfonías hacia atrás, que al mismo tiempo eran modernas. Brahms se inspiró en Schumann, y por lo tanto perteneció a la rama clásica en oposición a Liszt y Berlioz. Sin embargo, Brahms mientras escribía la música probablemente también fue influenciado por Tristan e Isolde de Wagner, a pesar de que le quedaba poco para la música de Wagner. Esto significa que su sinfonía no fue ni completa ni completamente programática, sino más cercana al estilo absoluto. Esto también se enfatiza por el hecho de que Brahms también fue influenciado en gran parte por la quinta sinfonía de Beethoven. También se inspiró en la novena sinfonía de Beethoven en la final. Era principalmente diatónico y melodioso, pero tenía líneas cromáticas en las voces. La sinfonía se escribió en la década de 1860, pero no se publicó hasta 1876.

Lo que presentaba todas las sinfonías de Brahms era que eran música estrictamente absoluta sin ningún tipo de música de programa. Al igual que Beethoven, Brahms eligió ser romántico en el tono del habla, pero mostrando respeto por la forma sonata de la primera parte, largo en la segunda parte y luego un scherzo en la tercera parte. Sin embargo, Brahms también estaba preocupado e influenciado por la música contemporánea, uniendo de alguna manera estos.

Cuando Brahms compuso sus sinfonías a principios de la década de 1860, no estaba solo en esto, Anton Bruckner también escribió nueve sinfonías, la primera en 1865. Sin embargo, a menudo las reescribía, y no acababa de latir antes al mismo tiempo que Brahms. Bruckner era, a diferencia de Brahms, mucho más amigable con Wagner, y componía mucho más en la dirección de música de programación que Brahms. Sin embargo, Bruckner también estaba preocupado con Beethoven, y especialmente con la novena sinfonía.

Tshechkovsky también escribió sinfonías, y la primera llegó en 1867. A diferencia de los “poderosos cinco” que deseaban redescubrir la música nacional rusa (discutida más adelante), Tsjkovsky tenía una orientación occidental. Fue solo en el momento de su cuarta sinfonía que Tsjovkovsky tocó en el frente de la sinfonía. Luego ya había tenido éxito con piezas de ballet y conciertos de piano. La sinfonía Tshechkovsky número 4 de 1878 se convirtió en un gran avance, en parte porque tenía formalidades en su lugar, y en parte porque tuvo éxito en el uso de instrumentos armónicos fuertes. Sin embargo, su sinfonía innumerable de Manfred es la más famosa.

Las sinfonías también fueron escritas en Francia. En 1871 César Franck, Camille Saint-Saëns y varios otros compositores decidieron promover la música francesa. Bajo el lema “Ars Gallia”, Franck, que antes había sido en gran medida un organizador impresionante, comenzó a componer. Al principio era poesía sinfónica, pero hacia el final de la alta conversión comenzó a escribir sinfonías. Sus sinfonías renunciaron en parte debido a su tristeza, pero también porque tomó el tema de una tasa a otra en lugar de tratar las cuatro oraciones por separado. Además, Franck, que fue comparado con Johann Sebastian Bach, también fue bueno en el uso del contrapunto en sus obras.

Romanticismo nacional
En diferentes lugares de Europa, apareció una fuerte ola de movimientos nacionales románticos en la música. Las razones podrían ser más, por ejemplo, uno podría desear toneset periódicos populares que se recogieron en un número cada vez mayor de países, encontrar el estilo musical idiosincrásico del país o gritar al país en canciones y música. En el alto dominio, fue especialmente en Rusia, la República Checa y Escandinavia donde apareció el romance nacional, mientras que durante un tiempo había estado presente en la música alemana, si no como directo. En Francia, sin embargo, un grupo de compositores se oponía a compositores como Franck y Delibes, que se habían inspirado en alemanes como Beethoven y Wagner. Estos preferirían escribir una música francesa en sus propias instalaciones. Uno de los compositores fue Camille Saint-Saëns, conocido por sus piezas serias como su sinfonía de órgano en c-mole, y el carnaval de los animales cómicos, donde la tortuga entra en una versión muy asombrosa del infernal galope de Offenbach.

