La musica romantica è un periodo storico-musicale che si estende tra ca. 1830 e 1910. Aveva più somiglianze con il romanticismo in altre arti, come la letteratura e la pittura, cioè l’individualismo, il patriottismo, il desiderio di libertà, la lunghezza e il perseguimento dell’obiettivo, piuttosto che l’obiettivo in sé. Il romanticismo della musica arrivò relativamente tardi in relazione al romanzo della letteratura e dell’arte, e durò molto più a lungo.
Il periodo iniziò come una transizione scorrevole dal classicismo, ma anche come una chiara violazione di questo. Dove i classici di Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart e Early Ludwig van Beethoven si concentravano sugli ideali classici di illuminazione, chiarezza, calma ed equilibrio, il romanticismo era molto più emotivo, dinamico e con forti contrasti musicali. Un desiderio per qualcosa e il viaggio là era più importante dello scopo del viaggio. L’alto dominio di Richard Wagner, Giuseppe Verdi e Johannes Brahm ha dominato i personaggi. Allo stesso tempo, il romanticismo nazionale divenne sempre più dominante in un certo numero di paesi e territori, in particolare Russia, Repubblica Ceca e Scandinavia. Qui c’erano idee diverse che si dovrebbe essere influenzati dalla musica folk o scrivere la propria musica ispirata al paese. Verso la fine del romanticismo, la musica si allontanò dagli ideali romantici, verso un maggiore realismo, mosse meno emozionali e uno stile più neoclassico o impresionista.
Periodo romantico
L’epoca romantica è il periodo più dominante nel tempo e nello sviluppo della musica. L’opera ha avuto uno sviluppo significativo, in particolare con le opere melodrammatiche drammatiche e Verdis di Wagner. Anche queste due opere hanno reso l’opera tedesca e italiana sempre più dominante, ci sono stati diversi compositori d’opera francesi che hanno notato, in particolare Georges Bizet e Jules Massenet. Durante questo periodo, l’opera drammatica e seria tornò fortemente. Anche le operette hanno avuto un grande sviluppo con Jacques Offenbach e Johann Strauss dy
Valser divenne sempre più popolare, ma in alcuni casi le danze nazionali e nazionali divennero più opere orchestrali che musica per ballare. Allo stesso tempo, il balletto ha ricevuto una spinta con l’aiuto della Russia alla fine. Le sinfonie hanno avuto una battuta d’arresto per lungo tempo, ma sono state riportate alla popolarità di Johannes Brahms, Anton Bruckner, Antonín Dvořák e Pjotr Tsjkovsky in particolare. Il periodo romantico nazionale divenne particolarmente pronunciato in Russia, nella Repubblica Ceca e nella regione nordica. Brahms si è distinto come un poliedrico con molte buone composizioni in diversi generi.
Il periodo è iniziato con un cambio generazionale. Mendelssohn morì nel 1847, Donizetti nel 1848 e Chopin nel 1849. Schumann ebbe problemi mentali nel 1850 e morì nel 1856 mentre Meyerbeer compose molto meno dopo il 1850. Nuovi compositori ne subentrarono, molti senza lo stretto legame con il classismo come la generazione precedente o il nervoso su sotto o ribellarsi contro. Con lo sviluppo di così tanti generi e di così tanti paesi, la musica è diventata molto meno controllata e molto meno sfaccettata di prima.
Valser e altri balli
Johann Strauss fondò la propria orchestra nel 1825 e svolse un ruolo importante nella divulgazione del valzer. Fu anche lui a stare dietro quella che divenne nota come la valle viennese. Il suo valzer moderno ha colpito tutta l’Europa, specialmente nel 1838 a Londra. Venne in Norvegia nel 1840 e rese popolare Viennese. Strauss, il più anziano, tuttavia, appartiene a casa nel primo periodo, tranne che per i suoi Radetzkymars. Tuttavia, i suoi due figli Johann Strauss e Josef Strauss erano anche compositori elettorali. Anche Marshs e Pole si unirono ai membri della famiglia. In particolare, Strauss an An der scönen blauen Danube dal 1867 un rotolo molto popolare. Strauss Dy ha continuato a sviluppare il rotolo come un ciclo di diverse danze e pezzi, qualcosa che suo padre e Schubert hanno fatto prima di lui. Strauss Dy aveva anche aggiunto elaborate iniziazioni e finali – e transizioni tra i pezzi – che hanno contribuito a rendere il valzer più accettabile anche tra un pubblico più esigente.
