Musica romantica

La música romántica es un período de música clásica occidental que comenzó a fines del siglo XVIII o principios del XIX. Se relaciona con el romanticismo, el movimiento artístico y literario europeo que surgió en la segunda mitad del siglo XVIII, y la música romántica, en particular, dominó el movimiento romántico en Alemania.

En el período romántico, la música se volvió más explícita expresivamente y programática, tratando con los temas literarios, artísticos y filosóficos de la época. Famosos compositores románticos tempranos incluyen Beethoven (cuyas obras abarcan tanto este período como el período clásico anterior), Schubert, Schumann, Chopin, Mendelssohn, Bellini y Berlioz. A finales del siglo XIX se produjo una expansión dramática en el tamaño de la orquesta y en el rango dinámico y la diversidad de instrumentos utilizados en este conjunto. Además, los conciertos públicos se convirtieron en una parte clave de la sociedad urbana de clase media, en contraste con períodos anteriores, cuando los conciertos eran pagados y representados principalmente por aristócratas. Famosos compositores de la segunda mitad del siglo incluyen a Bruckner, Johann Strauss II, Brahms, Liszt, Tchaikovsky, Dvořák, Verdi y Wagner. Entre 1890 y 1910, una tercera ola de compositores como Mahler, Richard Strauss, Puccini y Sibelius se basaron en el trabajo de compositores románticos medios para crear obras musicales aún más complejas, ya menudo mucho más largas. Una marca destacada de la música de finales del siglo XIX es su fervor nacionalista, ejemplificado por figuras como Dvořák, Sibelius y Grieg. Otras figuras destacadas de finales de siglo incluyen a Saint-Saëns, Fauré, Rachmaninoff y Franck.

La música romántica a menudo se dividía entre diferentes estilos, a menudo contrastando entre sí. Desde el principio hubo una división entre el Nuevo alemán y la parte clásica. El nuevo estilo alemán estuvo marcado por una clara ruptura con la música anterior. Era más emocional en la expresión y, a menudo, se caracterizaba por la llamada música programática, es decir, la música seguía un programa o estaba inspirada en una obra literaria o en una obra de arte. El estilo opuesto era de orientación más clásica, lo que significa que, aunque era una dirección más romántica, uno podía escuchar la inspiración de Mozart, Beethoven, Haydn y la vieja guardia. Por lo general, tenía más música absoluta, es decir, la música en sí estaba en el frente y no debería mezclarse con otras formas de arte.

Otra distinción fue en ópera. Al principio, la ópera se caracterizaba por los descendientes de Gioachino Rossini, donde las arias bonitas a menudo dominaban las óperas cómicas, o la gran ópera, luchando contra las fuerzas naturales o sociales, los contrastes y los estados de ánimo. Además, la ópera alemana ya había empezado a desarrollarse en una dirección muy romántica desde el Jegerbruden en 1821, donde dominaban los seres sobrenaturales, la batalla contra el mal, el enfoque medieval y las sagas y periódicos públicos alemanes. Esto llevó a Richard Wagner. También creó la idea de Gesamtkunstwerk, que abarca todas las partes de la ópera, desde cantantes hasta orquesta, libreto, escenografía y coreografía, la cooperación para contar un mensaje fuerte. Wagner usó la orquesta en un grado mucho mayor que las óperas anteriores, y escribió las historias él mismo para que pudiera combinar mejor todo. Su claro opuesto fue Giuseppe Verdi, que creó óperas basadas en obras famosas, poemas o novelas, y se centró en la orquestación más simple, todavía se centra en canciones y buenas melodías. Sin embargo, Verdi también fue influenciado por la importancia del drama, aunque mantuvo las óperas de Wagner a distancia. Hacia el final del romance llegó la verdadera ópera, óperas mucho más realistas sobre el presente y sus desafíos, especialmente con Giacomo Puccini como campeón. Estas fueron una sinergia de las ideas de Wagner y Verdis sobre la ópera.

