Romantische Musik ist eine musikhistorische Zeit zwischen ca. 1830 und 1910. Es hatte mehr Ähnlichkeit mit Romantik in anderen Künsten, wie Literatur und Malerei, das heißt, Individualismus, Patriotismus, Freiheitswunsch und die Länge und Verfolgung des Ziels, anstatt das Ziel an sich. Die Romantik der Musik kam relativ spät in Bezug auf die Romantik von Literatur und Kunst, und dauerte viel länger.

Die Zeit begann als gleitender Übergang vom Klassizismus, aber auch als klarer Verstoß. Während sich die Klassiker unter Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart und dem frühen Ludwig van Beethoven auf die klassischen Ideale von Erleuchtung, Klarheit, Ruhe und Ausgeglichenheit konzentrierten, war Romanze viel emotionaler, dynamischer und mit starken musikalischen Kontrasten. Die Sehnsucht nach etwas und die Reise dorthin war wichtiger als der Zweck der Reise. Die Dominanz von Richard Wagner, Giuseppe Verdi und Johannes Brahm dominierte die Charaktere. Gleichzeitig dominierte die nationale Romantik in einer Reihe von Ländern und Territorien, insbesondere in Russland, der Tschechischen Republik und Skandinavien. Hier gab es verschiedene Ideen, dass man von Volksmusik beeinflusst sein sollte oder eigene Musik schreiben sollte, die vom Land inspiriert war. Gegen Ende der Romantik bewegte sich die Musik von den romantischen Idealen zu mehr Realismus, weniger emotionalen Bewegungen und einem eher neoklassischen oder impressionistischen Stil.

Hochromantische Zeit
Die Hochromantik ist die dominierende Zeit und die Entwicklung der Musik. Die Oper hatte eine bedeutende Entwicklung, besonders mit Wagners dramatischen und Verdis melodiösen Opern. Auch diese beiden Opern machten die deutsche und italienische Oper zunehmend dominant, es gab mehrere französische Opernkomponisten, besonders Georges Bizet und Jules Massenet. Während dieser Zeit kam die dramatische und ernste Oper stark zurück. Auch mit Jacques Offenbach und Johann Strauß dy hatte die Operette eine große Entwicklung

Valser wurde immer populärer, aber sowohl nationale als auch nationale Tänze wurden in einigen Fällen mehr Orchesterwerke als Musik zum Tanzen. Gleichzeitig wurde das Ballett am Ende mit Hilfe von Russland aufgewertet. Die Sinfonien hatten lange Zeit einen Rückschlag, wurden aber vor allem auf die Popularität von Johannes Brahms, Anton Bruckner, Antonín Dvořák und Pjotr ​​Tsjkovsky zurückgeführt. Besonders in Russland, der Tschechischen Republik und der nordischen Region war die nationale Romantik besonders ausgeprägt. Brahms zeichnete sich als Multitalent mit mehreren guten Kompositionen in verschiedenen Genres aus.

Die Periode begann mit einem Generationswechsel. Mendelssohn starb 1847, Donizetti 1848 und Chopin 1849. Schumann erlitt 1850 psychische Probleme und starb 1856, während Meyerbeer nach 1850 viel weniger komponierte. Neue Komponisten übernahmen, ohne die enge Verbindung zum Klassizismus als die frühere Generation, den Nerv unter oder rebelliert gegen. Mit der Entwicklung so vieler Genres und so vieler Länder wurde die Musik viel weniger kontrolliert und weniger facettiert als zuvor.

Valser und andere Tänze
Johann Strauss gründete 1825 sein eigenes Orchester und spielte eine wichtige Rolle in der Popularisierung des Walzers. Er war es auch, der hinter dem Wiener Tal stand. Sein moderner Walzer traf in ganz Europa, vor allem 1838 in London. Er kam 1840 nach Norwegen und machte die Wiener dort beliebt. Strauss, der Ältere, jedoch gehört in der Frühzeit, mit Ausnahme seines Radetzkymarsj, nach Hause. Aber auch seine beiden Söhne Johann Strauß und Josef Strauss waren begeisterte Wahlkomponisten. Marshs und Polen schlossen sich ebenfalls den Familienmitgliedern an. Insbesondere Strauss dys An der blauen Donau von 1867 war eine sehr beliebte Rolle. Strauss Dy entwickelte die Rolle weiter als einen Zyklus von mehreren Tänzen und Stücken, was sein Vater und Schubert vor ihm taten. Strauss Dy hatte auch aufwändige Initiationen und Endungen – und Übergänge zwischen den Stücken – hinzugefügt, die dazu beitrugen, dass der Walzer auch bei einem anspruchsvolleren Publikum akzeptiert wurde.

Jose Strauss wurde, nachdem sein Bruder Johann Strauß es gewagt hatte, zusammen mit seinem Bruder Eduard den dominierenden Chorleiter zu komponieren. Josef Strauß war daran interessiert, Walzer und Symphonie zu kombinieren, und er hatte keine Angst, neue Musik auszuprobieren. Unter anderem hatte er in seinen rollenden Konzerten Stücke aus Wagners Oper Tristan und Isolde mit aufgenommen, so dass viele der Zuhörer einige der Lieder schon vor der Opernaufführung kannten.

