예술 비평은 시각 예술에 대한 토론이나 평가입니다. 미술 평론가들은 일반적으로 미학이나 아름다움 이론의 맥락에서 예술을 비판합니다. 예술 비평의 목표는 예술 감상을위한 합리적 근거 추구이다. 그러나 그러한 비판이 사회 경제적으로 우위를 점할 수 있는지 의문이다.

미술 운동의 다양성은 예술 비평을 여러 분야로 나눠서 각기 다른 판단 기준을 사용할 수있게했다. 비평 분야에서 가장 공통적 인 부문은 역사적인 비판과 평가, 예술사의 형태, 살아있는 예술가들의 현대 비판 등입니다.

예술 비평은 예술을 만드는 것보다 훨씬 위험도가 낮다는 인식에도 불구하고, 현재의 예술에 대한 의견은 항상 시간의 흐름에 따라 과감한 수정이 필요합니다. 과거의 비평가들은 종종 비웃는 예술가들 (19 세기 후반의 학자들처럼)을 비난하거나 지금은 인상파의 초기 작업과 같이 존경받는 예술가들을 조롱합니다. 일부 예술 운동 자체는 비평가들에 의해 비열한 이름으로 불리웠다. 그 이름은 후에 잊혀진 원래의 부정적인 의미와 함께 스타일의 예술가들 (예 : 인상주의, 입체파)의 일종의 명예 훈장으로 채택되었다.

예술가들은 종종 비평가들과 불편한 관계를 가졌습니다. 아티스트들은 일반적으로 작품을보기 위해 비평가의 긍정적 인 의견을 필요로합니다. 불행히도 아티스트에게는 나중에 세대 만이 그것을 이해할 수 있습니다.

예술은 인간이되는 데 중요한 부분을 차지하며 문화 나 시대에 관계없이 삶의 모든 측면에서 발견 될 수 있습니다. 미학,인지 또는 인식과 같은 예술에 대한 자신의 판단을 결정 짓는 많은 변수가 있습니다. 예술은 미학과 형식에 대한 개인적 선호에 따라 객관적이거나 주관적 일 수 있습니다. 디자인의 요소와 원칙, 그리고 사회적, 문화적 수용에 기초 할 수 있습니다. 예술은 다양한 형태와 표현의 기본 인간 본능입니다. 예술은 즉각적인 판단으로 독립형이 될 수 있으며보다 깊이있는 지식을 통해 볼 수 있습니다. 미적, 실용주의, 표현력, 형식 주의자, 상대주의 자, 행렬, 모방, 의식,인지, 모방 및 포스트 모더니즘 이론은 예술을 비평하고 평가하는 많은 이론 중 일부입니다. 미술 비평과 감상은 미학과 형식에 대한 개인적인 선호에 기초하여 주관적 일 수 있으며, 디자인의 요소와 원칙, 사회적, 문화적 수용에 따라 달라질 수 있습니다.

정의
예술 비평은 많은 사람들이 그것을 실행하는 사람들만큼 다양하고 종종 많은 주관적인 견해를 가지고있다. 미술과 그것의 가치에 대한 토론과 해석과 관련된 활동보다 더 안정된 정의로 오기가 어렵습니다. 주제에 누가 글을 쓰느냐에 따라 “예술 비평”자체가 직접 목표로 부각되거나 프레임 워크 내에서 미술사가 포함될 수 있습니다. 정의적인 문제에 관계없이, 예술 비평은 에세이에서 공예의 역사를 언급 할 수 있으며 예술사 자체는 비판적 방법을 암묵적으로 사용할 수 있습니다. 미술 사학자 시바 쿠마르 (Siva Kumar)에 따르면 “미술사와 미술 비평의 경계는 과거처럼 단호하게 그려지지 않았다. 아마도 현대 미술에 관심을 가진 미술 사학자들부터 시작되었을 것이다.”

