낭만주의 음악은 약 1 ~ 3 년 사이의 음악 역사적인 시대입니다. 1830 년과 1910 년. 문학과 회화, 즉 개인주의, 애국심, 자유의 욕구, 목표의 길이와 추구와 같은 다른 예술에서의 로맨스와 닮았다. 음악의 로맨스는 문학과 예술의 로맨스와 관련하여 상대적으로 늦게 왔으며 훨씬 오래 지속되었습니다.

이시기는 고전주의와의 단절된 전환으로 시작되었지만 이것에 대한 명백한 위반으로 시작되었습니다. 요셉 하이든 (Joseph Haydn), 볼프강 아마데우스 모차르트 (Volfgang Amadeus Mozart), 초기 루트비히 판 베토벤 (Early Ludwig van Beethoven)의 고전은 계몽주의, 명료 함, 침착 함 및 균형감의 고전적 이상에 초점을 맞춘 반면 로맨스는 감정적으로 역동적이며 강한 대조를 보였다. 무언가에 대한 갈망과 그 여행은 여행의 목적보다 더 중요했습니다. 리처드 바그너, 주세페 베르디와 요하네스 브람이 높은 우세를 보였습니다. 동시에 러시아, 체코, 스칸디나비아 등 여러 국가와 지역에서 국가 로맨스가 점차 지배적으로되었습니다. 여기에는 포크 음악의 영향을 받거나 국가에서 영감을 얻어 자신의 음악을 작곡해야한다는 생각이있었습니다. 낭만주의가 끝나갈 무렵, 음악은 낭만적 인 이상에서 더 현실주의로, 덜 감정적 인 움직임으로, 그리고 신고전주의 풍 또는 impresionist 스타일로 옮겨갔습니다.

높은 낭만주의 시대
로맨틱 한시기는 음악의 발전과 발전에있어 가장 지배적 인시기입니다. 오페라는 특히 와그너의 극적인 오페라와 베르디의 멜로디 오페라의 중요한 발전을 이루었습니다. 이 두 개의 오페라에서도 독일과 이탈리아의 오페라가 점점 더 지배적이었습니다. 특히 조르쥬 비제 (Jorges Bizet)와 줄스 마스네 (Jules Massenet)와 같은 몇몇 프랑스 오페라 작곡가가 나타났습니다. 이 기간 동안 극적이고 진지한 오페라가 강하게 돌아 왔습니다. Operette는 Jacques Offenbach와 Johann Strauss dy와 함께 커다란 발전을 이루었습니다.

Valser는 점점 인기를 얻었지만 국가 및 국가 춤은 음악을 춤출 때보 다 더 많은 오케스트라 작품이되었습니다. 동시에, 발레는 결국 러시아로부터 도움을 얻어 부스트를 얻었습니다. 교향곡은 오랫동안 좌절했지만 Johannes Brahms, Anton Bruckner, Antonín Dvořák 및 Pjotr ​​Tsjkovsky의 인기로 다시 돌아 왔습니다. 국가 낭만주의 기간은 러시아, 체코 공화국 및 북유럽 지역에서 특히 두드러졌습니다. 브람스 (Brahms)는 여러 장르의 여러 작곡과 함께 다양한 활동을 펼쳤다.

기간은 세대 간 변화로 시작되었습니다. 멘델스존은 1847 년에 사망했고, 도니 제티는 1848 년에, 쇼팽은 1849 년에 사망했다. 슈만은 1850 년에 정신병에 걸렸고 1856 년에 사망했다. 1850 년 이후 마이어 버어는 훨씬 작게 구성되었다. 새로운 작곡가들은 이전 세대 아래에 또는 반란군. 너무 많은 장르와 많은 국가의 발전으로 음악은 이전보다 훨씬 덜 통제되고 훨씬 작아졌습니다.

발저와 다른 춤
Johann Strauss는 1825 년에 자신의 오케스트라를 시작하여 왈츠의 대중화에 중요한 역할을했습니다. 비엔나 계곡 (Viennese Valley)으로 알려진 뒤에 숨어있는 사람도있었습니다. 그의 현대 왈츠는 특히 런던에서 1838 년에 유럽 전역에서 쏟아져 나왔습니다. 그는 1840 년에 노르웨이에 왔고 비엔나의 대중을 거기에서 유명하게 만들었습니다. 그러나 Strauss는 연장자가 Radetzkymarsj를 제외하고 초기에 집에 돌아갔습니다. 그러나 그의 두 아들 Johann Strauss와 Josef Strauss 또한 선구자였다. 습지와 폴란드도 가족들과 합류했습니다. 특히 스트라우스는 1867 년에 DanubefromDon scönen blauen을 매우 인기가 있습니다. Strauss Dy는 그의 아버지와 Schubert가 전에했던 것처럼 여러 춤과 조각의 주기로 계속 롤을 개발했습니다. Strauss Dy는 또한 더 복잡한 청중들 사이에서 왈츠를 더 잘 받아 들일 수 있도록 도와주는 정교한 시작과 결말 및 작품 사이의 전환을 추가했습니다.