Es gab jedoch auch viel mehr lokale Tänzer, die getroffen hatten. Chopin hatte von Polen inspirierte Masuren und Polen komponiert, und in den späten 1860ern und darüber hinaus Brahms mit ungarischen Tänzen, wahrscheinlich inspiriert von den Konzerten mit dem Geiger Eduard Reményi. Die ungarischen Tänze wurden für Brahms finanziell lukrativ. In den 1870er Jahren kam Antonín Dvořák mit seiner slawischen Tänzerin. Im Gegensatz zu Brahms, der durch Reményi und ungarische politische Flüchtlinge stark von Volksmusik beeinflusst war, traf er sich in Hamburg, Dvořáks slawischer Tänzer wurde künstlicher, das heißt, er schrieb sie mit wenigen externen Quellen der Inspiration.

Ballett
Das Ballett in Frankreich hatte während der Französischen Revolution und den darauffolgenden Unruhen gelitten, die entweder die Komponisten abschreckten oder die Fähigkeit des Adels oder beider schwächten. Das Ballett wuchs jedoch während des Aufstiegs der Romantik in den 1830er Jahren wieder an. Im romantischen Ballett, wie in der Oper, war das Übernatürliche wichtig. Ein Beispiel dafür war Sylphiden, wo sich der Protagonist kurz vor seiner eigenen Hochzeit in eine Fee verliebt. Insbesondere die Tänzerin Marie Taglioni und ihr Vater, der Choreograf Filippo, waren wesentlich für die Entwicklung des romantischen Stils, auch weil Marie Taglioni die Sylvie weit überzeugender als üblich im Ballett spielte. Eines der berühmtesten Ballette aus dieser Zeit war Giselle mit Musik von Adolphe Adam. Es ist auch durch übernatürliche Wesen charakterisiert, in diesem Fall die Geister von Jungfrauen, die gestorben sind, bevor sie heiraten konnten.

Das Ballett konzentrierte sich hauptsächlich auf Tänze und Choreografen, und noch weniger auf männliche Tänzer, was dazu führte, dass es viel weniger männliche Balletttänzer gab. Dies half, die Popularität des Balletts in Westeuropa zu sabotieren. In Russland, wo der Tanz, und besonders der männliche Tanz, ein wichtiger Teil der nationalen Identität war, war das Ballett von Anfang an für den dramatischen Tanz von der Seite der Männer bestimmt. Die Kombination der Choreographie von Marius Petipa und den Kompositionen von Pjotr ​​Tsjajkovsky wurde zur Rettung. Tchaikovsky Musik war so gut an die Tänzer angepasst, dass es ihm gelang, den Komponisten aus dem Schatten der Choreografen und Tänzer zu bringen. Seine Kompositionen Lake Swan (1876), Tornerose (1889) und Nuttcracker (1892) trugen entscheidend zur Popularisierung des Balletts auch im Westen bei. Tschaikowsky gelang es, die guten Melodien zu finden, die leicht zu demütigen waren, eine farbenfrohe Orchestrierung, die der abenteuerlichen Geschichte und Atmosphäre entsprach, und Melodien, die sehr gut für die Bewegung der Balletttänze kämpften. Darüber hinaus schuf er ein weit mehr symphonisches Ballett.

Oper und Oper
Die Oper entwickelte sich von der Grand Opera zur Opera Lyrique, einer Mischung aus Grand Opera und Opera Comique. Das passte schlecht zu Meyer Beers Stil, und obwohl er 1850 relativ erfolgreich war, hätte sein Stil trotzdem ausgehen können. Stattdessen dominierten Charles Gounod und Jules Massenet diesen Opernstil. Die Oper wurde jedoch bald von zwei Komponisten dominiert, die an der Seite der französischen Oper standen, nämlich Wagner und Verdi. Darüber hinaus tauchten weitere talentierte Opernkomponisten wie Leo Delibes und Georges Bizet auf, die der Oper Exotik und Realismus hinzufügten.

Richard Wagner
Für Wagner war das Revolutionsjahr 1848 jedoch von viel politischem Engagement geprägt, und er wurde wegen seiner revolutionären Aktivitäten ins Exil getrieben. Wagner schrieb auch musikalische Analysen, einschließlich der Kunst der Zukunft von Beethovens neunter Symphonie, wo er sagte, dass „die letzte Symphonie bereits geschrieben ist“. 1850 schrieb er anonym ein antisemitisches Stück, Judas Judgment in Music, in dem er Juden im Allgemeinen und Meyerbeer und Mendelssohn vor allem beschuldigte, die romantische Musik zurückzuhalten. Es ist untypisch für Wagner, so deutliche negative Kommentare über seine Konkurrenten zu haben. Trotz der Tatsache, dass Verdi (unten diskutiert) viele Meinungen über Wagner hatte, wurden keine Aussagen gefunden, außer den Notizen im Tagebuch der Wagner-Frau, und nur dort sehr trivial gesund, von Wagner über Verdi, der in der heutigen Zeit mehr bekannt war und mehr aufgeführt.

