Романтическая музыка — это музыкально-исторический период между ок. 1830 и 1910 гг. Он имел больше сходства с романтикой в ​​других искусствах, таких как литература и живопись, то есть индивидуализм, патриотизм, желание свободы, а также длина и стремление к цели, а не цель сама по себе. Романтика музыки была относительно поздней по отношению к романтике литературы и искусства и продолжалась намного дольше.

Период начался как скользящий переход от классицизма, но также как явное нарушение этого. Там, где классика под руководством Йозефа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта и раннего Людвига ван Бетховена сосредоточена на классических идеалах просветления, ясности, спокойствия и равновесия, романтика была гораздо более эмоциональной, динамичной и с сильными музыкальными контрастами. Тяга к чему-то и к путешествию была важнее цели путешествия. Высокое господство Ричарда Вагнера, Джузеппе Верди и Йоханнеса Брахма доминировали над персонажами. В то же время национальный роман становится все более доминирующим в ряде стран и территорий, особенно в России, Чехии и Скандинавии. Здесь были разные идеи, на которые нужно влиять народная музыка или написание собственной музыки, вдохновленной страной. К концу романтизма музыка отошла от романтических идеалов, к более реализму, менее эмоциональным движениям и более неоклассическому или импрезионистскому стилю.

Высокий романтический период
Высокий романтический период — наиболее доминирующий период времени и в развитии музыки. Опера имела значительное развитие, особенно с драматическими и вердиальными операми Вагнера. Даже эти две оперы сделали немецкую и итальянскую оперу все более доминирующей, было несколько французских оперных композиторов, которые заметили, особенно Жорж Бизе и Жюль Массне. В этот период драматическая и серьезная опера вернулась решительно. Оперетта также имела важное развитие с Жаком Оффенбахом и Иоганном Штраусом

Валсер становился все более популярным, но как национальные, так и национальные танцы в некоторых случаях становились более оркестровыми, чем музыка для танцев. В то же время балет получил поддержку с помощью России в конце. У симфоний была неудача в течение долгого времени, но они были возвращены к популярности Йоханнеса Брамса, Антона Брукнера, Антонина Дворжака и Пьотра Цыковского. Особенно ярко проявился национальный романтический период в России, Чехии и Северном регионе. Брамс отметил себя как мультиталент с несколькими хорошими композициями в нескольких жанрах.

Период начался с изменения поколений. Мендельсон умер в 1847 году, Доницетти в 1848 году и Шопена в 1849 году. Шуман получил психические проблемы в 1850 году и умер в 1856 году, в то время как Мейербеер сочинил гораздо меньше после 1850 года. Новые композиторы взяли верх, несколько без тесной связи с классизмом, как и предыдущее поколение либо нерв вверх или против. С развитием стольких жанров и многих стран музыка стала гораздо менее контролируемой и гораздо менее грандиозной, чем раньше.

Вальсер и другие танцы
В 1825 году Иоганн Штраус начал свой собственный оркестр и сыграл важную роль в популяризации вальса. Он также стоял за тем, что стало известно как Венская долина. Его современный вальс ударил по всей Европе, особенно в 1838 году в Лондоне. Он приехал в Норвегию в 1840 году и сделал там популярную венскую. Штраус, старший, однако, принадлежит домой в ранний период, за исключением своего Радецкимарша. Однако его два сына Иоганн Штраус и Йозеф Штраус также были одаренными композиторами на выборах. Болота и поляки также присоединились к членам семьи. В частности, Strauss dys An der scönen blauen Danubefrom 1867 очень популярный ролл. Штраус Ды продолжал развивать рулон как цикл нескольких танцев и кусочков, что его отец и Шуберт сделали перед ним. Штраус Ды также добавил сложные посвящения и окончания — и переходы между пьесами, которые помогли сделать вальс более приемлемым и среди более требовательной аудитории.

Хосе Штраус стал после того, как его брат Иоганн Штраус осмелился составить, доминирующий хор дирижер, вместе со своим братом Эдуардом. Йозеф Штраус интересовался сочетанием вальса и симфонии, и он не боялся попробовать новую музыку. Среди прочего он включил в свои подвижные концерты произведения из оперы Вагнера Тристан и Изольды, поэтому многие из зрителей были знакомы с несколькими песнями до того, как была создана опера.

