الموسيقى الرومانسية هي فترة موسيقية تاريخية تعود إلى ما يقرب من 1830 و 1910. كان أكثر شبهاً بالرومانسية في الفنون الأخرى ، مثل الأدب والرسم ، أي الفردية ، والوطنية ، والرغبة في الحرية ، وطول الهدف والسعي وراءه ، بدلاً من الهدف بحد ذاته. جاءت الرومانسية الموسيقية متأخرة نسبياً فيما يتعلق برومانسية الأدب والفن ، واستغرقت وقتاً أطول.
بدأت الفترة كتحرك انزلاق من الكلاسيكية ، ولكن أيضا كخرق واضح لهذا. حيث ركزت الموسيقى الكلاسيكية تحت إشراف جوزيف هايدن ، وولفغانغ أماديوس موتسارت ، وميرل لودفيغ فان بيتهوفن على المثل الكلاسيكية للتنوير والوضوح والهدوء والتوازن ، وكانت الرومانسية أكثر عاطفية وديناميكية وبتباين موسيقي قوي. كان التوق إلى شيء والرحلة هناك أكثر أهمية من هدف الرحلة. سيطرت الهيمنة العالية لريتشارد فاغنر وجيوسيبي فيردي ويوهانس براهم على الشخصيات. في الوقت نفسه ، أصبحت الرومانسية الوطنية المسيطرة بشكل متزايد في عدد من البلدان والأقاليم ، وخاصة روسيا وجمهورية التشيك والدول الاسكندنافية. هنا كانت هناك أفكار مختلفة يجب أن يتأثر المرء بالموسيقى الشعبية أو كتابة الموسيقى الخاصة به المستوحاة من البلاد. نحو نهاية الرومانسية ، ابتعدت الموسيقى عن المثل الرومانسية ، نحو مزيد من الواقعية ، وحركات أقل عاطفية وأسلوب أكثر كلاسيكية أو إمبريالية.
فترة رومانسية عالية
الفترة الرومانسية العالية هي الفترة المهيمنة في الزمن وفي تطور الموسيقى. حققت دار الأوبرا تطوراً ملحوظاً ، خاصة مع مسلسلات فاغنر الدرامية وفيرديس الشهية. حتى هذين الأوبرا جعلتا الأوبرا الألمانية والإيطالية مهيمنة بشكل متزايد ، كان هناك العديد من مؤلفي الأوبرا الفرنسيين الذين لاحظوا ، ولا سيما جورج بيزيه وجولس ماسينيت. خلال هذه الفترة ، عادت الأوبرا الدراماتيكية والخطيرة بقوة. كما كان للأوبريت تطور كبير مع جاك أوفينباخ وجوان ستراوس دي
أصبحت شعبية Valser شعبية متزايدة ، ولكن أصبحت كل من الرقصات الوطنية والوطنية أعمال أوركسترا أكثر في بعض الحالات من الموسيقى التي ترقص عليها. في الوقت نفسه ، حصل الباليه على دعم بمساعدة من روسيا في النهاية. كان سيمفونيس قد عانى من نكسة لفترة طويلة ، ولكن تم إرجاعها إلى شعبية يوهانس برامز ، أنطون بروكنر ، أنطونين دفوراك و Pjotr Tsjkovsky بشكل خاص. أصبحت فترة الرومانسية الوطنية واضحة بشكل خاص في روسيا وجمهورية التشيك ومنطقة الشمال. تميز برامز بأنه متعدد الإمكانات مع العديد من المؤلفات الجيدة في العديد من الأنواع.
الفترة بدأت مع تغيير الأجيال. توفي مندلسون في عام 1847 ، ودونيزيتي عام 1848 وشوبين في عام 1849. حصل شومان على مشاكل عقلية في عام 1850 وتوفي في عام 1856 ، بينما تألف مييربير أقل بكثير بعد عام 1850. تولى المؤلفون الموسيقيون الجدد العديد منهم دون الاتصال الوثيق مع الكلاسيكية مثل الجيل السابق إما العصب تحت أو تمرد ضد. مع تطور العديد من الأنواع والكثير من البلدان ، أصبحت الموسيقى أقل سيطرة بكثير وأقل بكثير من ذي قبل.
Valser والرقصات الأخرى
بدأ يوهان شتراوس الأوركسترا الخاصة به في عام 1825 ولعب دورا هاما في تعميم الفالس. وكان أيضا هو الذي وقف وراء ما أصبح يعرف بوادي فيينا. ضربت رقصة الفالز الحديثة في جميع أنحاء أوروبا ، وخاصة في عام 1838 في لندن. جاء إلى النرويج في عام 1840 ، وجعل شعبية فيينيس هناك. ومع ذلك ، فإن شتراوس ، المسن ، ينتمي إلى المنزل في الفترة المبكرة ، باستثناء راديتسيمارسج. غير أن ابنيه يوهان شتراوس وجوزيف شتراوس كانا ملحنين انتخابيين. انضم مارشز وبولز أيضا إلى أفراد الأسرة. على وجه الخصوص ، شتراوس ديس آن دير scönen blauen Danubefrom 1867 لفة شعبية جدا. استمر شتراوس دي في تطوير اللفة كدورة للعديد من الرقصات والقطع ، وهو ما فعله والده وشوبرت قبله. كما أضاف شتراوس داي أيضًا نهايات متقنة ونهايات – وتحولات بين القطع – مما ساعد على جعل موسيقى الفالس أكثر قبولا أيضًا بين جمهور أكثر تميزًا.
أصبح خوسيه شتراوس بعد أن تجرأ شقيقه يوهان شتراوس على تأليف ، موصل الجوقة المهيمنة ، جنبا إلى جنب مع شقيقه إدوارد. كان جوزيف شتراوس مهتمًا بالجمع بين الفالس والسيمفونية ، ولم يكن يخشى تجربة الموسيقى الجديدة. من بين أشياء أخرى ، قام بتضمين قطع من أوبرا تريان وإيزولد في فاجنر في حفلاته الموسيقية المتتابعة ، لذلك كان الكثير من الجمهور على دراية بالعديد من الأغاني قبل إنشاء الأوبرا.