Der Hauptpunkt für Wagner war jedoch, dass er die deutsche Oper mit deutschen Themen vermisste, die seit dem Hunter ’s Bread des Web weitgehend provinziell und uninteressant geworden waren. Wagner war mit The Flying Dutchman und Tannhäuser erfolgreich, und er kehrte schnell als Opernkomponist zurück, als Liszt Lohengrin, wie Wagner 1847 schrieb, 1850 in Weimar gründete. Lohengrin war ein Erfolg und prophezeite Wagners zukünftige Faszination für mittelalterliche Legenden und deutsches Volk Abenteuer, oft moralisierend und symbolisch. In der Eröffnung wird darauf hingewiesen, als einer der Helden die Dänen besiegte, und in der Geschichte geht es auch darum, Krieg gegen die Ungarn zu führen, die den Waffenstillstand gebrochen hatten – unter der Regie des ungarischen Liszt.

Wagner begann 1848 mit seinem Hauptwerk, dem Nibelungenring, einem vierstimmigen Opernzyklus. Der erste Teil, Rhingullet, war erst 1854 fertig und der nächste Teil, Valkyria, zwei Jahre später. Beide benutzen Suchmotiv, das heißt, ein melodischer Teil, der von Zeit zu Zeit wiederholt wird, um die Stimmung oder Person, die das Thema der Oper ist, zu betonen. Die Melodie kann im Orchester, in einem Lied oder im Chor erscheinen, um den Punkt so gut wie möglich darzustellen. Wagners Verwendung des Suchmotivs erinnert so an Berlioz ‚Idee fixe. Der Unterschied ist, dass Wagner mehrere von ihnen unter der gleichen Oper wie mit Tristan und Isolde verwenden konnte, und er benutzt sie auch so oft, dass die Motive das Programm, das die Handlung erklärt, überflüssig machen. Die Melodie leitet die Handlungen weiter und kann in der Oper gleichzeitige, widersprüchliche und verstärkende Emotionen erzeugen. Wagners Oper wurde auch von Mozart, Beethoven, Cherubini, Weber und tatsächlich von Meyerbeer beeinflusst, die er so glänzte. Trotz der Tatsache, dass Wagner den ehemaligen Komponisten Beethoven und Gluck gegenüber skeptisch war, hatte er engen Kontakt zur Vergangenheit.

Musikalisch sind Wagners Opern oft komplexe chromatische Akkordwechsel, wie in Tristan und Isolde. Gerade die mindestens dreihundert Jahre alte Mischung zwischen diatonischer (ohne Zeichen) und chromatischer (mit Signatur) Musik und zwischen stabilen und labilen Passagen waren die Bausteine ​​in Wagners Musik. Dies schuf oft das Gefühl von Länge und unbefriedigten Bedürfnissen. Gerade die Länge und der Weg zum Ziel waren romantische Ideale schon von Weber, von denen Wagner viel benutzte. Darüber hinaus gelang es Wagner auch, mit dem Canto eine endgültige Regelung mit dem Orchester so bewusst zu treffen, dass das Orchester und die Sängerin widersprüchliche Eindrücke vermitteln konnten. Wagners Idee war die komplette Oper, in der Gesang, Orchester, Inszenierung und Theaterstücke zu einem kraftvollen dramatischen Ausdruck kollidierten.

Giuseppe Verdi
Dort komponierte Wagner 10 Opern nach dem Durchbruch mit Rienzi, schrieb Verdi 26 nach seinem Durchbruch mit Nabucco, und wo Wagner am berühmtesten für das Leitmotiv und die Verwendung von Orchester war, war Giuseppe Verdi am berühmtesten für seine Fähigkeit, gute Melodien zu schreiben Capture Charakter Charaktere, Emotionen und Situationen in ihnen. Der Wert war auch ein Realist, seine Handlungen sollten sich meistens auf diese Welt beziehen, keine mythische Welt mit Göttern und Monstern. Verdi war auch, im Gegensatz zu Wagner, besorgt, dass die Orchestrierung die Sänger nicht überwältigen, sondern Farbe und Atmosphäre hinzufügen sollte. Dort schrieb Wagner seine Libretti selbst, oft mit der Mischung aus vielen verschiedenen Quellen, Verdi war scharf darauf, bekannte Stücke von William Shakespeare, Friedrich von Schiller, Lord Byron, Victor Hugo, Voltaire und Alexandre Dumas dem jüngeren zu wählen.

