Crítica de arte

La crítica de arte es la discusión o evaluación del arte visual. Los críticos de arte suelen criticar el arte en el contexto de la estética o la teoría de la belleza. Un objetivo de la crítica de arte es la búsqueda de una base racional para la apreciación del arte, pero es cuestionable si dicha crítica puede trascender las circunstancias sociopolíticas imperantes.

La variedad de movimientos artísticos ha resultado en una división de la crítica de arte en diferentes disciplinas que pueden usar criterios diferentes para sus juicios. La división más común en el campo de la crítica es entre la crítica histórica y la evaluación, una forma de historia del arte y la crítica contemporánea del trabajo de los artistas vivos.

A pesar de las percepciones de que la crítica de arte es una actividad de menor riesgo que hacer arte, las opiniones de arte actual siempre están sujetas a correcciones drásticas con el paso del tiempo. Los críticos del pasado a menudo son ridiculizados por favorecer a los artistas ahora ridiculizados (como los pintores académicos de finales del siglo XIX) o despedir artistas ahora venerados (como los primeros trabajos de los impresionistas). Algunos movimientos de arte fueron nombrados despectivamente por la crítica, con el nombre adoptado más tarde como una especie de insignia de honor por los artistas del estilo (por ejemplo, Impresionismo, Cubismo), con el significado negativo original olvidado.

Los artistas a menudo han tenido una relación incómoda con sus críticos. Los artistas generalmente necesitan opiniones positivas de los críticos para que su trabajo sea visto y comprado; desafortunadamente para los artistas, solo las generaciones posteriores pueden entenderlo.

El arte es una parte importante del ser humano y se puede encontrar a través de todos los aspectos de nuestras vidas, independientemente de la cultura o los tiempos. Hay muchas variables diferentes que determinan el propio juicio del arte, como la estética, la cognición o la percepción. El arte puede ser objetivo o subjetivo en función de las preferencias personales hacia la estética y la forma. Puede basarse en los elementos y el principio del diseño y la aceptación social y cultural. El arte es un instinto humano básico con una amplia gama de formas y expresiones. El arte puede ser independiente con un juicio instantáneo o puede verse con un conocimiento más profundo y más educado. Las teorías estéticas, pragmáticas, expresivas, formalistas, relativistas, procesionales, de imitación, rituales, cognitivas, miméticas y posmodernas son algunas de las muchas teorías para criticar y apreciar el arte. La crítica y la apreciación del arte pueden ser subjetivas según las preferencias personales hacia la estética y la forma, o pueden basarse en los elementos y principios del diseño y en la aceptación social y cultural.

Definición
La crítica de arte tiene muchos y muchas veces puntos de vista subjetivos que son casi tan variados como personas que lo practican. Es difícil obtener una definición más estable que la actividad relacionada con la discusión e interpretación del arte y su valor. Dependiendo de quién escriba sobre el tema, la “crítica de arte” puede obviarse como un objetivo directo o puede incluir la historia del arte dentro de su marco. Independientemente de los problemas de definición, la crítica de arte puede referirse a la historia de la artesanía en sus ensayos y la propia historia del arte puede utilizar métodos críticos implícitamente. Según el historiador del arte R. Siva Kumar, “Las fronteras entre la historia del arte y la crítica de arte … ya no están tan arraigadas como solían ser. Tal vez comenzó cuando los historiadores del arte se interesaron por el arte moderno”.

La crítica de las artes es el proceso de describir, analizar, interpretar y juzgar las obras de arte. Es distinto de la crítica de arte (que se centra en las artes visuales) debido a su ámbito más amplio. Las disciplinas de la crítica artística se pueden definir por el objeto considerado más que por la metodología (a través del análisis de su filosofía): edificios (crítica de arquitectura), pinturas (crítica de arte visual), representaciones (crítica de baile, crítica teatral), música (música periodismo), medios visuales (crítica de cine, crítica de televisión), o textos literarios (crítica literaria).