Тем не менее, было еще много местных танцоров, которые попали. Шопен сочинял Мазурков и поляков, вдохновленных Польшей, а в конце 1860-х годов и за ее пределами Брамс с венгерскими танцами, вероятно, был вдохновлен концертами, которые он проводил со скрипачом Эдуардом Ременни. Венгерские танцы стали финансово прибыльными для Брамса. В 1870-х годах Антонин Дворжак пришел со своим славянским танцором. В отличие от Брамса, на которого в значительной степени влияла народная музыка через Ременни и венгерские политические беженцы, с которыми он познакомился в Гамбурге, славянская танцовщица Дворжака стала более искусственной, то есть он написал их с небольшим количеством внешних источников вдохновения.

Балет
Балет во Франции пострадал во время Французской революции и последующие беспорядки, которые либо отпугнули композиторов, либо ослабили способность дворянства, либо и то и другое. Однако балет снова рос во время романа в 1830-х годах. В романтическом балете, как и в опере, сверхъестественное было важно. Примером этого был Сильфиден, где главный герой влюбляется в фею прямо перед собственной свадьбой. В частности, танцовщица Мария Тэглиони и ее отец, хореограф Филиппо, были необходимы для развития романтического стиля, отчасти потому, что Мария Тальони играла сильвиды, гораздо более убедительную, чем обычно, в балете. Одним из самых известных балетов этого периода была «Жизель», с музыкой Адольфа Адама. Он также характеризуется сверхъестественными существами, в этом случае духами девственниц, которые умерли, прежде чем они могли выйти замуж.

Балет фокусировался главным образом на танцах и хореографах, а тем более на танцорах-мужчинах, что означало, что было гораздо меньше танцоров-балеринов. Это помогло саботировать популярность балета в Западной Европе. В России, где танцы и особенно мужской танец были важной частью национальной идентичности, балет с раннего возраста был предназначен для драматического танца с мужской стороны. Спасанием стало сочетание хореографии Мариуса Петипа и композиций Пьотра Цайковского. Музыка Чайковского была настолько хорошо приспособлена к танцорам, что ему удалось вывести композитора из тени хореографа и танцоров. Его композиции «Озеро Лебедь» (1876), «Торнероза» (1889) и «Щелкунчик» (1892) сыграли решающую роль в повышении популярности балета и на западе. Чайковскому удалось найти хорошие мелодии, которые были легко смиренными, красочными оркестрами, которые соответствовали авантюрной истории и атмосфере, а также мелодии, которые очень хорошо сражались за движение балетных танцев. Кроме того, он создал гораздо более симфонический балет.

Опера и опера
Опера должна была развиваться из Великой оперы в оперную лирику, смесь Великой оперы и оперы Comique. Это плохо сочетается с стилем Мейера Пира, и хотя он имел относительно высокий успех в 1850 году, его стиль мог быть в любом случае. Вместо этого в этом оперном стиле доминировали Чарльз Гуно и Жюль Массне. Однако вскоре в опере доминировали два композитора, которые стояли на стороне французской оперы, а именно Вагнера и Верди. Кроме того, появились другие талантливые оперные композиторы, такие как Лео Делибес и Жорж Бизе, которые добавили экзотику и реализм в оперу.

Ричард Вагнер
Однако для Вагнера революционный год 1848 года характеризовался большой политической приверженностью, и он был изгнан из-за своей революционной деятельности. Вагнер также писал музыкальные анализы, в том числе искусство будущего девятой симфонии Бетховена, где он сказал, что «последняя симфония уже написана». В 1850 году он анонимно написал антисемитскую пьесу «Judas Judgment in Music», в которой он обвинял евреев в целом и Мейербера и Мендельсона в частности за сдерживание романтической музыки. Для Вагнера нехарактерно иметь столь заметные отрицательные отзывы о своих конкурентах. Несмотря на то, что Верди (обсужденный ниже) имел много мнений о Вагнере, никаких заявлений не было найдено, кроме заметок в дневнике жены Вагнера, и только там очень тривиальный разум, от Вагнера о Верди, который в настоящее время был более известен и более перечисленных.