Verdis großer Durchbruch gelang ihm, als er sich aus der Politik und der Stadt Busseto zurückzog. Dort hatte er Zeit, die Trilogie Rigoletto zu schreiben, basierend auf einem Stück von Victor Hugo, Il Trovatore, basierend auf einem Stück des spanischen Dramatikers Antonio García Gutiérrez, und La Traviata, basierend auf einem Stück Alexandre Dumas dy. Jedem gelingt es, traditionelle Glocken-Canto-Oper mit der Verwendung von Melodien zu kombinieren, um die Persönlichkeit der Hauptfiguren und Leitmotive zu betonen. Dies bedeutete, dass der Musik- und Liedstil zu einem Markenzeichen der Rollen wurde. Gleichzeitig verwendete er Motive, um das Publikum an vergangene Ereignisse zu erinnern. Dies führte Verdi zeitgleich mit Wagners Suchmotiv ein, aber im Gegensatz zu Wagners Prinzipien waren die Motive für Verdi nicht dazu gedacht, die Handlung voranzutreiben oder Konflikte oder die verschiedenen Motive zu schaffen, sondern mehr, um die Handlung enger zu verknüpfen. Auch Verdis ‚Motive waren nichts Neues, Donizetti wurde bereits 1835 benutzt. Verdis Opern sind auch nicht weit von Rossinis und Donizettis Bell Canto-Opern entfernt, und er hat sich auch von Rossinis Opernstandards geliehen.

Nachdem Verdi in seinen Opern reich wurde, nahm er mehr Sorgfalt mit den neuesten Opern, borgte Techniken aus der großen Oper, führte komische Rollen und exotische Themen und Klangbilder ein (Aida). Die letzten beiden Opern, die Verdi schrieb, waren sowohl Shakespeare-Opern, Otello und Falstaff, als auch eine erste Ausgabe von Macbeth, beide hervorragende Beispiele in tragischer (Otello) und komischer (Falstaff) Oper. Letzteres war Verdis einzige Komödie, und sie haben auch einige Merkmale von Wagner, unter anderem, weil es eine dramatische Charakterisierung von Leuten und Situationen hat, anstatt die Canto-Oper mit dem Widder in der Präsidentschaft zu nennen.

Andere Opern- und Operettenkomponisten
Es gab mehr talentierte französische Opernkomponisten. Georges Bizet schrieb exotische Stücke aus Ceylon (heute Sri Lanka) (Perlenfisch) und Sevilla (Carmen). Camille Saint-Saëns machte Samson zu einer Dalila (Bibeloper) und Léo Delibes machte Lakmé, mit der Aktion nach Indien. Von diesen unterschied sich Carmen sowohl im Hinblick auf den unmittelbaren und rückblickenden Erfolg als auch auf den Realismus der Handlung. Das sinnliche und liberale Leben von Carm ist damit verbunden, dass sie ein Zigeunerjunge und somit in jeder Hinsicht außerhalb der Gesellschaft ist. Es gab auch Opern in Russland und der Tschechischen Republik, siehe hierzu Nationalismus.

Nachdem Napoleon III. An die Macht gekommen war, wurde die ernste Oper streng überwacht, während die komische Oper ope bouffe freier wurde. Dies wurde vor allem von der Operette, das heißt, Oper mit viel mehr Sprache als traditionelle Oper Comique verwendet. Der bedeutendste Komponist in der komischen und satirischen Oper war Jacques Offenbach. Offenbachs Durchbruch kam mit Orpheus in der Unterwelt, wo Orfeus (Tenor) sich wirklich in einen anderen verliebte, aber Evrydike (Sopran) irrtümlich heiratete und sie heiratete, weil er Angst vor der „öffentlichen Meinung“ (Mezzosopran) hatte. Er arrangiert ihren Tod, weil Pluto in sie verliebt ist und glücklich lebt – etwas, das Evrydike auch im Todestrakt mit Pluto als Ehemann macht – bis die öffentliche Meinung ihn dazu zwingt, sie zu retten. Offenbach hatte auch ein Ohr für die gute Melodie, auch als der Dekadent im Galopp (eine Art Tanz) starb, wo die Melodie später untrennbar mit Can-Can verbunden ist. Gleichzeitig haben seine Opern, die sich selbst über die Oper lustig machen, viel von virtuosen Liednummern aus dem frühen 18. Jahrhundert, zeitgenössischen zeitgenössischen Nummern, Boleros, Fangangos, Quadrills und Rollern gesammelt – neben Can-Can und Galopp.

Offenbachs Popularität nahm nach diesem Stück dramatisch zu und mit der schönen Helena und La vie parisienne inspirierte er auch andere Operettenkomponisten und Comedy-Opernkomponisten in vielen Ländern. Einer von ihnen war Johann Strauss ‚Dy, der 1874 mit den Fledermäusen viel Erfolg hatte, später Arthur Sullivan und WS Gilbert in HMS Pinafore und danach eine Reihe komischer Opern. Dies bedeutete, dass englische (und in England geborene) Komponisten die Musik zum ersten Mal seit Henry Purcell Ende des 17. Jahrhunderts sangen.

