La musique romantique est une période musicale-historique datant entre env. 1830 et 1910. Il ressemblait davantage à la romance dans d’autres arts, tels que la littérature et la peinture, c’est-à-dire l’individualisme, le patriotisme, le désir de liberté, la durée et la poursuite du but plutôt que le but. Le roman de la musique est venu relativement tard par rapport à la romance de la littérature et de l’art, et a duré beaucoup plus longtemps.

La période a commencé comme une transition glissante du classicisme, mais aussi comme une violation claire de cela. Là où les classiques de Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart et Early Ludwig van Beethoven se concentraient sur les idéaux classiques d’illumination, de clarté, de calme et d’équilibre, la romance était beaucoup plus émotionnelle, dynamique et avec de forts contrastes musicaux. Un désir de quelque chose et le voyage là-bas était plus important que le but du voyage. La forte domination de Richard Wagner, Giuseppe Verdi et Johannes Brahm a dominé les personnages. Dans le même temps, la romance nationale est devenue de plus en plus dominante dans un certain nombre de pays et de territoires, en particulier la Russie, la République tchèque et la Scandinavie. Ici, il y avait différentes idées que l’on devrait être influencé par la musique folklorique ou écrire leur propre musique inspirée par le pays. Vers la fin du romantisme, la musique s’éloigne des idéaux romantiques, vers plus de réalisme, moins de mouvements émotionnels et plus de style néoclassique ou impresioniste.

Haute période romantique
La haute période romantique est la période la plus dominante dans le temps et dans le développement de la musique. L’Opéra a eu un développement significatif, en particulier avec les opéras dramatiques de Wagner et Verdis mélodieux. Même ces deux opéras ont rendu l’opéra allemand et italien de plus en plus dominant, il y avait plusieurs compositeurs d’opéra français qui ont remarqué, surtout Georges Bizet et Jules Massenet. Pendant cette période, l’opéra dramatique et sérieux revint fortement. L’opérette a également eu un développement majeur avec Jacques Offenbach et Johann Strauss dy

Valser est devenu de plus en plus populaire, mais les danses nationales et nationales sont devenues des œuvres plus orchestrales dans certains cas que de la musique sur laquelle danser. Dans le même temps, le ballet a reçu un coup de pouce avec l’aide de la Russie à la fin. Les symphonies ont eu un revers depuis longtemps, mais ont été ramenés à la popularité de Johannes Brahms, d’Anton Bruckner, d’Antonín Dvořák et de Pjotr ​​Tsjkovsky en particulier. La période romantique nationale est devenue particulièrement marquée en Russie, en République tchèque et dans la région nordique. Brahms s’est distingué comme un multitalent avec plusieurs bonnes compositions dans plusieurs genres.

La période a commencé avec un changement générationnel. Mendelssohn mourut en 1847, Donizetti en 1848 et Chopin en 1849. Schumann eut des problèmes mentaux en 1850 et mourut en 1856 tandis que Meyerbeer composa beaucoup moins après 1850. De nouveaux compositeurs reprirent, plusieurs sans le lien étroit avec le classisme comme la génération précédente soit le nerf sous ou rebelle contre. Avec le développement de tant de genres et de tant de pays, la musique est devenue beaucoup moins contrôlée et beaucoup moins facettée qu’avant.

Valser et autres danses
Johann Strauss a commencé son propre orchestre en 1825 et a joué un rôle important dans la vulgarisation de la valse. C’était aussi lui qui se tenait derrière ce qui est devenu connu comme la vallée de Vienne. Sa valse moderne a frappé toute l’Europe, surtout en 1838 à Londres. Il est venu en Norvège en 1840, et a fait la viennoise populaire là. Strauss, l’aîné, cependant, appartient à la maison dans la première période, à l’exception de son Radetzkymarsj. Cependant, ses deux fils, Johann Strauss et Josef Strauss, étaient également de fervents compositeurs électoraux. Marshs et Polonais ont également rejoint les membres de la famille. En particulier, Strauss dys An der scönen blauen Danube de 1867 un rouleau très populaire. Strauss Dy a continué à développer le rouleau comme un cycle de plusieurs danses et morceaux, quelque chose que son père et Schubert ont fait avant lui. Strauss Dy avait également ajouté des initiations et des fins élaborées – et des transitions entre les morceaux – qui ont contribué à rendre la valse plus acceptée aussi parmi un auditoire plus exigeant.

Jose Strauss est devenu après que son frère Johann Strauss a osé composer, le chef de choeur dominant, avec son frère Eduard. Josef Strauss était intéressé par la combinaison de la valse et de la symphonie, et il n’avait pas peur d’essayer de nouvelles musiques. Entre autres choses, il avait inclus des pièces de l’opéra Tristan et Isolde de Wagner dans ses concerts de roulement, donc beaucoup du public étaient familiers avec plusieurs des chansons avant que l’opéra a été mis en place.

