Critique d’art

La critique d’art est la discussion ou l’évaluation de l’art visuel. Les critiques d’art critiquent généralement l’art dans le contexte de l’esthétique ou de la théorie de la beauté. Un objectif de la critique d’art est la poursuite d’une base rationnelle pour l’appréciation de l’art, mais il est douteux que de telles critiques puissent transcender les circonstances socio-politiques dominantes.

La variété des mouvements artistiques a entraîné une division de la critique d’art en différentes disciplines qui peuvent chacune utiliser des critères différents pour leurs jugements. La division la plus commune dans le domaine de la critique est entre la critique historique et l’évaluation, une forme d’histoire de l’art, et la critique contemporaine du travail par des artistes vivants.

Malgré les perceptions selon lesquelles la critique d’art est une activité à moindre risque que la création artistique, les opinions sur l’art actuel sont toujours sujettes à des corrections drastiques au fil du temps. Les critiques du passé sont souvent ridiculisés soit pour favoriser les artistes qui se moquent de nous (comme les peintres académiques de la fin du 19ème siècle), soit pour renvoyer des artistes aujourd’hui vénérés (comme les premiers travaux des impressionnistes). Certains mouvements d’art eux-mêmes ont été dénigrés par les critiques, avec le nom plus tard adopté comme une sorte d’insigne d’honneur par les artistes du style (par exemple, Impressionnisme, Cubisme), avec le sens négatif original oublié.

Les artistes ont souvent eu une relation difficile avec leurs critiques. Les artistes ont généralement besoin d’opinions positives de la part des critiques pour que leur travail soit vu et acheté; Malheureusement pour les artistes, seules les générations suivantes peuvent le comprendre.

L’art est une partie importante de l’être humain et peut être trouvé à travers tous les aspects de nos vies, indépendamment de la culture ou des temps. Il y a beaucoup de variables différentes qui déterminent le jugement de l’art tel que l’esthétique, la cognition ou la perception. L’art peut être objectif ou subjectif basé sur la préférence personnelle envers l’esthétique et la forme. Il peut être basé sur les éléments et les principes du design et par l’acceptation sociale et culturelle. L’art est un instinct humain fondamental avec une gamme diverse de forme et d’expression. L’art peut être autonome avec un jugement instantané ou peut être vu avec une connaissance plus profonde et plus éduquée. Les théories esthétiques, pragmatiques, expressives, formalistes, relativistes, processionnelles, d’imitation, rituelles, cognitives, mimétiques et postmodernes sont autant de théories qui critiquent et apprécient l’art. La critique et l’appréciation de l’art peuvent être subjectives, basées sur la préférence personnelle envers l’esthétique et la forme, ou peuvent être basées sur les éléments et les principes du design et sur l’acceptation sociale et culturelle.

Définition
La critique d’art a beaucoup et souvent de nombreux points de vue subjectifs qui sont presque aussi variés qu’il y a des gens qui la pratiquent. Il est difficile de trouver une définition plus stable que l’activité liée à la discussion et à l’interprétation de l’art et de sa valeur. Selon la personne qui écrit sur le sujet, la «critique d’art» elle-même peut être évitée en tant que but direct ou elle peut inclure l’histoire de l’art dans son cadre. Indépendamment des problèmes de définition, la critique d’art peut se référer à l’histoire de l’art dans ses essais et l’histoire de l’art elle-même peut implicitement utiliser des méthodes critiques. Selon l’historien de l’art R. Siva Kumar, «les frontières entre l’histoire de l’art et la critique d’art … ne sont plus aussi fermement ancrées qu’elles l’étaient autrefois, peut-être parce que les historiens de l’art s’intéressent à l’art moderne.

La critique des arts est le processus de description, d’analyse, d’interprétation et de jugement des œuvres d’art. Il est distinct de la critique d’art (qui se concentre sur les arts visuels) en raison de son mandat plus large. Les disciplines de la critique artistique peuvent être définies par l’objet considéré plutôt que par la méthodologie (analyse de sa philosophie): bâtiments (critique d’architecture), peintures (critique d’art visuel), performances (critique de danse, critique de théâtre), musique (musique journalisme), les médias visuels (critique cinématographique, critique télévisuelle) ou les textes littéraires (critique littéraire).

