A música romântica é um período histórico de música que data entre aprox. 1830 e 1910. Ele tinha mais semelhança com o romance em outras artes, como literatura e pintura, isto é, individualismo, patriotismo, desejo pela liberdade e a duração e a busca da meta, e não a meta em si. O romance da música chegou relativamente tarde em relação ao romance de literatura e arte, e durou muito mais tempo.

O período começou como uma transição passageira do classicismo, mas também como uma violação clara disso. Enquanto os clássicos sob Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart e Early Ludwig van Beethoven focavam nos ideais clássicos de iluminação, clareza, calma e equilíbrio, o romance era muito mais emocional, dinâmico e com fortes contrastes musicais. Um anseio por algo e a jornada eram mais importantes do que o propósito da jornada. O alto domínio de Richard Wagner, Giuseppe Verdi e Johannes Brahm dominou os personagens. Ao mesmo tempo, o romance nacional tornou-se cada vez mais dominante em vários países e territórios, especialmente na Rússia, na República Tcheca e na Escandinávia. Aqui havia idéias diferentes de que alguém deveria ser influenciado pela música folk ou escrever sua própria música inspirada no país. Perto do fim do romantismo, a música se afastou dos ideais românticos, para mais realismo, menos movimentos emocionais e mais estilo neoclássico ou impresionista.

Período de alto romântico
O período de alta romântica é o período mais dominante no tempo e no desenvolvimento da música. A ópera teve um desenvolvimento significativo, especialmente com as óperas dramáticas e Verdis de Wagner. Mesmo estas duas óperas fizeram a ópera alemã e italiana cada vez mais dominante, houve vários compositores de ópera franceses que notaram, especialmente Georges Bizet e Jules Massenet. Durante este período, a ópera dramática e séria voltou fortemente. A opereta também teve um grande desenvolvimento com Jacques Offenbach e Johann Strauss dy

Valser tornou-se cada vez mais popular, mas as danças nacionais e nacionais tornaram-se mais obras orquestrais em alguns casos do que música para dançar. Ao mesmo tempo, o balé teve um impulso com a ajuda da Rússia no final. As sinfonias tiveram um revés durante muito tempo, mas foram trazidas de volta à popularidade de Johannes Brahms, Anton Bruckner, Antonín Dvořák e Pjotr ​​Tsjkovsky especialmente. O período romântico nacional tornou-se particularmente pronunciado na Rússia, na República Checa e na região nórdica. Brahms se marcou como um multitalento com várias boas composições em vários gêneros.

O período começou com uma mudança geracional. Mendelssohn morreu em 1847, Donizetti em 1848 e Chopin em 1849. Schumann teve problemas mentais em 1850 e morreu em 1856, enquanto Meyerbeer compôs muito menos depois de 1850. Novos compositores assumiram, vários sem a estreita conexão com o classismo como a geração anterior ou o nervo sob ou se rebelou contra. Com o desenvolvimento de tantos gêneros e tantos países, a música se tornou muito menos controlada e muito menos facetada do que antes.

Valser e outras danças
Johann Strauss iniciou sua própria orquestra em 1825 e desempenhou um papel importante na popularização da valsa. Foi também ele quem ficou por trás do que ficou conhecido como o vale vienense. Sua valsa moderna atingiu toda a Europa, especialmente em 1838, em Londres. Ele veio para a Noruega em 1840 e tornou popular o vienense por lá. Strauss, o mais velho, no entanto, pertence a casa no período inicial, com exceção de seu Radetzkymarsj. No entanto, seus dois filhos Johann Strauss e Josef Strauss também foram grandes compositores eleitorais. Marshs e Poles também se juntaram aos membros da família. Em particular, Strauss dis An der scönen blauen Danubefrom 1867 um rolo muito popular. Strauss Dy continuou a desenvolver o rolo como um ciclo de várias danças e peças, algo que seu pai e Schubert fizeram antes dele. Strauss Dy também acrescentou iniciações e finais elaborados – e transições entre as peças – o que ajudou a tornar a valsa mais aceita também entre um público mais perspicaz.

José Strauss tornou-se depois que seu irmão Johann Strauss ousou compor, o regente dominante do coro, junto com seu irmão Eduard. Josef Strauss estava interessado em combinar valsa e sinfonia e não tinha medo de experimentar novas músicas. Entre outras coisas, ele incluiu peças da ópera de Wagner, Tristan e Isolda, em seus concertos, e muitos da platéia estavam familiarizados com várias das canções antes da ópera ser montada.

