Kunstkritik

Kunstkritik ist die Diskussion oder Bewertung von bildender Kunst. Kunstkritiker kritisieren Kunst im Kontext von Ästhetik oder Schönheitstheorie. Ein Ziel der Kunstkritik ist das Streben nach einer rationalen Grundlage für die Wertschätzung von Kunst, aber es ist fraglich, ob solche Kritik die vorherrschenden soziopolitischen Umstände überschreiten kann.

Die Vielfalt der künstlerischen Bewegungen hat zu einer Spaltung der Kunstkritik in verschiedene Disziplinen geführt, die jeweils unterschiedliche Kriterien für ihre Beurteilung verwenden können. Die am weitesten verbreitete Einteilung im Bereich der Kritik besteht zwischen historischer Kritik und Bewertung, einer Form der Kunstgeschichte und zeitgenössischer Kritik an Arbeiten lebender Künstler.

Trotz der Wahrnehmung, dass Kunstkritik eine viel geringere Risikoaktivität ist als Kunst zu machen, unterliegen Meinungen aktueller Kunst immer drastischen Korrekturen im Laufe der Zeit. Kritiker der Vergangenheit werden oft dafür belächelt, dass sie Künstler, die jetzt verspottet werden (wie die akademischen Maler des späten 19. Jahrhunderts), bevorzugen oder Künstler, die heute verehrt werden, entlassen (wie das Frühwerk der Impressionisten). Einige Kunstströmungen selbst wurden von Kritikern abschätzig genannt, der Name wurde später von den Künstlern des Stils (zB Impressionismus, Kubismus) als eine Art Ehrenzeichen angenommen, wobei die ursprüngliche negative Bedeutung vergessen wurde.

Künstler hatten oft ein unruhiges Verhältnis zu ihren Kritikern. Künstler brauchen in der Regel positive Meinungen von Kritikern, damit ihre Arbeit angesehen und gekauft werden kann; leider für die Künstler, nur spätere Generationen können es verstehen.

Kunst ist ein wichtiger Teil des Menschseins und kann in allen Aspekten unseres Lebens gefunden werden, unabhängig von der Kultur oder der Zeit. Es gibt viele verschiedene Variablen, die das Urteil über Kunst wie Ästhetik, Wahrnehmung oder Wahrnehmung bestimmen. Kunst kann objektiv oder subjektiv sein, je nach persönlicher Präferenz für Ästhetik und Form. Sie kann auf den Elementen und dem Konstruktionsprinzip sowie auf sozialer und kultureller Akzeptanz beruhen. Kunst ist ein grundlegender menschlicher Instinkt mit einer Vielfalt von Formen und Ausdrucksformen. Kunst kann eigenständig mit einem augenblicklichen Urteilsvermögen stehen oder mit einem tieferen, besser ausgebildeten Wissen betrachtet werden. Ästhetische, pragmatische, expressive, formalistische, relativistische, prozessionale, nachahmerische, rituelle, kognitive, mimetische und postmoderne Theorien sind einige von vielen Theorien, um Kunst zu kritisieren und zu schätzen. Kunstkritik und Wertschätzung können subjektiv auf der persönlichen Präferenz für Ästhetik und Form basieren, oder sie können auf Elementen und Prinzipien des Designs sowie auf sozialer und kultureller Akzeptanz basieren.

Definition
Kunstkritik hat viele und oft zahlreiche subjektive Sichtweisen, die fast so vielfältig sind wie Menschen, die sie praktizieren. Es ist schwierig, eine stabilere Definition zu finden als die Aktivität, die mit der Diskussion und Interpretation von Kunst und ihrem Wert verbunden ist. Je nachdem, wer über das Thema schreibt, kann “Kunstkritik” selbst als direktes Ziel umgangen werden oder Kunstgeschichte in ihren Rahmen einbeziehen. Unabhängig von Definitionsproblemen kann sich Kunstkritik in ihren Aufsätzen auf die Geschichte des Handwerks beziehen und die Kunstgeschichte selbst kann kritische Methoden implizit verwenden. Nach Ansicht des Kunsthistorikers R. Siva Kumar: “Die Grenzen zwischen Kunstgeschichte und Kunstkritik … sind nicht mehr so ​​fest gezogen wie früher. Es begann vielleicht mit Kunsthistorikern, die sich für moderne Kunst interessieren.”