También dentro de las sinfonías, hubo una clara distinción entre los inspirados por Hector Berlioz y Franz Liszt y su música programática (Bedřich Smetana, Anton Bruckner y Pjotr ​​Tsjajkovsky) por un lado, y los partidarios de Mendelssohn y Schumann que se centraron en la música absoluta (John Brahms , Antonín Dvořák y Gustav Mahler) por el otro. Las sinfonías también se inspiraron en parte en las ideas musicales de Wagner. Los fanáticos de la música de programa se inspiraron más a menudo en Wagner, mientras que los seguidores de la música absoluta eran mucho más escépticos.

La música romántica también fue un desarrollo en el ballet, los nuevos estilos aparecieron en la opereta, el valle vienés se convirtió en alboroto y aparecieron muchos virtuosos que elevaron el nivel de los conciertos. Las orquestas crecían y el conductor se volvió más importante. El piano, que ya estaba avanzando en el período anterior, se convirtió en dominante en muchos hogares, y como el principal instrumento para varios conciertos y actuaciones de ciclos de canciones.

Rasgos
Características a menudo atribuidas al Romanticismo:

una nueva preocupación y entrega a la Naturaleza;
una fascinación por el pasado, particularmente la Edad Media y las leyendas de la caballería medieval;
un giro hacia lo místico y sobrenatural, tanto religioso como meramente tenebroso;
un anhelo por lo infinito;
misteriosas connotaciones de lejanía, lo inusual y fabuloso, lo extraño y sorprendente;
un enfoque en lo nocturno, lo fantasmal, lo espantoso y aterrador;
visión fantástica y experiencias espirituales;
una nueva atención a la identidad nacional;
énfasis en el subjetivismo extremo;
interés en lo autobiográfico;
descontento con fórmulas musicales y convenciones.

Tales listas, sin embargo, proliferaron con el tiempo, resultando en un “caos de fenómenos antitéticos”, criticados por su superficialidad y por significar tantas cosas diferentes que no llegó a tener un significado central. Los atributos también han sido criticados por ser demasiado vagos. Por ejemplo, las características de “fantasmal y sobrenatural” podrían aplicarse igualmente al Don Giovanni de Mozart de 1787 y al The Rake’s Progress de Stravinsky de 1951 (Kravitt 1992, 93-95).

En música hay una línea divisoria relativamente clara en la estructura musical y la forma después de la muerte de Beethoven. Ya sea que uno cuente o no a Beethoven como compositor “romántico”, la amplitud y el poder de su obra dieron lugar a la sensación de que la forma sonata clásica y, de hecho, la estructura de la sinfonía, la sonata y el cuarteto de cuerdas se habían agotado. Schumann, Schubert, Berlioz y otros compositores del temprano Romanticismo tendían a mirar en direcciones alternativas. Algunas características de la música romántica incluyen:

El uso de estructuras musicales nuevas o previamente no tan comunes como el ciclo de la canción, nocturne, concierto etude, arabesco y rapsodia, junto con los géneros clásicos tradicionales. La música del programa se hizo algo más común;
Una estructura armónica basada en el movimiento tónico a subdominante o teclas alternativas en lugar de la dominante tradicional, y el uso de progresiones armónicas más elaboradas (Wagner y Liszt son conocidos por sus progresiones experimentales);
Un mayor énfasis en la melodía para mantener el interés musical. El período clásico a menudo utilizaba material temático breve, incluso fragmentario, mientras que el período romántico tendía a hacer un mayor uso de temas más largos, más definidos y más satisfactorios;
El uso de un rango más amplio de dinámicas, por ejemplo de ppp a fff, respaldado por una gran orquestación;
Usar un rango tonal más grande (exp. Usando las notas más bajas y más altas del piano);

Las formas de la música romántica
Sinfonía
Llevada al más alto grado por Ludwig van Beethoven, la sinfonía se convirtió en la forma más prestigiosa a la que se dedicaron muchos compositores. Los más conservadores respetan el modelo de Beethoven: Franz Schubert, Felix Mendelssohn, Robert Schumann o Johannes Brahms. Otros muestran una imaginación que va más allá de este marco, en forma o en espíritu: el más audaz de ellos es Héctor Berlioz.

Finalmente, algunos van más allá de contar una historia a lo largo de sus sinfonías; como Franz Liszt, crearán el poema sinfónico, un nuevo género musical, generalmente compuesto de un solo movimiento e inspirado en un tema, un personaje o un texto literario. Dado que el poema sinfónico se articula alrededor de un leitmotiv (motivo musical que permite identificar a un personaje, el héroe, por ejemplo), es acercarlo a la música con un programa sinfónico.