No entanto, havia também muitos outros dançarinos locais que haviam batido. Chopin havia composto Masurques e poloneses inspirados na Polônia, e no final da década de 1860 e além, Brahms com danças húngaras, provavelmente inspirado pelos concertos que ele teve com o violinista Eduard Reményi. As danças húngaras tornaram-se financeiramente lucrativas para Brahms. Em 1870, Antonín Dvořák veio com sua dançarina eslava. Ao contrário de Brahms, que foi fortemente influenciado pela música folk através dos refugiados políticos reményis e húngaros que ele conheceu em Hamburgo, a dançarina eslava de Dvořák tornou-se mais artificial, isto é, ele os escreveu com poucas fontes externas de inspiração.

Balé
O balé na França havia sofrido durante a Revolução Francesa e o tumulto que se seguiu, que afugentou os compositores, enfraqueceu a capacidade da nobreza ou de ambos. No entanto, o ballet cresceu novamente durante a ascensão do romance na década de 1830. No balé romântico, como na ópera, o sobrenatural era importante. Um exemplo disso foi Sylphiden, onde o protagonista se apaixona por uma fada pouco antes de seu próprio casamento. Em particular, a dançarina Marie Taglioni e seu pai, o coreógrafo Filippo, foram essenciais para o desenvolvimento do estilo romântico, em parte porque Marie Taglioni interpretou o sílvio muito mais convincente do que o habitual no balé. Um dos balés mais famosos desse período foi Giselle, com música de Adolphe Adam. Também é caracterizada por seres sobrenaturais, neste caso os espíritos das virgens que morreram antes que pudessem se casar.

O balé se concentrava principalmente em danças e coreógrafos, e muito menos em dançarinos do sexo masculino, o que significava que havia muito menos dançarinos de balé masculino. Isso ajudou a sabotar a popularidade do balé na Europa Ocidental. Na Rússia, onde a dança, e especialmente a dança masculina, era uma parte importante da identidade nacional, no entanto, o balé desde o início tinha como objetivo a dança dramática do lado dos homens. A combinação da coreografia de Marius Petipa e as composições de Pjotr ​​Tsjajkovsky se tornaram o resgate. A música de Tchaikovsky foi tão bem adaptada aos dançarinos que ele conseguiu tirar o compositor da sombra do coreógrafo e dos dançarinos. Suas composições Lake Swan (1876), Tornerose (1889) e Nutcracker (1892) foram cruciais para aumentar a popularidade do balé também no oeste. Tchaikovsky conseguiu encontrar as boas melodias que eram fáceis de humilhar, a orquestração colorida que combinava com a história e atmosfera aventureiras e melodias que lutavam muito bem pelo movimento das danças de balé. Além disso, ele criou um balé muito mais sinfônico.

Ópera e ópera
A ópera estava prestes a evoluir da Grand Opera para a Opera Lyrique, uma mistura de Grand Opera e Opera Comique. Isso se encaixava mal com o estilo de Meyer Beer, e mesmo que ele tivesse um sucesso relativamente alto em 1850, seu estilo poderia ter sido de qualquer maneira. Em vez disso, Charles Gounod e Jules Massenet foram dominados por este estilo de ópera. No entanto, a ópera foi em breve dominada por dois compositores que ficaram do lado da ópera francesa, ou seja, Wagner e Verdi. Além disso, surgiram outros talentosos compositores de ópera, como Leo Delibes e Georges Bizet, que acrescentaram exotismo e realismo à ópera.

Richard Wagner
Contudo, para Wagner, o ano revolucionário de 1848 caracterizou-se por muito comprometimento político, e ele foi levado ao exílio por causa de suas atividades revolucionárias. Wagner também escreveu análises musicais, incluindo a arte do futuro da nona sinfonia de Beethoven, onde ele disse que “a última sinfonia já está escrita”. Em 1850, ele escreveu anonimamente uma peça anti-semita, Judas Judgement in Music, na qual ele acusou os judeus em geral e Meyerbeer e Mendelssohn em particular por conter a música romântica. Não é característico de Wagner ter comentários tão notavelmente negativos sobre seus concorrentes. Apesar do fato de que Verdi (discutido abaixo) tinha muitas opiniões sobre Wagner, nenhuma afirmação foi encontrada, exceto pelas anotações no diário da esposa de Wagner, e só há muito trivial, de Wagner sobre Verdi, que na época atual era mais conhecido e mais listados.