호세 스트라우스 (Jose Strauss)는 형제 인 요한 슈트라우스 (Johann Strauss)가 감히 자신의 형제 인 에두아르 (Eduard)와 함께 지배적 인 성가대 지휘자 인 작곡을 한 후에되었다. Josef Strauss는 왈츠와 교향곡을 결합하는 데 관심이 있었으며 새로운 음악을 두려워하지 않았습니다. 그 중에서도 그는 바그너의 오페라 ‘트리스탄 (Tristan)’과 ‘이졸데 (Isolde)’를 롤링 콘서트에 포함 시켰기 때문에 오페라가 시작되기 전에 많은 관객들이 여러 곡을 알고 있었다.

그러나, 더 많은 지역 댄서들이 히트를 치고있었습니다. 쇼팽은 폴란드와 1860 년대 후반에 브람스가 헝가리 무용으로 영감을 얻은 마수르스크와 폴란드를 작곡했으며, 바이올리니스트 인 에두아르드 레 메니 (Emduard Reményi)와의 콘서트에서 영감을 얻은 것으로 보인다. 헝가리의 춤은 Brahms에게 재정적으로 수익이되었습니다. 1870 년 Antonín Dvořák은 슬라브 댄서와 함께했습니다. 그가 함부르크에서 만난 Reményi와 헝가리 정치 난민들을 통해 민속 음악의 영향을 크게 받았던 Brahms와는 달리 Dvořák의 Slavic 댄서는 인위적으로되어 외부의 영감을 얻지 못했습니다.

발레
프랑스 혁명 기간 동안 프랑스의 발레는 고통을 겪었고 그 뒤를 이어 작곡가들을 두렵게하거나 귀족의 능력을 약화시켰다. 그러나 발레단은 1830 년대에 로맨스가 부상하면서 다시 번성했다. 로맨틱 발레에서는 오페라처럼 초자연적 인 것이 중요했습니다. 예를 들어, 주인공이 자신의 결혼식 직전에 요정과 사랑에 빠지는 실피 든 (Sylphiden)이 그 예입니다. 특히, 댄서 Marie Taglioni와 그녀의 아버지, 안무가 Filippo는 낭만주의 스타일의 개발에 필수적이었습니다. Marie Taglioni가 발레에서 평소보다 훨씬 설득력있는 연주를했기 때문입니다. 이시기의 가장 유명한 발레 중 하나는 아돌프 아담 (Adolphe Adam)의 음악과 함께 지젤 (Giselle)이었습니다. 또한 초자연적 존재들,이 경우에는 결혼하기 전에 죽은 처녀들의 영혼들로 특징 지어진다.

발레는 주로 춤과 안무가에 중점을 두었고, 남성 댄서에게는 그다지 적지 않았습니다. 따라서 남성 발레 댄서가 훨씬 적었습니다. 이것은 서유럽에서 발레의 인기를 방해하는 데 도움이되었습니다. 러시아에서는 춤, 특히 남성 춤이 국가 정체성의 중요한 부분 이었지만 초기부터 발레는 남성 측면에서의 극적인 춤을 연출했다. Marius Petipa의 안무와 Pjotr ​​Tsjajkovsky 작곡의 결합이 구조되었습니다. 차이코프스키 음악은 무용수들에게 잘 적응되어 안무가와 무용가의 그늘에서 작곡가를 얻는 데 성공했다. 그의 작곡 인 Lake Swan (1876), Tornerose (1889), Nutcracker (1892)는 서쪽에서도 발레의 인기를 높이는 데 결정적인 역할을했습니다. 차이코프스키는 겸손하기 쉬운 좋은 멜로디, 모험적인 이야기와 분위기에 어울리는 화려한 오케스트레이션, 발레 댄스의 움직임에 아주 잘 어울리는 멜로디를 찾는데 성공했다. 또한 그는 교향곡 발레곡을 훨씬 더 많이 만들었습니다.

오페라와 오페라
오페라는 그랜드 오페라에서 그랜드 오페라와 오페라 코미크가 혼합 된 오페라 리리 케 (Opera Lyrique)로 진화하려고했습니다. 이것은 Meyer Beer의 스타일에 딱 들어 맞았습니다. 비록 그가 1850 년에 비교적 높은 성공을 거뒀음에도 불구하고 그의 스타일은 어쨌든 벗어날 수있었습니다. 대신 Charles Gounod와 Jules Massenet은이 오페라 스타일에 의해 지배당했습니다. 그러나 오페라는 프랑스 오페라의 측면에 서 있던 두 명의 작곡가, 즉 바그너와 베르디에 의해 곧 지배 당했다. 또한 레오 델리 베스 (Leo Delibes)와 조르주 비제 (Georges Bizet)와 같은 다른 재능있는 오페라 작곡가가 등장했습니다. 그는 오페라에 이국주의와 사실주의를 더했습니다.

리처드 바그너
그러나 바그너의 경우 1848 년 혁명의 해는 정치적 헌신이 특징이었으며 혁명적 활동으로 망명 생활을 시작했습니다. 와그너는 또한 “마지막 교향곡은 이미 쓰여졌다”고 말한 베토벤의 9 번 교향곡의 미래 예술을 포함한 음악 분석을 썼다. 1850 년에 그는 익명으로 반 유대주의 작품 인 유다 심판 (Judas Judgment in Music)을 썼다. 유태인은 유대인을 일반적으로 비난했다. 특히 Meyerbeer와 Mendelssohn은 특히 낭만적 인 음악을 뒤로하고있다. Wagner가 경쟁사에 대해 너무나 부정적인 의견을 갖고 있다는 것은 별다른 특징이 아닙니다. Verdi (아래 논의)가 Wagner에 대해 많은 의견을 가지고 있었음에도 불구하고 Wagner 부인의 일기에있는 메모를 제외하고는 현재 아무런 진술도 발견되지 않았으며 Wagner의 Verdi에 대한 사소한 제정신 만이 현재 알려진 바 있습니다 그리고 더 많은리스트.