Cependant, il y avait aussi beaucoup plus de danseurs locaux qui avaient frappé. Chopin avait composé des Masurques et des Polonais inspirés par la Pologne, et à la fin des années 1860 et au-delà, Brahms avec des danses hongroises, probablement inspiré par les concerts qu’il avait avec le violoniste Eduard Reményi. Les danses hongroises devinrent financièrement lucratives pour Brahms. Dans les années 1870 Antonín Dvořák est venu avec sa danseuse slave. Contrairement à Brahms, fortement influencé par la musique folklorique à travers Reményi et les réfugiés politiques hongrois qu’il rencontra à Hambourg, le danseur slave de Dvořák devint plus artificiel, c’est-à-dire qu’il les écrivit avec peu de sources d’inspiration extérieures.

Ballet
Le ballet en France a souffert pendant la Révolution française et la tourmente qui a suivi, ce qui a effrayé les compositeurs, a affaibli la capacité de la noblesse ou les deux. Cependant, le ballet a grandi à nouveau pendant la montée de la romance dans les années 1830. Dans le ballet romantique, comme dans l’opéra, le surnaturel était important. Un exemple de ceci était Sylphiden où le protagoniste tombe amoureux d’une fée juste avant son propre mariage. En particulier, la danseuse Marie Taglioni et son père, le chorégraphe Filippo, ont été essentiels pour le développement du style romantique, en partie parce que Marie Taglioni a joué le sylvide beaucoup plus convaincant que d’habitude dans le ballet. L’un des ballets les plus célèbres de cette période était Giselle, avec une musique d’Adolphe Adam. Il est également caractérisé par des êtres surnaturels, en l’occurrence les esprits des vierges qui sont morts avant de pouvoir se marier.

Le ballet se concentrait principalement sur les danses et les chorégraphes, et beaucoup moins sur les danseurs masculins, ce qui signifiait qu’il y avait beaucoup moins de danseurs de ballet. Cela a contribué à saboter la popularité du ballet en Europe de l’Ouest. En Russie, où la danse, et en particulier la danse masculine, constituait une part importante de l’identité nationale, le ballet, dès le début, était destiné à la danse dramatique du côté des hommes. La combinaison de la chorégraphie de Marius Petipa et des compositions de Pjotr ​​Tsjajkovsky est devenue le sauvetage. La musique de Tchaïkovski était si bien adaptée aux danseurs qu’il réussit à sortir le compositeur de l’ombre du chorégraphe et des danseurs. Ses compositions Lake Swan (1876), Tornerose (1889) et Nackcracker (1892) ont joué un rôle crucial dans l’augmentation de la popularité du ballet dans l’ouest. Tchaïkovski réussit à trouver les bonnes mélodies qui étaient faciles à humilier, une orchestration colorée qui correspondait à l’histoire et à l’atmosphère aventureuses, et des mélodies qui se battaient très bien pour le mouvement des danses de ballet. En outre, il a créé un ballet beaucoup plus symphonique.

Opéra et Opéra
L’opéra allait évoluer de Grand Opéra à Opéra Lyrique, un mélange de Grand Opéra et d’Opéra Comique. Cela correspond mal avec le style de Meyer Beer, et même s’il a eu un succès relativement élevé en 1850, son style aurait pu être sorti de toute façon. Au lieu de cela, Charles Gounod et Jules Massenet étaient dominés par ce style d’opéra. Cependant, l’opéra fut bientôt dominé par deux compositeurs qui se tenaient du côté de l’opéra français, à savoir Wagner et Verdi. En outre, d’autres compositeurs d’opéra talentueux sont apparus, tels que Leo Delibes et Georges Bizet, qui ont ajouté l’exotisme et le réalisme dans l’opéra.

Richard Wagner
Cependant, pour Wagner, l’année révolutionnaire de 1848 a été caractérisée par beaucoup d’engagement politique, et il a été conduit à l’exil en raison de ses activités révolutionnaires. Wagner a également écrit des analyses musicales, y compris l’art de l’avenir de la neuvième symphonie de Beethoven où il a dit que « la dernière symphonie est déjà écrite. » En 1850, il écrit anonymement une pièce antisémite, Judas Judgement in Music, dans laquelle il accuse les juifs en général et Meyerbeer et Mendelssohn en particulier d’avoir retenu la musique romantique. Il est inhabituel de la part de Wagner d’avoir des commentaires si négatifs sur ses concurrents. Malgré le fait que Verdi (discuté ci-dessous) avait de nombreuses opinions sur Wagner, aucune déclaration n’a été trouvée, sauf pour les notes dans le journal de la femme Wagner, et seulement très trivial, de Wagner à propos de Verdi, qui était plus connu et plus énumérés.