O ponto principal para Wagner era, no entanto, que ele sentia falta da ópera alemã com temas alemães, que desde o Caçador do Pão da Web tornou-se amplamente provinciano e desinteressante. Wagner tinha conseguido com o Flying Dutchman e Tannhäuser, e ele rapidamente retornou como um compositor de ópera quando Liszt fundou Lohengrin, como Wagner escreveu em 1847, em Weimar em 1850. Lohengrin foi um sucesso e previu o futuro fascínio de Wagner por lendas medievais e pessoas alemãs. aventuras, muitas vezes moralizantes e simbólicas. Na abertura, refere-se a quando um dos heróis derrotou os dinamarqueses e a história é também sobre a guerra contra os húngaros que tinham quebrado o cessar-fogo – dirigido pelo húngaro Liszt.

Wagner começou em 1848, o que seria seu principal trabalho, o Nibelungenring, um ciclo de ópera de quatro partes. A primeira parte, Rhingullet, não estava pronta até 1854, e a próxima parte, Valkyria, dois anos depois. Ambos usam Search Motiv, ou seja, uma parte melódica que é repetida de tempos em tempos para enfatizar o humor ou a pessoa que é o tema da ópera. A melodia pode aparecer na orquestra, em uma música ou no coro para ilustrar o ponto da melhor forma possível. O uso de motivos de busca por Wagner lembra, assim, a ideia de Berlioz. A diferença é que Wagner poderia usar vários deles sob a mesma ópera que fez com Tristan e Isolda, e ele também os usa com tanta frequência que os motivos tornam o programa que explica a ação redundante. A melodia guia as ações ainda mais e pode criar emoções simultâneas, conflitantes e reforçadoras na ópera. O operastile de Wagner foi influenciado igualmente por Mozart, Beethoven, Cherubini, Weber e certamente por Meyerbeer, que brilhou assim. Apesar do fato de que Wagner era cético em relação aos ex-compositores, Beethoven e Gluck, exceto, ele tinha contato próximo com o passado.

Musicalmente, as óperas de Wagner são frequentemente complexas mudanças de acordes cromáticas, como em Tristão e Isolda. Apenas a mistura de pelo menos trezentos anos entre música diatônica (sem sinal) e cromática (com assinatura) e entre passagens estáveis ​​e instáveis ​​foram os blocos de construção em grande parte da música de Wagner. Isso muitas vezes criou a sensação de comprimento e necessidades insatisfeitas. Apenas o comprimento e o caminho para a meta já eram ideais românticos de Weber, dos quais Wagner usou muito. Além disso, Wagner também conseguiu fazer um acordo final com o bell-canto usando a orquestra tão conscientemente que a orquestra e o cantor puderam dar impressões contraditórias. A ideia de Wagner era a ópera completa, onde canto, orquestra, cenografia e peças colidiam para dar uma expressão dramática poderosa.

Giuseppe Verdi
Há Wagner composto 10 óperas da ruptura com Rienzi, escreveu Verdi 26 após sua ruptura com Nabucco, e onde Wagner era mais famoso pelo motivo principal e pelo uso da orquestra, Giuseppe Verdi era mais famoso por sua capacidade de escrever boas melodias e capture personagens de personagens, emoções e situações neles. O valor também era realista, suas ações deveriam estar relacionadas a esse mundo, não a um mundo mítico com deuses e monstros. Verdi também estava, em contraste com Wagner, preocupado com o fato de que a orquestração não deveria dominar os cantores, mas sim adicionar cor e atmosfera. Lá Wagner escreveu seus libretos, muitas vezes com a mistura de muitas fontes diferentes, Verdi fez questão de escolher peças conhecidas de William Shakespeare, Friedrich von Schiller, Lord Byron, Victor Hugo, Voltaire e Alexandre Dumas, o mais novo.