La crítica de las artes se puede dividir en general en dos tipos. Existe una crítica académica como la que se encuentra en trabajos académicos y revistas especializadas, luego hay una crítica de naturaleza más periodística (a menudo llamada “revisión”) que es vista por un público más amplio a través de periódicos, televisión y radio. La crítica académica tendrá un carácter más vigoroso y analítico que el periodístico, el periodista incluso se puede enfocar en entretener al lector a costa de los detalles sobre el arte en discusión.

Metodología
La crítica de arte incluye un aspecto descriptivo, donde la obra de arte se traduce suficientemente en palabras para permitir que se haga un caso. La evaluación de una obra de arte que sigue la descripción (o está intercalada con ella) depende tanto del resultado del artista como de la experiencia del crítico. Hay en una actividad con un componente subjetivo tan marcado una variedad de formas en que se puede perseguir. Como extremos en un espectro posible, mientras que algunos prefieren simplemente comentar las impresiones inmediatas causadas por un objeto artístico, otros prefieren un enfoque más sistemático que recurra al conocimiento técnico, la teoría estética favorecida y el contexto sociocultural conocido en el que el artista está inmerso para discernir su intención .

Historia
Artículo principal: Historia de la crítica de arte
Las críticas al arte probablemente se originaron con los orígenes del arte mismo, como lo demuestran los textos encontrados en las obras de Platón, Vitruvio o Agustín de Hipona, entre otros, que contienen las primeras formas de crítica de arte. Además, los patrones adinerados han empleado, al menos desde el comienzo de Renaissance, evaluadores intermedios de arte para ayudarlos en la adquisición de comisiones y / o piezas terminadas.

Orígenes
La crítica de arte como género de escritura, obtuvo su forma moderna en el siglo XVIII. El uso más antiguo del término crítica de arte fue escrito por el pintor inglés Jonathan Richardson en su publicación de 1719 Un ensayo sobre el arte de la crítica. En este trabajo, intentó crear un sistema objetivo para el ranking de obras de arte. Siete categorías, incluyendo dibujo, composición, invención y coloración, obtuvieron un puntaje de 0 a 18, que se combinaron para dar un puntaje final. El término que introdujo rápidamente se hizo popular, especialmente cuando la clase media inglesa comenzó a ser más exigente en sus adquisiciones artísticas, como símbolos de su estado social ostentoso.

En Francia e Inglaterra, a mediados del siglo XVIII, el interés público en el arte comenzó a generalizarse, y el arte se exhibía regularmente en los Salons de París y en Summer Exhibitions of London. Los primeros escritores en adquirir una reputación individual como críticos de arte en la Francia del siglo XVIII fueron Jean-Baptiste Dubos con sus Réflexions critiques sur la poésie et sur la peinture (1718), que obtuvo la aclamación de Voltaire por la sagacidad de su enfoque de la teoría estética ; y Étienne La Font de Saint-Yenne con Reflexions sur quelques causes de l’état présent de la peinture en France que escribió sobre el Salón de 1746, comentando el marco socioeconómico de la producción del entonces popular estilo de arte barroco, que llevó a una percepción de los sentimientos antimonárquicos en el texto.

El escritor francés del siglo XVIII Denis Diderot avanzó mucho en el medio de la crítica de arte. El “Salón de 1765” de Diderot fue uno de los primeros intentos reales de capturar el arte en palabras. Según el historiador del arte Thomas E. Crow, “Cuando Diderot se hizo cargo de la crítica de arte fue en los talones de la primera generación de escritores profesionales quienes se propusieron ofrecer descripciones y juicios sobre la pintura y la escultura contemporáneas. un producto de la institución igualmente novedosa de exhibiciones regulares, gratuitas y públicas del último arte “.

Mientras tanto, en Inglaterra, una exhibición de la Sociedad de las Artes en 1762 y más tarde, en 1766, provocó una ráfaga de panfletos críticos, aunque anónimos. Periódicos y publicaciones periódicas de la época, como el London Chronicle, comenzaron a publicar columnas de crítica de arte; una forma que despegó con la fundación de la Royal Academy en 1768. En la década de 1770, Morning Chronicle se convirtió en el primer periódico en revisar sistemáticamente el arte presentado en las exhibiciones.