예술 비평은 예술 작품을 설명하고, 분석하고, 해석하고, 판단하는 과정입니다. 그것은 광범위한 비평으로 인해 예술 비평 (시각 예술에 중점을 둡니다)과 구별됩니다. 예술 비평의 학문은 건물 (건축 비평), 회화 (시각 예술 비평), 공연 (무용 비평, 연극 비판), 음악 (음악 비평), 방법론 (철학 분석을 통한 방법) 시각 매체 (영화 비평, 텔레비전 비판), 문학 텍스트 (문학 비평) 등이있다.

예술에 대한 비판은 크게 두 가지 유형으로 나눌 수 있습니다. 학술 연구 및 전문 저널에서 발견되는 것과 같은 학술적 비판이 있으며 신문, TV 및 라디오를 통해 더 많은 대중이 볼 수있는보다 저널리즘적인 성격 (종종 ‘리뷰’라고도 함)에 대한 비판이 있습니다. 학문적 비판은 저널리즘보다 더 활발하고 분석적인 성격을 가질 것이고, 저널리스트는 논의중인 예술에 대한 세부 사항을 희생해서 독자를 즐겁게하는데 초점을 맞출 수도 있습니다.

방법론
예술 비평은 설명적인 측면을 포함하는데, 예술 작품은 사건을 만들 수 있도록 단어로 충분히 번역됩니다. 묘사를 따르는 예술 작품에 대한 평가는 예술가의 작품에 대한 평론가의 경험에 달려있다. 그러한 주관적인 구성 요소를 가진 활동에는 그것이 추구 될 수있는 다양한 방법이 있습니다. 예술적 대상에 의해 야기 된 즉각적인 인상에 주목하는 사람들도 있지만 기술 지식에 호소하는보다 체계적인 접근 방식과 예술가가 그들의 의도를 식별하기 위해 몰두 한 예술적 이론 및 선호 된 사회 문화적 배경을 선호하는 사람들도있을 수있다 .

역사
주요 기사 : 예술 비평의 역사
미술 비평은 미술 비평의 초기 형태를 담고있는 Plato, Vitruvius 또는 Hippo의 Augustine 작품에서 발견 된 텍스트에 의해 입증 된 바와 같이 예술 자체의 기원에 기인 한 것 같다. 또한 부유 한 고객은 르네상스가 시작된 이래로 중개 예술 평가자를 고용하여 커미션 및 / 또는 완성품 조달을 지원합니다.

태생
작문의 장르 인 예술 비평은 18 세기에 현대적 형식을 얻었다. 미술 비평이라는 용어의 가장 초기 사용은 영국 화가 인 조나단 리차드슨 (Jonathan Richardson)이 1719 년 간행 한 <비평 전체적인 예술에 관한 에세이 (The Essay by The Criticism)>에서 찾아 볼 수있다. 이 작품에서 그는 예술 작품 순위를위한 객관적인 시스템을 만들려고 시도했다. 그림, 구성, 발명 및 채색을 포함한 7 가지 범주에 0에서 18까지의 점수를 부여하여 최종 점수를 부여했습니다. 그가 소개 한 용어는 특히 영어 중산층이 그들의 예술 취득에서 더 분별력을 갖기 시작하면서 그들의 과시 된 사회적 지위의 상징으로 자리 잡았습니다.

1700 년대 중반 프랑스와 영국에서는 예술에 대한 대중의 관심이 널리 퍼지기 시작했으며 파리의 살롱 (Salons)과 런던의 여름 전시회 (Summer Exhibitions)에서 예술 작품이 정기적으로 전시되었습니다. 18 세기 프랑스에서 예술 평론가로서 개인적 명성을 얻은 최초의 작가는 Jean-Baptiste Dubos와 그의 Réflexions critiques Sur la la pésie et sur la peinture (1718)로 볼테르의 미적 이론에 대한 그의 찬사에 찬사를 받았다. ; Reflexions와 함께 Étienne La Font de Saint-Yenne은 1746 년 Salon에 대해 썼던 프랑스의 전통 공예를 불러 일으켰고 당시 인기있는 바로크 양식의 생산에 대한 사회 경제적 틀을 언급하면서 본문에서 반 – 군주제 정서에 대한 인식.