ومع ذلك ، كان هناك أيضا العديد من الراقصين المحليين الذين ضربوا. كان شوبان قد تألف من ماسوريك وبولز مستوحاة من بولندا ، وفي أواخر ستينيات القرن التاسع عشر وما بعدها ، برامز مع رقصات هنغارية ، ربما كانت مستوحاة من الحفلات الموسيقية التي أقامها مع عازف الكمان إدوارد ريمييني. أصبحت الرقصات المجرية مربحة ماليا لبراهمز. في عام 1870 جاء أنطون دفوراك مع راقصته السلافية. على عكس برامز ، الذي تأثر بشدة بالموسيقى الشعبية من خلال ريمييني واللاجئين السياسيين المجريين الذين قابلهم في هامبورغ ، أصبح الراقص السلفي لدفوراك أكثر مصطنعة ، أي أنه كتب لهم بعض المصادر الخارجية للإلهام.
رقص الباليه
عانى الباليه في فرنسا خلال الثورة الفرنسية والاضطرابات التي تلت ذلك ، والتي إما تخيف الملحنين ، أضعف قدرة النبلاء أو كليهما. ومع ذلك ، نمت الباليه مرة أخرى خلال صعود الرومانسية في 1830s. في الباليه الرومانسي ، كما في الأوبرا ، كان الخارق مهمًا. مثال على ذلك كان Sylphiden حيث يقع بطل الرواية في الحب مع حورية قبل زفافه الخاص. على وجه الخصوص ، كانت الراقصة ماري تاغليوني ووالدها ، مصمّم الرقص فيليبو ، ضروريين لتطوير الأسلوب الرومانسي ، جزئياً لأن ماري تاغليوني لعب السيلفيد أكثر إقناعاً بكثير من المعتاد في الباليه. واحد من أشهر الباليه من هذه الفترة كان جيزيل ، مع موسيقى أدولف آدم. ويتميز أيضا بكائنات خارقة للطبيعة ، في هذه الحالة أرواح العذارى الذين ماتوا قبل أن يتمكنوا من الزواج.
ركز الباليه بشكل رئيسي على الرقصات ومصممي الرقصات ، وأقل بكثير على الراقصات الذكور ، مما يعني أن هناك عدد أقل بكثير من راقصي الباليه الذكور. هذا ساعد في التخريب لشعبية الباليه في أوروبا الغربية. في روسيا ، حيث كانت الرقص ، وخاصة رقص الذكور ، جزءًا مهمًا من الهوية الوطنية ، كان الباليه من أوائل الفيلم مخصصًا للرقص الدرامي من جانب الرجال. أصبح مزيج من رقص ماريوس Petipa والتراكيب من Pjotr Tsjajkovsky الانقاذ. كانت موسيقى تشايكوفسكي متكيفة بشكل جيد مع الراقصات ، حيث نجح في إخراج الملحن من ظل مصممي الرقصات والراقصات. كانت مؤلفاته Lake Swan (1876) ، Tornerose (1889) andNutcracker (1892) حاسمة في زيادة شعبية الباليه أيضا في الغرب. نجح تشايكوفسكي في العثور على الألحان الجيدة التي كان من السهل أن تكون متواضعة ، وتنسق ملونًا يضاهي القصة المغامرة والجو ، والألحان التي قاتلت بشكل جيد جدًا لحركة رقص الباليه. بالإضافة إلى ذلك ، ابتكر رقص الباليه الأكثر سمفونية.
الأوبرا وأوبرا
كانت الأوبرا على وشك التطور من Grand Opera إلى Opera Lyrique ، وهو مزيج من الأوبرا الكبرى وأوبرا Comique. هذا يتناسب بشكل سيئ مع أسلوب ماير بير ، وعلى الرغم من نجاحه العالي نسبياً في عام 1850 ، إلا أن أسلوبه كان يمكن أن يكون خارجاً على أي حال. بدلا من ذلك ، سيطر تشارلز جونود وجول ماسينيت على أسلوب الأوبرا هذا. ومع ذلك ، سادت الأوبرا لفترة وجيزة من قبل اثنين من الملحنين الذين وقفوا على جانب الأوبرا الفرنسية ، وهما فاغنر وفيردي. بالإضافة إلى ذلك ، ظهر مؤلفون أوبراليون موهوبون آخرون ، مثل ليو ديليبيس وجورج بيزيه ، الذين أضافوا الغرابة والواقعية في الأوبرا.
ريتشارد فاجنر
ومع ذلك ، بالنسبة إلى فاغنر ، تميز العام الثوري لعام 1848 بالتزام سياسي كبير ، وتم دفعه إلى المنفى بسبب أنشطته الثورية. كما كتب فاغنر التحليلات الموسيقية ، بما في ذلك فن مستقبل سيمفونية بيتهوفن التاسعة حيث قال إن “السيمفونية الأخيرة مكتوبة بالفعل.” في عام 1850 ، كتب مجهولاً قطعة معادية للسامية ، Judas Judgment in Music ، والتي اتهم فيها اليهود بشكل عام و Meyerbeer و Mendelssohn على وجه الخصوص بإعاقة الموسيقى الرومانسية. ومن غير المعهود من فاغنر أن يكون هناك تعليقات سلبية بشكل ملحوظ حول منافسيها. على الرغم من حقيقة أن فيردي (نوقش أدناه) كان لديه الكثير من الآراء حول فاغنر ، لم يتم العثور على أقوال ، باستثناء الملاحظات في مذكرات فاغنر الزوجة ، وهناك فقط عاقل تافه جدا ، من فاغنر حول فيردي ، والذي كان في الوقت الحاضر أكثر شهرة وأكثر من ذلك المدرجة.