Однако главным моментом для Вагнера было то, что он пропустил немецкую оперу с немецкими темами, которые с тех пор, как Хунтер Хунта в Интернете стал в основном провинциальным и неинтересным. Вагнер сменил «Летучего голландца» и «Тангейзера», и он быстро вернулся в качестве оперного композитора, когда Лист создал Лоэнгрина, как писал Вагнер в 1847 году в Веймаре в 1850 году. Лоэнгрин был успешным и предсказал будущее увлечение Вагнера средневековыми легендами и немецкими людьми приключения, часто морализирующие и символические. В открытии это относится к тому, когда один из героев победил датчан, а также рассказ о войне против венгров, которые нарушили режим прекращения огня — режиссером Венгерского Листа.

Вагнер начал в 1848 году, какова была его основная работа, Нибелунгрингринг, оперный цикл из четырех частей. Первая часть, Rhingullet, была не готова до 1854 года, а следующая часть, Valkyria два года спустя. Оба они используют Search Motiv, то есть мелодичную часть, которая время от времени повторяется, чтобы подчеркнуть настроение или человека, который является предметом оперы. Мелодия может появиться в оркестре, в песне или в хоре, чтобы проиллюстрировать точку как можно лучше. Использование Вагнера поискового мотива, таким образом, напоминает идею Berlioz’s fixe. Разница в том, что Вагнер мог использовать несколько из них в той же самой опере, что и с Тристаном и Изольдой, и он так часто использует их, что мотивы делают программу, которая объясняет действие избыточным. Мелодия направляет действия дальше и может создавать одновременно, конфликтующие и усиливающие эмоции в опере. Оператив Вагнера также находился под влиянием Моцарта, Бетховена, Керубини, Вебера и действительно Мейербера, которые он так светился. Несмотря на то, что Вагнер скептически относился к бывшим композиторам, Бетховену и Глюку, кроме того, он имел тесный контакт с прошлым.

В музыкальном плане оперы Вагнера часто представляют собой сложные хроматические изменения аккордов, например, в Тристане и Изольде. Не менее трехсот лет смесь между диатоническими (без знака) и хроматической (с сигнатурой) музыкой и между стабильными и неустойчивыми проходами были строительными блоками в значительной части музыки Вагнера. Это часто создавало ощущение длины и неудовлетворенных потребностей. Только длина и дорога к цели были романтическими идеалами уже от Вебера, из которых Вагнер много использовал. Кроме того, Вагнер также смог сделать окончательное урегулирование с колокольней, используя оркестр настолько сознательно, что оркестр и певец могли давать противоречивые впечатления. Идеей Вагнера была полная опера, где пение, оркестр, сценография и пьесы столкнулись, чтобы дать мощное драматическое выражение.

Джузеппе Верди
Там Вагнер сочинил 10 опер из прорыва с Риенци, написал Верди 26 после своего прорыва с Набукко, и где Вагнер был самым известным за главный мотив и использование оркестра, Джузеппе Верди был самым известным за его способность писать хорошие мелодии и захватывать персонажи персонажей, эмоции и ситуации в них. Ценность тоже была реалистом, его действия должны чаще всего относиться к этому миру, а не к мифическому миру с богами и монстрами. Верди также, в отличие от Вагнера, обеспокоен тем, что оркестровка не должна одолевать певцов, а скорее добавляет цвета и атмосферы. Там Вагнер сам писал свои либретто, часто с множеством разных источников, Верди стремился выбирать известные пьесы Уильяма Шекспира, Фридриха фон Шиллера, лорда Байрона, Виктора Гюго, Вольтера и Александра Дюма младшего.