18 세기 프랑스 작가 인 데니스 디데로 (Denis Diderot)는 미술 비평의 매체를 크게 발전 시켰습니다. Diderot의 “The Salon of 1765″는 예술을 단어로 포착하려는 최초의 시도 중 하나였습니다. 미술사 학자 토마스 크로우 (Thomas E. Crow)에 따르면 “디드로가 미술 비평을 할 때 현대 회화와 조각에 대한 묘사와 판단을 제공하는 것은 전문 작가 1 세대의 발 뒤꿈이었다. 최신 예술에 대한 정기적이고 자유롭고 대중적인 전시회의 유사 소설 기관의 산물이다 “.

한편 영국에서는 1762 년 예술 학회가 1766 년에 전시되어 익명의 비공식 팜플렛이 출품되었습니다. 런던 크로니클 (London Chronicle)과 같은 신문과 정기 간행물은 미술 비평의 기둥을 소지하기 시작했다. 1768 년 로얄 아카데미 (Royal Academy)의 설립과 함께 시작된 양식입니다. 1770 년대에 모닝 크로니클 (Morning Chronicle)이 전시회에 소개 된 예술을 체계적으로 검토 한 최초의 신문이되었습니다.

프랑스
17 세기와 18 세기의 파리 살롱에서 Academie royal de peinture와 de sculpture의 공개전까지는 비 예술가에 대한 전문 미술 비평 (소위 평신도 비평)이 다음과 같은 주장의 독점을 이겨냈다. 아카데미 회원. 최초의 미술 평론가 중에는 Étienne La Font de Saint-Yenne과 Denis Diderot 작가가있었습니다. La Font des Saint-Yenne은 1 년 후 헤이그에서 익명으로 독립적 인 팜플렛으로 등장한 1746 년 살롱의 라인업에 대한 자세한 리뷰를 작성했습니다. Diderot는 1759 년과 1781 년 사이에 Correspondance littéraire에 대한 총 9 건의 살롱 보고서를 작성했는데, 그의 친구 Friedrich Melchior Grimm 중 한 명이 격주로 편집 한 필기 저널에 귀족 서클에서 특별하게 수집되었습니다.

백 년 후, 전위 예술 시인 찰스 보들레 이어 (Charles Baudelaire)는 1845 년부터 파리의 살롱에 대한 여러 리뷰를 썼다. 낭만적 인 회화와 현실적이고 기쁜 공기 그림의 거부에 대한 명백한 당파성을 보였다.

독일
독일에서는 프랑스 미술 담론의 문화 전수로서 계몽주의 시대에 예술 비평이 나타났습니다. 특히 요하네스트 크리스토프 고치치 (Johann Christoph Gottsched)는 저서 인쇄 및 도서 거래 라이프 치히 (Leipzig)에서 저널을 통해 홍보했습니다. Gottscheds review journals (1747 년)에서 문헌은 취합되었지만 파리의 Académie royale des Inscriptions et Belles-Lettres에서 강의의 미술 이론 저술 및 번역의 리뷰 형식으로 시각 예술에 대한 관심이 증가했다 해결 된; 예외적 인 경우에만 예술 작품과 직접 관련이있다.

19 세기
19 세기 이후부터 예술 비평은 특정 예술적 이론에 기초한 형식화 된 방법을 개발하면서보다 일반적인 직업과 전문 직업이되었습니다. 프랑스에서는 전통적인 네오 클래식 양식의 지지자와 새로운 낭만적 인 패션 사이에 1820 년대에 균열이 나타났습니다. Étienne-Jean Delécluze의 신고전주의 신자들은 고전적인 이상을 옹호하고 그림에서 조심스럽게 완성 된 형태를 선호했다. 스탕달 (Stendhal)과 같은 낭만 주의자들은 예전의 스타일을 과도하게 공식적이며 어떤 느낌이없는 것으로 비난했다. 대신 그들은 낭만주의 예술의 새로운 표현적이고 이상적이며 정서적 인 뉘앙스를 옹호했습니다. 영국에서도 유사한, 더 조용한 논쟁이있었습니다.