إلا أن النقطة الأساسية بالنسبة إلى فاغنر كانت أنه أخطأ في الأوبرا الألمانية بمواضيع ألمانية ، والتي أصبحت منذ فترة طويلة شبكة الإنترنت “هنتر” الخبز الإقليمية وغير المهمة. وقد نجح فاغنر مع The Dutch Flying and Tannhäuser ، وسرعان ما عاد كمغني أوبرا عندما أنشأ ليسزت Lohengrin ، كما كتب فاغنر في عام 1847 ، في فايمر في عام 1850. وكان Lohengrin ناجحًا وتوقع انبهار فاجنر المستقبلي لأساطير العصور الوسطى والقوميات الألمان. مغامرات ، وغالبا ما تكون أخلاقية ورمزية. في الافتتاح يشير إلى متى هزم أحد الأبطال الدانماركيين ، والقصة أيضا حول شن حرب ضد المجريين الذين خرقوا وقف إطلاق النار – من إخراج ليزارت المجري.
بدأ فاجنر في عام 1848 ما سيكون عمله الرئيسي ، Nibelungenring ، دورة أوبرا من أربعة أجزاء. الجزء الأول ، Rhingullet ، لم يكن جاهزًا حتى عام 1854 ، والجزء الثاني ، Valkyria بعد ذلك بعامين. كلاهما يستخدم Search Motiv ، أي جزء لحني يتكرر من وقت لآخر للتأكيد على المزاج أو الشخص الذي هو موضوع الأوبرا. يمكن أن يظهر اللحن في الأوركسترا ، في أغنية أو في الجوقة لتوضيح النقطة بأفضل شكل ممكن. وبالتالي ، فإن استخدام فاغنر لفكرة البحث يذكّر بفكرة بيرلويز. الفرق هو أن فاغنر يمكنه استخدام العديد منها تحت نفس الأوبرا كما فعل مع تريستان وإيزولد ، كما أنه يستخدمها في كثير من الأحيان بحيث تجعل الدوافع تشرح الإجراء الزائد. يوجه اللحن الأفعال أكثر ، ويمكن أن يخلق مشاعر متزامنة ومتضاربة في الأوبرا. وتأثرت فاغنر أيضا بالموتار ، بيتهوفن ، تشيروبيني ، ويبر ، وفي الواقع ميربير ، والذي كان يضيئه. على الرغم من حقيقة أن فاغنر كان متشككًا في الملحنين السابقين ، بيتهوفن وغلوك ، إلا أنه كان على اتصال وثيق بالماضي.
موسيقياً ، غالباً ما تكون أوبرات فاغنر هي التغييرات الوترية المعقدة ، كما هو الحال في تريستان وإيزولد. كان المزيج الأقل مائة عام بين الموسيقى الصوتية (بدون علامة) والموسيقى اللونية (مع التوقيع) وبين المقاطع المستقرة وغير المستقرة هي لبنات البناء في الكثير من موسيقى فاغنر. هذا غالبا ما خلق شعور طول واحتياجات غير راضين. فقط طول الطريق وطريقه كانا مثيلين رومانسيين بالفعل من ويبر الذي استخدم فيه فاغنر الكثير. بالإضافة إلى ذلك ، نجح فاغنر أيضًا في التوصل إلى تسوية نهائية مع جرس كانتون يستخدمون الأوركسترا بشكل واع بحيث تمكن الأوركسترا والمغني من إعطاء انطباعات متناقضة. كانت فكرة فاغنر هي الأوبرا الكاملة حيث اصطدمت الغناء والأوركسترا والمقطوعات المسرحية والمسرحيات لإعطاء تعبير درامي قوي.
جوزيبي فيردي
هناك Wagner تتألف من 10 أوبرات من الاختراق مع Rienzi ، وكتب Verdi 26 بعد انفراجة مع Nabucco ، وحيث كان واغنر الأكثر شهرة للعنصر الرئيسي واستخدام الأوركسترا ، كان جيوسيبي فيردي الأكثر شهرة لقدرته على كتابة الألحان الجيدة و التقاط شخصيات الشخصيات والمشاعر والمواقف فيها. كانت القيمة أيضًا واقعية ، يجب أن ترتبط أفعاله غالبًا بهذا العالم ، وليس بالعالم الأسطوري بالآلهة والوحوش. كان فيردي أيضا ، على النقيض من فاغنر ، يشعر بالقلق من أن التواطؤ لا ينبغي أن يتغلب على المطربين ، بل بالأحرى إضافة اللون والغلاف الجوي. هناك كتب فاغنر له librettos نفسه ، في كثير من الأحيان مع مزيج من العديد من المصادر المختلفة ، وكان فيردي حريصا على اختيار مسرحيات معروفة من قبل وليام شكسبير ، فريدريش فون شيلر ، اللورد بايرون ، فيكتور هوغو ، فولتير وألكسندر دوماس الأصغر سنا.
جاء انفراج فيرديس الرئيسي عندما تقاعد من السياسة ومدينة بوسيتو. هناك كان هناك وقت لكتابة ثلاثية Rigoletto ، استنادا إلى قطعة من فيكتور هوغو ، ايل Trovatore ، استنادا إلى قطعة من المسرحي الاسباني أنطونيو غارسيا غوتيريز ، ولا ترافياتا ، استنادا إلى قطعة من الكسندر دوماس. الجميع ينجح في الجمع بين أوبرا الجرس التقليدية مع استخدام اللحن للتأكيد على شخصية الشخصيات الرئيسية والمزاجية الرائدة. هذا يعني أن أسلوب الموسيقى والأغاني أصبح سمة مميزة للأدوار. وفي الوقت نفسه ، استخدم أيضًا دوافع لتذكير الجمهور بالأحداث الماضية. قدم هذا فيردي في نفس الوقت مع بحث فاغنر Motiv ، ولكن خلافا لمبادئ فاغنر ، لم يكن الدافع وراء الدوافع لفيردي لدفع العمل إلى الأمام أو خلق الصراع أو الدوافع المختلفة التي بنيت ، ولكن أكثر لربط العمل أقرب. كانت زخارف Verdis أيضا ليست جديدة ، على سبيل المثال ، Donizetti قد استخدمت بالفعل في عام 1835. أوبرا Verdi ليست أيضا بعيدة عن أوبرا Rossini و Donizetti Bell Canto ، كما استعارها من معايير الأوبرا في Rossini.