그러나 바그너의 요점은 그가 독일 주제로 독일어 오페라를 놓쳤다는 것인데, 웹의 헌터의 빵이 주로 주와 흥미가 없어 졌기 때문이다. Wagner는 The Flying Dutchman과 Tannhäuser와 함께 성공했으며, 1857 년 Wagner가 1850 년에 바이마르 (Weimar)에서 쓴 것처럼 Lozgrin이 Lohengrin을 설립했을 때 그는 오페라 작곡가로 재임했다. Lohengrin은 성공했고 바그너의 중세 전설과 독일 민속에 대한 미래의 매력을 예언했다. 모험, 종종 도덕적이며 상징적입니다. 개막식에서 영웅들 중 한 명은 데인을 물리 쳤고 헝가리리스트가 감독 한 휴전을 깨뜨린 헝가리 인들과의 전쟁에 관한 이야기이기도합니다.

바그너 (Wagner)는 1848 년 그의 주요 작품 인 Nibelungenring (네 부분의 오페라주기)을 시작했습니다. 첫 번째 부분 인 Rhingullet은 1854 년까지 준비가되지 않았고, 다음 부분 인 2 년 후 Valkyria가 준비되었습니다. 두 사람 모두 Search Motiv를 사용합니다. 즉, 오페라의 주제 인 분위기 나 사람을 강조하기 위해 수시로 반복되는 멜로디 파트입니다. 멜로디는 오케스트라, 노래 또는 합창단에서 가능한 한 가장 좋은 지점을 나타낼 수 있습니다. 따라서 바그너의 검색 모티프 사용은 베를리오즈의 아이디어 수정을 상기시킨다. 다른 점은 Wagner가 Tristan과 Isolde와 동일한 오페라에서 여러 곡을 사용할 수 있다는 것입니다. 또한 Wagner는 너무 자주 사용하여 동기가 중복 된 동작을 설명하는 프로그램을 만듭니다. 멜로디는 그 행동을 더욱더 안내하고, 오페라에서 동시에, 상충되고 강화 된 감정을 만들 수 있습니다. 바그너의 비서실은 또한 모차르트, 베토벤, 체루 비니, 웨버 그리고 실제로 메이어 베어의 영향을 받았다. 바그너는 이전 작곡가 베토벤과 글룩을 제외하고는 과거와 밀접한 관계가 있음에도 회의적이었다.

음악적으로 바그너의 오페라는 종종 트리스탄 (Tristan)과 이졸데 (Isolde)와 같이 복잡한 색채 코드 변화가 있습니다. 연대 기 (기호 없음)와 반음계 (서명 포함) 음악 사이에 최소한 삼백 년 된 믹스와 바그너의 음악 대부분의 구성 요소는 안정 및 불안정한 구절 사이에 있습니다. 이것은 종종 길이 감각과 만족스럽지 못한 욕구를 불러 일으켰습니다. Wagner가 많이 사용한 Weber 출신의 낭만적 인 이상형이었습니다. 또한 바그너는 오케스트라와 가수가 모순 된 인상을 줄 수 있다는 점을 의식하여 벨 카누와 최종 합의를 도출해 냈습니다. 바그너의 아이디어는 노래, 오케스트라, 무대 장치 및 연극이 강력한 극적인 표현을하기 위해 충돌 한 완전한 오페라였습니다.

주세페 베르디
Wagner는 Rienzi와 함께 획기적인 10 곡의 오페라를 작곡했으며, Nabucco와의 획기적인 차이로 Verdi 26을 썼으며, Wagner가 리드 모티프와 오케스트라 사용으로 가장 유명했던 Giuseppe Verdi는 좋은 멜로디를 작곡하는 능력으로 가장 유명했습니다. 캐릭터 캐릭터, 감정 및 상황을 캡처합니다. 가치는 또한 현실 주의자였으며, 그의 행동은 신과 괴물이있는 신화의 세계가 아니라이 세상과 가장 관련이 있어야했습니다. Verdi는 Wagner와는 대조적으로, 오케스트레이션이 가수를 압도해서는 안되며 색과 분위기를 추가해야한다고 우려했다. 바그너는 많은 다른 출처가 혼합 된 자신의 서점을 직접 썼다. 베르디는 윌리엄 셰익스피어, 프리드리히 폰 쉴러, 바이런 경, 빅토르 위고, 볼테르, 알렉산드르 뒤마 등이 연극을 선택하는 데 열중했다.