Francia
No fue hasta las exposiciones públicas de la Académie royale de peinture et de sculpture en el Salón de París de los siglos XVII y XVIII cuando una crítica de arte profesional de los no artistas (la denominada crítica laica) prevaleció sobre el monopolio de la evaluación reclamado por los miembros de la academia. Entre los primeros críticos de arte estuvieron los escritores Étienne La Font de Saint-Yenne y Denis Diderot. La Font des Saint-Yenne escribió una reseña detallada de la línea de salón de 1746, que apareció como un folleto independiente anónimamente en La Haya un año después. Diderot escribió entre 1759 y 1781 un total de nueve informes de salón para Correspondance littéraire, uno de su amigo Friedrich Melchior Grimm en un diario manuscrito editado quincenalmente, que se obtuvo en particular de círculos aristocráticos.

Cien años más tarde, el poeta de vanguardia Charles Baudelaire escribió como un joven escritor de 1845 también varias reseñas de los salones de París con claro partidismo para la pintura romántica y el rechazo de la pintura realista y plein air.

Alemania
En Alemania, la crítica de arte surgió en la Era de la Ilustración como una transferencia cultural del discurso del arte francés, en particular promovida por las revistas de Johann Christoph Gottsched en la industria de la impresión y el libro de Leipzig. En las revistas de revisión de Gottscheds (desde 1747), la literatura tomó el énfasis uno, pero en ellas se encontraban cada vez más las artes visuales en forma de reseñas artísticas teóricas y traducciones de conferencias de la Academia de París real Inscripciones y Bellas Letras cada vez más dirigido; pero solo en casos excepcionales se relacionaron directamente con obras de arte.

Siglo 19
A partir del siglo XIX, la crítica de arte se convirtió en una vocación más común e incluso una profesión, desarrollando a veces métodos formalizados basados ​​en teorías estéticas particulares. En Francia, una brecha surgió en la década de 1820 entre los defensores de las formas de arte neoclásicas tradicionales y la nueva moda romántica. Los neoclásicos, bajo Étienne-Jean Delécluze defendieron el ideal clásico y prefirieron la forma cuidadosamente acabada en pinturas. Los románticos, como Stendhal, criticaron los viejos estilos como excesivamente formulados y carentes de cualquier sentimiento. En cambio, defendieron los nuevos matices expresivos, idealistas y emocionales del arte romántico. Un debate similar, aunque más discreto, también se produjo en Inglaterra.

Uno de los críticos prominentes en Inglaterra en ese momento era William Hazlitt, un pintor y ensayista. Escribió sobre su profundo placer en el arte y su creencia de que las artes se podrían utilizar para mejorar la generosidad del espíritu y el conocimiento del mundo que lo rodea. Era uno de una creciente marea de críticos ingleses que comenzó a inquietarse con la dirección cada vez más abstracta en la que se movía el paisaje de JMW Turner.

Una de las grandes críticas del siglo XIX fue John Ruskin. En 1843 publicó Modern Painters en la que defendió con firmeza el trabajo de JMW Turner de sus críticos, quienes acusaron a Turner de ser infiel a la naturaleza. A través de análisis minuciosos y atención al detalle, Ruskin pudo demostrar todo lo contrario, en lo que el historiador de arte EH Gombrich llamó “la obra más ambiciosa de la crítica de arte científico jamás intentada”. Ruskin se hizo famoso por su prosa rica y fluida, y más tarde en la vida se diversificó para convertirse en un crítico activo y amplio, publicando obras sobre arquitectura y arte del Renacimiento, incluidas las Piedras de Venecia.

Otra figura dominante en la crítica de arte del siglo XIX fue el poeta francés Charles Baudelaire, cuyo primer trabajo publicado fue su salón de arte de 1845, que atrajo la atención inmediata por su audacia. Muchas de sus opiniones críticas fueron novedosas en su tiempo, incluida su defensa de Eugène Delacroix. Cuando la famosa Olympia (1865) de Édouard Manet, un retrato de una cortesana desnuda, provocó un escándalo por su descarado realismo, Baudelaire trabajó en privado para apoyar a su amigo. Sostuvo que “la crítica debe ser parcial, apasionada, política, es decir, formada desde un punto de vista exclusivo, pero también desde un punto de vista que abre el mayor número de horizontes”. Trató de mover el debate de las viejas posiciones binarias de décadas anteriores, declarando que “el verdadero pintor será él quien pueda escurrir de la vida contemporánea su aspecto épico y hacernos ver y comprender, con el color o el dibujo, cuán grande y poéticos estamos en nuestras corbatas y nuestras botas pulidas “.