Jose Strauss divenne l’araldo di suo fratello Johann Strauss, il direttore del coro dominante, insieme al fratello Eduard. Josef Strauss era interessato a combinare valzer e sinfonia, e non aveva paura di provare nuova musica. Tra le altre cose, aveva incluso brani dell’opera di Wagner, Tristano e Isotta, nei suoi rotolanti concerti, così molti del pubblico avevano familiarità con molte delle canzoni prima che l’opera fosse messa in scena.
Tuttavia, c’erano anche molti altri ballerini locali che avevano colpito. Chopin aveva composto Masurques e polacchi ispirati alla Polonia, e alla fine degli anni 1860 e oltre, Brahms con danze ungheresi, probabilmente ispirati ai concerti che aveva con il violinista Eduard Reményi. Le danze ungheresi divennero finanziariamente redditizie per Brahms. Nel 1870 Antonín Dvořák venne con il suo ballerino slavo. A differenza di Brahms, che è stato pesantemente influenzato dalla musica folk attraverso Reményi e i rifugiati politici ungheresi che ha incontrato ad Amburgo, il ballerino slavo di Dvořák è diventato più artificiale, cioè, li ha scritti con poche fonti esterne di ispirazione.
Balletto
Il balletto in Francia aveva sofferto durante la Rivoluzione francese e le turbolenze che seguirono, che spaventavano i compositori, indebolivano la capacità della nobiltà o di entrambi. Tuttavia, il balletto è cresciuto di nuovo durante l’ascesa del romanticismo negli anni ’30. Nel balletto romantico, come nell’opera, il soprannaturale era importante. Un esempio di questo è stato Sylphiden, dove il protagonista si innamora di una fata poco prima del suo matrimonio. In particolare, la ballerina Marie Taglioni e suo padre, il coreografo Filippo, sono stati essenziali per lo sviluppo di uno stile romantico, in parte perché Marie Taglioni ha interpretato la siluette molto più convincente del solito nel balletto. Uno dei balletti più famosi di questo periodo fu Giselle, con musiche di Adolphe Adam. È anche caratterizzato da esseri soprannaturali, in questo caso gli spiriti delle vergini che morirono prima che potessero sposarsi.
Il balletto si concentrava principalmente su danze e coreografi, e molto meno su ballerini di sesso maschile, il che significava che c’erano molti meno ballerini maschi. Ciò ha contribuito a sabotare la popolarità del balletto nell’Europa occidentale. In Russia, dove la danza, e soprattutto la danza maschile, era una parte importante dell’identità nazionale, tuttavia, il balletto fin dall’inizio era destinato alla danza drammatica dal lato maschile. La combinazione della coreografia di Marius Petipa e le composizioni di Pjotr Tsjajkovsky divennero il salvataggio. La musica di Ciajkovskij era così ben adattata ai ballerini che riuscì a far uscire il compositore dall’ombra del coreografo e dei ballerini. Le sue composizioni Lake Swan (1876), Tornerose (1889) e Ncrcracker (1892) furono cruciali nell’aumentare la popolarità del balletto anche ad ovest. Tchaikovsky è riuscito a trovare le melodie buone che erano facili da umiliare, l’orchestrazione colorata che combaciava con la storia e l’atmosfera avventurosa, e le melodie che hanno combattuto molto bene per il movimento delle danze di balletto. Inoltre, ha creato un balletto molto più sinfonico.
Opera e Opera
L’opera stava per evolvere da Grand Opera a Opera Lyrique, un mix di Grand Opera e Opera Comique. Questo si adattava male allo stile di Meyer Beer, e anche se aveva avuto un successo relativamente alto nel 1850, il suo stile avrebbe potuto essere fuori comunque. Invece, Charles Gounod e Jules Massenet erano dominati da questo stile operistico. Tuttavia, l’opera fu presto dominata da due compositori che stavano dalla parte dell’opera francese, vale a dire Wagner e Verdi. Inoltre, sono comparsi altri talentuosi compositori d’opera, come Leo Delibes e Georges Bizet, che hanno aggiunto esotismo e realismo nell’opera.
Richard Wagner
Tuttavia, per Wagner, l’anno rivoluzionario del 1848 fu caratterizzato da un grande impegno politico, e fu cacciato in esilio a causa delle sue attività rivoluzionarie. Wagner ha anche scritto analisi musicali, tra cui l’arte del futuro della nona sinfonia di Beethoven, dove ha affermato che “l’ultima sinfonia è già stata scritta”. Nel 1850, scrisse anonimamente un brano antisemita, Judas Judgment in Music, in cui accusò gli ebrei in generale e Meyerbeer e Mendelssohn in particolare per trattenere la musica romantica. Non è caratteristico di Wagner avere commenti così notevolmente negativi sui suoi concorrenti. Nonostante il fatto che Verdi (discusso sotto) avesse molte opinioni su Wagner, non furono trovate affermazioni, tranne che per gli appunti nel diario della moglie di Wagner, e solo lì molto banale di mente, da Wagner su Verdi, che nel tempo presente era più noto e più elencati.