베르디스의 주요 돌파구는 그가 정치와 도시 부산에서 은퇴 한 때였 다. 그곳에는 Alexandre Dumas dy의 작품을 기초로 한 스페인 극작가 안토니오 가르시아 구티에레스 (Antonio García Gutiérrez)와 라 트라비아타 (La Traviata)의 작품을 기반으로 한 빅토르 휴고 (Victor Hugo), 일 트로 파토 (Il Trovatore)의 조각을 기반으로 삼부작 리골레토 (Rigoletto)를 쓸 시간이있었습니다. 모두가 전통 벨 카토 오페라와 멜로디 사용을 결합하여 주인공의 성격과 주요 분위기를 강조합니다. 이것은 음악과 노래 스타일이 역할의 특징이되었다는 것을 의미했습니다. 동시에 그는 과거의 사건에 대해 관객에게 상기시키기 위해 동기를 사용했습니다. 베르디는 Wagner의 Search Motiv와 동시에 Verdi를 소개했으나 Wagner의 원칙과는 달리 Verdi의 동기는 앞으로 행동을 유도하거나 갈등이나 다른 동기를 창출하는 것이 아니라 행동을 더 가깝게 묶는 것이 었습니다. Verdis의 모티프 역시 새로운 것은 아니 었습니다. 예를 들어, Donizetti는 이미 1835 년에 사용되었습니다. Verdi의 오페라는 Rossini와 Donizetti의 Bell Canto 오페라와 그리 멀지는 않지만 Rossini의 오페라 표준에서 빌려 왔습니다.

베르디가 오페라에서 풍성해진 후에, 그는 오페라에서 기술을 빌려 최신 희곡과 이국적인 테마 및 사운드 이미지 (아이다)를 도입하여 최신 오페라에 더욱 부지런히 취했습니다. Verdi가 작곡 한 두 편의 오페라는 셰익스피어 오페라, Otello 및 Falstaff이며 비극적 인 오텔로 (Otello)와 만화 (Falstaff) 오페라의 훌륭한 사례 인 Macbeth의 초판을 더욱 정교하게 만든 것입니다. 후자는 베르디의 유일한 희극이었고, 또한 대통령직에서 양자리와 함께 칸토 오페라를 불러내 기보다는 사람들과 상황을 극적으로 특성화했기 때문에 바그너의 일부 특징을 가지고 있습니다.

기타 오페라 및 오페레타 작곡가
재능있는 프랑스 오페라 작곡가가있었습니다. 조르주 비제는 실론 (오늘의 스리랑카) (진주 물고기)과 세비야 (카르멘)에서 이국적인 작품을 썼다. Camille Saint-Saëns는 Samson에게 Dalila (성경 오페라)를, Léo Delibes는 Lakmé를 인도에 추가했습니다. 이 중 카르멘은 즉각적이고 회고 적으로 성공한 점과 행동의 현실성을 구분했다. 카르의 관능적이고 자유로운 삶은 그녀가 집시 소년이어서 사회 밖에서 모든면에서 관련이 있습니다. 러시아와 체코에는 오페라도 있었는데, 이것에 대해서는 민족주의를 참조하십시오.

나폴레옹 3 세가 권력을 잡은 후, 심각한 오페라는 면밀히 관찰되었고, 코믹 오페라 오페라 부페는 자유롭게되었습니다. 이것은 오페레타, 즉 전통 오페라 코믹보다 훨씬 더 많은 연설을하는 오페라에서 특히 사용되었습니다. 희극과 풍자극에서 가장 중요한 작곡가는 자크 오펜 바흐 (Jacques Offenbach)였다. 오펜 바흐의 획기적인 성과는 오르페우스가 오르페우스의 오르페우스 (Orfeus)가 테레 보르 (Orfeus)가 다른 뮤지션과 정말로 사랑에 빠졌지 만 Evrydike (soprano)와 실수로 결혼하여 “대중의 의견”(mezzo soprano)을 두려워해서 결혼했기 때문입니다. 그는 명왕성이 그녀를 사랑하고 행복하게 살고 있기 때문에 그녀의 죽음을 조정합니다. Evrydike도 남편으로 명왕성에서 사형 집행을합니다. Offenbach는 또한 퇴폐적 인 사람들이 갤럽 (일종의 춤)으로 춤을 추었을 때를 포함하여 좋은 멜로디를위한 귀를 가졌습니다. 멜로디는 나중에 can can과 밀접하게 연결됩니다. 동시에, 오페라를 재미있게 만든 오페라는 18 세기 초반의 현악기 곡 번호, 현대 현대의 숫자, 볼레로스, 판고뇽, 사각근, 롤러 등 캔 캔과 갤럽 외에 많은 것을 수집했습니다.

오펜 바흐의 대중성은이 연극 이후 극적으로 증가했으며, 아름다운 헬레나와 라 파리 음악으로 많은 나라의 다른 오페레타 작곡가와 코미디 오페라 작곡가에게 영감을주었습니다. 그들 중 한 명은 1874 년에 박쥐에게 큰 성공을 거둔 요한 스트라우스 (Johans Strauss)의 Dy 였고 이후 HMS Pinafore의 아서 설리반 (Arthur Sullivan)과 WS 길버트 (Gilbert)와 만화 오페라 시리즈가있었습니다. 이것은 영어 (와 영어에서 태어난) 작곡가가 1600 년대 후반 Henry Purcell 이후 처음으로 음악을 부르는 데 도움이되었다는 것을 의미합니다.