Mintió
Este género musical apareció con la evolución del piano hacia el piano durante el período romántico. El lied es una música vocal acompañada principalmente por este instrumento. La canción se extrae de poemas románticos y este estilo permite acercar lo más posible la voz de los sentimientos. Uno de los primeros y más famosos compositores de Lieder es Franz Schubert, con El Rey de los Alisos, sin embargo, muchos otros compositores románticos se han entregado al género de los mentirosos como Robert Schumann, Johannes Brahms, Hugo Wolf o Gustav Mahler.

Concierto
Fue Beethoven quien inauguró el Concierto romántico, con sus cinco conciertos para piano (especialmente el quinto) y su concierto para violín. Su ejemplo es seguido por muchos compositores: el concierto compite con la sinfonía en el repertorio de las grandes formaciones orquestales.

Finalmente, el concierto permitirá a los compositores instrumentales revelar su virtuosismo, como Niccolò Paganini en el violín y Frédéric Chopin o Franz Liszt en el piano.

El elemento vocal en la música romántica
La era romántica ya no era un siglo de grandes composiciones vocales. Todavía existían una serie de compositores a capella, exquisitos y refinados, como Mendelssohn y Brahms, que lograron inconcebible armonía y efectos cromáticos en el siglo XVI, que fue la época florida del estilo a cappella. Especialmente en Alemania, los medios para lograr este refinamiento fueron las composiciones corales para hombres, que, sin embargo, no debieron su impulso a razones puramente artísticas, ya que se convirtieron en una expresión de nacionalismo o actividades partidistas, mientras que el resto de manifestaciones basadas en la voz cayó en desuso. Los grandes campeones del período romántico no pensaron, por un momento, componer obras para la iglesia y así contribuir a la escucha de los versículos de la Biblia.

Se escribieron Oratorios, como El paraíso y la peri, de Schumann. Brahms escribió A Requiem alemán, una obra religiosa con texto completamente en alemán. Misas y otras obras religiosas también fueron escritas. El Ave María de Schubert, es una mentira para el canto y el piano.

Instrumentación y escala
Como en otros períodos, la instrumentación se adaptó a los requisitos musicales del período. Compositores como Héctor Berlioz, orquestaron sus obras de una manera nunca antes escuchada, dando un nuevo protagonismo a los instrumentos de viento. El tamaño de la orquesta estándar aumentó y se incluyeron instrumentos como el piccolo y el cuerno inglés, que se usaban muy de vez en cuando. Mahler escribió su octava sinfonía, conocida como la “Sinfonía de los Mil” por la masa orquestal y coral que se requiere para interpretarla.

Además de necesitar una orquesta más grande, las obras del Romanticismo se hicieron más largas. Una sinfonía típica de Haydn o Mozart, compositores del clasicismo, puede durar aproximadamente veinte o veinticinco minutos. Ya la tercera sinfonía de Beethoven, que generalmente se considera como el Romanticismo inicial, dura aproximadamente cuarenta y cinco minutos. Y esta tendencia creció notablemente en las sinfonías de Anton Bruckner y alcanzó sus niveles máximos en el caso de Mahler, con sinfonías que tienen una duración de una hora (como es el caso del primero y el cuarto) a sinfonías que duran más de una hora y un la mitad (como la tercera u octava).

Por otro lado, en el Romanticismo creció la importancia del instrumentista virtuoso. El violinista Niccolò Paganini fue una de las estrellas musicales de principios del siglo XIX. Liszt, además de ser un compositor notable, también era un virtuoso del piano, muy popular. Durante las actuaciones de los virtuosos, solían destacarse más que la música que estaban tocando.

Estos son algunos de los instrumentos que aparecen en el Romanticismo:

Viento

Contrafagot: Especie de fagot de grandes dimensiones, cuyos sonidos se producen a la tumba de octava del fagot ordinario.

Saxofón: instrumento de viento compuesto por un tubo cónico de metal curvo en forma de U, con varias teclas y una boquilla de madera y caña. Hay varios tamaños.

Cuerno inglés: instrumento de viento, más grande y más serio que el oboe.