Il punto principale per Wagner era, tuttavia, che gli mancava l’opera tedesca con temi tedeschi, che dal momento che il Pane del Cacciatore del Web era diventato in gran parte provinciale e poco interessante. Wagner era riuscito con The Flying Dutchman e Tannhäuser, e tornò presto come compositore d’opera quando Liszt fondò Lohengrin, come scrisse Wagner nel 1847, a Weimar nel 1850. Lohengrin fu un successo e predisse il futuro fascino di Wagner per le leggende medievali e il popolo tedesco avventure, spesso moraleggianti e simboliche. Nell’apertura si riferisce a quando uno degli eroi sconfisse i danesi, e la storia parla anche di guerra contro gli ungheresi che avevano rotto il cessate il fuoco – diretto dall’ungherese Liszt.
Wagner iniziò nel 1848 quale sarebbe stata la sua opera principale, il Nibelungenring, un ciclo lirico di quattro parti. La prima parte, Rhingullet, non era pronta fino al 1854, e la parte successiva, Valkyria due anni dopo. Entrambi usano Search Motiv, cioè una parte melodica che viene ripetuta di volta in volta per enfatizzare l’umore o la persona che è il soggetto dell’opera. La melodia può apparire nell’orchestra, in una canzone o nel coro per illustrare il punto nel miglior modo possibile. L’uso del motivo di ricerca da parte di Wagner ricorda quindi l’idea di Berlioz. La differenza è che Wagner potrebbe usarne diversi sotto la stessa opera di Tristano e Isotta, e li usa anche così spesso che i motivi rendono il programma che spiega l’azione ridondante. La melodia guida ulteriormente le azioni e può creare emozioni simultanee, conflittuali e rinforzanti nell’opera. L’operastile di Wagner fu influenzata anche da Mozart, Beethoven, Cherubini, Weber e, in effetti, da Meyerbeer, che egli brillava così. Nonostante Wagner fosse scettico nei confronti degli ex compositori, Beethoven e Gluck eccetto, aveva uno stretto contatto con il passato.
Musicalmente, le opere di Wagner sono spesso complessi cambi di accordi cromatici, come in Tristano e Isotta. Solo il trentatreesimo mix tra musica diatonica (senza segno) e cromatica (con firma) e tra passaggi stabili e instabili erano gli elementi costitutivi di gran parte della musica di Wagner. Questo spesso creava la sensazione di lunghezza e bisogni insoddisfatti. Solo la lunghezza e la strada verso il traguardo erano ideali romantici già da Weber di cui Wagner usava molto. Inoltre, Wagner riuscì anche a stabilire un accordo finale con il canto del campanello usando l’orchestra in modo così cosciente che l’orchestra e il cantante potevano dare impressioni contraddittorie. L’idea di Wagner era l’opera completa in cui il canto, l’orchestra, la scenografia e le opere teatrali si scontrarono per dare una potente espressione drammatica.
Giuseppe Verdi
Lì Wagner compose 10 opere dall’incontro con Rienzi, scrisse Verdi 26 dopo la sua svolta con Nabucco, e dove Wagner era più famoso per il motivo principale e l’uso dell’orchestra, Giuseppe Verdi era famoso per la sua capacità di scrivere buone melodie e per catturare personaggi personaggi, emozioni e situazioni in loro. Il valore era anche un realista, le sue azioni dovrebbero spesso riguardare questo mondo, non un mondo mitico con dei e mostri. Verdi era anche, contrariamente a Wagner, preoccupato che l’orchestrazione non dovesse sopraffare i cantanti, ma piuttosto aggiungere colore e atmosfera. Là Wagner scrisse lui stesso i suoi libretti, spesso con il mix di molte fonti diverse, Verdi era desideroso di scegliere opere conosciute di William Shakespeare, Friedrich von Schiller, Lord Byron, Victor Hugo, Voltaire e Alexandre Dumas il più giovane.