Rusia
Rusia había producido pocos compositores antes de que Mikhail Glinka llegara a la década de 1830. Su primera ópera, una vida para el zar, tenía claras características rusas además de gritar al zar y al gobierno. La música se usó a veces a escala modal, reemplazada en gran parte por escalas mayores y menores en Occidente, pero todavía en uso en Rusia. Sin embargo, su otra ópera, Russlan y Lyudmila (1842) solía usar escalas de helton, cromáticas, disonancias y variaciones de canciones populares que tenían un enfoque nacional real, donde la vida del zar era más amigable.

Las óperas de Glinkas tocaron el oeste solo porque era tan típico de Rusia, pero los compositores rusos que lo siguieron se clasificaron en dos categorías principales: los que buscaban un estilo de música más moderno y occidental (Tsjajkovsky) y los que querían estudiar música rusa por su cuenta. parte (a menudo llamado “The Five” o “The Powerful Handful”). La música de Tchaikovsky era tan occidental que pertenecía a los subgrupos individuales, la búsqueda de los cinco compositores para el ruso fue tan significativa que sus obras se discuten aquí, sobre todo en el caso de óperas y sinfonías.

Ya se han mencionado ballets y sinfonías de Tsjaijkovsky, pero también escribió óperas, como Eugen Onegin y Spar Dame. De estos, el primero se hizo claramente conocido, y luego ganó un estatus que recuerda a una ópera nacional rusa. Una de las obras más famosas de Chechenia es la Obertura 1812, que es una obra independiente y no, como un adúltero tradicional, vinculada a una ópera. Este avestruz, que celebra la victoria de los rusos sobre Napoleón Bonaparte, está lleno de referencias de cosacos rusos, melodías populares y zarimans contra el Marsellais. Esto último a pesar del hecho de que el zarim fue escrito mucho después de 1812 y que Napoleón Bonaparte prohibió el Marsellais en 1805.

Los Cinco estaban compuestos por Milij Balakirev, Alexander Borodin, Cesar Cui, Modest Musorgsky y Nikolaj Rimskij-Korsakov. Los cinco se oponían a las influencias alemana e italiana en la música rusa, pero también estaban ocupados por la música de Berlioz y Liszt. Cui escribió en sus memorias que eran jóvenes y brutales en sus críticas, sin respeto por Mozart y Mendelssohn, con la resistencia a Schumann, entusiasmo por Liszt y Berlioz y la diosa de Chopin y Glinka.

De los cinco compositores, ni Cui ni Balakirev tuvieron mayor importancia para la composición posterior. Borodin usó temas de Asia central y asiática en su música, especialmente en la Opera First Igor (no completada), y en sus sinfonías, por no mencionar sus poemas sinfónicos On the Steps of Asia Central. Sin embargo, era un hombre ocupado (era profesor de química) y tenía poco tiempo para componer. Sin embargo, sus dos sinfonías fueron especiales porque las escribió con préstamos mucho más pequeños de Beethoven, y por lo tanto, estaba mucho menos influenciado por el pasado que la mayoría de los otros compositores sinfónicos.

Musorgskij tenía antecedentes ucranianos, pero permaneció en San Petersburgo la mayor parte de su vida, y nunca se fue al extranjero. Dos de sus obras más famosas son el poema sinfónico Una noche en Bloksberg (1867, interpretada después de su muerte) y la pieza para piano Imágenes en una exposición (1874). Además de la música programada, la música de Musorgsky se puede llamar más realismo que romance, aunque con una fascinación por lo exótico. Por lo tanto, su música, como la Salambô Opera, puede recordarte a Carmen. Además, Musorgsky creía que la música y el arte deberían ayudar al habla humana en lugar de ser un fin en sí mismo. Las leyes de la música, siempre que sea importante, siempre deben cambiar y romperse. La Opera Boris Godunov basada en una pieza de Alexander Pushkin enfatizó la fascinación de Musorgsky por el habla cuando imitaba los patrones de habla rusos. Junto con First Igor de Borodin y Tsigajkovsky, Eugen Onegin, Boris Godunov es la ópera rusa más interpretada.