بعد أن أصبح فيردي غنياً في أعماله الأوبرالية ، كان أكثر تفحّصاً مع أحدث أعمال الأوبرا ، وتقنيات الاقتراض من الأوبرا الكبرى ، وإدخال الأدوار الكوميدية والمواضيع الغريبة والصور الصوتية (Aida). أما المسلسلان الأحدثان اللذان كتبهما فيردي فقد كانا أوبرا شكسبير وأوتيلو وفالستاف ، أكثر تفصيلاً في الطبعة الأولى من ماكبث ، وكلاهما مثالان ممتازان في الأوبرا المأساوية (أوتيلو) والكوميدية (فالستاف). كان هذا الأخير هو الكوميديا الوحيدة للفيردي ، ولديهم أيضًا بعض ميزات فاجنر ، من بين أمور أخرى ، لأنها تتميز بتوصيف دراماتيكي للأشخاص والمواقف بدلاً من تسمية أوبرا الكانتو مع برج الحمل في الرئاسة.
موسيقيون آخرون للأوبرا والأوبريت
كان هناك مؤلفون أكرا فرنسيون موهوبون أكثر. كتب جورج بيزيه قطعًا غريبة من سيلان (سريلانكا اليوم) (بيرل فيش) وإشبيلية (كارمن). أدلى كميل سان ساينس سامسون وداليلا (أوبرا الكتاب المقدس) وليو ديليبيس جعل لاكمي ، مع إضافة الفعل إلى الهند. من بين هؤلاء ، تميزت كارمن سواء من حيث النجاح الفوري والأثر الرجعي ونظرا لواقعية العمل. ترتبط حياة كارم الحسية والليبرالية بكونها صبيًا غجريًا ، وبالتالي بكل طريقة خارج المجتمع. كان هناك أيضا أوبرات في روسيا وجمهورية التشيك ، لهذا ، انظر القومية.
بعد وصول نابليون الثالث إلى السلطة ، أصبحت الأوبرا الخطيرة مراقَبة عن كثب ، بينما أصبحت الأوبرا الفكاهية ، أوبرا الأوبرا ، أكثر حرية. وقد استخدم هذا بشكل خاص من قبل الأوبريت ، وهذا هو ، الأوبرا مع خطاب أكثر بكثير من التقليدية الأوبرا كوميك. أهم مؤلف في الأوبرا الفكاهية والساخرة كان جاك أوفنباخ. جاء تقدم Offenbach مع Orpheus في العالم السفلي ، حيث كان Orfeus (tenor) حقاً محبوباً مع شخص آخر ، لكنه تزوج من Evrydike (سوبرانو) بخطأ وتزوجها لأنه كان خائفاً من “الرأي العام” (mezzo soprano). يرتب موتها لأن بلوتو يحبها ، ويعيش بسعادة – وهو أمر يفعله إيفريديكي أيضاً في طابور الموت مع بلوتو كزوج – إلى أن يطلبه الرأي العام لإنقاذها. كان لدى أوفنباخ أيضاً أذن للحن الحسن ، بما في ذلك عندما توفي المنحدر وهو يرقص بالفرس (نوع من الرقص) ، حيث يرتبط اللحن لاحقاً ارتباطاً وثيقاً بعلبة. وفي الوقت نفسه ، جمعت أعماله الأوبرالية ، التي تسخر من الأوبرا نفسها ، الكثير من أرقام الأغنية المبتكرة من أوائل القرن الثامن عشر ، والأرقام المعاصرة المعاصرة ، وأغلفة البوبرسو ، و fangangos ، و quadrills ، والبكرات ، بالإضافة إلى العلب الفارغة.
ازدادت شعبية أوفنباخ بشكل كبير بعد هذه المسرحية ، مع الهيلينا الجميلة و La vie parisienne الذي ألهم أيضًا مؤلفين أوجينا آخرين وملحنى الأوبرا الكوميدية في العديد من البلدان. واحد منهم كان يوهان شتراوس دى الذي حاول وكان نجاحا كبيرا مع الخفافيش في عام 1874 ، وبعد ذلك آرثر سوليفان و WS جيلبرت في HMS Pinafore وسلسلة من المسلسلات المصورة بعد ذلك. هذا يعني أن المؤلفين الإنجليز (والمولدين بالإنجليزية) كانوا دورًا أساسيًا في غناء الموسيقى لأول مرة منذ هنري بورسيل في أواخر القرن السابع عشر.
سمفونيات
بدأت السمفونيات تشوّهًا شاذًا في فترة الخمسينات من القرن التاسع عشر ، وهي مخصصة بشكل كبير لطلاب الموسيقى. على سبيل المثال ، تم استخدام قاعات الحفلات الموسيقية الرئيسية في باريس للعب سيمفونيات كلاسيكية هايدن وموتسارت وبيتهوفن ، والرومانسية المبكرة لمندلسون وشومان. أقنع باسديلوب ، الذي رتب الحفلات الموسيقية ، في نهاية المطاف أن يعزف موسيقى الفرقة الموسيقية الفرنسية “جونوندز” و “سان ساينز” ، لكنه عاد إلى نفس الوقت الذي أعيد فيه اكتشاف “باخ” ، وكان “هانتيل” يتمتع بشعبية كبيرة. في الوقت نفسه ، ظهر شكل جديد من الموسيقى في القصائد السمفونية لفرانس ليز من عام 1848 إلى 1857. كانت هذه أعمال فردية لأوركسترات تتميز بالفلسفة أو الأدب أو الرسم. كانت هذه الموسيقى البرنامجية متمشية مع Berlioz ، ولكن أكثر وصفية من السرد. نجحت Lizst في تحقيق تناغم راسخ مع تأثيرات أوركسترا تميزت ببقية القرن التاسع عشر. وتمثل سيمفونية الأشغال ، في جملة أمور ، في ملامح الشكل السوناتي.