La svolta principale di Verdis arrivò quando si ritirò dalla politica e dalla città di Busseto. Lì ha avuto il tempo di scrivere la trilogia Rigoletto, basata su un pezzo di Victor Hugo, Il Trovatore, basato su un pezzo del drammaturgo spagnolo Antonio García Gutiérrez, e La Traviata, basato su un pezzo di Alexandre Dumas dy. Tutti riescono a combinare l’opera tradizionale del canto a campana con l’uso della melodia per enfatizzare la personalità dei personaggi principali e gli umori principali. Ciò significava che la musica e lo stile dei brani diventavano un segno distintivo dei ruoli. Allo stesso tempo, ha anche usato motivi per ricordare al pubblico gli eventi passati. Ciò introdusse Verdi nello stesso tempo del Motiv di ricerca di Wagner, ma contrariamente ai principi di Wagner, i motivi per Verdi non erano intesi a portare avanti l’azione o creare conflitti o le diverse motivazioni costruite, ma più a legare l’azione più da vicino. Anche i motivi di Verdis non erano nulla di nuovo, ad esempio, Donizetti era già stato usato nel 1835. Anche le opere di Verdi non sono lontane dalle opere di Bellini di Rossini e Donizetti, e prese a prestito anche gli standard di opera di Rossini.
Dopo che Verdi divenne ricco nelle sue opere, si dedicò più diligentemente alle ultime opere, prendendo in prestito tecniche dalla grande opera, introducendo ruoli comici e temi esotici e immagini sonore (Aida). Le ultime due opere che Verdi ha scritto sono state entrambe opere di Shakespeare, Otello e Falstaff, più elaborate una prima edizione di Macbeth, entrambe eccellenti esempi in opere tragiche (Otello) e comiche (Falstaff). Quest’ultima era l’unica commedia di Verdi, e hanno anche alcune caratteristiche di Wagner, tra le altre cose perché ha una drammatica caratterizzazione delle persone e delle situazioni piuttosto che chiamare l’opera del Canto con l’Ariete alla presidenza.
Altri compositori operistici e operette
C’erano più talentuosi compositori d’opera francesi. Georges Bizet ha scritto pezzi esotici di Ceylon (oggi Sri Lanka) (Perle di pesce) e Siviglia (Carmen). Camille Saint-Saëns ha realizzato Samson a Dalila (opera della Bibbia) e Léo Delibes ha trasformato Lakmé, con l’azione aggiunta in India. Di questi, Carmen ha distinto entrambi in termini di successo immediato e retrospettivo e dato il realismo dell’azione. La vita sensuale e liberale di Carm è associata al suo essere un ragazzo zingaro e quindi in ogni modo al di fuori della società. C’erano anche opere in Russia e nella Repubblica Ceca, per questo, vedi il nazionalismo.
Dopo l’ascesa al potere di Napoleone III, l’opera seria divenne strettamente monitorata, mentre l’opera buffa, l’opera bouffe, divenne più libera. Questo era usato soprattutto dall’operetta, cioè l’opera con molto più discorso della tradizionale opera d’opera. Il compositore più importante nell’opera comica e satirica fu Jacques Offenbach. La svolta di Offenbach arrivò con Orfeo negli inferi, dove Orfeus (tenore) era davvero innamorato di un altro, ma sposò Evrydike (soprano) con un errore e la sposò perché aveva paura dell’opinione pubblica (mezzo soprano). Organizza la sua morte perché Plutone è innamorato di lei, e vive felicemente – qualcosa che Evrydike fa anche nel braccio della morte con Plutone come marito – finché l’opinione pubblica non gli impone di salvarla. Offenbach ha anche ascoltato la buona melodia, anche quando il decadente è morto ballando al galoppo (una specie di danza), dove la melodia è in seguito inestricabilmente legata al can-can. Allo stesso tempo, le sue opere, che prendono in giro l’opera, hanno raccolto molto dai numeri delle canzoni virtuosistiche dei primi anni del XVIII secolo, numeri contemporanei contemporanei, bolersos, fanganghi, quadriglie e rulli – oltre al can-can e al galoppo.
La popolarità di Offenbach aumentò drammaticamente dopo questa commedia, e con la bella Helena e La vie parisienne ispirò anche altri compositori di operette e compositori di commedie in molti paesi. Uno di loro era il dy di Johann Strauss che provò e ottenne un grande successo con i Pipistrelli nel 1874, e più tardi Arthur Sullivan e WS Gilbert in HMS Pinafore e successivamente una serie di opere buffe. Ciò significava che i compositori inglesi (e di origine inglese) erano strumentali nel cantare la musica per la prima volta da quando Henry Purcell alla fine del 1600.