O grande avanço de Verdis veio quando ele se aposentou da política e da cidade de Busseto. Lá ele teve tempo de escrever a trilogia Rigoletto, baseada em um trecho de Victor Hugo, Il Trovatore, baseado em um pedaço do dramaturgo espanhol Antonio García Gutiérrez, e La Traviata, baseado em um pedaço de Alexandre Dumas dy. Todo mundo consegue combinar a ópera tradicional de bell-canto com o uso da melodia para enfatizar a personalidade dos personagens principais e os principais estados de ânimo. Isso significava que a música e o estilo de música se tornaram uma marca registrada dos papéis. Ao mesmo tempo, ele também usou motivos para lembrar o público de eventos passados. Isto introduziu Verdi ao mesmo tempo que Search Motiv de Wagner, mas contrariamente aos princípios de Wagner, os motivos de Verdi não foram feitos para levar adiante a ação ou criar conflito ou os diferentes motivos construídos, mas mais para amarrar a ação mais perto. Os motivos de Verdis também não eram novidade, por exemplo, Donizetti já havia sido usado em 1835. As óperas de Verdi também não estão longe das óperas de Bellini, de Rossini e Donizetti, e ele também tomou emprestado os padrões de ópera de Rossini.

Depois que Verdi se tornou rico em suas óperas, ele tomou mais cuidado com as óperas mais recentes, emprestando técnicas da Grande Ópera, introduzindo papéis cômicos e temas exóticos e imagens sonoras (Aida). As duas últimas óperas que Verdi escreveu foram as óperas de Shakespeare, Otello e Falstaff, uma primeira edição de Macbeth mais elaborada, ambos excelentes exemplos na ópera trágica (Otelo) e cômica (Falstaff). Esta última foi a única comédia de Verdi, e eles também têm algumas características de Wagner, entre outras coisas, porque tem uma caracterização dramática de pessoas e situações, ao invés de chamar a ópera Canto de Áries na presidência.

Outros compositores de ópera e opereta
Havia mais talentosos compositores de ópera francesa. Georges Bizet escreveu peças exóticas do Ceilão (hoje Sri Lanka) (Pearl Fish) e Sevilha (Carmen). Camille Saint-Saëns fez Samson a Dalila (ópera da Bíblia) e Léo Delibes fez Lakmé, com a ação adicionada à Índia. Destes, Carmen distinguiu tanto em termos de sucesso imediato e retrospectivo e dado o realismo da ação. A vida sensual e liberal de Carm está associada a ela ser um menino cigano e, portanto, em todos os sentidos, fora da sociedade. Houve também óperas na Rússia e na República Checa, para isso, veja Nacionalismo.

Depois que Napoleão III assumiu o poder, a ópera séria passou a ser monitorada de perto, enquanto a ópera cômica, opera bouffe, ficou mais livre. Isto foi usado especialmente pela opereta, isto é, ópera com muito mais fala que a ópera tradicional comique. O compositor mais importante da ópera cômica e satírica foi Jacques Offenbach. O avanço de Offenbach veio com Orfeu no submundo, onde Orfeus (tenor) estava realmente apaixonado por outro, mas casou com Evrydike (soprano) com um erro e se casou com ela porque ele tinha medo da “opinião pública” (mezzo soprano). Ele organiza sua morte porque Plutão está apaixonado por ela e vive feliz – algo que Evrydike também faz no corredor da morte com Plutão como marido – até que a opinião pública exige que ele a salve. Offenbach também tinha ouvido para a boa melodia, incluindo quando a decadente morreu dançando um galope (uma espécie de dança), onde a melodia é mais tarde inextricavelmente ligada ao can-can. Ao mesmo tempo, suas óperas, que zombam da própria ópera, reuniram muito de canções virtuosas do início do século XVIII, números contemporâneos contemporâneos, bolerosos, fangangos, quadrilhões e rolos – além do can-can e do galope.

A popularidade de Offenbach aumentou dramaticamente após esta peça, e com a bela Helena e La vie parisienne ele também inspirou outros compositores de óperas e compositores de ópera em vários países. Um deles foi o dy de Johann Strauss que tentou e teve grande sucesso com os Morcegos em 1874, e mais tarde Arthur Sullivan e WS Gilbert no HMS Pinafore e uma série de óperas cómicas depois disso. Isso significava que compositores ingleses (e ingleses) eram instrumentais em cantar a música pela primeira vez desde Henry Purcell no final do século XVII.