교향곡
심포니는 1850 년대 무렵 음악가들에게 주로 발생하기 시작했다. 예를 들어, 파리의 주요 콘서트 홀은 하이든, 모짜르트, 베토벤의 클래식 교향곡과 멘델스존과 슈만의 초기 로맨스를 연주하는 데 사용되었습니다. 콘서트를 준비한 Pasdeloup는 결국 프랑스 음악 학생 Gounonds와 Saint Saëns 교향곡을 연주하도록 설득되었지만 Bach가 다시 발견되고 Händel이 항상 인기를 얻었던만큼 돌아갔습니다. 동시에, 1848 년부터 1857 년까지 Frans Lizst의 교향곡시에는 새로운 형태의 음악이 등장했습니다.이 작품은 철학, 문학 또는 회화가 특징 인 오케스트라의 독주 작품이었습니다. 이것은 Berlioz와 일치하는 프로그램 음악 이었지만 서술보다는 설명력이 뛰어났습니다. Lizst는 획기적인 조화와 19 세기의 나머지 부분을 특징 짓는 오케스트라 효과에 성공했습니다. 작업의 교향곡은 특히 음조 형식의 윤곽으로 표현됩니다.

요하네스 브람스 (Johannes Brahms)가 현대 음악과 오래된 교향곡을 통과 한 취향 사이의 완고한 상황을 벗어 났을 때 장르의 교향곡이 강하게 돌아왔다. 그는 동시대 교향곡을 작곡하여 두 곡을 결합한 곡을 동시에 현대적인 곡으로 선택했습니다. 브람스는 슈만 (Schumann)으로부터 영감을 얻었으며, 따라서 그는리스 트 (Liszt)와 베를리오즈 (Berlioz)와는 반대로 고전적인 지부에 속했다. 그러나 브람스는 바그너의 음악에 거의 영향을 미치지 않았음에도 불구하고 바그너의 트리스탄과 이졸데의 음악에 영향을받은 것으로 보인다. 이것은 그의 교향곡이 완전히 또는 완전히 프로그램 방식이 아니 었음을 의미합니다. 이것은 또한 브람스가 베토벤의 다섯 번째 교향곡의 영향을 크게 받았기 때문에 강조된다. 그것은 또한 결승에서 베토벤의 9 번째 교향곡으로부터 영감을 얻었습니다. 그것은 주로 온음계와 멜로디 스 였지만 목소리에 유색 선이있었습니다. 교향곡은 1860 년대에 작곡되었지만 1876 년에 출판되지는 않았습니다.

모든 브람스 교향곡의 특징은 절대적으로 절대적인 음악이었으며 어떤 종류의 프로그램 음악도 없었습니다. 베토벤과 마찬가지로, 브람스는 연설의 톤에서 낭만적이면서도 첫 번째 부분의 소나타 형태, 두 번째 부분의 라루 고, 세 번째 부분의 세르지오 형식에 대한 존중을 나타내었다. 그럼에도 불구하고, 브람스는 현대 음악에 관심을 가지고 영향을 주었고, 따라서 이들을 몇 가지 방식으로 결합시켰다.

브람스가 1860 년대 초반에 교향곡을 작곡했을 때, 그는 혼자만의 것이 아니었고, 안동 브루크너는 1865 년에 처음으로 9 편의 교향곡을 작곡했다. 그러나 그는 종종 그들을 다시 작곡했으며, 브람스와 동시에 전에도 이길 수 없었다. 브루크 너는 브람스와 달리 바그너에게 더 친숙했으며, 브람스보다 프로그램 음악의 방향을 훨씬 더 많이 편곡했다. 그러나 브루크 너는 베토벤과 특히 9 번 교향곡에 관심이 있었다.

Tshechkovsky는 또한 교향곡을 썼다. 그의 첫 번째 노래는 1867 년에 나왔다. Tsjkovsky는 서구 지향적 인 러시아 음악을 재발견하고자했던 “대담한 다섯”와는 달리 더 이상 논의되지 않았다. Tsjovkovsky가 심포니 프론트를 쳤던 것은 네 번째 교향곡 때뿐이었습니다. 그런 다음 그는 발레 곡과 피아노 연주로 이미 성공을 거두었습니다. 1878 년 Tshechkovsky 교향곡 4 번은 획기적인 발전을 보였습니다. 그 중 하나는 형식적인 절차가 있었기 때문이었고 부분적으로는 강한 하모닉 악기를 사용했기 때문이었습니다. 그러나, 그의 번호가없는 Manfred 교향곡이 가장 유명합니다.

교향곡은 프랑스에서도 쓰여졌다. 1871 년 César Franck, Camille Saint-Saëns와 다른 몇몇 작곡가들은 프랑스 음악을 홍보하기로 결정했습니다. “Ars Gallia”라는 모토 아래, 이전에는 크게 인상적인 조직자였던 Franck이 작곡하기 시작했습니다. 처음에는 교향곡시 였지만, 높은 개 심자가 끝날 무렵 그는 교향곡을 작곡하기 시작했습니다. 그의 교향곡은 부분적으로는 우울함 때문에 사임했으나, 4 개의 문장을 분리 된 것으로 취급하는 대신 한 가지 속도에서 다른 속도로 주제를 취했기 때문에 사임했다. 또한 요한 세바스찬 바흐와 비교 된 프랑크는 그의 작품에서 대위법을 잘 사용했다.