sinfonie
Le sinfonie avevano cominciato ad essere un’anormalità intorno al 1850, in gran parte riservata agli studenti di musica. Ad esempio, le principali sale da concerto di Parigi sono state utilizzate per suonare le sinfonie classiche di Haydn, Mozart e Beethoven e le prime storie d’amore con Mendelssohn e Schumann. Pasdeloup, che ha organizzato i concerti, è stato alla fine persuaso a suonare le sinfonie degli studenti di musica francese Gounonds e Saint Saëns, ma è tornato indietro come Bach è stato riscoperto e Händel è sempre stato popolare. Allo stesso tempo, una nuova forma di musica apparve nelle poesie sinfoniche di Frans Lizst dal 1848 al 1857. Si trattava di opere soliste per orchestre caratterizzate dalla filosofia, dalla letteratura o dalla pittura. Questo era un programma musicale in linea con Berlioz, ma più descrittivo che narrativo. Lizst riuscì in un’armonia rivoluzionaria e con effetti orchestrali che caratterizzarono il resto del 19 ° secolo. La sinfonia delle opere è rappresentata, tra l’altro, nei contorni della forma sonata.
La sinfonia come genere tornò forte quando Johannes Brahms si staccò dalla situazione ostinata tra musica moderna e un gusto che passò vecchie sinfonie. Ha scelto di combinare i due scrivendo sinfonie all’indietro, che allo stesso tempo erano moderne. Brahms è stato ispirato da Schumann, e quindi apparteneva al ramo classico in contrasto con Liszt e Berlioz. Tuttavia, anche se Brahms scrisse la musica, probabilmente fu influenzato dal Tristano e Isotta di Wagner, nonostante il fatto che fosse rimasto ben poco per la musica di Wagner. Ciò significa che la sua sinfonia non era né completamente né completamente programmatica, ma più vicina allo stile assoluto. Ciò è sottolineato anche dal fatto che Brahms fu anche largamente influenzato dalla quinta sinfonia di Beethoven. È stato anche ispirato dalla nona sinfonia di Beethoven nel finale. Era per lo più diatonico e melodioso, ma aveva delle linee cromatiche nelle voci. La sinfonia fu scritta nel 1860, ma non fu pubblicata fino al 1876.
Ciò che caratterizzava tutte le sinfonie di Brahms era che erano musica assolutamente rigorosa senza alcun tipo di programma musicale. Come Beethoven, Brahms ha scelto di essere romantico nel tono della parola, pur mostrando rispetto per la forma sonata della prima parte, largo nella seconda parte e poi uno scherzo nella terza parte. Nondimeno, Brahms era anche interessato e influenzato dalla musica contemporanea, quindi unendoli in qualche modo a questi.
Quando Brahms compose le sue sinfonie all’inizio del 1860, non era solo in questo, Anton Bruckner scrisse anche nove sinfonie, la prima nel 1865. Tuttavia, spesso le riscrive, e non ha battuto abbastanza contemporaneamente nello stesso momento in cui Brahms. A differenza di Brahms, a differenza di Brahms, Bruckner era molto più amichevole di Wagner e compose molto più nella direzione della musica di programma. Tuttavia, Bruckner era anche interessato a Beethoven, e specialmente alla nona sinfonia.
Tshechkovsky scrisse anche sinfonie, e la sua prima venne nel 1867. A differenza dei “potenti” che volevano riscoprire la musica nazionale russa (discussa più avanti), Tsjkovsky era orientato all’occidente. Fu solo al momento della sua quarta sinfonia che Tsjovkovsky colpì il fronte sinfonico. Poi aveva già avuto successo con pezzi di balletto e concerti di pianoforte. La sinfonia Tshechkovsky numero 4 del 1878 divenne una svolta, in parte perché aveva formalità sul posto, e in parte perché riuscì a usare strumenti armonici forti. Tuttavia, la sua sinfonica Manfred non numerata è la più famosa.
Le sinfonie sono state scritte anche in Francia. Nel 1871 César Franck, Camille Saint-Saëns e molti altri compositori decisero di promuovere la musica francese. Sotto il motto “Ars Gallia”, Franck, che prima era stato in gran parte un grande organizzatore, cominciò a comporre. All’inizio era una poesia sinfonica, ma verso la fine dell’alta conversione cominciò a scrivere sinfonie. Le sue sinfonie si sono in parte rassegnate a causa della loro tristezza, ma anche perché ha portato il tema da una frequenza all’altra invece di trattare le quattro frasi come separate. Inoltre, Franck, che era paragonato a Johann Sebastian Bach, era anche bravo a usare il contrappunto nelle sue opere.