당시 영국의 저명한 비평가 중 한 사람은 화가이자 수필가 인 윌리엄 하 즐릿 (William Hazlitt)이었습니다. 그는 예술에 대한 깊은 즐거움과 주변의 세계에 대한 지식과 지식의 인류의 관대함을 향상 시키는데 예술이 사용될 수 있다고 믿는 것에 대해 썼습니다. 그는 J. M. W. Turner의 조경 예술이 점점 더 추상적 인 방향으로 움직이기 시작하면서 불안해지기 시작한 영국 비평가들의 물결 중 하나였습니다.

19 세기의 위대한 비평 중 하나는 존 러스킨 (John Ruskin)이었습니다. 1843 년에 그는 모더니컬 페인터 (Modern Painters)를 발간했으며 터너 (Turner)가 자연에 불충실하다고 비난 한 그의 비평가들로부터 J. M. W. Turner의 작품을 강력하게 옹호했다. 근면 한 분석과 세심한주의를 통해 Ruskin은 예술 역사 학자 E. H. Gombrich가 “시도한 과학적 예술 비판 중 가장 야심적인 작품”이라고 불리는 것과는 정반대의 모습을 보였다. Ruskin은 그의 풍성하고 산문적인 산문으로 유명 해졌고, 나중에 그는 적극적이고 다양한 비평가가되어 베니스의 돌을 비롯한 건축 및 르네상스 예술 작품을 출간했습니다.

19 세기 미술 비평에서 또 다른 우세한 인물은 프랑스 시인 인 찰스 보들레 이어 (Charles Baudelaire)였습니다. 그의 첫 번째 저서로는 1845 년의 미술 평론 살롱 (Salon of 1845)이있었습니다. 그의 비판적인 의견 중 상당수는 유진 델라 크로이 (Eugène Delacroix)의 챔피언을 포함하여 당시 소설이었다. Édouard Manet의 유명한 올림피아 (1865)는 누드의 옷 입히기의 초상화로 뻔뻔 스러웠던 사실주의에 대한 스캔들을 불러 일으켰으며, Baudelaire는 그의 친구를 사기 위해 개인적으로 일했습니다. 그는 “비판은 부분적으로, 열정적으로, 정치적으로, 즉 독점적 관점에서뿐만 아니라 가장 많은 시야를 확보하는 관점에서 형성되어야한다”고 주장했다. 그는 “진정한 화가, 현대의 삶에서 그 장엄한면을 짜내고 색이나 그림을 통해 우리가 얼마나 위대하고 위대한 모습을보고 이해하게 할 수있을 것인가?”라고 선언하면서 지난 수십 년간의 이원적인 입장에서 논쟁을 시도했다. 시적 우리는 우리의 청첩장과 광택이있는 부츠에 있습니다. ”

1877 년 존 러스킨은 블랙 앤 골드에서 녹턴을 비웃었습니다. 작가 인 James McNeill Whistler의 Falling Rocket은 그로스 베너 갤러리에서 다음과 같이 보여주었습니다. “나는 지금까지 Cockney의 뻔뻔 스러움을 많이 보았다. coxcomb은 일반인의 얼굴에 페인트 냄비를 던지기 위해 200 명의 기니를 요구합니다. ” 이 비판은 휘슬러가 명예 훼손 혐의자를 고소하게 만들었다. 계속되는 법원의 사건은 휘슬러에 대한 Pyrrhic 승리라고 판명되었습니다.

20 세기의 차례
19 세기 말에 특정 내용에 반대되는 추상화 운동이 극작가 오스카 와일드 (Oscar Wilde)가 옹호 한 영국에서 출발하기 시작했습니다. 20 세기 초반 이러한 태도는 블룸 스 베리 그룹 멤버 인 로저 프라이 (Roger Fry)와 클라이브 벨 (Clive Bell)의 작업을 통해 공식적으로 일관된 철학으로 통합되었습니다. 1890 년대 미술 사학자로서 프라이는 새로운 모더니스트 예술과 전통적인 묘사에서 벗어난 변화에 흥미를 느끼게되었습니다. 1910 년 포스트 인상파 (post-Impressionist)라는 예술 작품을 전시 한이 작품은 우상 파괴에 대한 많은 비판을 받았다. 그는 강연에서 격렬히 자신을 변호했으며, 예술은 침착하고 정신이없고 순수한 상상력의 언어를 발견하려고 시도했다. 튀김의 주장은 그 당시에 특히 프로 그레 시브 엘리트들 사이에서 매우 영향력이 있음이 증명되었습니다. 버지니아 울프 (Burner Woolf)는 “1910 년 12 월경 (Fry가 강의를 들었을 때) 인간의 성격이 바뀌었다”고 말했다.