Le point principal pour Wagner était, cependant, qu’il manquait l’opéra allemand avec les thèmes allemands, qui depuis le Web’s Hunter’s Bread étaient devenus en grande partie provinciaux et inintéressants. Wagner avait réussi avec The Flying Dutchman et Tannhäuser, et il revint rapidement comme compositeur d’opéra lorsque Liszt créa Lohengrin, comme Wagner écrivit en 1847, à Weimar en 1850. Lohengrin fut un succès et prédit la future fascination de Wagner pour les légendes médiévales et le folk allemand. aventures, souvent moralisatrices et symboliques. Dans l’ouverture, il se réfère à quand l’un des héros a vaincu les Danois, et l’histoire est aussi de faire la guerre contre les Hongrois qui avaient rompu le cessez-le-feu – dirigé par le hongrois Liszt.

Wagner a commencé en 1848 ce qui serait son travail principal, le Nibelungenring, un cycle d’opéra de quatre parties. La première partie, Rhingullet, n’était pas prête avant 1854, et la partie suivante, Valkyria deux ans plus tard. Tous deux utilisent Search Motiv, c’est-à-dire une partie mélodique qui se répète de temps en temps pour souligner l’humeur ou la personne qui est le sujet de l’opéra. La mélodie peut apparaître dans l’orchestre, dans une chanson ou dans la chorale pour illustrer le mieux possible le point. L’utilisation par Wagner du motif de recherche rappelle ainsi l’idée fixe de Berlioz. La différence est que Wagner pourrait utiliser plusieurs d’entre eux sous le même opéra que Tristan et Isolde, et il les utilise aussi souvent que les motifs rendent redondant le programme qui explique l’action. La mélodie guide les actions plus loin, et peut créer des émotions simultanées, contradictoires et renforçant dans l’opéra. L’opératre de Wagner a également été influencé par Mozart, Beethoven, Cherubini, Weber et même Meyerbeer, qu’il a ainsi brillé. Malgré le fait que Wagner était sceptique à l’égard des anciens compositeurs, Beethoven et Gluck excepté, il avait un contact étroit avec le passé.

Musicalement, les opéras de Wagner sont souvent des changements d’accords chromatiques complexes, comme dans Tristan et Isolde. Le mélange entre la musique diatonique (sans signe) et la musique chromatique (avec signature) et entre les passages stables et instables ont été les fondements d’une grande partie de la musique de Wagner. Cela a souvent créé le sentiment de longueur et les besoins insatisfaits. Juste la longueur et la route vers le but étaient déjà des idéaux romantiques de Weber dont Wagner a beaucoup utilisé. En outre, Wagner réussit aussi à faire un règlement final avec le chant cantonais en utilisant l’orchestre si consciemment que l’orchestre et le chanteur pouvaient donner des impressions contradictoires. L’idée de Wagner était l’opéra complet où le chant, l’orchestre, la mise en scène et les pièces se sont entrés en collision pour donner une puissante expression dramatique.

Giuseppe Verdi
Il a composé 10 opéras de la percée avec Rienzi, a écrit Verdi 26 après sa percée avec Nabucco, et où Wagner était le plus célèbre pour le motif principal et l’utilisation de l’orchestre, Giuseppe Verdi était le plus célèbre pour sa capacité à écrire de bonnes mélodies. capturer des personnages, des émotions et des situations en eux. La valeur était aussi réaliste, ses actions devraient le plus souvent se rapporter à ce monde, pas à un monde mythique avec des dieux et des monstres. Verdi était également, contrairement à Wagner, préoccupé par le fait que l’orchestration ne devrait pas dominer les chanteurs, mais plutôt ajouter de la couleur et de l’atmosphère. Là, Wagner écrivait lui-même ses livrets, souvent avec le mélange de nombreuses sources différentes, Verdi tenait à choisir des pièces connues de William Shakespeare, de Friedrich von Schiller, de Lord Byron, de Victor Hugo, de Voltaire et d’Alexandre Dumas le cadet.