Tuba: instrumento de viento de grandes proporciones y sonoridad voluminosa y grave.

Teclado

Piano: Aunque ya existía en el clasicismo, el piano es el gran instrumento del romanticismo. Permite la mayor expresividad a los compositores, que son, muchas veces, virtuosos de este instrumento.

Breve cronología
Las raíces clásicas del Romanticismo (1780-1815)

En la literatura, a menudo se dice que el Romanticismo comenzó en la década de 1770 o 1780, con el movimiento alemán llamado Sturm und Drang. Fue influido principalmente por Shakespeare, sagas populares, reales o de ficción, y por la poesía de Homero. Escritores como Goethe o Schiller cambiaron radicalmente sus prácticas, mientras que en Escocia, Robert Burns tradujo la poesía de canciones populares. Este movimiento literario se reflejó de diversas maneras en la música del período clásico, incluida la obra de Mozart en la ópera alemana, la elección de canciones y melodías que se utilizarían en las obras comerciales y en el aumento gradual de la violencia en la expresión artística. Sin embargo, la capacidad o el interés de la mayoría de los compositores para adherirse al “Romanticismo y la revolución” estaba limitado por su dependencia de los tribunales reales. Un ejemplo de esto es la historia del estreno de Le nozze di Figaro de Mozart, que fue censurado por ser revolucionario.

Incluso en términos puramente musicales, el Romanticismo tomó su sustancia fundamental de la estructura de la práctica clásica. En este período, los estándares de composición e interpretación se incrementaron y se crearon formas estándar y conjuntos de músicos. Sin perder la razón, ETA Hoffmann llamó a “tres compositores románticos” a Haydn, Mozart y Beethoven. Una de las corrientes internas más importantes del clasicismo es el papel del cromatismo y la ambigüedad armónica. Todos los compositores clásicos más importantes usaron la ambigüedad armónica y la técnica de moverse rápidamente entre diferentes tonalidades sin establecer una verdadera tonalidad. Uno de los ejemplos más conocidos de ese caos armónico está en el comienzo de La creación de Haydn. Sin embargo, en todas estas excursiones la tensión se basó en secciones articuladas, un movimiento hacia el dominante o el mayor relativo y una transparencia de la textura.

En la década de 1810, el uso del cromatismo y la tonalidad menor se había combinado, el deseo de pasar a más tonalidades para lograr una gama más amplia de música y la necesidad de un mayor rango operístico. Mientras que Beethoven fue visto más tarde como la figura central del movimiento, compositores como Muzio Clementi o Louis Spohrthey representaron mejor el sabor de la época para incorporar más notas cromáticas en su material temático. La tensión entre el deseo de más color y el deseo clásico de mantener la estructura condujo a una crisis musical. Una respuesta fue avanzar hacia la ópera, donde el texto podía otorgar una estructura incluso cuando no había modelos formales. ETA Hoffman, ahora conocido más por su crítica musical, presentó con su ópera Undinae (1814) una innovación musical radical. (No debe confundirse con Tchaikovsky de 1869). Otra respuesta a esta crisis se obtuvo utilizando formas más cortas, incluidas algunas novedosas como el nocturno, donde la intensidad armónica en sí misma era suficiente para avanzar la música.

Primeros compositores románticos de Joseph Villegas (1815-1850)
En la segunda década del siglo XIX, el cambio a nuevas fuentes de música, junto con un uso más pronunciado del cromatismo en las melodías y la necesidad de una expresión más armónica, produjo un cambio estilístico palpable. Las razones que motivaron este cambio no fueron meramente musicales sino también económicas, políticas y sociales. El escenario estaba listo para una nueva generación de compositores que podrían hablar sobre el nuevo entorno europeo posnapoleónico.

En el primer grupo de compositores suele agruparse Beethoven, Louis Spohr, ETA Hoffmann, Carl Maria von Weber y Franz Schubert. Estos compositores crecieron en medio de la expansión dramática de la vida de concierto de finales del siglo XVIII y principios del XIX, y esto moldeó sus estilos y expectativas. Muchos saludaron a Beethoven como el modelo a seguir o, al menos, para aspirar. Las melodías cromáticas de Muzio Clementi y las óperas de Rossini, Cherubini, Spontini y Mehul también ejercieron cierta influencia. Al mismo tiempo, la composición de canciones para voz y piano en poemas populares, para satisfacer la demanda de un creciente mercado de hogares de clase media, fue una nueva e importante fuente de insumos económicos para los compositores.