Sinfonien
Die Symphonien waren um 1850 eine Abnormität, die größtenteils Musikstudenten vorbehalten war. So wurden in den großen Konzertsälen von Paris die klassischen Symphonien von Haydn, Mozart und Beethoven und die frühe Romanze von Mendelssohn und Schumann gespielt. Pasdeloup, der die Konzerte arrangierte, wurde schließlich dazu überredet, die französischen Musikstudenten Gounonds und Saint Saëns Sinfonien zu spielen, aber er ging zurück, so wie Bach wiederentdeckt wurde und Händel immer beliebt war. Zur gleichen Zeit erschien in den symphonischen Gedichten von Frans Lizst von 1848 bis 1857 eine neue Form der Musik. Es handelte sich um Solowerke für Orchester, die von Philosophie, Literatur oder Malerei geprägt waren. Das war Programmmusik im Einklang mit Berlioz, aber beschreibender als Erzählung. Lizst gelang eine bahnbrechende Harmonie und mit orchestralen Effekten, die den Rest des 19. Jahrhunderts prägten. Die Symphonie der Werke ist unter anderem in den Konturen der Sonatenform dargestellt.

Die Sinfonie als Gattung kam stark zurück, als sich Johannes Brahms von der hartnäckigen Situation zwischen moderner Musik und einem Geschmack, der alte Sinfonien durchschritt, abwandte. Er entschied sich, beide zu kombinieren, indem er rückwärtsgewandte Symphonien schrieb, die gleichzeitig modern waren. Brahms wurde von Schumann inspiriert, und so gehörte er im Gegensatz zu Liszt und Berlioz zum klassischen Zweig. Brahms, wie er die Musik schrieb, war wahrscheinlich auch von Wagners Tristan und Isolde beeinflusst, obwohl er für Wagners Musik nur noch wenig übrig hatte. Das bedeutet, dass seine Symphonie weder komplett noch komplett programmatisch, sondern eher absoluter Stil war. Dies wird auch dadurch unterstrichen, dass Brahms auch weitgehend von Beethovens 5. Sinfonie beeinflusst war. Es wurde auch von Beethovens 9. Symphonie im Finale inspiriert. Es war größtenteils diatonisch und melodiös, aber er hatte chromatische Linien in den Stimmen. Die Symphonie wurde in den 1860er Jahren geschrieben, aber erst 1876 veröffentlicht.

Was alle Brahms-Sinfonien ausmachten, war, dass sie absolut absolute Musik in Form ohne jede Art von Programmmusik waren. Wie Beethoven entschied sich Brahms, im Tonfall romantisch zu sein und dennoch die Sonatenform des ersten Teils, Largo im zweiten Teil und dann ein Scherzo im dritten Teil, zu respektieren. Nichtsdestotrotz war Brahms auch von zeitgenössischer Musik beeinflusst und beeinflusst und vereinte sie auf gewisse Weise.

Als Brahms seine Symphonien Anfang der 1860er Jahre komponierte, war er nicht allein, Anton Bruckner schrieb auch neun Sinfonien, die erste 1865. Er schrieb sie jedoch oft um, und er schlug früher nicht zeitgleich mit Brahms. Bruckner war im Gegensatz zu Brahms weitaus wagnerfreundlicher und komponierte weit mehr in Richtung Programmmusik als Brahms. Bruckner beschäftigte sich jedoch auch mit Beethoven und besonders mit der 9. Symphonie.

Tshechkovsky schrieb auch Symphonien, und seine erste kam 1867. Im Gegensatz zu den „mächtigen Fünf“, die russische Nationalmusik wiederentdecken wollten (weiter unten diskutiert), war Tsjkovsky westlich orientiert. Erst zur Zeit seiner vierten Symphonie traf Tsjovkovsky die Symphoniefront. Dann hatte er bereits Erfolg mit Ballettstücken und Klavierkonzerten. Tshechkovsky Symphonie Nummer 4 von 1878 wurde ein Durchbruch, teilweise weil er Formalitäten hatte, und teilweise, weil es ihm gelang, starke harmonische Instrumente zu verwenden. Am berühmtesten ist jedoch seine unnummerierte Manfred Symphonie.

Symphonien wurden auch in Frankreich geschrieben. Im Jahr 1871 beschlossen César Franck, Camille Saint-Saëns und einige andere Komponisten, französische Musik zu promoten. Unter dem Motto „Ars Gallia“ begann Franck, der zuvor ein imposanter Veranstalter gewesen war, zu komponieren. Zuerst war es symphonische Poesie, aber gegen Ende der hohen Konvertierung begann er Symphonien zu schreiben. Seine Sinfonien traten teilweise wegen ihrer Trübheit zurück, aber auch, weil er das Thema von einer Rate zur anderen nahm, anstatt die vier Sätze als getrennt zu behandeln. Auch Franck, der mit Johann Sebastian Bach verglichen wurde, konnte Kontrapunkt in seinen Werken gut gebrauchen.