La percée majeure de Verdis est venue quand il s’est retiré de la politique et de la ville de Busseto. Là, il a eu le temps d’écrire la trilogie Rigoletto, basée sur un morceau de Victor Hugo, Il Trovatore, basé sur un morceau du dramaturge espagnol Antonio García Gutiérrez, et La Traviata, basé sur un morceau d’Alexandre Dumas dy. Tout le monde réussit à combiner l’opéra traditionnel de canto avec l’utilisation de la mélodie pour mettre en valeur la personnalité des personnages principaux et les ambiances dominantes. Cela signifiait que la musique et le style de chanson sont devenus une caractéristique des rôles. Dans le même temps, il a également utilisé des motifs pour rappeler à l’auditoire des événements passés. Cela introduisit Verdi en même temps que Search Motiv de Wagner, mais contrairement aux principes de Wagner, les motivations de Verdi ne visaient pas à faire avancer l’action, ni à créer des conflits ou des motivations différentes, mais à rapprocher l’action. Les motifs de Verdis n’étaient pas non plus nouveaux, par exemple, Donizetti avait déjà été utilisé en 1835. Les opéras de Verdi ne sont pas loin non plus des opéras Bell Canto de Rossini et Donizetti, et il empruntait aussi aux standards d’opéra de Rossini.

Après que Verdi soit devenu riche en ses opéras, il a pris plus de diligence avec les derniers opéras, empruntant des techniques du grand opéra, présentant des rôles comiques et des thèmes exotiques et des images sonores (Aida). Les deux derniers opéras que Verdi a écrits sont à la fois des opéras de Shakespeare, Otello et Falstaff, une première édition plus élaborée de Macbeth, excellents exemples de l’opéra tragique (Otello) et comique (Falstaff). Ce dernier était la seule comédie de Verdi, et ils ont aussi certaines caractéristiques de Wagner, entre autres parce qu’il a une caractérisation dramatique des gens et des situations plutôt que d’appeler l’opéra Canto avec le Bélier à la présidence.

Autres compositeurs d’opéra et d’opérette
Il y avait plus de compositeurs d’opéra français talentueux. Georges Bizet a écrit des pièces exotiques de Ceylan (aujourd’hui Sri Lanka) (Pearl Fish) et de Séville (Carmen). Camille Saint-Saëns fait de Samson un Dalila (opéra biblique) et Léo Delibes fait Lakmé, avec l’action ajoutée en Inde. Parmi ceux-ci, Carmen a distingué à la fois en termes de succès immédiat et rétrospectif et compte tenu du réalisme de l’action. La vie sensuelle et libérale de Carm est associée au fait qu’elle est un garçon gitan et donc à tous les égards en dehors de la société. Il y avait aussi des opéras en Russie et en République tchèque, pour cela, voir Nationalisme.

Après l’arrivée de Napoléon III au pouvoir, l’opéra sérieux devient étroitement surveillé, tandis que l’opéra comique, l’opéra bouffe, devient plus libre. Cela était surtout utilisé par l’opérette, c’est-à-dire par l’opéra avec beaucoup plus de discours que l’opéra-comique traditionnel. Le compositeur le plus important dans l’opéra comique et satirique était Jacques Offenbach. La percée d’Offenbach est venue avec Orpheus dans le monde souterrain, où Orfeus (ténor) était vraiment amoureux d’un autre, mais a épousé Evrydike (soprano) avec une erreur et l’a épousée parce qu’il avait peur de « Opinion publique ». Il arrange sa mort parce que Pluton est amoureux d’elle, et vit heureux – quelque chose qu’Evrydike fait aussi dans le couloir de la mort avec Pluton comme mari – jusqu’à ce que l’opinion publique l’oblige à la sauver. Offenbach a également eu une oreille pour la bonne mélodie, y compris quand le décadent est mort en dansant un galop (une sorte de danse), où la mélodie est plus tard inextricablement liée au cancan. En même temps, ses opéras, qui se moquent de l’opéra eux-mêmes, ont recueilli beaucoup de numéros de chansons virtuoses du début du 18ème siècle, contemporains contemporains, boléros, fangangos, quadrills et rouleaux – en plus de can-can et galop.

La popularité d’Offenbach a considérablement augmenté après cette pièce, et avec la belle Helena et La vie parisienne il a également inspiré d’autres compositeurs d’opérette et compositeurs d’opéra de comédie dans beaucoup de pays. L’un d’entre eux était le dy de Johann Strauss qui a essayé et a eu beaucoup de succès avec les Bats en 1874, et plus tard Arthur Sullivan et WS Gilbert dans HMS Pinafore et une série d’opéras comiques par la suite. Cela signifiait que les compositeurs anglais (et d’origine anglaise) ont joué un rôle dans le chant de la musique pour la première fois depuis Henry Purcell à la fin des années 1600.