عادت سيمفوني في صنفها بقوة عندما انفصلت يوهان برامز عن الوضع العنيد بين الموسيقى الحديثة والذوق الذي اجتاز السمفونيات القديمة. اختار أن يجمع بين الاثنين من خلال كتابة سيمفونيات إلى الخلف ، والتي كانت في الوقت نفسه حديثة. استوحى برامز من شومان ، وبالتالي كان ينتمي إلى الفرع الكلاسيكي في مقابل Liszt و Berlioz. على أية حال ، برامز كما كتب الموسيقى كان على الأرجح متأثراً بتريستان وإزدوجر في فاجنر ، على الرغم من أنه لم يترك سوى القليل لموسيقى فاجنر. وهذا يعني أن سيمفونيته لم تكن كاملة أو كاملة ، ولكنها أقرب إلى الأسلوب المطلق. وهذا ما تؤكده حقيقة أن برامز تأثرت إلى حد كبير بالسيمفونية الخامسة لبيتهوفن. كما استلهمت سمفونية بيتهوفن التاسعة في المباراة النهائية. كان معظمها راتينياً ورخيماً ، لكن كان لديه خطوط لونية في الأصوات. كتبت السيمفونية في ستينيات القرن التاسع عشر ، ولكنها لم تنشر حتى عام 1876.
إن ما يميز جميع سيمفونيات برامز هو أنها كانت موسيقى مطلقة بشكل مطلق دون أي نوع من الموسيقى البرنامجية. ومثل بيتهوفن ، اختار برامز أن يكون رومانسيًا في لهجة الكلام ، ومع ذلك يظهر احترامًا للشكل السوناتي للجزء الأول ، لارغو في الجزء الثاني ثم في الجزء الثالث. ومع ذلك ، كان برامز أيضًا مهتمًا بالموسيقى المعاصرة ويتأثر بها ، وبالتالي توحدها ببعض الطرق.
عندما شكّل برامز سيمفونياته في أوائل الستينيات من القرن التاسع عشر ، لم يكن وحيدا في هذا ، كما كتب أنطون بروكنر تسع سمفونيات ، وهي الأولى في عام 1865. ومع ذلك ، فإنه غالبا ما أعاد كتابتها ، ولم يضربها تماما في نفس الوقت مثل برامز. كان بروكنر ، على عكس براهمز ، أكثر صداقة مع فاجنر ، وكان يتألف أكثر في اتجاه موسيقى البرنامج أكثر من براهمز. ومع ذلك ، كان بروكنر مهتمًا أيضًا ببيتهوفن ، وخصوصًا السيمفونية التاسعة.
كتب تشيشكوفسكي أيضا سمفونيات ، وأتى لأول مرة في عام 1867. وعلى عكس “الأقوياء الخمسة” الذين أرادوا إعادة اكتشاف الموسيقى الوطنية الروسية (تناقشوا إلى أسفل) ، كان تسجكوفسكي موجها للغرب. كان فقط في وقت سيمفونيته الرابعة أن Tsjovkovsky ضرب الجبهة السمفونية. ثم كان قد حقق بالفعل نجاحا مع قطع الباليه والحفلات الموسيقية البيانو. أصبح رقم سيمفونية Tshechkovsky رقم 4 من 1878 انفراجة ، وذلك جزئيا لأنه كان لديه شكليات في المكان ، وجزئيا لأنه نجح في استخدام الصكوك التوافقية القوية. ومع ذلك ، فإن سمفونية مانفريد غير المرقمة هي الأكثر شهرة.
السيمفونيات مكتوبة أيضًا في فرنسا. في عام 1871 ، قرر سيزار فرانك ، وكاميل سانت ساينز والعديد من الملحنين الآخرين الترويج للموسيقى الفرنسية. تحت شعار “آرس جاليا” ، بدأ فرانك ، الذي كان من قبل منظما رائعا إلى حد كبير ، في التأليف. في البداية كان الشعر السمفوني ، ولكن في نهاية التحول العالي بدأ بكتابة السمفونيات. استقالت سمفونياته جزئياً بسبب كآبةهم ، ولكن أيضاً لأنه أخذ الموضوع من معدل إلى آخر بدلاً من معالجة الجمل الأربعة كدولة منفصلة. بالإضافة إلى ذلك ، كان فرانك ، الذي قورنت مع يوهان سيباستيان باخ ، جيدًا أيضًا في استخدام النقطة المقابلة في أعماله.
الرومانسية الوطنية
في أماكن مختلفة من أوروبا ، ظهرت موجة قوية من التحركات الرومانسية الوطنية في الموسيقى. يمكن أن تكون الأسباب أكثر ، على سبيل المثال ، يمكن للمرء أن يرغب في نشر الصحف الشعبية التي تم جمعها في عدد متزايد من البلدان ، والعثور على أسلوب الموسيقى الغريب في البلاد أو يصرخ البلاد في الأغاني والموسيقى. في الهيمنة العالية ، ظهرت بشكل خاص في روسيا ، والجمهورية التشيكية ، والاسكندنافية ، ظهرت الرومانسية الوطنية ، بينما كانت موجودة في الموسيقى الألمانية لفترة قصيرة ، إن لم تكن مباشرة. في فرنسا ، على أية حال ، عارضت مجموعة من الملحنين مؤلفين مثل فرانك وديلبيس ، الذين استوحوا من الألمان مثل بيتهوفن وفاغنر. هذه تفضل كتابة الموسيقى الفرنسية في أماكن العمل الخاصة بهم. أحد الملحنين كان كميل سان ساينز ، المعروف بقطعه الخطيرة كسمفونياته في c-mole ، وكرنفال الحيوانات الهزلية ، حيث تأتي السلحفاة في نسخة مذهلة جدا من الفرس الجهنم أوفنباخ.