La critique des arts peut être largement divisée en deux types. Il y a des critiques académiques comme celles que l’on trouve dans les travaux savants et les revues spécialisées, puis on critique un caractère plus journalistique (souvent appelé «un examen») qui est vu par un public plus large par les journaux, la télévision et la radio. La critique académique sera d’une nature plus vigoureuse et analytique que le journalisme, le journaliste peut même se concentrer sur divertir le lecteur au détriment des détails sur l’art en cours de discussion.

Méthodologie
La critique d’art comprend un aspect descriptif, où l’œuvre d’art est suffisamment traduite en mots pour permettre de faire un cas. L’évaluation d’une œuvre d’art qui suit la description (ou est entrecoupée de celle-ci) dépend autant de la production de l’artiste que de l’expérience du critique. Il y a dans une activité avec une composante subjective si marquée une variété de façons de la poursuivre. En tant qu’extrêmes dans un spectre possible, alors que certains privilégient simplement les impressions immédiates provoquées par un objet artistique, d’autres préfèrent une approche plus systématique faisant appel aux connaissances techniques, à la théorie esthétique favorisée et au contexte socioculturel connu dans lequel l’artiste est plongé pour discerner leur intention .

Histoire
Article principal: Histoire de la critique d’art
Les critiques de l’art proviennent probablement des origines de l’art lui-même, comme en témoignent les textes de Platon, de Vitruve ou d’Augustin d’Hippone, entre autres, qui contiennent les premières formes de critique d’art. De plus, de riches mécènes ont employé, au moins depuis le début de la Renaissance, des évaluateurs d’art intermédiaires pour les aider dans l’achat de commandes et / ou de pièces finies.

Origines
La critique d’art en tant que genre d’écriture, a obtenu sa forme moderne au 18ème siècle. La première utilisation du terme «critique d’art» fut celle du peintre anglais Jonathan Richardson dans sa publication de 1719, Essai sur l’art entier de la critique. Dans ce travail, il a tenté de créer un système objectif pour le classement des œuvres d’art. Sept catégories, y compris le dessin, la composition, l’invention et la coloration, ont reçu un score de 0 à 18, qui ont été combinés pour donner un score final. Le terme qu’il introduisit rapidement prit de l’ampleur, d’autant plus que la classe moyenne anglaise commença à être plus perspicace dans ses acquisitions d’art, en tant que symboles de son statut social affiché.

En France et en Angleterre au milieu des années 1700, l’intérêt du public pour l’art commence à se généraliser et l’art est régulièrement exposé dans les Salons de Paris et les Expositions d’été de Londres. Les premiers auteurs à avoir acquis une réputation individuelle de critique d’art en France au XVIIIe siècle furent Jean-Baptiste Dubos avec ses Réflexions critiques sur la poésie et la peinture (1718) qui obtint l’éloge de Voltaire pour la sagacité de son approche de la théorie esthétique ; et Étienne La Font de Saint-Yenne avec Réflexions sur quelques causes de l’état présent de la peinture en France qui a écrit au sujet du Salon de 1746, commentant le cadre socio-économique de la production du style d’art Baroque alors populaire, qui a conduit à une perception des sentiments anti-monarchistes dans le texte.

L’écrivain français du XVIIIe siècle, Denis Diderot, a beaucoup fait progresser la critique d’art. Le “Salon de 1765” de Diderot fut l’une des premières tentatives réelles pour capturer l’art dans les mots. Selon l’historien de l’art Thomas E. Crow, «Lorsque Diderot a pris la critique de l’art, c’était à la suite de la première génération d’écrivains professionnels qui se sont donné pour mission de proposer des descriptions et des jugements de la peinture et de la sculpture contemporaines. un produit de la même institution novatrice d’expositions régulières, libres et publiques de l’art le plus récent “.

Pendant ce temps, en Angleterre, une exposition de la Société des Arts en 1762 et plus tard, en 1766, a suscité une vague de brochures critiques, bien qu’anonymes. Les journaux et les périodiques de l’époque, tels que le London Chronicle, ont commencé à porter des colonnes pour la critique d’art; une forme qui a pris son envol avec la fondation de la Royal Academy en 1768. Dans les années 1770, le Morning Chronicle est devenu le premier journal à revoir systématiquement l’art présenté lors des expositions.