Symphonies
Symphonies avait commencé à être une anomalie autour des années 1850, en grande partie réservée aux étudiants en musique. Par exemple, les grandes salles de concert de Paris ont été utilisées pour jouer les symphonies classiques de Haydn, Mozart et Beethoven, et le début de romance à Mendelssohn et Schumann. Pasdeloup, qui a arrangé les concerts, a finalement été persuadé de jouer les symphonies Gounonds et Saint Saëns des étudiants de musique française, mais il est retourné autant que Bach a été redécouvert et Händel a toujours été populaire. En même temps, une nouvelle forme de musique apparaît dans les poèmes symphoniques de Frans Lizst de 1848 à 1857. Il s’agit d’œuvres solos pour orchestres caractérisées par la philosophie, la littérature ou la peinture. C’était un programme musical en accord avec Berlioz, mais plus descriptif que narratif. Lizst a réussi dans une harmonie révolutionnaire et avec des effets orchestraux qui ont caractérisé le reste du 19ème siècle. La symphonie des œuvres est représentée, entre autres, dans les contours de la forme sonate.

La symphonie, en tant que genre, revint fortement lorsque Johannes Brahms se détacha de la situation entêtée entre la musique moderne et un goût qui dépassait les vieilles symphonies. Il a choisi de combiner les deux en écrivant des symphonies en arrière, qui étaient en même temps modernes. Brahms a été inspiré par Schumann, et donc il appartenait à la branche classique par opposition à Liszt et Berlioz. Cependant, Brahms, en écrivant la musique, était probablement influencé par Tristan et Isolde de Wagner, malgré le fait qu’il en restait peu pour la musique de Wagner. Cela signifie que sa symphonie n’était ni complètement ni complètement programmatique, mais plus proche du style absolu. Ceci est également souligné par le fait que Brahms était aussi largement influencé par la 5ème symphonie de Beethoven. Il a également été inspiré par la 9ème symphonie de Beethoven en finale. C’était surtout diatonique et mélodieux, mais il avait des lignes chromatiques dans les voix. La symphonie a été écrite dans les années 1860, mais pas publiée avant 1876.

Ce qui caractérisait toutes les symphonies de Brahms, c’était qu’elles étaient strictement musiques absolues sans aucune sorte de musique de programme. Comme Beethoven, Brahms a choisi d’être romantique dans le ton de la parole, tout en montrant du respect pour la forme sonate de la première partie, largo dans la deuxième partie, puis un scherzo dans la troisième partie. Néanmoins, Brahms était également concerné et influencé par la musique contemporaine, unissant ainsi d’une certaine manière ceux-ci.

Lorsque Brahms composa ses symphonies au début des années 1860, il n’était pas le seul, Anton Bruckner écrivit également neuf symphonies, la première en 1865. Cependant, il les réécrivit souvent, et il ne battit pas tout à fait en même temps que Brahms. Bruckner était, contrairement à Brahms, beaucoup plus favorable à Wagner, et il composait beaucoup plus de musique de programme que Brahms. Cependant, Bruckner était également concerné par Beethoven, et en particulier la 9ème symphonie.

Tshechkovsky a également écrit des symphonies, et sa première date de 1867. Contrairement aux «cinq puissants» qui voulaient redécouvrir la musique nationale russe (discutée plus bas), Tsjkovsky était orienté vers l’Occident. Ce n’est qu’au moment de sa quatrième symphonie que Tsjovkovsky a frappé le front symphonique. Puis il avait déjà eu du succès avec des ballets et des concerts de piano. Tshechkovsky numéro 4 de 1878 est devenu une percée, en partie parce qu’il avait des formalités en place, et en partie parce qu’il a réussi à utiliser de puissants instruments harmoniques. Cependant, sa symphonie Manfred non numérotée est la plus célèbre.

Des symphonies ont également été écrites en France. En 1871, César Franck, Camille Saint-Saëns et plusieurs autres compositeurs décident de promouvoir la musique française. Sous la devise « Ars Gallia », Franck, qui était auparavant un organisateur impressionnant, a commencé à composer. Au début, c’était de la poésie symphonique, mais vers la fin de la haute conversion, il commença à écrire des symphonies. Ses symphonies ont démissionné en partie à cause de leur morosité, mais aussi parce qu’il a pris le thème d’un rythme à un autre au lieu de traiter les quatre phrases comme distinctes. De plus, Franck, comparé à Johann Sebastian Bach, était également doué pour l’utilisation du contrepoint dans ses œuvres.

Romantisme national
Dans différents endroits en Europe, il y a eu une forte vague de mouvements romantiques nationaux dans la musique. Les raisons pourraient être plus, par exemple, on pourrait souhaiter toneset les journaux populaires qui ont été recueillis dans un nombre croissant de pays, trouver le style de musique idiosyncratique du pays ou crier le pays dans la chanson et la musique. Dans la forte dominance, c’est surtout en Russie, en République Tchèque et en Scandinavie que la romance nationale apparaît, alors que pendant un temps elle était présente dans la musique allemande, sinon aussi directe. En France, cependant, un groupe de compositeurs s’opposait à des compositeurs comme Franck et Delibes, qui avaient été inspirés par des Allemands comme Beethoven et Wagner. Ceux-ci préfèrent écrire une musique française chez eux. L’un des compositeurs était Camille Saint-Saëns, connu pour ses pièces sérieuses comme sa symphonie d’orgue en c-mole, et le carnaval des animaux comiques, où la tortue entre dans une version très stupéfiante du galop infernal d’Offenbach.