Las obras más importantes de esta ola de compositores románticos fueron quizás los ciclos de canciones y las sinfonías de Schubert, las óperas de Weber, especialmente Oberon, Der Freischütz y Euryanthe. Por el momento, las obras de Schubert solo fueron interpretadas ante audiencias limitadas y solo pudieron ejercer un impacto notable gradualmente. Por el contrario, las obras de John Field se encontraron rápidamente, en parte porque fue capaz de componer obras pequeñas y “características” para piano y bailes.

La siguiente cohorte de compositores románticos incluye a Franz Liszt, Felix Mendelssohn, Frédéric Chopin y Hector Berlioz. Nacieron en el siglo diecinueve y pronto comenzaron la producción de composiciones de gran valor. Mendelssohn fue particularmente precoz, escribiendo sus primeros cuartetos, un octeto para cuerdas y música orquestal antes de cumplir veinte años. Chopin se dedicó a la música de piano, incluidos etudes (estudios) y dos conciertos para piano. Berlioz compondría la primera sinfonía notable después de la muerte de Beethoven, la ya mencionada Fantastic Symphony. Liszt compuso música orquestal, pero es conocido por innovar en la técnica del piano, sus estudios trascendentales se encuentran entre las obras que requieren más virtuosismo.

Al mismo tiempo, se estableció lo que ahora se conoce como “ópera romántica”, con una fuerte conexión entre París y el norte de Italia. La combinación del virtuosismo orquestal francés, las líneas vocales italianas y el poder dramático, junto con los libretos basados ​​en la literatura popular, establecieron las normas que siguen dominando la escena operística. Las obras de Vincenzo Bellini y Gaetano Donizetti fueron inmensamente populares en este momento.

Un aspecto importante de esta parte del Romanticismo fue la gran popularidad de los conciertos para piano (o “recitales”, como los llamó Franz Liszt), que incluían improvisaciones de temas populares, piezas cortas y más largas, como las sonatas de Beethoven o Mozart. Uno de los exponentes más notables de las obras de Beethoven fue Clara Wieck, quien luego se casaría con Robert Schumann. Las nuevas instalaciones de viaje que se ofrecieron en ese momento, gracias al tren y luego al vapor, permitieron que grupos internacionales de admiradores de virtuosos pianistas, como Liszt, Chopin y Thalberg, emergieran. Estos conciertos se transformaron en eventos por sí mismos. Niccolò Paganini, famoso virtuoso del violín, fue un pionero de este fenómeno.

Entre finales de los años 1830 y 1840, se presentaron al público los frutos de esta generación, como las obras de Robert Schumann, Giacomo Meyerbeer y el joven Giuseppe Verdi. Es importante señalar que el Romanticismo no fue el único, ni siquiera el más importante, género musical de la época, ya que los programas de concierto estuvieron dominados en gran medida por un género postclásico, ejemplificado por el Conservatorio de París, así como por la música de la corte. Esto comenzó a cambiar con el surgimiento de ciertas instituciones, como las orquestas sinfónicas con temporadas regulares, una moda promovida por el propio Felix Mendelssohn.

Fue en este momento que Richard Wagner produjo su primera ópera exitosa, y comenzó su búsqueda de nuevas formas de ampliar el concepto de “dramas musicales”. A Wagner le gustaba llamarse a sí mismo un revolucionario y tenía problemas constantes con sus prestamistas y las autoridades; Al mismo tiempo, se rodeó de un círculo de músicos con ideas similares, como Franz Liszt, con quien se dedicó a crear la “música del futuro”.

Suele indicarse que el romanticismo literario terminó en 1848, con las revoluciones que tuvieron lugar ese año y que marcaron un hito en la historia de Europa, o al menos en la percepción de las fronteras del arte y la música. Con el advenimiento de la ideología “realista” y la muerte de figuras como Paganini, Mendelssohn y Schumann, y el retiro de Liszt del escenario, apareció una nueva generación de músicos. Algunos argumentan que esta generación debería llamarse victoriana en lugar de romántica. De hecho, los últimos años del siglo XIX a menudo se describen como el Romanticismo tardío.