France
Ce n’est qu’à l’occasion des expositions publiques de l’Académie royale de peinture et de sculpture du Salon de Paris des XVIIe et XVIIIe siècles qu’une critique d’art professionnelle des non-artistes (dite critique laïque) a prévalu sur le monopole de l’évaluation revendiqué par les membres de l’académie. Parmi les premiers critiques d’art ont été les écrivains Étienne La Font de Saint-Yenne et Denis Diderot. La Font des Saint-Yenne a écrit une revue détaillée de la gamme de salon de 1746, qui est apparue comme un livret indépendant anonymement à La Haye un an plus tard. Diderot écrivit entre 1759 et 1781 un total de neuf rapports de salon pour la Correspondance littéraire, un de ses amis Friedrich Melchior Grimm dans un journal bihebdomadaire édité et écrit à la main, obtenu notamment dans les milieux aristocratiques.

Cent ans plus tard, le poète avant-gardiste Charles Baudelaire écrivait, en tant que jeune écrivain à partir de 1845, plusieurs revues des salons parisiens avec une partisanerie claire pour la peinture romantique et le rejet de la peinture réaliste et de plein air.

Allemagne
En Allemagne, la critique d’art est apparue au siècle des Lumières comme un transfert culturel du discours de l’art français, encouragé notamment par les journaux de Johann Christoph Gottsched dans l’imprimerie et la librairie Leipzig. Dans Gottscheds revues de revue (à partir de 1747), la littérature a pris l’accent, mais étaient en eux de plus en plus les arts visuels sous la forme de critiques de l’art académique et des traductions de conférences de l’Académie royale des Inscriptions et Belles-Lettres adressé; mais seulement dans des cas exceptionnels ils se rapportent directement à des œuvres d’art.

19ème siècle
À partir du XIXe siècle, la critique d’art devient une vocation et même une profession plus communes, développant parfois des méthodes formalisées basées sur des théories esthétiques particulières. En France, une faille est apparue dans les années 1820 entre les partisans des formes d’art néoclassiques traditionnelles et la nouvelle mode romantique. Les néoclassicistes, sous la direction d’Étienne-Jean Delécluze, défendaient l’idéal classique et préféraient une forme soigneusement finie à la peinture. Les romantiques, tels que Stendhal, ont critiqué les vieux styles comme trop stéréotypés et dépourvus de tout sentiment. Au lieu de cela, ils ont défendu les nouvelles nuances expressives, idéalistes et émotionnelles de l’art romantique. Un débat similaire, bien que plus discret, a également eu lieu en Angleterre.

William Hazlitt, peintre et essayiste, fut l’un des principaux critiques en Angleterre à cette époque. Il a écrit au sujet de son profond plaisir dans l’art et sa conviction que les arts pourraient être utilisés pour améliorer la générosité de l’humanité de l’esprit et la connaissance du monde qui l’entoure. Il faisait partie d’une vague de critiques anglaises qui commençaient à s’inquiéter de la direction de plus en plus abstraite de l’art paysager de JMW Turner.

L’un des grands critiques du 19ème siècle était John Ruskin. En 1843, il publie Modern Painters dans lequel il défend vigoureusement le travail de JMW Turner de ses critiques, qui accusent Turner d’être infidèle à la nature. Grâce à une analyse minutieuse et à l’attention aux détails, Ruskin a pu démontrer le contraire, dans ce que l’historien de l’art EH Gombrich a appelé «l’œuvre la plus ambitieuse de la critique d’art scientifique jamais tentée». Ruskin est devenu célèbre pour sa prose riche et fluide, et plus tard dans la vie il s’est diversifié pour devenir un critique actif et de grande envergure, publiant des ouvrages sur l’architecture et l’art de la Renaissance, y compris les Pierres de Venise.

Une autre figure dominante de la critique d’art du XIXe siècle fut le poète français Charles Baudelaire, dont la première publication fut sa revue d’art Salon de 1845, qui attira immédiatement l’attention pour son audace. Beaucoup de ses opinions critiques étaient nouvelles en son temps, y compris son soutien à Eugène Delacroix. Quand la célèbre Olympia (1865) d’Édouard Manet, portrait d’une courtisane nue, provoqua un scandale pour son réalisme flagrant, Baudelaire travailla en privé pour soutenir son ami. Il a affirmé que «la critique doit être partielle, passionnée, politique – c’est-à-dire formée d’un point de vue exclusif, mais aussi d’un point de vue qui ouvre le plus grand nombre d’horizons». Il a essayé de déplacer le débat des anciennes positions binaires des décennies précédentes, déclarant que “le vrai peintre, sera celui qui peut arracher à la vie contemporaine son aspect épique et nous faire voir et comprendre, avec la couleur ou le dessin, combien poétique nous sommes dans nos cravates et nos bottes polies “.