Nationale Romantik
An verschiedenen Orten in Europa gab es eine starke Welle von nationalen romantischen Bewegungen in der Musik. Die Gründe könnten mehr sein, zum Beispiel könnte man wünschen, populäre Zeitungen, die in immer mehr Ländern gesammelt wurden, zu verändern, den eigenwilligen Musikstil des Landes zu finden oder das Land in Gesang und Musik zu rufen. In der hohen Dominanz, besonders in Rußland, Tschechien und Skandinavien, erschien die Nationalromantik, während sie zeitweilig in der deutschen Musik präsent war, wenn auch nicht so direkt. In Frankreich jedoch war eine Gruppe von Komponisten gegen Komponisten wie Franck und Delibes, die von Deutschen wie Beethoven und Wagner inspiriert waren. Diese schreiben lieber französische Musik in ihren eigenen Räumlichkeiten. Einer der Komponisten war Camille Saint-Saëns, der für seine ernsten Stücke als Orgelsymphonie in C-Mole bekannt ist, und der Karneval der Comic-Tiere, wo die Schildkröte in eine sehr verblüffende Version von Offenbachs höllischem Galopp kommt.

Russland
Russland hatte wenige Komponisten produziert, bevor Mikhail Glinka die 1830er erreichte. Seine erste Oper, ein Leben für den Zaren, hatte neben dem Rufen des Zaren und der Regierung auch deutliche russische Züge. Die Musik wurde zeitweise modal verwendet, im Westen weitgehend durch Moll und Dur ersetzt, aber in Russland immer noch in Gebrauch. Seine andere Oper, Russlan und Ljudmila (1842), verwendete jedoch Helton-Tonleitern, Chromatik, Dissonanzen und Variationen von Volksliedern, die einen echten nationalen Schwerpunkt hatten, wo ein Leben für den Zaren eher zappelfreundlich war.

Glinkas Opern trafen den Westen, nur weil er so typisch russisch war, aber die russischen Komponisten, die ihm folgten, fielen in zwei Hauptkategorien: Diejenigen, die einen moderneren und westlichen Musikstil suchten (Tsjajkovsky) und diejenigen, die russische Musik für sich studieren wollten Teil (oft „The Five“ oder „The Powerful Handful“ genannt). Die Musik von Tschaikowsky war so westlich, dass sie zu den einzelnen Untergruppen gehörte, die Suche der fünf Komponisten nach dem Russischen war so bedeutsam, dass ihre Werke hier, meist vor allem bei Opern und Symphonien, besprochen werden.

Tsjaijkovsky Ballette und Symphonien wurden bereits erwähnt, aber er schrieb auch Opern wie Eugen Onegin und Spar Dame. Von diesen wurde das erstere klar bekannt, und danach hat es einen Status erhalten, der an eine russische nationale Oper erinnert. Eines der berühmtesten Werke Tschetscheniens ist die Ouvertüre von 1812, die ein eigenständiges Werk ist und nicht als traditioneller Ehebrecher mit einer Oper verbunden ist. Dieser Strauß, der den Sieg der Russen über Napoleon Bonaparte feiert, ist voller Anspielungen auf russische Kosaken, Volksmelodien und Zarenhemden gegen die Marseiller. Letzteres trotz der Tatsache, dass das Zarhym lange nach 1812 geschrieben wurde und dass Napoleon Bonaparte 1805 die Marseillais verbot.

Die Fünf bestanden aus Milij Balakirew, Alexander Borodin, Cäsar Cui, Modest Mussorgsky und Nikolaj Rimskij-Korsakov. Die fünf waren Gegner der deutschen und italienischen Einflüsse auf die russische Musik, aber sie waren auch von Berlioz und Liszts Musik besetzt. Cui schrieb in seinen Memoiren, dass sie jung und brutal in ihrer Kritik waren, ohne Respekt für Mozart und Mendelssohn, mit Widerstand gegen Schumann, Begeisterung für Liszt und Berlioz und die Göttin von Chopin und Glinka.

Von den fünf Komponisten hatten weder Cui noch Balakirew eine größere Bedeutung für die spätere Komposition. Borodin verwendete in seiner Musik kaukasische und zentralasiatische Themen, insbesondere in der Oper Igor (nicht vollendet) und in seinen Sinfonien, ganz zu schweigen von seinen symphonischen Gedichten Auf den Stufen Zentralasiens. Er war jedoch ein vielbeschäftigter Mann (er war Professor für Chemie) und hatte wenig Zeit zum Komponieren. Seine beiden Sinfonien waren dennoch besonders, weil er diese mit viel kleineren Beethoven-Anleihen schrieb und daher weniger von der Vergangenheit beeinflusst war als die meisten anderen Symphonie-Komponisten.

Musorgskij hatte einen ukrainischen Hintergrund, blieb aber die meiste Zeit seines Lebens in St. Petersburg und ging nie ins Ausland. Zwei seiner berühmtesten Werke sind das symphonische Gedicht Eine Nacht in Bloksberg (1867, nach seinem Tod aufgeführt) und das Klavierstück Bilder einer Ausstellung (1874). Musorgskys Musik wird nicht nur als Programmmusik bezeichnet, sondern auch als mehr Realismus als Romantik, allerdings mit einer Faszination für das Exotische. So erinnert seine Musik, wie die Salambô Opera, vielleicht an Carmen. Darüber hinaus glaubte Mussorgsky, dass Musik und Kunst der menschlichen Sprache helfen sollten, anstatt ein Selbstzweck zu sein. Die Gesetze der Musik, wo immer wichtig, sollten sich immer ändern und brechen. Die Oper Boris Godunow, die auf einem Stück Alexander Puschkins basiert, betonte Mussorgskys Faszination für Sprache, als er russische Sprachmuster imitierte. Zusammen mit dem Ersten Igor Borodin und Tsjajkovskys Eugen Onegin ist Boris Godunow die meistgespielte russische Oper.