Главный прорыв Вердиса произошел, когда он ушел из политики и города Бюссето. Там он успел написать трилогию Риголетто, основанную на куске Виктора Гюго, Il Trovatore, основанного на кусочке испанского драматурга Антонио Гарсиа Гутьерреса и «Травиата», основанного на куске Александра Дюма ди. Каждому удается комбинировать традиционную колокольню с использованием мелодии, чтобы подчеркнуть личность главных героев и передовые настроения. Это означало, что музыка и стиль песни стали отличительной чертой ролей. В то же время он также использовал мотивы, чтобы напомнить зрителям о прошлых событиях. Это ввело Верди одновременно с поиском Мотива Вагнера, но, вопреки принципам Вагнера, мотивы для Верди не были направлены на то, чтобы продвигать действие или создавать конфликт или создавать разные мотивы, но больше, чтобы связать действие ближе друг к другу. Мотивы Вердиса также не были новы, например, Доницетти уже использовалась в 1835 году. Опера Верди также находится недалеко от опер «Россини» и Доницетти «Белл Канто», а также он одолжил оперные стандарты Россини.

После того, как Верди стал богатым в своих опер, он проявил большую трудолюбие с последними операми, заимствуя техники из великой оперы, представляя комические роли и экзотические темы и звуковые образы (Аида). Две последние оперы, написанные Верди, были обеими операциями Шекспира, Отелло и Фальстаффом, более подробными в первом выпуске «Макбет», оба отличных примера в трагической (Отелло) и комической (Фальстаф) опере. Последняя была единственной комедией Верди, и у них также есть некоторые особенности Вагнера, среди прочего, потому что у нее есть драматическая характеристика людей и ситуаций, а не вызов оперы Канто с Овном в президентстве.

Другие оперные и опереточные композиторы
Были более талантливые французские оперные композиторы. Жорж Бизе написал экзотические пьесы из Цейлона (сегодняшняя Шри-Ланка) («Жемчужная рыба») и Севильи (Кармен). Камиль Сен-Санс сделала Самсона Далилу (библейская оперу), а Лео Делиб сделал Лакме, и действие было добавлено в Индию. Из них Кармен отличился как с точки зрения непосредственного и ретроспективного успеха, так и с реализмом действия. Чувственная и либеральная жизнь Карма связана с тем, что она является цыганским мальчиком и, следовательно, всячески вне общества. Были также оперы в России и Чехии, для этого см. Национализм.

После того, как Наполеон III пришел к власти, серьезная опера стала тщательно контролироваться, а комическая опера, оперный буф, стала более свободной. Это использовалось особенно опереттой, то есть опера с гораздо большей речью, чем традиционная оперная комедия. Самым важным композитором в комической и сатирической опере был Жак Оффенбах. Прорыв Оффенбаха пришел с Орфеем в подземном мире, где Орфей (тенор) действительно любил другого, но женился на Эвридике (сопрано) с ошибкой и женился на ней, потому что боялся «Общественного мнения» (меццо-сопрано). Он устраивает ее смерть, потому что Плутон в нее влюблен и живет счастливо — то, что Эвридике также делает в камере смертников с Плутоном в качестве мужа, пока общественное мнение не потребует от него спасти ее. Оффенбах также имел ухо для хорошей мелодии, в том числе, когда декадент умер, танцуя галопом (своего рода танец), где мелодия позже неразрывно связана с can-can. В то же время его оперы, которые издеваются над самой оперной музыкой, собрали много из числа виртуозных песен с начала 18 века, современных современных номеров, болерос, фанганов, квадрилл и роликов — в дополнение к can-can и галопу.

Популярность Оффенбаха резко возросла после этой игры, и с прекрасной Хеленой и Ла Вие Паризине он также вдохновил других опереточных композиторов и комедийных оперных композиторов во многих странах. Одним из них был ди-джей Иоганн Штраус, который пытался и имел большой успех с летучими мышами в 1874 году, а затем и Артуром Салливаном и WS Gilbert в HMS Pinafore и серией комических опер после этого. Это означало, что английские (и англичане) композиторы сыграли важную роль в пении музыки впервые с Генри Перселла в конце 1600-х годов.

симфонии
Симфонии стали ненормальным в 1850-х годах, в основном для музыкальных студентов. Например, крупные концертные залы в Париже использовались для классических симфоний Гайдна, Моцарта и Бетховена и раннего романса Мендельсона и Шумана. Пасселуп, который организовал концерты, в конце концов убедил сыграть французских музыкантов музыки Gounonds и симфоний Сен-Санса, но он вернулся так же, как Бах был вновь открыт, и Хендел всегда был популярен. В то же время в музыкальных стихах Франса Листта с 1848 по 1857 год появилась новая форма музыки. Это были сольные произведения для оркестров, характеризующихся философией, литературой или живописью. Это была музыкальная программа в стиле Berlioz, но более описательная, чем повествование. Лист преуспел в новаторской гармонии и с оркестровыми эффектами, характерными для остальной части XIX века. Симфония произведений представлена, среди прочего, контурами сонатной формы.