Nikolaj Rimskij-Korsakov fue el único de los cinco que tuvo educación musical, irónicamente porque se convirtió en profesor en 1871 y tuvo que estudiar para estar un paso por delante de sus alumnos. Incluso los Cinco eran escépticos de la educación musical porque estaba orientada al oeste, fue precisamente la educación de Rimskij-Korsakov la que salvó mucha música rusa por cierto, y en otros lugares editó Glinka, Musorgskij y Borodin para asegurar su supervivencia musical. Como director tanto en Rusia como en Europa occidental, también logró exportar su música a estas áreas. Rimskij-Korsakov escribió óperas, pero ninguna de ellas alcanzó tanta atención como las obras de Borodin, Tsjovkovsky y Musorgsky. La fuerza de Rimskij-Korsakov era que podía tocar todos los instrumentos en una orquesta y, por lo tanto, era muy bueno en la orquestación. Su Capriccio espagnol y Scheherazade se hicieron especialmente famosos, irónicamente ya que uno tiene un título francés e inspiración española y el otro lleva el nombre del personaje principal en la noche 1001.

Republica checa
Los compositores checos habían sido marcados en la escuela de Mannheim, pero en su mayoría asociados con la música alemana. Sin embargo, en la segunda mitad del siglo XIX, una ola nacionalista liderada principalmente por Bedřich Smetana y Antonín Dvořák.

El primero en salir fue Smetana. Él es considerado el fundador de la música checa. Smetana estaba preocupado por la independencia de la República Checa y, al mismo tiempo, también estaba ocupado con la música. Praha era un importante centro de música, y conoció a Berlioz, Liszt y Robert y Clara Schumann, quienes lo afectaron mucho. Después de una estancia en Gotemburgo, regresó a Bohemia para siempre. Aquí fue donde escribió su segunda ópera, The Sold Bride (1866), una ópera cómica con muchos movimientos románticos nacionales. Al igual que Dvořák más tarde en sus bailes eslavos, Smetana eligió componer melodías populares y bailar ella misma en lugar de inspirarse directamente de la música folclórica.

El trasfondo de estas elecciones pudo haber sido una discusión con políticos protocolares que pensaban que una ópera seria había hecho posible escribir sobre la base de canciones populares checas, pero era imposible escribir una ópera cómica con un carácter checo. Smetana argumentó que esto terminaría en un potpurri de diferentes melodías. A pesar del éxito de la novia vendida, Smetana se alejó de este estilo en sus otras óperas. Intentó la ópera seria, y en las últimas cuatro óperas el estilo era marcadamente diferente, tanto de la novia vendida como de la otra. Smetanas Má vlast (“Mi Patria”) fue un ciclo de poesía sinfónica en el que, en particular, el segundo tipo, Vltava (Die Moldau en alemán) fue un gran éxito.

Cuando Smetana se inspiró en Lizst y programó música, Dvořák era un músico absoluto más de Brahms. Rápidamente se recuperó de la fascinación de Wagner y lanzó varias sinfonías inspiradas en Brahms. Es cierto que las primeras cuatro sinfonías fueron desconocidas para la muerte de Dvořák, pero las últimas cinco se jugaron cada vez más. Sin embargo, donde Brahms fue acusado de estar anticuado y regresar, Dvořák era un sinfonista innovador y más innovador. Dvořák, sin embargo, no era el anhelo y el misterio, como Brahms, sino más bien el compositor lúdico y fresco. Sin embargo, su mayor éxito como sinfónico llegó en el tiempo extra de la gran omnipotencia, cuando escribió su sinfonía número 9, From the New World, inspirada en el viaje a los Estados Unidos, pero también música mixta checa. Además, su Stabat Mater y su Requiem fueron grandes éxitos, y su concierto de violín en el concierto de a-mole y célula en H-Moll también fue muy popular en Europa.

países nórdicos
Los países nórdicos, y especialmente Noruega, fueron influenciados por el romance nacional. Varios compositores del norte de Europa definieron la música de su país, ya sea basada en la música popular, como se hizo en Rusia, o escribiéndola como se hizo en Praga. Fueron especialmente los países escandinavos los que se marcaron en el alto converso. El finlandés Jean Sibelius llegó por primera vez en senrománticos, junto con Carl Nielsen de Dinamarca.