Romanticismo nazionale
In diversi posti in Europa, è apparsa una forte ondata di mosse romantiche nazionali nella musica. Le ragioni potrebbero essere più, per esempio, si potrebbe desiderare di abbinare i giornali popolari che sono stati raccolti in un numero crescente di paesi, trovare lo stile musicale idiosincratico del paese o gridare il paese con canzoni e musica. Nell’alto predominio, fu soprattutto in Russia, Repubblica Ceca e Scandinavia a comparire la storia d’amore nazionale, mentre per un certo periodo era stata presente nella musica tedesca, se non come diretta. In Francia, tuttavia, un gruppo di compositori si oppose a compositori come Franck e Delibes, che erano stati ispirati da tedeschi come Beethoven e Wagner. Questi preferiscono scrivere una musica francese nei propri locali. Uno dei compositori era Camille Saint-Saëns, che è noto per i suoi pezzi seri come la sua sinfonia d’organo in c-talpa, e il carnevale degli animali comici, dove la tartaruga entra in una versione molto impressionante del galoppo infernale di Offenbach.
Russia
La Russia aveva prodotto pochi compositori prima che Mikhail Glinka colpisse gli anni 1830. La sua prima opera, una vita per lo Zar, aveva chiari aspetti russi oltre a urlare lo zar e il governo. La musica è stata utilizzata a volte in scala modale, in gran parte sostituita da scala maggiore e minore in Occidente, ma ancora in uso in Russia. Tuttavia, la sua altra opera, Russlan e Lyudmila (1842) usavano le scale di helton, i cromatismi, le dissonanze e le variazioni delle canzoni popolari che avevano un vero focus nazionale, dove una vita per lo Zar era più agile.
Le opere di Glinkas hanno colpito l’ovest solo perché era un russo così tipico, ma i compositori russi che lo hanno seguito sono divisi in due categorie principali: quelli che cercavano uno stile musicale più moderno e occidentale (Tsjajkovsky) e quelli che volevano studiare la musica russa per conto proprio parte (spesso chiamata “The Five” o “The Potful Handful”). La musica di Ciajkovskij era così occidentale da appartenere ai singoli sottogruppi, la ricerca dei cinque compositori per il russo era così significativa che le loro opere sono discusse qui, soprattutto per le opere e le sinfonie.
I balletti e le sinfonie di Tsjaijkovsky sono già stati citati, ma ha anche scritto opere come Eugen Onegin e Spar Dame. Di questi, il primo divenne chiaramente noto, e in seguito ha acquisito uno status che ricorda un’opera nazionale russa. Una delle opere più famose della Cecenia è l’Ouverture del 1812, che è un’opera indipendente e non, come un adultero tradizionale, legata a un’opera. Questo struzzo, che celebra la vittoria dei russi su Napoleone Bonaparte, è pieno di riferimenti ai cosacchi russi, alle melodie popolari e agli zaristi contro i marsigliesi. Quest’ultimo nonostante il fatto che lo zar fu scritto molto dopo il 1812 e che Napoleone Bonaparte proibì i marsigliesi nel 1805.
I Cinque erano composti da Milij Balakirev, Alexander Borodin, Cesar Cui, Modest Musorgsky e Nikolaj Rimskij-Korsakov. I cinque erano avversari delle influenze tedesche e italiane sulla musica russa, ma erano anche occupati dalla musica di Berlioz e Liszt. Cui scrisse nelle sue memorie che erano giovani e brutali nella loro critica, senza rispetto per Mozart e Mendelssohn, con la resistenza a Schumann, l’entusiasmo per Liszt e Berlioz e la dea di Chopin e Glinka.
Dei cinque compositori, né Cui né Balakirev avevano un maggiore significato per la composizione successiva. Borodin ha usato temi caucasici e asiatici centrali nella sua musica, specialmente nell’opera Opera First Igor (non completata) e nelle sue sinfonie, per non parlare delle sue poesie sinfoniche On the Steps of Central Asia. Tuttavia, era un uomo impegnato (era un professore di chimica) e aveva poco tempo per comporre. Le sue due sinfonie erano tuttavia speciali perché le scrisse con prestiti molto più piccoli da Beethoven, e fu quindi molto meno influenzata dal passato rispetto alla maggior parte degli altri compositori sinfonici.