Симфония как жанр сильно отошла, когда Йоханнес Брамс оторвался от упрямой ситуации между современной музыкой и вкусом, который прошел мимо старых симфоний. Он решил объединить эти два, написав обратные симфонии, которые в то же время были современными. Брамс был вдохновлен Шуманом, и поэтому он принадлежал к классической ветви, в отличие от Листа и Берлиоза. Тем не менее, Брамс, как он писал музыку, также, вероятно, находился под влиянием Тристана и Изольды Вагнера, несмотря на то, что он мало что оставил для музыки Вагнера. Это означает, что его симфония не была ни полностью, ни полностью программной, а ближе к абсолютной по стилю. Это также подчеркивается тем фактом, что Брамс также в значительной степени находился под влиянием 5-й симфонии Бетховена. Он также был вдохновлен 9-й симфонией Бетховена в финале. Это было главным образом диатоническим и мелодичным, но у него были хроматические линии в голосах. Симфония была написана в 1860-х годах, но не публиковалась до 1876 года.

То, что показало все симфонии Брамса, состояло в том, что они были абсолютно абсолютной музыкой в ​​форме без какой-либо программной музыки. Как Бетховен, Брамс предпочел быть романтичным в тоне речи, но проявляя уважение к сонатной форме первой части, ларго во второй части, а затем к скерцо в третьей части. Тем не менее, Брамс также был обеспокоен и под влиянием современной музыки, тем самым объединив их в некотором смысле.

Когда Брамс сочинял свои симфонии в начале 1860-х годов, он был не одинок в этом, Антон Брукнер также написал девять симфоний, первый в 1865 году. Однако он часто переписывал их, и он не превзошел всех в то же время, что и Брамс. Брукнер был, в отличие от Брамса, гораздо более дружелюбным к Вагнеру, и он сочинил гораздо больше в направлении программной музыки, чем Брамс. Однако Брукнер также интересовался Бетховеном и особенно 9-й симфонией.

Хечковский также писал симфонии, и его первый пришел в 1867 году. В отличие от «могучих пятерых», которые хотели заново открыть национальную музыку России (обсуждается дальше), Цыковский был ориентирован на Запад. Только во время своей четвертой симфонии Цевковский попал на симфонический фронт. Затем он уже успел с балетными произведениями и фортепианными концертами. Чеховская симфония № 4 от 1878 года стала прорывом, отчасти потому, что у него были формальности, а отчасти потому, что ему удалось использовать сильные гармонические инструменты. Однако его пронумерованная симфония Манфреда наиболее известна.

Симфонии также были написаны во Франции. В 1871 году Сезар Франк, Камиль Сен-Санс и несколько других композиторов решили продвигать французскую музыку. Под девизом «Ars Gallia» Франк, который раньше был в значительной степени впечатляющим организатором, начал сочинять. Сначала это была симфоническая поэзия, но к концу высокого конвергенции он начал писать симфонии. Его симфонии ушли в отставку из-за их мрачности, но также и потому, что он взял тему от одного курса к другому, вместо того, чтобы рассматривать четыре предложения как отдельные. Кроме того, Франк, которого сравнивали с Иоганном Себастьяном Бахом, также хорошо использовал контрапункт в своих работах.

Национальный романтизм
В разных местах Европы появилась мощная волна национальных романтических ходов в музыке. Причин могло быть больше, например, можно было бы пожелать тонесете популярных газет, которые были собраны во все большем числе стран, найти индивидуальный стиль музыки в стране или выкрикнуть страну в песне и музыке. В высоком доминировании именно в России, Чешской Республике и Скандинавитате появился национальный роман, хотя на некоторое время он присутствовал в немецкой музыке, если не как прямой. Во Франции, однако, группа композиторов была против таких композиторов, как Франк и Делиб, которые были вдохновлены немцами, такими как Бетховен и Вагнер. Они скорее напишут французскую музыку в своих собственных помещениях. Одним из композиторов была Камиль Сен-Санс, известная своими серьезными произведениями, как его органная симфония в c-mole, и карнавал комических животных, где черепаха входит в очень ошеломляющую версию инфернального галопа Оффенбаха.