En 1877, John Ruskin se burló de Nocturne en Black and Gold: The Falling Rocket después de que el artista, James McNeill Whistler, lo mostrara en Grosvenor Gallery: “He visto y oído mucho de la imprudencia de Cockney antes, pero nunca esperé escuchar un Coxcomb pide doscientas guineas por arrojar una jarra de pintura en la cara del público “. Esta crítica provocó que Whistler demandara al crítico por difamación. El caso judicial resultante resultó ser una victoria pírrica para Whistler.

Vuelta del siglo XX
Hacia el final del siglo XIX, un movimiento hacia la abstracción, en oposición a un contenido específico, comenzó a ganar terreno en Inglaterra, especialmente defendido por el dramaturgo Oscar Wilde. A principios del siglo XX, estas actitudes se unieron formalmente en una filosofía coherente, a través del trabajo de los miembros de Bloomsbury Group, Roger Fry y Clive Bell. Como historiador del arte en la década de 1890, Fry se sintió intrigado con el nuevo arte modernista y su alejamiento de la representación tradicional. Su exposición de 1910 de lo que él llamó arte posimpresionista atrajo muchas críticas por su iconoclasia. Se defendió enérgicamente en una conferencia en la que argumentó que el arte se había movido para tratar de descubrir el lenguaje de la imaginación pura, en lugar de la sólida y, a su juicio, deshonesta captura científica del paisaje. El argumento de Fry demostró ser muy influyente en ese momento, especialmente entre la elite progresista. Virginia Woolf comentó que: “en o alrededor de diciembre de 1910 [la fecha en que Fry dio su conferencia] el carácter humano cambió”.

Independientemente, y al mismo tiempo, Clive Bell argumentó en su libro de 1914, Art, que todas las obras de arte tienen su particular “forma significativa”, mientras que el tema convencional era esencialmente irrelevante. Este trabajo sentó las bases para el enfoque formalista del arte. En 1920, Fry argumentó que “es lo mismo para mí si represento a un Cristo o una cacerola, ya que es la forma, y ​​no el objeto en sí, lo que me interesa”. Además de ser un defensor del formalismo, argumentó que el valor del arte radica en su capacidad para producir una experiencia estética distintiva en el espectador. una experiencia que él llamó “emoción estética”. Lo definió como aquella experiencia que se suscita de forma significativa. También sugirió que la razón por la que experimentamos la emoción estética en respuesta a la forma significativa de una obra de arte es que percibimos esa forma como una expresión de una experiencia que tiene el artista. La experiencia del artista, a su vez, sugirió, fue la experiencia de ver objetos ordinarios en el mundo como forma pura: la experiencia que uno tiene cuando uno ve algo no como un medio para otra cosa, sino como un fin en sí mismo.

Herbert Read fue un campeón de artistas británicos modernos como Paul Nash, Ben Nicholson, Henry Moore y Barbara Hepworth y se asoció con el grupo de artes contemporáneas de Nash Unit One. Se centró en el modernismo de Pablo Picasso y Georges Braque, y publicó un influyente ensayo de 1929 sobre el significado del arte en The Listener. También editó la revista Burlington (1933-38), que marca tendencias, y ayudó a organizar la Exposición Surrealista Internacional de Londres en 1936.