독립적으로, 그리고 동시에 Clive Bell은 그의 1914 년 책 Art에서 모든 예술 작품은 특별한 의미있는 형식을 가지고 있다고 주장했다. 전통적인 주제는 근본적으로 무의미했다. 이 작품은 예술에 대한 형식 주의적 접근을위한 토대를 마련했다. 프라이는 1920 년에 “나는 그리스도 나 유채자를 대표 할 때 그것이 나 자신에게 이익이되는 것은 아니고 형식이기 때문에 내게 모두 동일하다”고 주장했다. 형식주의의 지지자 일뿐만 아니라, 그는 예술가의 가치는 관찰자에게 독특한 미적 경험을 일으키는 능력에 있다고 주장했다. 그가 “미적 감정”이라고 불렀던 경험. 그는 그것을 중요한 형태로 불러 일으킨 경험으로 정의했습니다. 그는 또한 예술 작품의 중요한 형태에 대한 미적 감정을 경험 한 이유는 예술가가 가진 경험의 표현으로 그 형태를 인식한다는 것입니다. 예술가의 경험은 세계의 보통 대상을 순수한 형태로 보는 경험이었다. 경험은 그가 뭔가를 다른 수단으로 보지 않고 그 자체로서 끝낼 때 경험한다.

Herbert Read는 Paul Nash, Ben Nicholson, Henry Moore, Barbara Hepworth와 같은 현대 영국인 예술가들의 챔피언이었으며 Nash의 현대 예술 그룹 인 Unit One과 관련이되었습니다. 그는 파블로 피카소 (Pablo Picasso)와 조르주 브라케 (Georges Braque)의 모더니즘에 중점을두고 청중의 예술에 대한 영향에 관한 영향력있는 1929 년 에세이를 출간했다. 그는 또한 경향 – 설정 벌링턴 매거진 (1933-38)을 편집하고 1936 년 런던 국제 초현실주의 전시회를 조직하는 것을 도왔습니다.

1945 년 이후
19 세기 보델레르 (Baudelaire)의 경우처럼, 시인으로서의 시인 (poet-as-critic) 현상은 프랑스 시인 아폴리네 (Apollinaire)가 입체파의 챔피언이 된 20 일에 다시 한번 나타났습니다. 후에 프랑스 작가이자 저항 운동가 인 안드레 말로 (André Malraux)의 영웅은 예술에 대해 많은 글을 썼다. 그는 그의 원주민 유럽의 한계를 뛰어 넘었다. 1958 년 부에노스 아이레스로 떠난 라틴 아메리카의 선구자가 멕시코 벽화 (Orozco, Rivera, Siqueiros)에 바쳤다는 그의 신념이 밝혀졌습니다. 현대 미술 박물관의 젊은 감독을 지낸 몇몇 아르헨티나 예술가 스튜디오를 방문한 후 부에노스 아이레스 라파엘 Squirru의, Malraux는 아르헨티나의 새로운 예술적 움직임에 거짓말하는 새로운 선봉을 선언했다. 1960 년대 워싱턴 DC에서 OAS의 문화 감독이 된 시인 평론가 인 Squirru는 그의 죽음 이전에 Edward Hopper와 마지막 인터뷰를 가졌으며 미국 예술가에 대한 관심의 부활에 기여했습니다.

1940 년대에는 미술관 (The Centre of This Century)뿐만 아니라 뉴욕 뱅가드의 작품을 기꺼이 따라 다니는 비평가도 거의 없었습니다. 문학적 배경을 가진 몇 명의 예술가가 있었으며, 그 중에는 Robert Motherwell과 Barnett Newman도 비평가로 활동했습니다.