Russie
La Russie avait produit peu de compositeurs avant que Mikhail Glinka ne frappe les années 1830. Son premier opéra, une vie pour le tsar, avait clairement des traits russes en plus de crier le tsar et le gouvernement. La musique a été utilisée à l’échelle modale de temps, largement remplacée par échelle majeure et mineure dans l’Ouest, mais toujours en usage en Russie. Cependant, son autre opéra, Russlan et Lyudmila (1842) avait l’habitude d’utiliser des échelles de helton, des chromatismes, des dissonances et des variations de chansons folkloriques qui avaient un vrai foyer national, où une vie pour le tsar était plus agile.

Les opéras de Glinkas ont frappé l’ouest juste parce qu’il était russe si typique, mais les compositeurs russes qui l’ont suivi sont tombés dans deux catégories principales: Ceux qui recherchaient un style de musique plus moderne et occidental (Tsjajkovsky) et ceux qui voulaient étudier la musique russe. partie (souvent appelée « The Five » ou « The Powerful Handful »). La musique de Tchaïkovski était si occidentale qu’elle appartenait aux sous-groupes individuels, la recherche des cinq compositeurs pour les Russes était si significative que leurs œuvres sont discutées ici, surtout la plupart du temps dans le cas des opéras et des symphonies.

Les ballets et les symphonies de Tsjaijkovsky ont déjà été mentionnés, mais il a également écrit des opéras, tels que Eugen Onegin et Spar Dame. Parmi ceux-ci, le premier est devenu clairement connu, et ensuite il a acquis un statut qui rappelle un opéra national russe. L’une des œuvres les plus célèbres de la Tchétchénie est l’Ouverture de 1812, qui est une œuvre indépendante et non, en tant qu’autorité traditionnelle, liée à un opéra. Cette autruche, célébrant la victoire des Russes sur Napoléon Bonaparte, est pleine de références aux cosaques russes, aux mélodies folkloriques et aux tsaristes contre les Marseillais. Ce dernier malgré le fait que le tsarhym a été écrit longtemps après 1812 et que Napoléon Bonaparte a interdit les Marseillais en 1805.

Les Cinq se composaient de Milij Balakirev, d’Alexander Borodin, de Cesar Cui, de Modest Moussorgski et de Nikolaj Rimskij-Korsakov. Les cinq étaient des adversaires des influences allemandes et italiennes sur la musique russe, mais ils étaient également occupés par la musique de Berlioz et de Liszt. Cui écrivit dans ses mémoires qu’ils étaient jeunes et brutaux dans leurs critiques, sans respect pour Mozart et Mendelssohn, avec une résistance à Schumann, un enthousiasme pour Liszt et Berlioz et la déesse de Chopin et Glinka.

Parmi les cinq compositeurs, ni Cui ni Balakirev n’avaient une plus grande signification pour la composition ultérieure. Borodin a utilisé des thèmes du Caucase et de l’Asie centrale dans sa musique, en particulier dans l’opéra Igor (non terminé), et dans ses symphonies, sans parler de ses poèmes symphoniques sur les marches de l’Asie centrale. Cependant, il était un homme occupé (il était un professeur de chimie) et avait peu de temps pour composer. Ses deux symphonies étaient néanmoins spéciales parce qu’il les écrivait avec des prêts beaucoup moins importants de Beethoven, et était donc beaucoup moins influencé par le passé que la plupart des autres compositeurs symphoniques.

Musorgskij avait des origines ukrainiennes, mais resta à Saint-Pétersbourg presque toute sa vie et ne partit jamais à l’étranger. Deux de ses œuvres les plus célèbres sont le poème symphonique One night at Bloksberg (1867, exécuté après sa mort) et la pièce pour piano Pictures in an exhibition (1874). En plus de la musique de programme, la musique de Musorgsky peut être considérée comme plus de réalisme que de romance, mais avec une fascination pour l’exotisme. Ainsi, sa musique, comme l’opéra Salambô, peut vous rappeler Carmen. En outre, Musorgsky a estimé que la musique et l’art devraient aider le discours humain au lieu d’être une fin en soi. Les lois de la musique, partout importantes, doivent toujours changer et se briser. L’opéra Boris Godounov basé sur un morceau d’Alexandre Pushkin a souligné la fascination de Musorgsky pour le discours quand il a imité les modèles de discours russes. Avec Igor de Borodine et Eugen Onegin de Tsjajkovsky, Boris Godounov est l’opéra russe le plus joué.