국가 낭만주의
유럽의 여러 장소에서 음악에 국가적으로 낭만적 인 움직임이 나타났습니다. 그 이유는 점점 더 많은 국가에서 수집 된 인기있는 신문을 음모를 꾸미거나, 국가 고유의 음악 스타일을 찾거나, 노래와 음악으로 국가를 외칠 수 있기 때문일 수 있습니다. 높은 지배력을 지닌 곳은 특히 러시아, 체코, 스칸디나비아의 국가적 로맨스로 나타 났으며, 독일 음악에 직접 참여하지 못했다고해도 잠시 동안 나타났습니다. 그러나 프랑스에서는 작곡가 그룹이 베토벤이나 바그너 같은 독일인에게서 영감을 얻은 프랭크 (Franck)와 딜리버스 (Delibes) 같은 작곡가들에 반대했다. 이들은 오히려 자신의 건물에 프랑스 음악을 씁니다. 작곡가 중 한 명은 Camille Saint-Saëns였습니다. 그는 C-mole에서 오르간 교향곡으로, 그리고 만화 동물의 카니발에서 거대한 조각으로 유명합니다. 거북이는 오펜 바흐의 엄청난 버전의 엄청난 버전입니다.

러시아 제국
러시아는 미하일 글린 카가 1830 년대에 오기 전에 작곡가들을 배출했다. 그의 첫 오페라, 차르의 삶은 차르와 정부를 외치는 것 외에도 러시아의 특징이 분명했다. 음악은 모달 규모로 주로 서구의 메이저 및 마이너 스케일로 대체되었지만 여전히 러시아에서 사용되었습니다. 그러나 그의 다른 오페라 인 Russlan과 Lyudmila (1842)는 헬름 비늘, 색채, 불협화음과 민속 음악의 변형을 사용하여 실제 국민의 관심을 끌었으며, Tsar의 삶은 더 위생적이었습니다.

Glinkas 오페라는 그가 전형적인 러시아 사람 이었기 때문에 서쪽을 강타했다. 그러나 그를 따라 갔던 러시아 작곡가는 두 가지 주요 범주로 나뉘었다 : 더 현대적이고 서양적인 음악 스타일 (Tsjajkovsky)을 찾은 사람들과 그들 자신의 러시아 음악을 공부하고 싶은 사람들 부분 (종종 “The Five”또는 “Thefulful Handful”이라고도 함). 차이코프스키의 음악은 서부극에 속하므로 개별 소그룹에 속하며 5 명의 작곡가가 러시아어를 검색하는 것은 너무나 중요하여 대부분이 오페라와 교향곡의 경우에 해당됩니다.

Tsjaijkovsky 발레와 교향곡은 이미 언급되었지만 Eugen Onegin과 Spar Dame 같은 오페라를 썼다. 이 중 전자는 분명히 알려졌으며, 이후 러시아 국립 오페라를 떠올리게하는 지위를 얻었다. 체첸의 가장 유명한 작품 중 하나는 1812 년의 오버추어 (Overture)로 독립적 인 작품이며 오페라와 연결된 전통적인 간음인이 아닙니다. 나폴레옹 보나파르트 상공에서 러시아인들의 승리를 기념하는이 타조는 마르세이유에 대항하는 러시아 코사크, 민요 선율 및 황제에 대한 언급으로 가득 차 있습니다. 후자는 tsarhym이 1812 년 이후에 오래 쓰여졌 고 나폴레옹 보나파르트는 1805 년에 마르세이유를 금지했다는 사실에도 불구하고.

Five는 Milij Balakirev, Alexander Borodin, Cesar Cui, Modest Musorgsky 및 Nikolaj Rimskij-Korsakov로 구성되어 있습니다. 5 개는 러시아 음악에 대한 독일과 이탈리아의 영향에 반대했지만 Berlioz와 Liszt의 음악에도 영향을 받았다. 쿠이는 회고록에서 모차르트와 멘델스존에 대한 존경심없이 슈만과 리스본과 베를리오즈에 대한 열정과 쇼팽과 글린 카의 여신에 대한 비판에 대해 그들이 젊고 잔인하다고 비판했다.

5 명의 작곡가 중 Cui와 Balakirev는 나중에 작곡하기에 더 큰 의미가 없었다. 보로딘은 백인과 중앙 아시아 주제를 그의 음악, 특히 Opera First Igor (완료되지 않음) 및 그의 교향곡에서 사용했으며, 교향곡의시 중앙 아시아의 계단에서 언급했습니다. 그러나, 그는 바쁜 사람이었습니다 (그는 화학 교수였습니다). 작문 할 시간이 거의 없었습니다. 그럼에도 불구하고 그의 두 교향곡은 베토벤으로부터의 대출금이 훨씬 적으므로 이들을 썼기 때문에 다른 교향곡 작곡가들보다 과거의 영향을 훨씬 덜 받았다.