뉴욕과 세계는 뉴욕의 전위 예술에 익숙하지 않았지만, 1940 년대 후반에 오늘날 가명이 된 대부분의 예술가들은 잘 설립 된 후원자 평론을 받았다. Clement Greenberg는 Jackson Pollock과 Clyfford Still, Mark Rothko, Barnett Newman, Adolph Gottlieb 및 Hans Hofmann과 같은 색채 화가를지지했습니다. Harold Rosenberg는 Willem de Kooning과 Franz Kline과 같은 액션 화가를 선호하는 듯했습니다. ARTnews의 편집장 인 Thomas B. Hess는 Willem de Kooning을지지했습니다.

새로운 비평가들은 다른 예술가를 “추종자”로 주조하거나 판촉 목표를 달성하지 못한 사람들을 무시함으로써 자신의 후원자를 높였습니다. 예를 들어, 1958 년 Mark Tobey는 휘슬러 (Whistler, 1895)가 베니스 비엔날레에서 최우수상을 수상한 이후 최초의 미국 화가가되었으며, 뉴욕의 두 주요 미술 잡지는 관심이 없었습니다. 예술은 뉴스 칼럼에서만 역사적인 사건을 언급했습니다 Art News (편집장 : Thomas B. Hess)는 그것을 완전히 무시했습니다. 뉴욕 타임즈와 라이프는 특집 기사를 인쇄했습니다. ”

업타운 그룹의 후반 멤버 인 Barnett Newman은 카탈로그의 서문과 리뷰를 썼으며 1940 년대 후반에 Betty Parsons Gallery의 전시 아티스트가되었습니다. 그의 첫 번째 개인전은 1948 년에있었습니다. 첫 번째 전시회가 열린 직후 Barnett Newman은 Studio 35의 아티스트 세션에서 “우리는 세계를 어느 정도 우리 고유의 이미지로 만드는 과정에 있습니다”라고 말했습니다. 그의 글쓰기 기술을 활용하여 Newman은 아티스트로서 새로 설립 된 이미지를 강화하고 작업을 홍보하기위한 모든 단계에서 싸웠습니다. 한 예가 1955 년 4 월 9 일에 시드니 재니스에게 보낸 편지입니다.

Rothko가 전투기를 말한 것은 사실입니다. 그러나 그는 철학 세계에 복종하기 위해 싸운다. 부르주아 사회에 대한 나의 투쟁은 그것을 부인했다.

이 스타일의 홍보와 가장 관련이 있다고 생각하는 사람은 뉴욕 트로츠키 주의자, 클레멘트 그린버그 (Clement Greenberg)였습니다. Partisan Review와 The Nation에 대한 오랜 시간의 예술 평론가로서, 그는 추상적 표현주의의 초기 및 글쓰기가 많은 지지자가되었습니다. 작가 인 로버트 마더 웰 (Robert Motherwell)은 그린버그에 정치 풍토와 시대의 지적 반항에 부합하는 스타일을 홍보하기 위해 합류했습니다.

클레멘트 그린버그는 추상적 표현주의와 잭슨 폴락을 특히 미적 가치의 전형으로 선포했습니다. 그린버그는 형식주의에 근거한 폴록의 작품을 단순히 그 당시 최고의 그림으로 그리고 큐비즘과 세잔을 통해 모네로 되돌아가는 예술 전통의 절정으로 지원했다. 페인팅은 그림이 “순수”하고 무엇보다 “필수적”인 것에 집중되어있다. , 평평한 표면에 자국을 만드는 것.

Jackson Pollock의 작업은 항상 비평가들을 양극화 시켰습니다. 해롤드 로젠버그 (Harold Rosenberg)는 그림의 변신에 대해 폴록의 작품에서 실존 적 드라마로 변신했는데, “캔버스에 가면 무슨 일이 일어 났는지는 그림이 아니라 사건”이라고 말했다. “캔버스 위의 몸짓은 가치 정치, 미학적, 도덕적 해방의 제스처였다.”