Nikolaj Rimskij-Korsakov war der einzige der fünf, der eine musikalische Ausbildung hatte, ironischerweise weil er 1871 Professor wurde und studieren musste, um seinen Schülern einen Schritt voraus zu sein. Selbst die Fünf standen der Musikausbildung skeptisch gegenüber, weil sie westlich ausgerichtet war. Gerade Rimskij-Korsakovs Ausbildung hat übrigens viel russische Musik gerettet, und anderswo hat er Glinka, Musorgskij und Borodin herausgegeben, um ihr musikalisches Überleben zu sichern. Als Dirigent sowohl in Russland als auch in Westeuropa gelang es ihm auch, ihre Musik in diese Gebiete zu exportieren. Rimskij-Korsakov schrieb Opern, aber keiner von ihnen erreichte so viel Aufmerksamkeit wie die Werke Borodins, Tsjovkovskys und Mussorgskis. Die Stärke von Rimskij-Korsakov war, dass er alle Instrumente in einem Orchester spielen konnte und daher sehr gut instrumentieren konnte. Sein Capriccio espagnol und Scheherazade wurden besonders berühmt, ironischerweise hat man einen französischen Titel und spanische Inspiration und der andere ist nach der Hauptfigur in 1001 Nacht benannt.

Tschechien
Tschechische Komponisten waren unter der Mannheimer Schule gekennzeichnet, wurden dann aber meist mit deutscher Musik assoziiert. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts führten jedoch vor allem Bedřich Smetana und Antonín Dvořák eine nationalistische Welle.

Zuerst war Smetana. Er gilt als der Begründer der tschechischen Musik. Smetana war mit der Unabhängigkeit für die Tschechische Republik beschäftigt und gleichzeitig auch mit Musik beschäftigt. Praha war ein wichtiges Musikzentrum, und er traf Berlioz, Liszt und Robert und Clara Schumann, die ihn alle sehr beeinflussten. Nach einem Aufenthalt in Göteborg kehrte er endgültig nach Böhmen zurück. Hier schrieb er seine zweite Oper The Sold Bride (1866), eine komische Oper mit vielen romantischen Bewegungen. Genau wie Dvořák später in seinen slawischen Tänzen beschloss Smetana, Volkslieder zu komponieren und selbst zu tanzen, anstatt direkt von der Volksmusik zu inspirieren.

Der Hintergrund für diese Wahl könnte eine Diskussion mit proto- kratischen Politikern gewesen sein, die der Meinung waren, dass eine ernsthafte Oper es leichtgemacht habe, auf der Grundlage von tschechischen Volksweisen zu schreiben, aber es sei unmöglich, eine komische Oper mit tschechischem Charakter zu schreiben. Smetana argumentierte, dass dies in einem Potpurri verschiedener Melodien enden würde. Trotz des Erfolges der verkauften Braut ging Smetana in seinen anderen Opern von diesem Stil ab. Er probierte ernsthafte Oper, und in den letzten vier Opern war der Stil sowohl von der verkauften Braut als auch von einander merklich verschieden. Smetanas Má vlast („Meine Heimat“) war ein symphonischer Poesiezyklus, in dem insbesondere die zweitklassige Vltava (Die Moldau) ein großer Erfolg war.

Wo Smetana von Lizst und Programmmusik inspiriert wurde, war Dvořák ein Brahms-artiger absoluter Musiker. Er erholte sich schnell von der Faszination Wagners und veröffentlichte mehrere von Brahms inspirierte Symphonien. Zugegeben, die ersten vier Symphonien waren Dvořáks Tod unbekannt, aber die letzten fünf wurden zunehmend gespielt. Brahms wurde jedoch beschuldigt, altmodisch zu sein und zurückzukehren, und Dvořák war ein fortschrittlicherer und innovativerer Symphoniker. Dvořák war jedoch nicht so sehnsuchtsvoll und mysteriös wie Brahms, sondern der verspielte und frische Komponist. Sein vielleicht größter Erfolg als Symphoniker war jedoch die Überstunden der hohen Omnipotenz, als er seine Symphonie Nr. 9, Von der Neuen Welt, inspiriert von der Reise in die USA, aber auch gemischte tschechische Musik schrieb. Auch sein Stabat Mater und sein Requiem waren große Erfolge, und auch sein Violinkonzert im A-Maulwurf- und Cell-Konzert in H-Moll war in Europa sehr beliebt.

nordische Länder
Die nordischen Länder und besonders Norwegen waren von der nationalen Romantik beeinflusst. Eine Reihe von Komponisten aus Nordeuropa definierten die Musik ihres Landes entweder auf Volksmusik basierend, wie es in Russland geschah, oder sie schrieb es so, wie es in Prag gemacht wurde. Vor allem die skandinavischen Länder zeichneten sich im High Convert aus. Der Finne Jean Sibelius kam zusammen mit Carl Nielsen aus Dänemark als Senromantiker.