Россия
Россия выпустила несколько композиторов до того, как Михаил Глинка попал в 1830-е годы. У его первой оперы, жизни для царя, были ясные русские черты в дополнение к крику царя и правительства. Музыка использовалась порой в модальной шкале, в значительной степени замененной крупным и малым масштабом на Западе, но все еще используемой в России. Однако в его другой опере Русслан и Людмила (1842) использовались хельтовые чешуйки, хроматики, диссонансы и вариации народных песен, которые имели реальную национальную направленность, где жизнь для царя была более дружелюбной.

Опера Глинкиса поразила Запад только потому, что он был настолько типичным русским, но последовавшие за ним русские композиторы разделились на две основные категории: те, кто искал более современный и западный музыкальный стиль (Цжайковский) и те, кто хотел изучать русскую музыку самостоятельно часть (часто называемая «Пятерка» или «Мощная горстка»). Музыка Чайковского была настолько западной, что она принадлежала к отдельным подгруппам, поиск пяти русских композиторов настолько значителен, что их работы обсуждаются здесь, главным образом в основном в случае опер и симфоний.

Цвайкинские балеты и симфонии уже упоминались, но он также написал оперу, такую ​​как «Евгений Онегин» и «Спар-Дам». Из них первый стал ясно известен, а затем получил статус, напоминающий российскую национальную оперу. Одной из самых известных работ в Чечне является Увертюра 1812 года, которая является самостоятельной работой, а не как традиционным прелюбодеем, связанным с опера. Этот страус, отмечающий победу русских над Наполеоном Бонапарта, полон ссылок на русских казаков, народных мелодий и царей на Марселье. Последнее, несмотря на то, что царь был написан долго после 1812 года и что Наполеон Бонапарт запретил Марселье в 1805 году.

Пять состояли из Милия Балакирева, Александра Бородина, Цезаря Цуя, Модеста Мусоргского и Николая Римского-Корсакова. Эти пять были противниками влияния Германии и Италии на русскую музыку, но они также были заняты музыкой Берлиоза и Листа. Цуй писал в своих мемуарах, что они были молодыми и жестокими в своей критике, без уважения к Моцарту и Мендельсону, с сопротивлением Шуману, энтузиазмом к Листу и Берлиозу и богине Шопена и Глинки.

Из пяти композиторов ни Цуй, ни Балакирев не имели большого значения для более поздней композиции. Бородин использовал в своей музыке кавказские и центральноазиатские темы, особенно в «Оперном Игоре» (не завершен) и в своих симфониях, не говоря уже о его симфонических стихотворениях «О шагах Центральной Азии». Однако он был занятым человеком (он был профессором химии) и у него было мало времени для сочинения. Его две симфонии были тем не менее особенными, потому что он писал их с гораздо меньшими кредитами от Бетховена и, следовательно, в гораздо меньшей степени повлиял на прошлое, чем большинство других симфонических композиторов.

У Мусоргского был украинский фон, но он оставался в Санкт-Петербурге большую часть своей жизни и никогда не уезжал за границу. Две из его самых известных работ — симфоническая поэма Одна ночь в Блоксберге (1867, после его смерти) и фортепианная пьеса Картинки на выставке (1874). В дополнение к программной музыке музыку Мусоргского можно назвать более реалистичной, чем романтикой, хотя и с увлечением экзотикой. Таким образом, его музыка, такая как Опера Саламбо, может напомнить вам о Кармен. Кроме того, Мусоргский считал, что музыка и искусство должны помочь человеческой речи вместо того, чтобы быть самоцелью. Законы музыки, где бы они ни были важны, всегда должны меняться и ломаться. Опера «Борис Годунов», основанная на кусочке Александра Пушкина, подчеркивала увлечение Мусоргского речью, когда он имитировал русские речевые узоры. Вместе с Первым Игорем Бородина и Евгением Онегиным «Цайковский» Борис Годунов — самая популярная российская опера.