당시 추상적 표현주의의 가장 비판적인 비평가 중 한 명은 뉴욕 타임스 (New York Times)의 미술 평론가 인 존 캔 데이 (John Canaday)였습니다. 메이어 샤피로 (Meyer Schapiro)와 레오 스타 인버그 (Leo Steinberg)는 또한 추상적 표현주의에 대한지지를 표명 한 전후 미술 사학자로도 중요했습니다. 초기 60 년대 중반 젊은 비평가 인 Michael Fried, Rosalind Krauss, Robert Hughes는 추상적 표현주의를 중심으로 계속 성장하는 중요한 변증법에 대한 상당한 통찰력을 추가했습니다.

미술 평론가
미술 평론가 또는 미술 평론가는 예술사, 졸업생, 교사, 교사 또는 석사 또는 독학 (감정가) 전문가가 될 수 있습니다. 국가 또는 지역의 예술 – 플라스틱 및 문화 환경. Edgar Allan Poe와 Charles Baudelaire는 최초의 미술 평론가 중 한 명으로 간주됩니다. 예술 평론가는 예술과 문화와 관련된 모든 것을 분석 할 수있는 훈련 된 프로필을 가지고 있기 때문에 공간, 시간 및 추세에서의 예술 작품 분석, 예술의 ‘비판’이라는 이름, 두 가지를 모두 수행해야하는 설명 구두 및 서면으로. 평가는 일반적으로 미술 연구와 관련된 모든 분야에서 가장 주관적인 것으로 간주됩니다. 즉, 작품과 관련하여 개인적인 본성에 대한 판단을 내린다.

비평가가 대답하고자하는 매우 일반적인 질문은 다음과 같습니다.

특정 예술 작품의 동기와 주제는 무엇입니까?
공간과 볼륨 환상은 어떻게 만들어 졌습니까?
어떤 아이디어 및 / 또는 감정이 표현됩니까?
예술 비평가는 자신의 지식이나 공제를 더욱 확대하고 예술 작가, 다른 예술 평론가의 문학적 조각, 문화 사학자가 될 수 있습니다. 그렇기 때문에 미술 평론가와 문화 평론가는 몽상가적이고 문학적이며 문화적인 애니메이터가되어 예술적 동향과 움직임이 가져올 수있는 경로를 책임집니다.

저널리즘 예술 평론가
저널리스트 미술 평론가는 예술 비평가와 달리 커뮤니케이션이나 저널리즘에서 시작하여 언론에서 예술적 비평을 끝내기까지했습니다. 이것이 XXI 세기에 최근에 등장했지만, 문화 예술 평론가와 문화 예술 평론가에 포함될 수 있다는 것을 제한하지 않습니다. 예술 평론가의 개성, 미디어의 발전과 발전, 현대 시대의 새로운 기술로 인해 이것은 가능합니다. 신문 잡지 평론가는 다양한 예술 분야에 포함되어 있으며 영화, 연예, TV, 라디오 등 문화 예술 평론가와 매우 다릅니다.

여권론 비평
여권 신장 론자 비평은 1970 년대에 여권 운동에서 여성이 생산 한 예술과 예술 분야의 여성을 시각적으로 비판적으로 고찰 한 것으로부터 부상했다. 예술 비평의 주요 분야가되고 있습니다.

오늘
예술 비평가는 오늘날 인쇄 매체와 전문 예술 잡지 및 신문 에서뿐만 아니라 예술 평론가는 박물관, 미술관뿐만 아니라 인터넷, TV, 라디오에도 출연합니다. 또한 많은 사람들이 대학이나 박물관의 예술 교육자로 고용되어 있습니다. 미술 비평가는 전시회를 선별하고 전시회 카탈로그를 작성하는 데 자주 고용됩니다. 미술 평론가들은 유네스코의 비정부기구 인 자체 조직을 운영하고 있는데, 국제 예술 비평가 협회 (International Association of Art Critics)는 약 76 개의 국가 섹션과 난민과 망명을위한 정치적 비 정렬 섹션을 가지고있다.

미술 블로그
21 세기 초반부터 온라인 예술에 중요한 웹 사이트와 예술 블로그가 전 세계에 모여 예술 세계에 목소리를 더했습니다. 이 작가들 중 상당수는 Facebook, Twitter, Tumblr 및 Google+와 같은 소셜 미디어 리소스를 사용하여 미술 비평에 대한 독자의 의견을 소개합니다.