روسيا
كانت روسيا قد أنتجت القليل من الملحنين قبل أن يصل ميخائيل جلينكا إلى ثلاثينيات القرن التاسع عشر. كانت أوبراه الأولى ، حياة للقيصر ، كانت لها سمات روسية واضحة بالإضافة إلى صراخ القيصر والحكومة. تم استخدام الموسيقى في أوقات قياسية ، واستبدلت إلى حد كبير بالمقاييس الرئيسية والثانوية في الغرب ، ولكنها لا تزال قيد الاستخدام في روسيا. ومع ذلك ، كانت الأوبرا الأخرى ، روسلان وليودميلا (1842) تستخدم مقاييس الهيلتون ، واللوني ، والتنافر والتنوع في الأغاني الشعبية التي كان لها تركيز وطني حقيقي ، حيث كانت حياة القيصر أكثر ملاءمة للملل.
كانت أوبرا Glinkas تضرب الغرب لمجرد أنه كان روسيًا نموذجيًا ، لكن الملحنين الروس الذين تابعوه سقطوا في فئتين رئيسيتين: أولئك الذين سعوا إلى أسلوب موسيقى أكثر حداثة وغربًا (Tsjajkovsky) وأولئك الذين أرادوا دراسة الموسيقى الروسية من أجلهم جزء (وغالبا ما يسمى “الخمسة” أو “حفنة قوية”). كانت موسيقى تشايكوفسكي غربية لدرجة أنها كانت تنتمي إلى المجموعات الفرعية الفردية ، وكان بحث المؤلفين الخمسة عن الروس مهمًا جدًا لدرجة أنه تتم مناقشة أعمالهم هنا ، ومعظمها في الغالب في حالة الأوبرا والسيمفونيات.
وقد تم بالفعل ذكر الباليه والسمفونيات Tsjaijkovsky ، لكنه كتب أيضا الأوبرا ، مثل يوجين أونيجين وسبار دامي. ومن بين هؤلاء ، أصبح الأول معروفًا بوضوح ، وبعد ذلك اكتسب مكانة تذكّر بأوبرا وطنية روسية. من أشهر أعمال الشيشان هو 1812 Overture ، وهو عمل مستقل وليس ، كزناد تقليدي ، مرتبط بأوبرا. هذه النعامة ، التي تحتفل بانتصار الروس على نابليون بونابرت ، مليئة بالإشارات إلى القوزاق الروس والألحان الشعبية والتسيريين ضد مرسيليا. هذا الأخير على الرغم من حقيقة أن tasarhym كتب بعد فترة طويلة من عام 1812 وأن نابليون بونابرت نهى مارسيليا في 1805.
تألف الخمسة من ميليج بالاكيرف ، ألكسندر بورودين ، سيزار كوي ، موديست موسورجسكي ونيكولاج ريمسكيج-كورساكوف. كان الخمسة معارضين للتأثيرات الألمانية والإيطالية على الموسيقى الروسية ، لكنهم احتلوا أيضا من قبل موسيقى Berlioz و Liszt. كتب تسوي في مذكراته أنهم كانوا شابا ووحشيين في انتقاداتهم ، دون احترام لموتسارت ومندلسون ، مع مقاومة شومان ، والحماس لليزيت وبيرليوز وإلهة شوبان وجلينكا.
من المؤلفين الخمسة ، لم يكن لـ Cui ولا Balakirev أهمية أكبر للتكوين اللاحق. استخدم بورودين مواضيع قوقازية وآسيوية مركزية في موسيقاه ، خاصة في الأوبرا أولا إيغور (غير مكتمل) ، وفي سيمفونياته ، ناهيك عن قصائده السمفونية في خطوات آسيا الوسطى. ومع ذلك ، كان رجلًا مشغولًا (كان أستاذًا للكيمياء) ولم يكن لديه سوى وقت قليل لتكوينه. لكن سمفتيه كانتا مميزتين لأنه كتب هذه بقروض أصغر من بيتهوفن ، وبالتالي كان أقل تأثراً بالماضي من معظم الملحنين السيمفونيين الآخرين.
كان لـ Musorgskij خلفية أوكرانية ، لكنه بقي في سان بطرسبرج معظم حياته ولم يغادر في الخارج. اثنان من أعماله الأكثر شهرة هي القصيدة السمفونية ليلة واحدة في Bloksberg (1867 ، نفذت بعد وفاته) وقطعة البيانو صور في معرض (1874). بالإضافة إلى الموسيقى البرنامجية ، قد يشار إلى موسيقى Musorgsky على أنها أكثر واقعية من الرومانسية ، وإن كان ذلك مع افتتان للأغنية. وهكذا ، فإن موسيقاه ، مثل أوبرا سالامبو ، قد تذكرك بالكارمن. بالإضافة إلى ذلك ، يعتقد موسورجسكي أن الموسيقى والفن ينبغي أن تساعد في التعبير عن الإنسان بدلاً من أن تكون غاية في حد ذاتها. يجب دائمًا تغيير قوانين الموسيقى ، مهما كانت مهمة ، وكسرها. شدد أوبرايس بوريس غودونوف على قطعة من الكسندر بوشكين على إبهار موسورجسكي للخطب عندما كان يقلد أنماط الخطابة الروسية. جنبا إلى جنب مع أول إيغور من بورودين و Tsjajkovsky Eugen Onegin ، بوريس غودونوف هو الأوبرا الروسية الأكثر لعبًا.