Николай Римский-Корсаков был единственным из пяти, кто имел музыкальное образование, по иронии судьбы, потому что он стал профессором в 1871 году и должен был учиться на шаг впереди своих учеников. Даже «Пять» скептически относились к музыкальному образованию, потому что это было ориентировано на запад, именно образование Римского-Корсакова, кстати, спасло много русской музыки, а в других местах он редактировал Глинку, Мусоргский и Бородин для обеспечения их музыкального выживания. Как дирижер в России и Западной Европе, он также смог экспортировать свою музыку в эти области. Римский-Корсаков писал оперы, но ни одно из них не привлекло столько внимания, как работы Бородина, Цовковского и Мусоргского. Сила Римского-Корсакова заключалась в том, что он мог играть на всех инструментах в оркестре и поэтому был очень хорош в оркестровке. Его Capriccio espagnol и Scheherazade стали особенно известными, по иронии судьбы, поскольку у него есть французский титул и испанский вдохновение, а другой назван в честь главного героя в ночь 1001 года.

Чешская Республика
Чешские композиторы были отмечены в школе Мангейма, но в основном были связаны с немецкой музыкой. Однако во второй половине XIX века националистическая волна была главным образом Бедржихом Сметаной и Антонином Дворжаком.

Сначала был Сметана. Он считается основателем чешской музыки. Сметана был заинтересован в независимости Чешской Республики и в то же время занят музыкой. Прага был важным музыкальным центром, и он встретил Берлиоза, Листа и Роберта и Клару Шумана, которые все сильно его затронули. После пребывания в Гетеборге он вернулся в Богемию навсегда. Именно там он написал свою вторую оперу «Проданная невеста» (1866), комическая опера со многими национальными романтическими ходами. Так же, как Дворжак позже в своих славянских танцах, Сметана предпочел сочинять народные мелодии и танцевать сам, а не вдохновлять непосредственно на народную музыку.

Предпосылкой для этих выборов, возможно, была дискуссия с протократическими политиками, которые считали, что серьезная опера легко давала возможность писать на основе чешских народных мелодий, но писать комическую оперу с чешским характером было невозможно. Сметана утверждал, что это закончится потерри разных мелодий. Несмотря на успех проданной невесты, Сметана ушел от этого стиля в своих других операх. Он пробовал серьезную оперу, и в последних четырех операх стиль был заметно иным, как от проданной невесты, так и друг от друга. Smetanas Mállast («Моя Родина») — симфонический поэтический цикл, в котором, в частности, второй курс, Влтава (Die Moldau на немецком языке) имел большой успех.

Там, где Сметана вдохновляла Лист и музыкальная программа, Дворжак был более абсолютным музыкантом, похожим на Брамса. Он быстро оправился от увлечения Вагнера и выпустил несколько симфоний, вдохновленных Брамсом. По общему признанию, первые четыре симфонии были неизвестны смерти Дворжака, но последние пять все чаще игрались. Однако, когда Брамса обвинили в том, что он был старомодным и вернулся, Дворжак был более перспективным и новаторским симфонистом. Однако Дворжак не был тощим и таинственным, как Брамс, а скорее игривым и свежим композитором. Его возможный величайший успех, как симфония, однако, приходил в овертайме с высоким всемогуществом, когда он писал свою симфонию № 9 «Из Нового Света», вдохновленную путешествием в Соединенные Штаты, но также смешанную чешскую музыку. Кроме того, его Stabat Mater и его реквием были великими успехами, а его концерт на скрипке в концертном ан-моле и клетке в H-Moll был также очень популярен в Европе.

Скандинавские страны
Страны Северной Европы, и особенно Норвегия, были под влиянием национальной романтики. Ряд композиторов из Северной Европы определил музыку своей страны на основе народной музыки, как это было сделано в России, или написав ее так, как это было в Праге. Особенно это были скандинавские страны, которые отметили себя в высоком обращении. Финляндцы Жан Сибелиус впервые приехали в сенромантику вместе с Карлом Нильсеном из Дании.