Musorgskij는 우크라이나의 배경을 가졌지 만 그의 생애 대부분을 상트 페 테르 부르크에 남기고 결코 해외로 떠나지 않았습니다. 그의 가장 유명한 작품 중 두 작품은 블로크스 버그 (Bloksberg)에서의 한 밤 (1867 년 사망 후 공연)과 피아노 작품 전시회 (1874 년)에서 촬영 한 심포지엄시입니다. 프로그램 음악 외에도 Musorgsky의 음악은 이국적인 음악에 대한 매력과 함께 로맨스보다 사실주의라고 할 수 있습니다. 따라서 살람 오페라 (Salambô Opera)와 같은 그의 음악은 카르멘에 대해 상기시켜줍니다. 또한, Musorgsky는 음악과 예술이 그 자체로 끝나는 대신 인간의 말을 도와야한다고 믿었습니다. 중요한 음악의 법칙은 언제나 변화하고 깨져야합니다. 알렉산더 푸쉬킨 (Alexander Pushkin)의 한 작품에 기초한 오페라 보리스 고두 노브 (Opera Boris Godunov)는 Musorgsky가 러시아의 연설 패턴을 모방 할 때 연설에 매료되었다고 강조했다. Borodin과 Tsjajkovsky의 Eugen Onegin의 First Igor와 함께 Boris Godunov는 러시아에서 가장 많이 연주되는 오페라이다.

니콜라이 림 스키 코르사코프 (Nikolaj Rimskij-Korsakov)는 아이러니하게도 음악 교육을받은 다섯 명 중 유일하게 1871 년 교수가되어 그의 학생보다 한 발 앞서 나가기 위해 공부해야만했다. 5 명조차도 서구 지향적 이었기 때문에 음악 교육에 회의적이었습니다. 그런데 Rimskij-Korsakov의 교육 덕분에 많은 러시아 음악을 절약 할 수있었습니다. 그리고 다른 곳에서는 Glinka, Musorgskij 및 Borodin을 편집하여 음악의 생존을 보장했습니다. 러시아와 서유럽의 지휘자로서 그는이 분야에 음악을 수출하는 데 성공했습니다. Rimskij-Korsakov는 오페라를 썼지 만 Borodin ‘s, Tsjovkovsky ‘s 및 Musorgsky의 작품만큼 주목을받지 못했습니다. Rimskij-Korsakov의 강점은 오케스트라에서 모든 악기를 연주 할 수 있었기 때문에 오케스트레이션에 능숙했습니다. 그의 Capriccio espagnol와 Scheherazade는 프랑스의 제목과 스페인 영감을 가지고 있고 다른 하나는 1001 밤에 주인공의 이름을 딴 것이기 때문에 특히 아이러니하게 유명해졌습니다.

체코 공화국
체코 작곡가는 만하임 학교 밑에 표시되었지만 대부분 독일 음악과 관련이 있습니다. 그러나 19 세기 후반에 민족주의 파동은 주로 Bedřich Smetana와 Antonín Dvořák이 이끌었다.

처음에는 스메타나가 나왔습니다. 그는 체코 음악의 창시자로 간주됩니다. Smetana는 체코 공화국의 독립에 관심을 갖고 있었으며, 동시에 음악으로도 바빴습니다. Praha는 중요한 음악 센터 였고 Berlioz, Liszt와 Robert와 Clara Schumann을 만났습니다. 그는 모두 그에게 많은 영향을 미쳤습니다. 예테보리에서의 체류 후에 그는 보헤미아로 돌아 왔습니다. 이것은 그가 두 번째 오페라 인 The Solded Bride (1866)를 연출한 곳으로 많은 국가의 낭만적 인 움직임이있는 코믹 오페라입니다. 나중에 슬라브 춤에서 Dvořák처럼 Smetana는 민속 음악을 직접 만들지 않고 직접 민속 음악을 작곡하고 춤을 추기로 결정했습니다.

이 선거의 배경은 진지한 오페라가 체코의 민속 음악을 기반으로 글을 쉽게 만들 수 있다고 생각한 정치적 정치인들과의 토론 이었지만 체코 문자로 만화 오페라를 쓰는 것은 불가능했습니다. Smetana는 이것이 다른 곡의 포푸리 (potpurri)에서 끝날 것이라고 주장했다. 판매 된 신부의 성공에도 불구하고 스메타나는 다른 오페라에서이 스타일을 버렸다. 그는 심각한 오페라를 시도했고, 마지막 4 개의 오페라에서 스타일은 판매 된 신부와 서로에게서 두드러지게 달랐습니다. Smetanas Má vlast ( “My Homeland”)는 교향곡의 시적 사이클이었으며 특히 Vltava (독일어로 Moldau)가 큰 성공을 거두었습니다.

Smetana가 Lizst와 프로그램 음악에서 영감을 얻은 곳에서 Dvořák는 Brahms와 같은 절대적인 음악가였습니다. 그는 와그너 (Wagner)의 매혹에서 빠르게 회복했으며, 브람스 (Brahms)의 영향을받은 여러 교향곡을 발표했습니다. 물론, 처음 네 개의 교향곡은 드보르자크의 죽음에 대해 알지 못했지만, 마지막 다섯 곡은 점점 더 연주되었다. 그러나 브람스가 고풍스럽고 재기로 고소당한 곳에서, 드보르자크는보다 앞을 내다보고 혁신적인 교향곡 연주자였다. 그러나 Dvořák는 Brahms와 같은 갈망하고 신비한 것이 아니라 장난기 있고 신선한 작곡가였습니다. 그러나 교향곡으로의 가장 위대한 성공은 미국으로의 여행에서 영감을 얻은 신세계에서 교향곡 9 번을 썼을 때뿐만 아니라 체코 음악이 혼합 된 높은 전능 한기를 보냈다. 또한 Stabat Mater와 그의 Requiem은 큰 성공을 거두었으며 H-Moll의 한 두더지와 셀 콘서트에서 바이올린 콘서트도 유럽에서 매우 인기가있었습니다.