Desde 1945
Como en el caso de Baudelaire en el siglo XIX, el fenómeno poeta-como-crítico apareció una vez más en el siglo 20, cuando el poeta francés Apollinaire se convirtió en el campeón del cubismo. Más tarde, el escritor y héroe francés de la resistencia André Malraux escribió extensamente sobre el arte, yendo más allá de los límites de su Europa natal. Su convicción de que la vanguardia latinoamericana estaba en el muralismo mexicano (Orozco, Rivera y Siqueiros) cambió después de su viaje a Buenos Aires en 1958. Después de visitar los estudios de varios artistas argentinos en compañía del joven director del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires Rafael Squirru, Malraux declaró a la nueva vanguardia en los nuevos movimientos artísticos de Argentina. Squirru, un poeta-crítico que se convirtió en Director Cultural de la OEA en Washington, DC, durante la década de 1960, fue el último en entrevistar a Edward Hopper antes de su muerte, contribuyendo a un renacimiento del interés en el artista estadounidense.

En la década de 1940 había no pocas galerías (El arte de este siglo), sino también pocas críticas dispuestas a seguir el trabajo de la Vanguardia de Nueva York. También había algunos artistas con formación literaria, entre ellos Robert Motherwell y Barnett Newman, que también funcionaban como críticos.

Aunque Nueva York y el mundo no estaban familiarizados con la vanguardia de Nueva York, a finales de la década de 1940 la mayoría de los artistas que se han convertido en nombres conocidos hoy en día tenían sus críticos patronos bien establecidos. Clement Greenberg abogó por Jackson Pollock y los pintores de campo de color como Clyfford Still, Mark Rothko, Barnett Newman, Adolph Gottlieb y Hans Hofmann. Harold Rosenberg parecía preferir los pintores de acción como Willem de Kooning y Franz Kline. Thomas B. Hess, editor en jefe de ARTnews, defendió a Willem de Kooning.

Los nuevos críticos elevaron a sus protegidos lanzando a otros artistas como “seguidores” o ignorando a aquellos que no cumplieron su objetivo promocional. Como ejemplo, en 1958, Mark Tobey “se convirtió en el primer pintor estadounidense desde Whistler (1895) en ganar el máximo galardón en la Bienal de Venecia. Las dos principales revistas de arte de Nueva York no estaban interesadas. Arts mencionó el evento histórico solo en una columna de noticias y Art News (editor gerente: Thomas B. Hess) lo ignoró por completo. Los artículos impresos del New York Times y Life “.

Barnett Newman, un miembro fallecido de Uptown Group, escribió el catálogo de prólogos y reseñas y, a fines de la década de 1940, se convirtió en artista expositor en Betty Parsons Gallery. Su primera exposición individual fue en 1948. Poco después de su primera exposición, Barnett Newman comentó en una de las Sesiones de los artistas en Studio 35: “Estamos en el proceso de crear el mundo, en cierta medida, a nuestra propia imagen”. Utilizando sus habilidades de escritura, Newman luchó en cada paso del camino para reforzar su imagen recién establecida como artista y para promover su trabajo. Un ejemplo es su carta a Sidney Janis el 9 de abril de 1955:

Es verdad que Rothko habla con el luchador. Él lucha, sin embargo, para someterse al mundo filisteo. Mi lucha contra la sociedad burguesa ha implicado el rechazo total de la misma.

La persona que se cree que tuvo más que ver con la promoción de este estilo fue un trotskista de Nueva York, Clement Greenberg. Como crítico de arte durante mucho tiempo para Partisan Review y The Nation, se convirtió en un defensor temprano y alfabetizado del Expresionismo Abstracto. El artista Robert Motherwell, adinerado, se unió a Greenberg para promover un estilo que se ajustara al clima político y la rebeldía intelectual de la época.

Clement Greenberg proclamó el Expresionismo Abstracto y Jackson Pollock en particular como el epítome del valor estético. Greenberg apoyó el trabajo de Pollock sobre bases formalistas como simplemente la mejor pintura de su época y la culminación de una tradición artística que se remontaba a través del cubismo y Cézanne a Monet, donde la pintura se volvía “más pura” y se concentraba en lo “esencial”. , la fabricación de marcas en una superficie plana.

El trabajo de Jackson Pollock siempre ha polarizado a los críticos. Harold Rosenberg habló de la transformación de la pintura en un drama existencial en la obra de Pollock, en la que “lo que iba a aparecer en el lienzo no era una imagen sino un evento”. “El gran momento llegó cuando se decidió pintar ‘solo para pintar’. El gesto en el lienzo fue un gesto de liberación del valor político, estético, moral”.