Именно в Дании идея «скандинавского тона» впервые появилась в середине 1800-х годов. Особенно это вызвало Нильс Вильгельм Гаде и Йенс Питер Эмилий Хартманн. Из них симфонист Гаде оказал наибольшее влияние на скандинавские страны, в то время как сценический музыкант Хартманн был более скандинавским в своем составе, возможно, именно это, Гаде стал более узнаваемым в Европе. В Швеции особенно доминировал Франц Бервальд. Он написал как камерную музыку, так и оперу, но как Гаде он наиболее известен своими симфониями. Симфонии Бервальда были очень оригинальными, с активным использованием перерывов и ритма. К несчастью для него Стокгольм не всегда был готов к такой современной музыке, как он писал, и он не жил в своей музыке.

В Норвегии, единственной независимой от трех скандинавских стран, общественная музыкальная жизнь существовала с 1765 года, когда в Бергене была создана музыкальная компания «Гармония». Это делает его одной из старейших музыкальных компаний в мире. В Христиании (сегодняшнем Осло) Лицеум появился в качестве альтернативы в 1810 году, что создало большую конкуренцию и профессионализм. Когда норвежские композиторы появились в начале 19-го века, они были перемещены национальными идеями и событиями Эйдсволла в 1814 году, и поэтому с самого раннего возраста имели форму национального романтического тона. Оле Булл, который вскоре сыграл в «Гармонии», сотрудничал с Милларгутеном, тяжело ударяющим игроком, который был особенно хорош в народной музыке. Партнерство сделало популярную музыку популярной во всей Норвегии. В конце концов появилось несколько многообещающих композиторов, таких как Халвдан Кьерулф и Ричард Нордраак, но особенно во второй половине 1800-х годов, Норвегия появилась с Эдвардом Григом, Йоханом Свендсеном и Кристином Синдингом, из которых Григ был в специальном классе как в Норвегии, так и в Скандинавские страны.

Если бы был поиск скандинавских или скандинавских в Гаде, Хартманне или Бервальде, Григ был прежде всего не скандинавским, а норвежским.Эдвард Григ не был хорош в больших формах, но полагался на меньшие композиции, такие как романсы, косилки и фортепианные пьесы. Таким образом, он был против Гаде и Бервальда. У Грига, например, нет симфоний и даже сонат, у которых мало. Еще одна особенность музыки Грига заключенная в том, что он подошел к источнику, когда пришел к нахождению национального тона и вдохновил много народных мелодий. В то же время он дал мелодию народа личным прикосновением, чтобы было легче получить доступ даже за пределы страны. Римляне Грига к лучшему в жанре. Несмотря на то, что Григ считался миниатюрным художником, его оркестровая работа была одной из самых известных, в частности, сюиты Peer Gynt, в которой в первой песне были представлены такие песни, как Morning Mood, The Dovregubbens Hall и Anita’s dance, и Solveig ‘ в другой.Также из времени Холберга и фортепианного концерта в A-Moll имеет большой международный призыв. Grieg был представлен Longyear как «один из самых индивидуальных композиторов в XIX веке».

Другая музыка
Помимо его симфоний и симфонической поэзии, Сесар Франк также много работал над музыкой, которая в какой-то мере вышла из моды, например, камерная музыка, ориентирование, фэнтези, фьюж, музыка хора и органная музыка. В последнем он заимствовал как французскую музыку, так и Иоганна Себастьяна Баха, который после усилий Мендельсона стал все более популярным. Франк считался основателем современной французской камерной музыки, в том числе его фортепианные квинтеты, струнные квартеты и сыновья скрипки — все циклическое по форме.

Габриэль Форе был в основном антитезой для французского стиля Вагнера и немецкого стиля. Он представлял порядок и ограничение в качестве ключевых краеугольных камней. Форе был учеником Сен-Санса. Форе также вдохновляет Gounond, где мелодии были проще и без виртуозных произведений. В конце концов он сосредоточился на музыкальных жанрах с большой командой, возможно, известной как его Реквием. В конце концов, Форе стал все более популярным в музыкальной форме, и маленькие мелодии часто были связаны друг с другом, примерно так же далеко от Вагнера, что и в то время.