Nikolaj Rimskij-Korsakov était le seul des cinq qui a eu l’éducation musicale, ironiquement parce qu’il est devenu professeur en 1871 et a dû étudier pour avoir une longueur d’avance sur ses étudiants. Même les Cinq étaient sceptiques sur l’éducation musicale parce qu’elle était orientée vers l’occident, c’est précisément l’éducation de Rimskij-Korsakov qui a sauvé beaucoup de musique russe, et ailleurs, il a édité Glinka, Musorgskij et Borodin pour assurer leur survie musicale. En tant que chef d’orchestre à la fois en Russie et en Europe occidentale, il a également réussi à exporter sa musique dans ces régions. Rimskij-Korsakov a écrit des opéras, mais aucun d’eux n’a attiré autant d’attention que ceux de Borodine, de Tsjovkovsky et de Moussorgski. La force de Rimskij-Korsakov était qu’il pouvait jouer de tous les instruments d’un orchestre et était donc très bon en orchestration. Son Capriccio espagnol et Schéhérazade sont devenus particulièrement célèbres, ironiquement puisque l’un a un titre français et l’inspiration espagnole et l’autre est nommé d’après le personnage principal dans la nuit 1001.

République Tchèque
Les compositeurs tchèques avaient été marqués sous l’école de Mannheim, mais surtout associés à la musique allemande. Cependant, dans la seconde moitié du 19ème siècle, une vague nationaliste menée principalement par Bedřich Smetana et Antonín Dvořák.

Tout d’abord était Smetana. Il est considéré comme le fondateur de la musique tchèque. Smetana était préoccupé par l’indépendance de la République tchèque, et en même temps occupé avec de la musique. Praha était un centre musical important, et il a rencontré Berlioz, Liszt et Robert et Clara Schumann, qui l’ont beaucoup touché. Après un séjour à Göteborg, il retourna définitivement en Bohême. C’est là qu’il a écrit son deuxième opéra, The Sold Bride (1866), un opéra comique avec de nombreux mouvements romantiques nationaux. Tout comme Dvořák plus tard dans ses danses slaves, Smetana a choisi de composer des airs folkloriques et de se danser au lieu de s’inspirer directement de la musique folklorique.

Le contexte de cette élection a peut-être été une discussion avec des politiciens protocrates qui pensaient qu’un opéra sérieux avait facilement rendu possible l’écriture sur la base des airs populaires tchèques, mais il était impossible d’écrire un opéra comique à caractère tchèque. Smetana a fait valoir que cela se terminerait dans un potpurri d’airs différents. Malgré le succès de la mariée vendue, Smetana s’éloigna de ce style dans ses autres opéras. Il a essayé l’opéra sérieux, et dans les quatre derniers opéras le style était nettement différent, à la fois de la mariée vendue et de l’un l’autre. Smetanas Má vlast (« Ma patrie ») était un cycle de poésie symphonique dans lequel, en particulier, de deuxième ordre, Vltava (Die Moldau en allemand) a été un grand succès.

Là où Smetana a été inspiré par Lizst et la musique de programme, Dvořák était un musicien absolu plus semblable à Brahms. Il a rapidement récupéré de la fascination de Wagner, et a publié plusieurs symphonies inspirées par Brahms. Certes, les quatre premières symphonies étaient inconnues à la mort de Dvořák, mais les cinq dernières étaient de plus en plus jouées. Cependant, lorsque Brahms a été accusé d’être démodé et de revenir, Dvořák était un symphoniste plus novateur et novateur. Dvořák, cependant, n’était pas le désir et mystérieux, comme Brahms, mais plutôt le compositeur ludique et frais. Son plus grand succès en tant que symphonique, cependant, est venu dans les heures supplémentaires de la haute omnipotence, quand il a écrit sa symphonie numéro 9, From the New World, inspiré par le voyage aux États-Unis, mais aussi la musique tchèque mixte. De plus, son Stabat Mater et son Requiem furent de grands succès, et son concert de violon dans le concert de a-mole and cell à H-Moll fut également très populaire en Europe.

les pays nordiques
Les pays nordiques, et surtout la Norvège, ont été influencés par la romance nationale. Un certain nombre de compositeurs d’Europe du Nord ont défini la musique de leur pays soit en musique folklorique, comme cela a été fait en Russie, soit en l’écrivant comme cela a été fait à Prague. Ce sont surtout les pays scandinaves qui se sont marqués dans le haut converti. Le Finlandais Jean Sibelius est arrivé en Sénromantics, en compagnie de Carl Nielsen du Danemark.