Sinfonias
As sinfonias começaram a ser uma anormalidade por volta de 1850, em grande parte reservada a estudantes de música. Por exemplo, as principais salas de concerto de Paris eram usadas para tocar as sinfonias clássicas de Haydn, Mozart e Beethoven, e o romance inicial para Mendelssohn e Schumann. Pasdeloup, que organizou os concertos, acabou sendo persuadido a tocar as sinfonias dos estudantes de música francesa Gounonds e Saint Saëns, mas ele voltou tanto quanto Bach foi redescoberto e Händel sempre foi popular. Ao mesmo tempo, uma nova forma de música apareceu nos poemas sinfônicos de Frans Lizst de 1848 a 1857. Estes eram trabalhos solo para orquestras caracterizadas por filosofia, literatura ou pintura. Este era um programa de música em linha com Berlioz, mas mais descritivo do que narrativo. Lizst conseguiu uma harmonia inovadora e com efeitos orquestrais que caracterizaram o resto do século XIX. A sinfonia das obras é representada, inter alia, nos contornos da forma sonata.

Symphony como gênero voltou fortemente quando Johannes Brahms se afastou da situação teimosa entre a música moderna e um gosto que passou antigas sinfonias. Ele escolheu combinar os dois escrevendo sinfonias retrospectivas, que ao mesmo tempo eram modernas. Brahms foi inspirado por Schumann, e assim ele pertenceu ao ramo clássico em oposição a Liszt e Berlioz. No entanto, Brahms como ele escreveu a música também foi provavelmente influenciado por Tristan e Isolda de Wagner, apesar do fato de que ele tinha pouco sobrando para a música de Wagner. Isso significa que sua sinfonia não foi completamente nem completamente programática, mas mais próxima do absoluto em estilo. Isso também é enfatizado pelo fato de que Brahms também foi amplamente influenciado pela 5ª sinfonia de Beethoven. Também foi inspirado pela 9ª sinfonia de Beethoven na final. Era principalmente diatônico e melodioso, mas ele tinha linhas cromáticas nas vozes. A sinfonia foi escrita na década de 1860, mas não foi publicada até 1876.

O que caracterizava todas as sinfonias de Brahms era que elas eram de música estritamente absoluta, sem nenhum tipo de música de programa. Como Beethoven, Brahms escolheu ser romântico no tom da fala, mas mostrando respeito pela forma sonata da primeira parte, largo na segunda parte e depois um scherzo na terceira parte. No entanto, Brahms também estava preocupado e influenciado pela música contemporânea, unindo assim de certa maneira estes.

Quando Brahms compôs suas sinfonias no início da década de 1860, ele não estava sozinho nisso, Anton Bruckner também escreveu nove sinfonias, a primeira em 1865. No entanto, ele muitas vezes as reescreveu, e não bateu antes ao mesmo tempo que Brahms. Bruckner era, ao contrário de Brahms, muito mais amigo de Wagner, e ele compôs muito mais na direção da música de programação do que Brahms. No entanto, Bruckner também estava preocupado com Beethoven e, especialmente, com a 9ª sinfonia.

Tshechkovsky também escreveu sinfonias, e seu primeiro veio em 1867. Ao contrário dos “cinco poderosos” que queriam redescobrir a música nacional russa (discutida mais abaixo), Tsjkovsky era orientado para o Ocidente. Foi apenas na época de sua quarta sinfonia que Tsjovkovsky atingiu a frente da sinfonia. Então ele já tinha tido sucesso com peças de balé e concertos de piano. A sinfonia de Tshechkovsky, número 4, de 1878, tornou-se um avanço, em parte porque ele tinha formalidades, e em parte porque ele conseguiu usar instrumentos harmônicos fortes. No entanto, sua numerosa sinfonia de Manfred é a mais famosa.

Sinfonias também foram escritas na França. Em 1871, César Franck, Camille Saint-Saëns e vários outros compositores decidiram promover a música francesa. Sob o lema “Ars Gallia”, Franck, que antes era um grande organizador, começou a compor. No início, era poesia sinfônica, mas no final da alta conversão ele começou a escrever sinfonias. Suas sinfonias renunciaram em parte por causa de sua tristeza, mas também porque ele levou o tema de uma taxa para outra em vez de tratar as quatro frases como separadas. Além disso, Franck, que foi comparado a Johann Sebastian Bach, também foi bom em usar o contraponto em suas obras.

Romantismo Nacional
Em diferentes lugares da Europa, surgiu uma forte onda de movimentos românticos nacionais na música. As razões poderiam ser mais, por exemplo, alguém poderia querer marcar os jornais populares que foram coletados em um número crescente de países, encontrar o estilo musical idiossincrático do país ou gritar o país em música e música. No alto domínio, foi especialmente na Rússia, na República Tcheca e na Escandinávia que o romance nacional apareceu, enquanto durante algum tempo esteve presente na música alemã, se não tão direta. Na França, no entanto, um grupo de compositores se opôs a compositores como Franck e Delibes, inspirados em alemães como Beethoven e Wagner. Estes preferem escrever uma música francesa em suas próprias instalações. Um dos compositores foi Camille Saint-Saëns, que é conhecido por suas peças sérias como sua sinfonia de órgão em “c-mole”, e o carnaval dos animais cômicos, onde a tartaruga entra em uma versão impressionante do galope infernal de Offenbach.