كان نيكولاي ريمسكيج-كورساكوف الشخص الوحيد من بين الخمسة الذين تلقوا تعليمًا موسيقيًا ، ومن المفارقات أنه أصبح أستاذًا في عام 1871 وكان عليه أن يدرس ليكون متقدمًا على طلابه. حتى الخمسة كانوا متشككين في التعليم الموسيقي لأنه كان موجهًا نحو الغرب ، فقد كان تعليم ريمسكي كورساكوف على وجه التحديد هو الذي أنقذ الكثير من الموسيقى الروسية بالمناسبة ، وفي مكان آخر قام بتحرير Glinka و Musorgskij و Borodin لضمان بقائهم الموسيقي. كموصل في كل من روسيا وأوروبا الغربية ، نجح أيضًا في تصدير الموسيقى إلى هذه المناطق. كتب ريمسكي-كورساكوف الأوبرا ، لكن أيا منها لم يحظ بقدر كبير من الاهتمام مثل أعمال بورودين ، وتسيوفكوفسكي ، وموسورجسكي. كانت قوة ريمسكيج-كورساكوف أنه كان بإمكانه لعب جميع الآلات الموسيقية في أوركسترا ، وبالتالي كان جيدًا جدًا في التنسيق. اشتهر كل من Capriccio espagnol و Scheherazade بشكل خاص ، ومن المفارقات أن هناك لقبًا فرنسيًا وإلهامًا إسبانيًا والآخر يحمل اسم الشخصية الرئيسية في ليلة 1001.
جمهورية التشيك
تم وضع الملحنين التشيكيين تحت اسم مدرسة مانهايم ، لكنهم في الغالب ارتبطوا بالموسيقى الألمانية. ومع ذلك ، في النصف الثاني من القرن التاسع عشر ، قادت الموجة القومية أساسًا بيدش سميتانا وأنتونين دفوراك.
أولا كان سميتانا. يعتبر مؤسس الموسيقى التشيكية. كان سميتانا مهتمًا باستقلال الجمهورية التشيكية ، وفي الوقت ذاته كان مشغولًا بالموسيقى أيضًا. كان براها مركزًا موسيقيًا مهمًا ، والتقى برليوز ، ليسزت وكلاهما روبرت وكلارا شومان ، وكل ذلك أثر عليه كثيرًا. بعد البقاء في غوتنبرغ عاد إلى بوهيميا للأبد. كان هذا هو المكان الذي كتب فيه أوبراه الثانية ، The Sold Bride (1866) ، وهي أوبرا كوميدي مع العديد من التحركات الرومانسية الوطنية. تماما مثل Dvořák في وقت لاحق في رقصاته السلافية ، اختارت Smetana لتأليف الأغاني الشعبية والرقص بنفسها بدلا من الإلهام مباشرة من الموسيقى الشعبية.
ربما كانت خلفية هذه الانتخابات نقاشًا مع الساسة البروتوقراطيين الذين اعتقدوا أن أوبرا جادة جعلت من السهل الكتابة على أساس الألحان الشعبية التشيكية ، ولكن كان من المستحيل كتابة أوبرا كوميدي بشخصية تشيكية. جادل Smetana أن هذا من شأنه أن ينتهي في potpurri من الألحان المختلفة. على الرغم من نجاح العروس المباعة ، ابتعد سميتانا عن هذا الأسلوب في أعماله الأوبرالية الأخرى. حاول الأوبرا الخطيرة ، وفي الأوبرا الأربعة الأخيرة كان الأسلوب مختلفًا بشكل ملحوظ ، سواء من العروس المباعة أو من بعضها البعض. سميتاناس ما vلاست (“وطنى”) كانت دورة شعرية سمفونية كان فيها ، على وجه الخصوص ، المعدل الثانى ، فلاتفا (داي مولداو بالألمانية) نجاحا كبيرا.
حيث كان Smetana مستوحى من Lizst وموسيقى البرنامج ، كان Dvořák موسيقياً أشبه بموسيقى Brahms. تعافى بسرعة من سحر فاغنر ، وأطلق العديد من السمفونيات المستوحاة من برامز. من المسلم به أن أول أربع سمفونيات لم تكن معروفة في وفاة دوفشاك ، لكن الخمسة الآخرين لعبوا على نحو متزايد. ومع ذلك ، حيث اتهم برامز بأنها عتيقة الطراز وعائدة ، كان دفوراك أكثر سماحية متطلعة إلى الأمام ومبتكرة. Dvořák ، ومع ذلك ، لم يكن الشوق وغامض ، مثل Brahms ، بل الملحن لعوب وطازجة. إلا أن نجاحه الأكبر في مجال السمفونية جاء في الوقت الإضافي للقدرة العالية ، عندما كتب سيمفونيته رقم 9 ، من العالم الجديد ، المستوحى من الرحلة إلى الولايات المتحدة ، ولكن أيضا الموسيقى التشيكية المختلطة. بالإضافة إلى ذلك ، حقق فيلم Stabat Mater و قداسه نجاحًا كبيرًا ، كما كان حفله الموسيقي في حفلة الموالين والخلية في H-Moll شائعًا جدًا في أوروبا.
دول الشمال
تأثرت بلدان الشمال الأوروبي ، وخاصة النرويج ، بالرومانسية الوطنية. قام عدد من الملحنين من شمال أوروبا بتعريف الموسيقى في بلدهم إما على أساس الموسيقى الشعبية ، كما حدث في روسيا ، أو عن طريق كتابتها كما تم في براغ. كانت الدول الاسكندنافية خاصة هي التي ميزت نفسها في التحول العالي. دخل الفنلندي جان سيبيليوس في المركز الأول في السينومرميك ، إلى جانب كارل نيلسن من الدنمارك.