C’est au Danemark que l’idée du «ton nordique» est apparue pour la première fois au milieu des années 1800. Ce sont surtout Niels Wilhelm Gade et Jens Peter Emilius Hartmann qui ont commencé ce développement. Parmi ceux-ci, le symphoniste Gade a eu la plus grande influence sur les pays nordiques, tandis que le musicien de scène Hartmann était plus nordique dans sa composition, peut-être juste que, Gade est devenu plus reconnu en Europe. En Suède, c’était surtout Franz Berwald qui dominait. Il a écrit à la fois de la musique de chambre et de l’opéra, mais en tant que Gade, il est surtout connu pour ses symphonies. Les symphonies de Berwald étaient très originales, avec une utilisation active des breaks et du rythme. Malheureusement pour lui, Stockholm n’était pas nécessairement prêt pour une musique aussi moderne qu’il l’écrivait, et il ne vivait pas dans sa musique.

En Norvège, le seul non indépendant des trois pays scandinaves, la vie publique de la musique existait depuis au moins 1765 quand la compagnie de musique « Harmony » a été établie à Bergen. Cela en fait l’une des plus anciennes compagnies de musique au monde. À Christiania (aujourd’hui Oslo), Lyceum est apparu comme une alternative en 1810, ce qui a créé une plus grande concurrence et professionnalisme. Quand les compositeurs norvégiens sont apparus au début du 19ème siècle, ils ont été émus par les idées nationales et par les événements d’Eidsvoll en 1814, et donc, très tôt, ont eu une forme de ton national romantique. Ole Bull, qui a bientôt joué dans Harmony, a coopéré avec Myllarguten, un joueur percutant qui était particulièrement bon en musique folklorique. Le partenariat a popularisé la musique populaire dans toute la Norvège. Finalement, plusieurs compositeurs prometteurs sont apparus, comme Halvdan Kjerulf et Richard Nordraak, mais surtout dans la seconde moitié du XIXe siècle, la Norvège est apparue avec Edvard Grieg, Johan Svendsen et Christian Sinding, dont Grieg était dans une classe spéciale en Norvège et dans le Les pays nordiques.

S’il y avait une recherche du nordique ou du scandinave à Gade, Hartmann ou Berwald, Grieg n’était d’abord pas scandinave mais norvégien.Edvard Grieg n’était pas bon dans les grandes formes, mais s’appuyait sur des compositions plus petites, telles que des romances, des tondeuses et des morceaux de piano. Ainsi, il était une opposition à Gade et Berwald. Grieg, par exemple, n’a pas de symphonies, et même des sonates dont il a peu. Une autre caractéristique de la musique de Grieg est qu’il est allé à la source quand il s’agissait de trouver le ton national et a inspiré beaucoup de mélodies folk. En même temps, il a donné une touche personnelle à la mélodie du peuple pour qu’il soit plus facile d’y accéder même au-delà des frontières du pays. Les Romains de Grieg appartiennent au meilleur du genre. Malgré le fait que Grieg était considéré comme un artiste miniature, son travail orchestral était parmi les plus célèbres, en particulier la suite Peer Gynt, qui comprenait des chansons comme Morning Mood, The Dovregubbens Hall et la danse d’Anita dans la première chanson et Solveig ‘s chanson dans l’autre. Aussi, de l’époque de Holberg et le concert de piano à A-Moll a un grand attrait international. Grieg a été présenté par Longyear comme « l’un des compositeurs les plus individuels au 19ème siècle. »

Autres musiques
Parallèlement à ses symphonies et poésies symphoniques, César Franck a également travaillé beaucoup de musiques, en quelque sorte démodées, telles que la musique de chambre, la course d’orientation, la fantaisie, le fuge, la musique pour choeur et la musique d’orgue. Dans ce dernier, il emprunte à la fois à la musique française et à Jean-Sébastien Bach, qui, après les efforts de Mendelssohn, devient de plus en plus populaire. Franck était considéré comme le fondateur de la musique de chambre française moderne, y compris ses quintettes pour piano, ses quatuors à cordes et ses fils de violon, tous de forme cyclique.

Gabriel Fauré était fondamentalement une antithèse pour le style de Franck Wagner et d’inspiration allemande. Il a représenté l’ordre et la contrainte comme des pierres angulaires clés. Fauré était un étudiant de Saint-Saëns. Fauré inspire également Gounond, où les mélodies étaient plus faciles et sans morceaux virtuoses. Finalement, il s’est concentré sur les genres musicaux avec un grand équipage, peut-être connu comme son Requiem. Vers la fin, Fauré est devenu de plus en plus populaire dans la forme musicale, et les petites mélodies étaient souvent liées ensemble, à peu près aussi loin de Wagner on peut venir à ce moment-là.