Musorgskij aveva un passato ucraino, ma rimase a San Pietroburgo per gran parte della sua vita, e non se ne andò mai all’estero. Due delle sue opere più famose sono il poema sinfonico Una notte a Bloksberg (1867, eseguito dopo la sua morte) e il pezzo di pianoforte Immagini in una mostra (1874). Oltre alla musica programmata, la musica di Musorgsky può essere definita più realistica che romantica, sebbene con un fascino per l’esotico. Così, la sua musica, come la Salambô Opera, potrebbe ricordarti Carmen. Inoltre, Musorgskij riteneva che la musica e l’arte dovessero aiutare la parola umana invece di essere fine a se stessa. Le leggi della musica, ovunque importanti, dovrebbero sempre cambiare e rompere. L’opera Boris Godunov, basata su un brano di Alexander Pushkin, enfatizzava il fascino del discorso di Musorgskij quando imitava gli schemi linguistici russi. Insieme al Primo Igor di Borodin e Eugen Onegin di Tsjajkovsky, Boris Godunov è l’opera russa più suonata.
Nikolaj Rimskij-Korsakov era l’unico dei cinque ad avere un’educazione musicale, ironicamente perché divenne professore nel 1871 e dovette studiare per essere un passo avanti ai suoi studenti. Persino i Cinque erano scettici riguardo all’educazione musicale perché era orientato all’occidente, fu proprio l’educazione di Rimskij-Korsakov che salvò molta musica russa, e altrove aggiunse Glinka, Musorgskij e Borodin per assicurare la loro sopravvivenza musicale. Come direttore d’orchestra in Russia e in Europa occidentale, è anche riuscito a esportare la loro musica in queste aree. Rimskij-Korsakov scrisse opere, ma nessuna di esse ottenne altrettanta attenzione delle opere di Borodin, di Tsjovkovsky e di Musorgskij. La forza di Rimskij-Korsakov era che poteva suonare tutti gli strumenti di un’orchestra e quindi era molto bravo nell’orchestrazione. Il suo Capriccio espagnol e Scheherazade sono diventati particolarmente famosi, ironicamente dal momento che uno ha un titolo francese e un’ispirazione spagnola e l’altro prende il nome dal personaggio principale nella notte 1001.
Repubblica Ceca
I compositori cechi erano stati contrassegnati sotto la scuola di Mannheim, ma in seguito erano principalmente associati alla musica tedesca. Tuttavia, nella seconda metà del 19 ° secolo, un’ondata nazionalista guidata principalmente da Bedřich Smetana e Antonín Dvořák.
Il primo a uscire fu Smetana. È considerato il fondatore della musica ceca. Smetana era preoccupata dell’indipendenza per la Repubblica Ceca e allo stesso tempo era impegnata con la musica. Praha era un importante centro musicale e conobbe Berlioz, Liszt e Robert e Clara Schumann, che lo influenzarono molto. Dopo un soggiorno a Göteborg è tornato in Boemia per sempre. Fu qui che scrisse la sua seconda opera, The Sold Bride (1866), un’opera buffa con molte mosse romantiche nazionali. Proprio come Dvořák in seguito nelle sue danze slave, Smetana ha scelto di comporre musica folk e ballare se stessa invece di ispirare direttamente dalla musica folk.
Lo sfondo di questa elezione potrebbe essere stato una discussione con politici protostatici che pensavano che un’opera seria avesse facilmente reso possibile scrivere sulla base di canzoni popolari ceche, ma era impossibile scrivere un’opera comica con un personaggio ceco. Smetana sosteneva che questo sarebbe finito in un potpurri di melodie diverse. Nonostante il successo della sposa venduta, Smetana si allontanò da questo stile nelle sue altre opere. Ha provato un’opera seria, e nelle ultime quattro opere lo stile era marcatamente diverso, sia dalla sposa venduta che dall’un l’altro. Smetanas Má vlast (“La mia patria”) era un ciclo sinfonico di poesia in cui, in particolare, la seconda, Vltava (Die Moldau in tedesco) fu un grande successo.
Dove Smetana è stata ispirata da Lizst e programma la musica, Dvořák era un musicista più bravo come il vero. Si riprese rapidamente dal fascino di Wagner e pubblicò diverse sinfonie ispirate a Brahms. Certo, le prime quattro sinfonie erano sconosciute alla morte di Dvořák, ma le ultime cinque erano sempre più suonate. Tuttavia, dove Brahms è stato accusato di essere vecchio stile e di tornare, Dvořák era un sinfonista più lungimirante e innovativo. Dvořák, tuttavia, non era il desiderio e il mistero, come Brahms, ma piuttosto il compositore giocoso e fresco. Il suo successo forse più grande come sinfonica, tuttavia, arrivò nello straordinario dell’onnipotenza, quando scrisse la sua sinfonia numero 9, From the New World, ispirata al viaggio negli Stati Uniti, ma anche alla musica ceca mista. Inoltre, il suo Stabat Mater e il suo Requiem furono grandi successi, e il suo concerto di violino nel concerto di a-mole e cellula di H-Moll fu anche molto popolare in Europa.
paesi nordici
I paesi nordici, e in particolare la Norvegia, sono stati influenzati dal romanticismo nazionale. Un certo numero di compositori del Nord Europa ha definito la musica del proprio paese basata sulla musica folk, come è stato fatto in Russia, o scrivendola come è stata fatta a Praga. Sono stati soprattutto i paesi scandinavi a segnarsi nell’alto convertito. Il finlandese Jean Sibelius è arrivato per la prima volta in senromantica, insieme a Carl Nielsen dalla Danimarca.