Rússia
A Rússia produziu poucos compositores antes de Mikhail Glinka atingir a década de 1830. Sua primeira ópera, uma vida para o czar, tinha características russas claras, além de gritar o czar e o governo. A música foi usada, às vezes, em escala modal, em grande parte substituída por escala maior e menor no Ocidente, mas ainda em uso na Rússia. No entanto, sua outra ópera, Russlan e Lyudmila (1842) costumava usar escalas helton, cromáticas, dissonâncias e variações de canções folclóricas que tinham um foco nacional real, onde uma vida para o czar era mais amigável.

As óperas de Glinkas chegaram ao oeste só porque ele era um russo tão típico, mas os compositores russos que o seguiram caíram em duas categorias principais: Aqueles que buscavam um estilo de música mais moderno e ocidental (Tsjajkovsky) e aqueles que queriam estudar música russa. parte (muitas vezes chamado de “The Five” ou “The Potful Handful”). A música de Tchaikovsky era tão ocidental que pertencia aos subgrupos individuais, a busca dos cinco compositores pelo russo foi tão significativa que seus trabalhos são discutidos aqui, principalmente principalmente no caso de óperas e sinfonias.

Os balés e sinfonias de Tsjaijkovsky já foram mencionados, mas ele também escreveu ópera, como Eugen Onegin e Spar Dame. Destes, o primeiro tornou-se claramente conhecido, e depois ganhou um status que lembra uma ópera nacional russa. Uma das obras mais famosas da Chechênia é a Abertura de 1812, que é um trabalho independente e não, como um adúltero tradicional, ligado a uma ópera. Este avestruz, celebrando a vitória dos russos sobre Napoleão Bonaparte, é cheio de referências a cossacos russos, melodias folclóricas e tsaremitas contra os marselhenses. Este último, apesar do fato de que o tsarhym foi escrito muito depois de 1812 e que Napoleão Bonaparte proibiu o Marseillais em 1805.

Os cinco consistiram em Milij Balakirev, Alexander Borodin, César Cui, Modest Musorgsky e Nikolaj Rimskij-Korsakov. Os cinco eram opositores das influências alemã e italiana na música russa, mas também eram ocupados pela música de Berlioz e Liszt. Cui escreveu em suas memórias que eles eram jovens e brutais em suas críticas, sem respeito a Mozart e Mendelssohn, com resistência a Schumann, entusiasmo a Liszt e Berlioz e à deusa de Chopin e Glinka.

Dos cinco compositores, nem Cui nem Balakirev tiveram um significado maior para a composição posterior. Borodin usou temas caucasianos e da Ásia central em sua música, especialmente na Ópera Primeiro Igor (não completada), e em suas sinfonias, para não mencionar seus poemas sinfônicos Nas Etapas da Ásia Central. No entanto, ele era um homem ocupado (ele era professor de química) e tinha pouco tempo para compor. Suas duas sinfonias foram, no entanto, especiais porque ele as escreveu com empréstimos muito menores de Beethoven e, portanto, foram muito menos influenciadas pelo passado do que a maioria dos outros compositores da sinfonia.

Musorgskij tinha uma formação ucraniana, mas permaneceu em São Petersburgo a maior parte da sua vida e nunca saiu do estrangeiro. Duas de suas obras mais famosas são o poema sinfônico Uma noite em Bloksberg (1867, executada após sua morte) e a peça de piano Pictures in a exhibition (1874). Além de programar música, a música de Musorgsky pode ser referida como mais realismo do que romance, embora com um fascínio pelo exótico. Assim, sua música, como a Ópera Salambô, pode lembrá-lo de Carmen. Além disso, Musorgsky acreditava que a música e a arte deveriam ajudar a fala humana em vez de ser um fim em si mesmo. As leis da música, sempre que importantes, devem sempre mudar e quebrar. A Ópera Boris Godunov, baseada em um fragmento de Alexander Pushkin, enfatizava o fascínio de Musorgsky pela fala quando imitava os padrões de fala russa. Juntamente com o primeiro Igor de Borodin e Eugen Onegin de Tsjajkovsky, Boris Godunov é a ópera russa mais tocada.