En 1877, John Ruskin ridiculise Nocturne en noir et or: The Falling Rocket, après que l’artiste, James McNeill Whistler, l’ait montré à la Grosvenor Gallery: «J’ai vu et entendu une grande partie de l’effronterie de Cockney avant, mais je n’attendais jamais Coxcomb demande à deux cents guinées d’avoir jeté un pot de peinture sur le visage du public. Cette critique a incité Whistler à poursuivre le critique pour diffamation. Le procès qui a suivi s’est avéré être une victoire à la Pyrrhus pour Whistler.

Tour du XXe siècle
Vers la fin du 19ème siècle, un mouvement vers l’abstraction, par opposition à un contenu spécifique, commença à gagner du terrain en Angleterre, notamment sous la direction du dramaturge Oscar Wilde. Au début du vingtième siècle, ces attitudes ont formellement fusionné en une philosophie cohérente, à travers le travail des membres du Groupe Bloomsbury, Roger Fry et Clive Bell. En tant qu’historien de l’art dans les années 1890, Fry est devenu intrigué par le nouvel art moderniste et son abandon de la représentation traditionnelle. Son exposition de 1910 de ce qu’il appelle l’art post-impressionniste suscite de nombreuses critiques pour son iconoclasme. Il s’est vigoureusement défendu dans une conférence, dans laquelle il a soutenu que l’art s’était déplacé pour essayer de découvrir le langage de l’imagination pure, plutôt que la capture scientifique sournoise et, à son avis, malhonnête du paysage. L’argument de Fry s’est avéré être très influent à l’époque, particulièrement parmi l’élite progressive. Virginia Woolf a fait remarquer que: «vers décembre 1910 [date à laquelle Fry a donné sa conférence] le caractère humain a changé.”

Indépendamment, et en même temps, Clive Bell a soutenu dans son livre de 1914 Art que toute œuvre d’art a sa «forme significative» particulière, tandis que le sujet conventionnel était essentiellement hors de propos. Ce travail a jeté les bases de l’approche formaliste de l’art. En 1920, Fry a soutenu que «c’est tout pareil pour moi si je représente un Christ ou une casserole puisque c’est la forme, et non l’objet lui-même, qui m’intéresse». En plus d’être un partisan du formalisme, il a soutenu que la valeur de l’art réside dans sa capacité à produire une expérience esthétique distinctive chez le spectateur. une expérience qu’il a appelée “émotion esthétique”. Il l’a défini comme cette expérience suscitée par une forme significative. Il a également suggéré que la raison pour laquelle nous éprouvons une émotion esthétique en réponse à la forme significative d’une œuvre d’art était que nous percevions cette forme comme l’expression d’une expérience de l’artiste. L’expérience de l’artiste à son tour, a-t-il suggéré, était l’expérience de voir les objets ordinaires dans le monde comme une forme pure: l’expérience qu’on a quand on voit quelque chose non comme un moyen, mais comme une fin en soi.

Herbert Read était un champion des artistes britanniques modernes tels que Paul Nash, Ben Nicholson, Henry Moore et Barbara Hepworth et est devenu associé au groupe d’art contemporain de Nash One Unit. Il s’est concentré sur le modernisme de Pablo Picasso et de Georges Braque, et a publié un essai influent de 1929 sur la signification de l’art dans The Listener. Il a également dirigé la publication du Burlington Magazine (1933-1938), qui a fait figure de pionnier, et a participé à l’organisation du London International Surrealist Exhibition en 1936.