Fue en Dinamarca donde la idea del “tono nórdico” apareció por primera vez a mediados del siglo XIX. Fue especialmente Niels Wilhelm Gade y Jens Peter Emilius Hartmann quien comenzó este desarrollo. De estos, el sinfónico Gade tuvo la mayor influencia en los países nórdicos, mientras que el músico de escena Hartmann era más nórdico en su composición, quizás solo eso, Gade se volvió más reconocido en Europa. En Suecia fue especialmente Franz Berwald el que dominó. Escribió tanto música de cámara como ópera, pero como Gade es más famoso por sus sinfonías. Las sinfonías de Berwald fueron muy originales, con un uso activo de los descansos y el ritmo. Desafortunadamente para él, Estocolmo no estaba necesariamente listo para la música tan moderna como él escribió, y él no vivió en su música.

En Noruega, el único no independiente de los tres países escandinavos, la vida de la música pública había existido desde al menos 1765 cuando la compañía de música “Harmony” se estableció en Bergen. Esto lo convierte en una de las compañías de música más antiguas del mundo. En Christiania (el Oslo de hoy), el Liceo apareció como una alternativa en 1810, lo que creó una mayor competencia y profesionalismo. Cuando los compositores noruegos aparecieron a principios del siglo XIX, se conmovieron por las ideas nacionales y por los eventos de Eidsvoll en 1814, y por lo tanto, desde muy temprano, tuvieron una forma de tono romántico nacional. Ole Bull, quien pronto jugó en Harmony, cooperó con Myllarguten, un jugador contundente que era particularmente bueno en la música folclórica. La asociación popularizó la música popular en toda Noruega. Eventualmente aparecieron varios compositores prometedores, como Halvdan Kjerulf y Richard Nordraak, pero especialmente en la segunda mitad del siglo XIX, Noruega apareció con Edvard Grieg, Johan Svendsen y Christian Sinding, de los cuales Grieg estaba en una clase especial tanto en Noruega como en el Países nórdicos.

Si hubo una búsqueda de los nórdicos o escandinavos en Gade, Hartmann o Berwald, Grieg fue ante todo no escandinavo, sino noruego.Edvard Grieg no era bueno en las formas grandes, pero confió en las composiciones más pequeñas, como romances, cortacéspedes y piezas de piano. Por lo tanto, él era una oposición a Gade y Berwald. Grieg, por ejemplo, no tiene sinfonías, e incluso sonaba que tenía pocas. Otra característica de la música de Grieg fue que acudió a la fuente cuando se trataba de encontrar el tono nacional e inspiró muchas melodías populares. Al mismo tiempo, le dio a la melodía de la gente un toque personal para que fuera más fácil acceder incluso más allá de las fronteras del país. Los romanos de Grieg pertenecen a los mejores del género. A pesar de que Grieg era considerado un artista en miniatura, su trabajo orquestal era uno de los más famosos, especialmente la suite Peer Gynt, que presentaba canciones como Morning Mood, The Dovregubbens Hall y Anita’s dance en la primera canción y Solveig ‘s canción en el otro. También desde el tiempo de Holberg y el concierto de piano en A-Moll tiene un gran atractivo internacional. Grieg fue presentado por Longyear como “uno de los compositores más individuales del siglo XIX”.

Otra música
Además de sus sinfonías y poesía sinfónica, César Franck también había trabajado mucha música, que hasta cierto punto había pasado de moda, como música de cámara, orientación, fantasía, fuge, coro y música de órgano. En este último tomó prestado tanto de la música francesa como de Johann Sebastian Bach, quien, después de los esfuerzos de Mendelssohn, se hizo cada vez más popular. Franck fue considerado el fundador de la música de cámara francesa moderna, incluidos sus quintetos de piano, cuartetos de cuerda e hijos de violín, todos de forma cíclica.

Gabriel Fauré era básicamente una antítesis para el estilo de Frang Wagner y de inspiración alemana. Él representaba el orden y la restricción como piedras angulares fundamentales. Fauré era un estudiante de Saint-Saëns. Fauré también inspira a Gounond, donde las melodías eran más fáciles y sin virtuosismo. Finalmente se centró en los géneros de la música con un gran equipo, tal vez conocido como su Requiem. Hacia el final, Fauré se hizo cada vez más popular en la forma musical, y las pequeñas melodías a menudo se relacionaban entre sí, tan lejos de Wagner que uno puede llegar en ese momento.