Nikolaj Rimskij-Korsakov foi o único dos cinco que teve educação musical, ironicamente porque se tornou professor em 1871 e teve que estudar para estar um passo à frente de seus alunos. Mesmo os Cinco eram céticos em relação à educação musical porque era orientada para o Ocidente, foi precisamente a educação de Rimskij-Korsakov que salvou muita música russa, e em outros lugares ele editou Glinka, Musorgskij e Borodin para garantir sua sobrevivência musical. Como maestro na Rússia e na Europa Ocidental, ele também conseguiu exportar sua música para essas áreas. Rimskij-Korsakov escreveu óperas, mas nenhuma delas conseguiu tanta atenção quanto as obras de Borodin, Tsjovkovsky e Musorgsky. A força de Rimskij-Korsakov era que ele podia tocar todos os instrumentos de uma orquestra e, portanto, era muito bom em orquestração. Seu Capriccio espagnol e Scheherazade tornou-se especialmente famoso, ironicamente, uma vez que se tem um título francês e inspiração espanhola e o outro é nomeado após o personagem principal em 1001 noites.

República Checa
Os compositores tchecos haviam sido marcados na escola de Mannheim, mas na maior parte associados à música alemã. No entanto, na segunda metade do século XIX, uma onda nacionalista liderada principalmente por Bedřich Smetana e Antonín Dvořák.

O primeiro a sair foi Smetana. Ele é considerado o fundador da música tcheca. Smetana estava preocupado com a independência da República Tcheca e, ao mesmo tempo, estava ocupado com a música. Praha era um importante centro musical e conheceu Berlioz, Liszt e Robert e Clara Schumann, que o afetaram muito. Depois de uma estadia em Gotemburgo, ele voltou para a Boêmia para sempre. Foi aí que ele escreveu sua segunda ópera, The Sold Bride (1866), uma ópera cômica com muitos movimentos românticos nacionais. Assim como Dvořák mais tarde em suas danças eslavas, Smetana escolheu compor canções folclóricas e dançar em vez de inspirar diretamente da música folclórica.

O pano de fundo desta eleição pode ter sido uma discussão com políticos protocratas que pensavam que uma ópera séria tornara fácil escrever com base em canções folclóricas tchecas, mas era impossível escrever uma ópera cômica com um personagem tcheco. Smetana argumentou que isso terminaria em um potpurri de diferentes melodias. Apesar do sucesso da noiva vendida, Smetana se afastou desse estilo em suas outras óperas. Ele tentou ópera séria, e nas últimas quatro óperas o estilo era marcadamente diferente, tanto da noiva vendida como da outra. Smetanas Má vlast (“Minha Pátria”) foi um ciclo de poesia sinfônica no qual, em particular, de segunda categoria, o Vltava (Die Moldau em alemão) foi um grande sucesso.

Onde Smetana foi inspirado por Lizst e pelo programa de música, Dvořák era um músico absoluto mais parecido com Brahms. Ele rapidamente se recuperou do fascínio de Wagner e lançou várias sinfonias inspiradas em Brahms. Reconhecidamente, as primeiras quatro sinfonias eram desconhecidas para a morte de Dvořák, mas as cinco últimas foram tocadas cada vez mais. No entanto, onde Brahms foi acusado de ser antiquado e voltar, Dvořák era um sinfonista mais voltado para o futuro e inovador. Dvořák, no entanto, não era o anseio e o misterioso, como Brahms, mas sim o compositor lúdico e novo. Seu sucesso possivelmente maior como sinfonia, no entanto, veio na hora extra da alta onipotência, quando ele escreveu sua sinfonia número 9, do Novo Mundo, inspirado pela jornada para os Estados Unidos, mas também misturou música tcheca. Além disso, seu Stabat Mater e seu Requiem foram grandes sucessos, e seu concerto de violino no concerto de a-mole e celular em H-Moll também foi muito popular na Europa.

Países Nórdicos
Os países nórdicos, e especialmente a Noruega, foram influenciados pelo romance nacional. Um número de compositores do norte da Europa definiu a música do seu país com base na música folk, como foi feito na Rússia, ou escrevendo como foi feito em Praga. Foram especialmente os países escandinavos que se destacaram no alto convertido. Jean Sibelius, da Finlândia, entrou pela primeira vez em senomancia, junto com Carl Nielsen, da Dinamarca.