Romanticismo tardío (1850-1870)
Al llegar a la segunda mitad del siglo XIX, se afirmaron muchos de los cambios sociales, políticos y económicos que comenzaron en la era posnapoleónica. El telégrafo y los ferrocarriles unieron a Europa mucho más. El nacionalismo, que fue una de las fuentes más importantes del comienzo del siglo, se formalizó en elementos políticos y lingüísticos. La literatura que tenía como audiencia a la clase media, se convirtió en el principal objetivo de la publicación de libros, incluido el surgimiento de la novela como principal forma literaria.

Muchas de las figuras de la primera mitad del siglo diecinueve se habían retirado o habían muerto. Muchos otros siguieron otros caminos, aprovechando una mayor regularidad en la vida de concierto y los recursos financieros y técnicos disponibles. En los cincuenta años anteriores, muchas innovaciones en la instrumentación, incluida la acción del piano doble escape (doble escarpa), instrumentos de viento con válvulas y bordillo (descanso de la barbilla) de los violines y violas, pasó de ser algo nuevo a estándar. El aumento en la educación musical sirvió para crear un público más amplio para la música de piano y conciertos de música más sofisticados. Con la fundación de conservatorios y universidades, se abrió la posibilidad para que los músicos establecieran carreras estables como profesores, en lugar de ser empresarios que dependían de sus propios recursos. La suma de estos cambios se puede ver en la ola titánica de sinfonías, conciertos y poemas sinfónicos que se crearon, y la expansión de temporadas de ópera en muchas ciudades y países, como París, Londres o Italia.

El último período romántico también vio el surgimiento de los llamados “nacionalistas” géneros que se asociaron con la música popular (folklórica) y la poesía de ciertos países. La noción de música alemana o italiana ya estaba ampliamente establecida en la historia de la música, pero desde finales del siglo XIX se crearon los subgéneros rusos (Mikhail Glinka, Musorgski, Rimsky-Korsakov, Tchaikovsky y Borodin); Checo, finlandés y francés. Muchos compositores fueron explícitamente nacionalistas en sus objetivos, buscando componer ópera o música asociada con el idioma y la cultura de sus países natales.

Post-romanticismo (1870-1949)
Se puede considerar un movimiento de finales del siglo XIX y principios del XX que difiere del Romanticismo por la exuberancia orquestal y la desproporción en los desarrollos sinfónicos, también se caracteriza por un intenso cromatismo que supera a Richard Wagner. En los compositores post-románticos se observa la melancolía que produce la pérdida de la cultura romántica.

Los compositores más representativos de este estilo fueron Anton Bruckner, Erik Satie, Gustav Mahler y Richard Strauss.

El músico romántico
Por la actitud hacia la sociedad y el mundo, Beethoven se convirtió en el modelo del movimiento romántico, que al mismo tiempo era un modelo peligroso. Fue, sin duda, la figura de este que proporcionó la era romántica con el paradigma de su concepto de “Artista”. Esto no hizo desaparecer la idea que se tenía de “músico” que prestaba a la sociedad un servicio directo, es decir, la canción, organista de iglesia, cantante de coro, director de orquesta de teatro y un largo etcétera.

Lo que está claro es que la etapa romántica dio lugar a la confrontación entre el “artista” y el “filisteo”, como Robert Schumann dijo musicalmente en su obra Carnaval. Con Beethoven comenzó un período en el que las sinfonías, los oratorios, la música de cámara, el coro y la lírica, de todo tipo, e incluso las óperas, se componían sin que nadie los encargara, para una audiencia imaginaria, para el futuro y para la eternidad.

El aislamiento del músico romántico no ocurrió sin un efecto retroactivo en su personalidad y en el carácter de su trabajo. Antes de 1800, todas las composiciones tenían que ser susceptibles de evaluación inmediata; si la desviación de las viejas costumbres, de la tradición, era excesiva, no estaba exenta de peligros, ya que más de un compositor tuvo la oportunidad de aprender de su propia experiencia. Este fue el caso de Monteverdi, Gluck o Haydn, entre otros.