كان في الدنمارك أن فكرة “النبرة الشمالية” ظهرت لأول مرة في منتصف القرن التاسع عشر. لقد كان نيلز فيلهلم جاد و ينس بيتر إيميليوس هارتمان بشكل خاص. ومن بين هؤلاء ، كان لـ “غاد سيمفوني” التأثير الأكبر على بلدان الشمال الأوروبي ، بينما كان الموسيقار المسرحي هارتمان أكثر شماليًا في تكوينه ، وربما كان ذلك فقط ، أصبح غادي أكثر اعترافًا في أوروبا. في السويد ، كان فرانز بيروالد يهيمن عليه. كتب كلا من موسيقى الحجرة والأوبرا ، لكن كجادي هو الأكثر شهرة لسيمفونياته. كانت سيمفونيات بيروالد أصلية للغاية ، مع الاستخدام الفعال للكسر والإيقاع. ولسوء حظه ، لم تكن استوكهولم جاهزة بالضرورة للموسيقى الحديثة كما كتب ، ولم يكن يعيش في موسيقاه.
في النرويج ، وهي الدولة الوحيدة غير المستقلة عن الدول الاسكندنافية الثلاث ، كانت الحياة الموسيقية العامة موجودة منذ عام 1765 على الأقل عندما تم تأسيس شركة الموسيقى “هارموني” في بيرغن. هذا يجعلها واحدة من أقدم شركات الموسيقى في العالم. في كريستيانيا (أوسلو اليوم) ، ظهرت Lyceum كبديل في عام 1810 ، مما أدى إلى خلق منافسة ومهنية أكبر. عندما ظهر الملحنون النرويجيون في أوائل القرن التاسع عشر ، تم تحريكهم بالأفكار القومية وأحداث Eidsvoll في عام 1814 ، وبالتالي ، من وقت مبكر جدًا ، كان لديهم شكل من أشكال لهجة رومانسية وطنية. Ole Bull ، الذي سرعان ما لعب في Harmony ، تعاون مع Myllarguten ، وهو لاعب متشدد كان جيدًا بشكل خاص في الموسيقى الشعبية. جعلت الشراكة الموسيقى الشعبية شعبية في جميع أنحاء النرويج. في نهاية المطاف ظهر العديد من الملحنين الواعدين ، مثل Halvdan Kjerulf وريتشارد نوردراك ، ولكن بشكل خاص في النصف الثاني من القرن التاسع عشر ، ظهرت النرويج مع Edvard Grieg و Johan Svendsen و Christian Sinding ، والتي كان Grieg في فصل خاص في كل من النرويج و دول الشمال.
إذا كان هناك بحث عن الاسكندنافية أو الاسكندنافية في جاد ، هارتمان أو بيروالد ، كان غريغ أولًا وقبل كل شيء ليس إسكندنافيًا بل نرويجيًا.لم يكن Edvard Grieg جيدًا في الأشكال الكبيرة ، ولكنه اعتمد على التراكيب الصغيرة ، مثل الرومانسيات والجزازات وقطع البيانو. وبالتالي كان معارضا لغاد وبيروالد. Grieg ، على سبيل المثال ، ليس لديه سيمفونيات ، وحتى ابنه لديه القليل من. ميزة أخرى لموسيقى جريج هي أنه ذهب إلى المصدر عندما يتعلق الأمر بإيجاد النغمة الوطنية وإلهام الكثير من الألحان الشعبية. في الوقت نفسه ، أعطى لحن الناس لمسة شخصية حتى كان من الأسهل الوصول إلى ما وراء حدود البلاد. الرومان من Grieg تنتمي إلى الأفضل في هذا النوع. على الرغم من حقيقة أن Grieg كان يعتبر فنانًا مصغرًا ، إلا أن عمله الأوركسترالي كان من بين أشهر أعماله ، ولا سيما جناح Peer Gynt ، الذي كان يضم أغاني مثل Morning Mood و The Dovregubbens Hall و Anita’s dance في الأغنية الأولى و Solveig.أغنية في الآخر. أيضا من وقت هولبرغ وحفل البيانو في A-Moll له جاذبية دولية كبيرة. كان Grieg قد ظهر في Longyear كـ “واحد من أكثر المؤلفين الفرديين في القرن التاسع عشر”.
موسيقى أخرى
بالإضافة إلى سمفونياته وشعره السيمفوني ، عمل سيزار فرانك أيضًا على الكثير من الموسيقى ، والتي خرجت إلى حد ما من الأزياء ، مثل موسيقى الحجرة ، والتوجيه ، والخيال ، والموسيقى الضخمة ، وموسيقى الكورس ، وموسيقى الأرغن. في هذا الأخير استعار كلا من الموسيقى الفرنسية ومن يوهان سيباستيان باخ ، الذي أصبح ، بعد جهود مندلسون ، أكثر شعبية. كان فرانك مؤسسا لموسيقى الحجرة الفرنسية الحديثة ، بما في ذلك خماسيات البيانو ، والرباعية الرباعية وأبناء الكمان – وكلها شكل دوري.
غابرييل فوريه كان في الأساس نقيض لفاغنر من فرانك وأسلوب مستوحى من الألمانية. لقد مثل النظام والقيود كأركان أساسية. كان Fauré طالبًا في Saint-Saëns. كما أن Fauré تلهم Gounond ، حيث كانت الألحان أسهل وبدون القطع الموهوبة. في نهاية المطاف ركز على أنواع الموسيقى مع طاقم كبير ، ربما يعرف باسم القداس. نحو النهاية ، أصبحت Fauré ذات شعبية متزايدة في الشكل الموسيقي ، وكانت الألحان الصغيرة ترتبط في كثير من الأحيان ببعضها البعض ، بعيدًا عن فاغنر ، يمكن للمرء أن يأتي في ذلك الوقت.