In Dänemark entstand die Idee des „nordischen Tones“ erstmals Mitte des 19. Jahrhunderts. Es waren vor allem Niels Wilhelm Gade und Jens Peter Emilius Hartmann, die diese Entwicklung begannen. Von diesen hatte der Sinfonist Gade den größten Einfluss auf die nordischen Länder, während der Bühnenmusiker Hartmann in seiner Komposition nordischer war, vielleicht nur, dass Gade in Europa mehr Anerkennung fand. In Schweden dominierte vor allem Franz Berwald. Er schrieb sowohl Kammermusik als auch Oper, aber als Gade ist er vor allem für seine Sinfonien bekannt. Berwalds Symphonien waren sehr originell, mit aktiven Pausen und Rhythmus. Unglücklicherweise war Stockholm nicht unbedingt bereit für so moderne Musik, wie er schrieb, und er lebte nicht in seiner Musik.

In Norwegen, dem einzigen unabhängigen Land der drei skandinavischen Länder, bestand das öffentliche Musikleben seit mindestens 1765, als das Musikunternehmen „Harmony“ in Bergen gegründet wurde. Dies macht es zu einem der ältesten Musikunternehmen der Welt. In Christiania (dem heutigen Oslo) erschien das Lyzeum 1810 als Alternative, was zu mehr Wettbewerb und Professionalität führte. Als norwegische Komponisten im frühen 19. Jahrhundert auftraten, wurden sie 1814 von nationalen Ideen und den Eidsvoll-Ereignissen bewegt und hatten daher schon sehr früh eine Form von nationalem, romantischem Ton. Ole Bull, der bald in Harmony spielte, arbeitete mit Myllarguten zusammen, einem schlagkräftigen Spieler, der besonders gut in der Volksmusik war. Die Partnerschaft machte populäre Musik in ganz Norwegen populär. Schließlich erschienen einige vielversprechende Komponisten, wie Halvdan Kjerulf und Richard Nordraak, aber besonders in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts erschien Norwegen mit Edvard Grieg, Johan Svendsen und Christian Sinding, von denen Grieg in einer besonderen Klasse sowohl in Norwegen als auch in der Nordische Länder.

Wenn in Gade, Hartmann oder Berwald nach Nordischen oder Skandinavischen gesucht wurde, war Grieg in erster Linie nicht Skandinavier, sondern Norweger.Edvard Grieg war nicht gut in den großen Formen, verließ sich aber auf kleinere Kompositionen wie Romanzen, Rasenmäher und Klavierstücke. So war er eine Opposition gegen Gade und Berwald. Grieg zum Beispiel hat keine Sinfonien und sogar Sonaten, von denen er nur wenige hat. Ein weiteres Merkmal von Griegs Musik war, dass er zur Quelle ging, wenn es darum ging, den nationalen Tonfall zu finden, und viele Volkslieder inspirierte. Gleichzeitig gab er der Volksmelodie eine persönliche Note, so dass sie auch über die Grenzen des Landes hinaus leichter zugänglich war. Die Römer von Grieg gehören zu den Besten des Genres. Trotz der Tatsache, dass Grieg als Miniaturkünstler galt, gehörte sein Orchesterwerk zu den bekanntesten, insbesondere die Peer-Gynt-Suite, die Songs wie Morning Mood, The Dovregubbens Hall und Anitas Tanz im ersten Lied und Solveig ‚beinhaltete.s Lied in der anderen. Auch aus Holbergs Zeit und dem Klavierkonzert in A-Moll hat eine große internationale Anziehungskraft. Grieg wurde von Longyear als „einer der individuellsten Komponisten des 19. Jahrhunderts“ bezeichnet.

Andere Musik
César Franck hat neben seinen Sinfonien und seiner symphonischen Dichtung auch viel Musik entwickelt, die zum Teil aus der Mode gekommen ist, wie Kammermusik, Orienteering, Fantasy, Fuge, Chormusik und Orgelmusik. In letzterem borgte er sich sowohl von der französischen Musik als auch von Johann Sebastian Bach, der nach Mendelssohns Bemühungen immer populärer wurde. Franck galt als Begründer der modernen französischen Kammermusik, einschließlich seiner Klavierquintette, Streichquartette und Violinsöhne – alle in zyklischer Form.

Gabriel Fauré war im Grunde eine Antithese für Francks Wagner und deutsch inspirierten Stil. Er stellte Ordnung und Einschränkung als Eckpfeiler dar. Fauré war ein Schüler von Saint-Saëns. Fauré inspiriert auch Gounond, wo die Melodien leichter und ohne virtuose Stücke waren. Schließlich konzentrierte er sich auf Musikgenres mit einer großen Crew, vielleicht bekannt als sein Requiem. Gegen Ende wurde Fauré in der musikalischen Form immer populärer, und kleine Melodien wurden oft miteinander verbunden, ungefähr so ​​weit von Wagner kann man zu dieser Zeit kommen.