북유럽 국가들
북유럽 국가들, 특히 노르웨이는 국가의 로맨스에 영향을 받았다. 북유럽 출신의 많은 작곡가들은 러시아에서와 마찬가지로 민속 음악에 기초한 음악을 프라하에서 한 것처럼 쓰고 있습니다. 특히 스칸디나비아 국가들은 높은 개종자로 자신을 표시했습니다. 핀란드의 장 시벨리우스는 덴마크의 칼 닐슨 (Carl Nielsen)과 함께 처음으로 상원 의원으로 나왔습니다.

덴마크에서는 “북유럽 어조”라는 개념이 1800 년대 중반에 처음 등장했습니다. 이 개발을 시작한 사람은 특히 Niels Wilhelm Gade와 Jens Peter Emilius Hartmann이었습니다. 이 중 교향악자인 Gade는 북유럽 국가들에 가장 큰 영향을 미쳤지 만, 무대 음악가 인 Hartmann은 작곡가로서 Nordic이 더 많았습니다. 아마도 Gade는 유럽에서 더 많이 인정 받게되었습니다. 스웨덴에서는 Franz Berwald가 특히 지배적이었습니다. 그는 실내악과 오페라를 썼지 만, Gade로서 그는 그의 교향곡으로 가장 유명하다. Berwald의 교향곡은 휴식과 리듬을 적극적으로 사용하여 독창적이었습니다. 불행하게도 그에게 스톡홀름은 현대 음악에 대한 준비가 반드시 필요한 것은 아니 었습니다. 그는 자신의 음악에 살지 않았습니다.

스칸디나비아 3 개국 중 유일하게 독립적 인 노르웨이의 경우, 음악 회사 “Harmony”가 베르겐에서 설립 된 1765 년 이후로 대중 음악의 존재가 존재했습니다. 이것은 세계에서 가장 오래된 음악 회사 중 하나입니다. Christiania (오늘날의 오슬로)에서 Lyceum은 1810 년에 대안으로 등장하여 경쟁과 전문성을 제고했습니다. 노르웨이 작곡가가 19 세기 초반에 등장했을 때, 그들은 국가적 사상과 1814 년의 이즈 볼 (Eidsvoll) 사건으로 옮겨졌고, 따라서 초기부터 매우 낭만적 인 분위기를 자아냈습니다. 하모니에서 곧 연주 한 올 불은 민속 음악에 특히 능숙한 강타자 인 마일 라구 텐 (Myllarguten)과 함께 연주했습니다. 이 파트너십은 노르웨이 전역에서 인기있는 대중 음악을 만들었습니다. 결국 Halvdan Kjerulf와 Richard Nordraak와 같은 유망한 작곡가가 등장했지만, 특히 1800 년대 후반 노르웨이는 Edvard Grieg, Johan Svendsen, Christian Sinding과 함께 나타났습니다. Grieg는 노르웨이와 노르웨이의 특수 학급에있었습니다. 북유럽 국가들.

Gade, Hartmann 또는 Berwald에서 북유럽 또는 스칸디나비아를 검색 한 경우 그 리그는 먼저 스칸디나비아 인이 아니라 노르웨이 인이었습니다. Edvard Grieg was not good at the big shapes, but relied on the smaller compositions, such as romances, mowers and piano pieces. Thus he was an opposition to Gade and Berwald. Grieg, for example, has no symphonies, and even sonates he has few of. Another feature of Grieg’s music was that he went to the source when it came to finding the national tone and inspired a lot of folk melodies. At the same time, he gave the people’s melody a personal touch so that it was easier to access even beyond the borders of the country. The Romans of Grieg belong to the very best in the genre. Despite the fact that Grieg was considered a miniature artist, his orchestral work was among the most famous, especially the Peer Gynt suite, which featured songs like Morning Mood, The Dovregubbens Hall and Anita’s dance in the first song and Solveig’s song in the other. Also from Holberg’s time and the piano concert in A-Moll has a big international appeal. Grieg was featured by Longyear as “one of the most individual composers in the 19th century.”

Other music
In addition to his symphonies and symphonic poetry, César Franck had also worked a lot of music, which had to some extent gone out of fashion, such as chamber music, orienteering, fantasy, fuge, choir music and organ music. In the latter he borrowed both from French music and from Johann Sebastian Bach, who, after Mendelssohn’s efforts, became increasingly popular. Franck was considered the founder of modern French chamber music, including his piano quintets, string quartets and violin sons – all cyclical in shape.

Gabriel Fauré was basically an antithesis for Franck’s Wagner and German-inspired style. He represented order and constraint as key cornerstones. Fauré was a student of Saint-Saëns. Fauré also inspires Gounond, where the melodies were easier and without virtuoso pieces. Eventually he focused on music genres with a big crew, perhaps known as his Requiem. Towards the end, Fauré became increasingly popular in the musical form, and little melodies were often linked together, about as far from Wagner one can come at that time.