Uno de los críticos más expresivos del expresionismo abstracto en ese momento fue el crítico de arte del New York Times John Canaday. Meyer Schapiro y Leo Steinberg también fueron importantes historiadores del arte de posguerra que expresaron su apoyo al Expresionismo Abstracto. Durante los primeros años de la década de los sesenta, los críticos de arte más jóvenes, Michael Fried, Rosalind Krauss y Robert Hughes, agregaron considerables reflexiones sobre la dialéctica crítica que continúa creciendo en torno al expresionismo abstracto.

Crítico de arte
El crítico de arte, o crítico de arte y cultura, es un profesional que puede ser técnico o graduado, maestro, maestro o maestro, o autodidacta (conocedor), en las principales áreas de la historia del arte, crítica de arte y todo lo relacionado con la entorno artístico-plástico y cultural de un país o región. Edgar Allan Poe y Charles Baudelaire son considerados algunos de los primeros críticos de arte. El crítico de arte tiene un perfil entrenado para analizar todo lo relacionado con Arte y Cultura, por lo que incluye un análisis de las obras de arte en espacio, tiempo y tendencia, de ahí el nombre de ‘crítica’ del arte, por las descripciones que deben hacer ambos oralmente y por escrito. Por lo general, se considera la más subjetiva de todas las disciplinas relacionadas con el estudio del arte porque es evaluativa; es decir, emite un juicio de naturaleza personal con respecto a un trabajo.

Algunas preguntas muy generales que el crítico intenta responder son:

¿Cuál es el motivo y el tema de una obra de arte en particular?
¿Cómo se han creado las ilusiones espaciales y de volumen?
¿Qué ideas y / o emociones se expresan?
El crítico de arte puede ampliar su conocimiento o deducciones, y ser un escritor de arte, estudiar fragmentos literarios de otros críticos de arte e historiador de la cultura. Es por eso que el crítico de arte y cultura puede ser un animador visionario, literario y cultural, responsable de las rutas que pueden tomar las tendencias y los movimientos artísticos.

Crítica del arte periodístico
Está el crítico de arte periodístico, quien, a diferencia del crítico de arte como tal, comenzó en Comunicación o Periodismo y terminó haciendo crítica artística en los medios. Aunque esto surgió recientemente en el siglo XXI, no limita el hecho de que pueda incluirse en la crítica de arte cultural y viceversa. Esto es posible en la actualidad debido a los grandes cambios de personalidad de la crítica de arte, el avance y desarrollo de los medios, y las nuevas tecnologías en la Edad Contemporánea. El crítico de arte periodístico está incluido en una amplia variedad de asignaturas artísticas adicionales y muy diferentes de las de la crítica de arte cultural, como el cine, el entretenimiento, la televisión, la radio, etc.

Crítica de arte feminista
La crítica de arte feminista surgió en la década de 1970 del movimiento feminista más amplio como el examen crítico de ambas representaciones visuales de las mujeres en el arte y el arte producido por las mujeres. Sigue siendo un campo importante de crítica de arte.

Hoy
Los críticos de arte de hoy trabajan no solo en medios impresos y en revistas de arte especializadas, sino también en periódicos. Las críticas de arte también aparecen en internet, televisión y radio, así como en museos y galerías. Muchos también trabajan en universidades o como educadores de arte para museos. Los críticos de arte curan exposiciones y se emplean con frecuencia para escribir catálogos de exposiciones. Los críticos de arte tienen su propia organización, una organización no gubernamental de la UNESCO, llamada Asociación Internacional de Críticos de Arte, que tiene alrededor de 76 secciones nacionales y una sección política no alineada para refugiados y exiliados.

Blogs de arte
Desde principios del siglo XXI, han surgido en todo el mundo sitios web críticos de arte en línea y blogs de arte para agregar sus voces al mundo del arte. Muchos de estos escritores usan recursos de redes sociales como Facebook, Twitter, Tumblr y Google+ para presentar a los lectores sus opiniones sobre la crítica de arte.