Fu in Danimarca che l’idea del “tono nordico” apparve per la prima volta a metà del 1800. Sono stati soprattutto Niels Wilhelm Gade e Jens Peter Emilius Hartmann a dare il via a questo sviluppo. Di questi, il sinfonista Gade ha avuto la maggiore influenza sui paesi nordici, mentre il musicista di palcoscenico Hartmann era più nordico nella sua composizione, forse proprio questo, Gade è diventato più riconosciuto in Europa. In Svezia era soprattutto Franz Berwald che dominava. Ha scritto sia musica da camera che opera, ma come Gade è famoso per le sue sinfonie. Le sinfonie di Berwald erano molto originali, con un uso attivo di pause e ritmo. Sfortunatamente per lui, Stoccolma non era necessariamente pronto per la musica così moderna come scriveva, e non viveva nella sua musica.
In Norvegia, l’unico non indipendente dei tre paesi scandinavi, la vita della musica pubblica esisteva da almeno 1765 quando la compagnia musicale “Harmony” fu fondata a Bergen. Questo lo rende una delle compagnie musicali più antiche al mondo. In Christiania (l’odierna Oslo), il liceo è apparso come un’alternativa nel 1810, che ha creato maggiore competizione e professionalità. Quando i compositori norvegesi apparvero all’inizio del XIX secolo, furono mossi da idee nazionali e dagli eventi di Eidsvoll nel 1814, e quindi, fin dall’inizio, avevano una forma di tono romantico nazionale. Ole Bull, che presto ha suonato in Harmony, ha collaborato con Myllarguten, un giocatore che ha avuto un impatto molto forte con la musica folk. La partnership ha reso popolare la musica popolare in tutta la Norvegia. Alla fine apparvero diversi promettenti compositori, come Halvdan Kjerulf e Richard Nordraak, ma soprattutto nella seconda metà del 1800, la Norvegia apparve con Edvard Grieg, Johan Svendsen e Christian Sinding, di cui Grieg era in una classe speciale sia in Norvegia che nel Paesi nordici.
Se c’era una ricerca per il nordico o scandinavo a Gade, Hartmann o Berwald, Grieg era prima di tutto non scandinavo ma norvegese. Edvard Grieg was not good at the big shapes, but relied on the smaller compositions, such as romances, mowers and piano pieces. Thus he was an opposition to Gade and Berwald. Grieg, for example, has no symphonies, and even sonates he has few of. Another feature of Grieg’s music was that he went to the source when it came to finding the national tone and inspired a lot of folk melodies. At the same time, he gave the people’s melody a personal touch so that it was easier to access even beyond the borders of the country. The Romans of Grieg belong to the very best in the genre. Despite the fact that Grieg was considered a miniature artist, his orchestral work was among the most famous, especially the Peer Gynt suite, which featured songs like Morning Mood, The Dovregubbens Hall and Anita’s dance in the first song and Solveig’s song in the other. Also from Holberg’s time and the piano concert in A-Moll has a big international appeal. Grieg was featured by Longyear as “one of the most individual composers in the 19th century.”
Other music
In addition to his symphonies and symphonic poetry, César Franck had also worked a lot of music, which had to some extent gone out of fashion, such as chamber music, orienteering, fantasy, fuge, choir music and organ music. In the latter he borrowed both from French music and from Johann Sebastian Bach, who, after Mendelssohn’s efforts, became increasingly popular. Franck was considered the founder of modern French chamber music, including his piano quintets, string quartets and violin sons – all cyclical in shape.
Gabriel Fauré was basically an antithesis for Franck’s Wagner and German-inspired style. He represented order and constraint as key cornerstones. Fauré was a student of Saint-Saëns. Fauré also inspires Gounond, where the melodies were easier and without virtuoso pieces. Eventually he focused on music genres with a big crew, perhaps known as his Requiem. Towards the end, Fauré became increasingly popular in the musical form, and little melodies were often linked together, about as far from Wagner one can come at that time.