Foi na Dinamarca que a ideia do “tom nórdico” apareceu pela primeira vez em meados do século XIX. Foi especialmente Niels Wilhelm Gade e Jens Peter Emilius Hartmann que começaram este desenvolvimento. Destes, o sinfonista Gade teve a maior influência nos países nórdicos, enquanto o músico de palco Hartmann foi mais nórdico em sua composição, talvez apenas isso, Gade se tornou mais reconhecido na Europa. Na Suécia, especialmente Franz Berwald dominou. Ele escreveu música de câmara e ópera, mas como Gade é mais famoso por suas sinfonias. As sinfonias de Berwald eram muito originais, com uso ativo de quebras e ritmo. Infelizmente para ele, Estocolmo não estava necessariamente preparado para a música moderna como escreveu, e não vivia em sua música.

Na Noruega, a única não independente dos três países escandinavos, a vida da música pública existia desde, pelo menos, 1765, quando a empresa de música “Harmony” foi estabelecida em Bergen. Isso faz dela uma das empresas de música mais antigas do mundo. Em Christiania (hoje Oslo), o Lyceum apareceu como uma alternativa em 1810, o que criou maior competição e profissionalismo. Quando compositores noruegueses apareceram no início do século 19, eles foram movidos por idéias nacionais e pelos eventos de Eidsvoll em 1814 e, portanto, desde muito cedo, tinham uma forma de tom romântico nacional. Ole Bull, que logo tocou em Harmony, cooperou com Myllarguten, um jogador contundente que era particularmente bom em música folclórica. A parceria tornou a música popular popular em toda a Noruega. Eventualmente vários compositores promissores apareceram, como Halvdan Kjerulf e Richard Nordraak, mas especialmente na segunda metade dos anos 1800, a Noruega apareceu com Edvard Grieg, Johan Svendsen e Christian Sinding, dos quais Grieg estava em uma classe especial tanto na Noruega quanto na Inglaterra. Países Nórdicos.

Se havia uma busca pelo nórdico ou escandinavo em Gade, Hartmann ou Berwald, Grieg não era primeiro escandinavo, mas sim norueguês.Edvard Grieg não era bom nas grandes formas, mas contava com as composições menores, como romances, cortadores de grama e peças de piano. Assim, ele era uma oposição a Gade e Berwald. Grieg, por exemplo, não tem sinfonias, e até mesmo sonatas ele tem poucas. Outra característica da música de Grieg foi que ele foi à fonte quando chegou a hora de encontrar o tom e inspirou muitas melodias folclóricas. Ao mesmo tempo, ele deu uma melodia do povo um toque pessoal para facilitar o acesso às fronteiras do país. Os romanos de Grieg são os mais importantes do gênero. Apesar do fato de que a série Grieg era um artista em miniatura, seu trabalho orquestral estava entre os mais famosos, especialmente uma suíte Gina, que continha músicas como Morning Mood, The Dovregubbens Hall e Anita na primeira música e Solveig ‘.s canção no outro.Também da época de Holberg e o concerto de piano em A-Moll tem um grande apelo internacional. Grieg foi gravado por Longyear como “um dos compositores mais clássicos do século XIX”.

Outras músicas
Além de suas sinfonias e poesias sinfônicas, César Franck também trabalhou com muita música, que até certo ponto tinha saído de moda, como música de câmara, orientação, fantasia, fuge, música de coro e música de órgão. Neste último, ele pegou emprestados da música francesa e de Johann Sebastian Bach, que, depois dos esforços de Mendelssohn, tornou-se cada vez mais popular. Franck foi considerado o fundador da moderna música de câmara francesa, incluindo seus quintetos de piano, quartetos de cordas e filhos de violinos – todos de forma cíclica.

Gabriel Fauré era basicamente uma antítese para o estilo de Wagner e de inspiração alemã de Franck. Ele representa a ordem e a comunicação como pedras angulares. Fauré foi aluno de Saint-Saëns. Fauré também inspire Gounond, onde as melodias eram mais fáceis e sem virtuosismo. Eventualmente, ele se concentrou em gêneros musicais com uma grande equipe, talvez se tenha como seu Requiem. Perto do fim, Fauré tornou-se cada vez mais popular na forma musical, e pequenas melodias eram frequentemente interligadas, o mais distante possível de Wagner naquele momento.