Por otro lado, competir en originalidad fue más la excepción que la regla. Entonces, las generaciones se sucedieron. Los músicos románticos se mantuvieron fieles a la tradición, y no solo dejaron de evitar la originalidad, sino que la persiguieron y cuanto más libre de ideas preconcebidas era una obra, mayor era la estimación que provocaba.

La música romántica, la música del siglo XIX, aparece llena de una sucesión de personalidades de lo más variado, con una serie de perfiles mucho más marcados y diferenciados que en siglos anteriores y es una tarea muy difícil trazar claramente la trayectoria de su evolución.

Romanticismo en el siglo XX (1901, en adelante)
Muchos de los compositores que nacieron en el siglo XIX y continuaron componiendo en el siglo XX, usaron formas que estaban en clara conexión con la era musical anterior, incluidos Sergei Rachmaninoff, Giacomo Puccini, Richard Strauss y Kurt Atterberg. Por otro lado, muchos de los compositores que más tarde fueron identificados como modernistas, escribieron en sus primeros trabajos con un marcado estilo romántico, como Igor Stravinsky (su ballet El pájaro de fuego es notable), Arnold Schoenberg (Gurrelieder) y Béla Bartók ( El Castillo de Blue Beard). Pero el vocabulario y la estructura musical de finales del siglo XIX no se detuvieron allí; Ralph Vaughan Williams, Erich Korngold, Berthold Goldschmidt y Sergéi Prokófiev continuaron este género compositivo más allá de 1950.

Aunque algunas tendencias nuevas, como el neoclasicismo o la música atonal, cuestionaron la preeminencia del género romántico, el interés por utilizar un vocabulario cromático centrado en la tonalidad se mantuvo presente en las obras más importantes. Samuel Barber, Benjamin Britten, Gustav Holst, Dmitri Shostakovich, Malcolm Arnold y Arnold Bax, aunque se consideraban compositores modernos y contemporáneos, a menudo mostraban tendencias románticas en sus obras.

El romanticismo alcanzó un nadir retórico y artístico alrededor de 1960: todo indicaba que el futuro estaría formado por géneros de composición vanguardista o con algún tipo de elementos neoclásicos. Mientras Hindemith regresó a estilos más reconocibles en sus raíces románticas, muchos compositores se movieron en otras direcciones. Parecía que solo en la URSS o China, donde había una jerarquía académica conservadora, el romanticismo tenía un lugar. Sin embargo, a fines de la década de 1960 comenzó un renacimiento de la música que tenía una superficie romántica. Compositores como George Rochberg pasaron de la música en serie a modelos basados ​​en Gustav Mahler, un proyecto en el que estuvo acompañado por otros como Nicholas Maw y David Del Tredici. Este movimiento a menudo se llama neo-romanticismo e incluye obras como la Primera Sinfonía de John Corigliano.

Otra área donde el género romántico ha sobrevivido, e incluso ha florecido, está en las bandas sonoras. Muchos de los primeros emigrantes que escaparon de la Alemania nazi eran compositores judíos que habían estudiado con Mahler o sus discípulos en Viena. La partitura de la película Gone With the Wind del compositor Max Steiner es un ejemplo del uso de los leitmotivs wagnerianos y la orquestación mahleriana. La música de las películas de la Edad de Oro de Hollywood estuvo compuesta en gran parte por Korngold y Steiner, así como por Franz Waxman y Alfred Newman. La siguiente generación de compositores para el cine, compuesta por Alexander North, John Williams y Elmer Bernstein recurrió a esta tradición en la composición de la música orquestal para un cine más familiar a finales del siglo XX.

Formas musicales del romanticismo
El período romántico musical duró de 1770 a 1910, por lo que el instrumento más utilizado fue el piano. En el campo de la música instrumental, su herencia principal era la sonata, que había alcanzado su expresión más fuerte y significado universal en las sinfonías de Beethoven.

El camino en la sinfonía romántica
Desde el principio, los románticos adoptaron una actitud relajada con respecto a la forma sinfónica.

Para entonces ya había sido lanzado y editado el Eroica, ese modelo de gravedad suprema que suena como un himno de la más pura estructura. Esa composición donde ningún instrumento se impone dentro del grupo y donde todos contribuyen al objetivo sinfónico global.