Depuis 1945
Comme dans le cas de Baudelaire au XIXe siècle, le phénomène poète-critique apparaît de nouveau au XXe siècle, lorsque le poète français Apollinaire devient le champion du cubisme. Plus tard, l’écrivain et héros français de la Résistance André Malraux a beaucoup écrit sur l’art, allant bien au-delà des limites de son Europe natale. Sa conviction que l’avant-garde en Amérique latine réside dans le Muralisme mexicain (Orozco, Rivera et Siqueiros) a changé après son voyage à Buenos Aires en 1958. Après avoir visité les studios de plusieurs artistes argentins en compagnie du jeune directeur du Museum of Modern Art de Buenos Aires Rafael Squirru, Malraux a déclaré la nouvelle avant-garde à mentir dans les nouveaux mouvements artistiques de l’Argentine. Squirru, un poète-critique qui est devenu directeur culturel de l’OEA à Washington, DC, pendant les années 1960, a été le dernier à interviewer Edward Hopper avant sa mort, contribuant à un regain d’intérêt pour l’artiste américain.

Dans les années 1940, il y avait non seulement quelques galeries (The Art of This Century), mais aussi quelques critiques qui étaient disposés à suivre le travail de l’avant-garde de New York. Il y avait aussi quelques artistes ayant une formation littéraire, parmi lesquels Robert Motherwell et Barnett Newman qui ont également joué le rôle de critiques.

Bien que New York et le monde n’étaient pas familiers avec l’avant-garde de New York, à la fin des années 1940, la plupart des artistes qui sont devenus des noms familiers aujourd’hui avaient leurs mécènes bien établis. Clement Greenberg préconisait Jackson Pollock et les peintres de la couleur comme Clyfford Still, Mark Rothko, Barnett Newman, Adolph Gottlieb et Hans Hofmann. Harold Rosenberg semblait préférer les peintres d’action tels que Willem de Kooning et Franz Kline. Thomas B. Hess, rédacteur en chef d’ARTnews, s’est fait le champion de Willem de Kooning.

Les nouveaux critiques ont élevé leurs protégés en faisant d’autres artistes des «suiveurs» ou en ignorant ceux qui n’ont pas servi leur objectif promotionnel. Par exemple, en 1958, Mark Tobey est devenu le premier peintre américain à remporter le premier prix de la Biennale de Venise depuis Whistler (1895), les deux principaux magazines d’art de New York n’étant pas intéressés. et Art News (éditeur en chef: Thomas B. Hess) l’a complètement ignoré, le New York Times et Life ont publié des articles de fond.

Barnett Newman, un ancien membre du Uptown Group, a écrit des avant-propos et des critiques dans le catalogue et, à la fin des années 1940, est devenu un artiste exposant à la Betty Parsons Gallery. Sa première exposition personnelle eut lieu en 1948. Peu de temps après sa première exposition, Barnett Newman remarqua dans l’une des sessions d’artistes du Studio 35: «Nous sommes en train de faire du monde, dans une certaine mesure, à notre image». Utilisant ses talents d’écrivain, Newman s’est battu à chaque étape pour renforcer son image nouvellement établie en tant qu’artiste et pour promouvoir son travail. Un exemple est sa lettre à Sidney Janis le 9 avril 1955:

Il est vrai que Rothko parle du combattant. Il se bat cependant pour se soumettre au monde philistin. Ma lutte contre la société bourgeoise a entraîné son rejet total.

La personne qui pensait avoir eu le plus à faire avec la promotion de ce style était un trotskyste de New York, Clement Greenberg. En tant que critique d’art de longue date pour Partisan Review et The Nation, il est devenu un partisan précoce de l’expressionnisme abstrait. L’artiste Robert Motherwell, bien nanti, s’est joint à Greenberg pour promouvoir un style qui correspondait au climat politique et à la rébellion intellectuelle de l’époque.

Clément Greenberg a proclamé l’expressionnisme abstrait et Jackson Pollock en particulier comme l’épitomé de la valeur esthétique. Greenberg a soutenu le travail de Pollock sur des bases formalistes comme étant simplement la meilleure peinture de son temps et le point culminant d’une tradition artistique passant du cubisme et de Cézanne à Monet, où la peinture devenait de plus en plus «pure» et «essentielle» , la fabrication de marques sur une surface plane.

Le travail de Jackson Pollock a toujours polarisé les critiques. Harold Rosenberg a parlé de la transformation de la peinture en un drame existentiel dans l’œuvre de Pollock, dans lequel «ce qui devait aller sur la toile n’était pas une image mais un événement». “Le grand moment est venu quand il a été décidé de peindre” juste pour peindre “Le geste sur la toile était un geste de libération de la valeur politique, esthétique, morale.”

L’un des critiques les plus virulents de l’expressionnisme abstrait à l’époque était John Canaday, critique d’art du New York Times. Meyer Schapiro et Leo Steinberg étaient également d’importants historiens de l’art d’après-guerre qui ont exprimé leur soutien à l’expressionnisme abstrait. Au début des années soixante, les jeunes critiques d’art Michael Fried, Rosalind Krauss et Robert Hughes ont apporté un éclairage considérable sur la dialectique critique qui continue à se développer autour de l’expressionnisme abstrait.

Critique d’art
Le critique d’art, ou critique d’art et de culture, est un professionnel qui peut être technicien ou diplômé, enseignant, enseignant ou maître, ou autodidacte (connaisseur), dans les principaux domaines de l’histoire de l’art, de la critique d’art et tout ce qui concerne environnement artistique-plastique et culturel d’un pays ou d’une région. Edgar Allan Poe et Charles Baudelaire sont considérés comme les premiers critiques d’art. Le critique d’art a un profil qualifié pour analyser tout ce qui touche à l’art et à la culture, il inclut donc une analyse des œuvres d’art dans l’espace, le temps et la tendance, d’où le nom de «critique» de l’art. oralement et par écrit. Elle est généralement considérée comme la plus subjective de toutes les disciplines liées à l’étude de l’art parce qu’elle est évaluative; c’est-à-dire qu’il émet un jugement de nature personnelle à l’égard d’un travail.

Quelques questions très générales auxquelles le critique cherche à répondre sont:

Quel est le motif et le thème d’une œuvre d’art particulière?
Comment les illusions spatiales et volumiques ont-elles été créées?
Quelles idées et / ou émotions sont exprimées?
Le critique d’art peut étendre davantage ses connaissances ou ses déductions, et être un écrivain d’art, étudier des fragments littéraires d’autres critiques d’art, et l’historien de la culture. C’est pourquoi le critique d’art et de culture peut être un animateur visionnaire, littéraire et culturel, responsable des voies que peuvent suivre les courants et les mouvements artistiques.

Critique de l’art journalistique
Il y a le critique d’art journalistique qui, contrairement au critique d’art en tant que tel, a commencé dans la communication ou le journalisme et a fini par faire de la critique artistique dans les médias. Bien que cela ait émergé récemment au XXIème siècle, il ne limite pas qu’il peut être inclus dans le critique d’art culturel et vice versa. Ceci est possible actuellement en raison des grands changements de personnalité du critique d’art, de l’avancement et du développement des médias, et des nouvelles technologies à l’époque contemporaine. Le critique d’art journalistique est inclus dans une grande variété de sujets artistiques supplémentaires et très différents de ceux du critique d’art culturel, tels que le cinéma, le divertissement, la télévision, la radio, etc.

Critique d’art féministe
La critique d’art féministe a émergé dans les années 1970 du mouvement féministe plus large comme l’examen critique des représentations visuelles des femmes dans l’art et l’art produits par les femmes. Il continue d’être un domaine majeur de la critique d’art.

Aujourd’hui
Les critiques d’art travaillent aujourd’hui non seulement dans la presse écrite et dans les magazines d’art spécialisés, mais aussi dans les journaux. Les critiques d’art apparaissent également sur Internet, à la télévision et à la radio, ainsi que dans les musées et les galeries. Beaucoup sont également employés dans les universités ou comme éducateurs d’art pour les musées. Les critiques d’art organisent des expositions et sont fréquemment employés pour écrire des catalogues d’exposition. Les critiques d’art ont leur propre organisation, une organisation non gouvernementale de l’UNESCO, appelée l’Association internationale des critiques d’art, qui compte environ 76 sections nationales et une section politique non-alignée pour les réfugiés et les exilés.

Blogs d’art
Depuis le début du XXIe siècle, des sites Web critiques sur l’art et des blogs sur l’art ont fait le tour du monde pour ajouter leur voix au monde de l’art. Beaucoup de ces auteurs utilisent des ressources de médias sociaux comme Facebook, Twitter, Tumblr et Google+ pour présenter aux lecteurs leurs opinions sur la critique d’art.