Kunstkritik ist der Prozess des Beschreibens, Analysierens, Interpretierens und Urteilens von Kunstwerken. Sie unterscheidet sich von der Kunstkritik (die sich auf bildende Kunst konzentriert) aufgrund ihres breiteren Aufgabenbereichs. Die Disziplinen der Kunstkritik können durch das betrachtete Objekt und nicht durch die Methodologie (durch Analyse ihrer Philosophie) definiert werden: Gebäude (Architekturkritik), Malerei (visuelle Kunstkritik), Performances (Tanzkritik, Theaterkritik), Musik (Musik Journalismus), visuelle Medien (Filmkritik, Fernsehkritik) oder literarische Texte (Literaturkritik).

Kunstkritik kann grob in zwei Arten unterteilt werden. Es gibt akademische Kritik, wie sie in wissenschaftlichen Arbeiten und Fachzeitschriften zu finden ist, dann gibt es Kritik von mehr journalistischer Natur (oft als “Rezension” bezeichnet), die von einer breiteren Öffentlichkeit durch Zeitungen, Fernsehen und Radio gesehen wird. Die akademische Kritik wird heftiger und analytischer sein als die journalistische, der journalistische kann sich sogar darauf konzentrieren, den Leser auf Kosten der Einzelheiten der betreffenden Kunst zu unterhalten.

Methodik
Kunstkritik beinhaltet einen beschreibenden Aspekt, bei dem das Kunstwerk ausreichend in Worte übersetzt wird, um einen Fall zu ermöglichen. Die Bewertung eines Kunstwerkes, das der Beschreibung folgt (oder von ihr durchsetzt ist), hängt sowohl von der Leistung des Künstlers als auch von der Erfahrung des Kritikers ab. Es gibt in einer Aktivität mit solch einer ausgeprägten subjektiven Komponente eine Vielzahl von Wegen, auf denen sie verfolgt werden kann. Als Extreme in einem möglichen Spektrum, während einige bevorzugen, die unmittelbaren Eindrücke eines künstlerischen Objekts zu erwähnen, ziehen andere eine systematischere Herangehensweise vor, die technisches Wissen, favorisierte ästhetische Theorie und den bekannten soziokulturellen Kontext in Anspruch nimmt, in den der Künstler sich vertieft .

Geschichte
Hauptartikel: Geschichte der Kunstkritik
Kunstkritiken haben ihren Ursprung wahrscheinlich in den Ursprüngen der Kunst selbst, wie Texte von Plato, Vitruv oder Augustinus von Hippo zeigen, die frühe Formen der Kunstkritik enthalten. Außerdem haben wohlhabende Gönner, zumindest seit Beginn der Renaissance, Kunstvermittler eingesetzt, um sie bei der Beschaffung von Provisionen und / oder fertigen Stücken zu unterstützen.

Ursprünge
Kunstkritik als Schreibgenre erhielt ihre moderne Form im 18. Jahrhundert. Der früheste Gebrauch des Begriffs Kunstkritik wurde von dem englischen Maler Jonathan Richardson in seiner 1719 erschienenen Publikation Ein Essay über die gesamte Kunst der Kritik. In dieser Arbeit versuchte er ein objektives System für das Ranking von Kunstwerken zu schaffen. Sieben Kategorien, einschließlich Zeichnen, Komposition, Erfindung und Färbung, wurden mit einer Punktzahl von 0 bis 18 bewertet, die kombiniert wurden, um eine endgültige Punktzahl zu erhalten. Der Begriff, den er einführte, setzte sich schnell durch, zumal die englische Mittelklasse als Symbol ihres sozialen Status zunehmend in ihren Kunstakquisitionen begriffen war.

Mitte des 18. Jahrhunderts begann sich in Frankreich und England das Interesse der Öffentlichkeit für Kunst auszubreiten, und Kunst wurde regelmäßig in den Salons in Paris und den Sommerausstellungen von London ausgestellt. Die ersten Autoren, die sich im 18. Jahrhundert einen Namen als Kunstkritiker im Frankreich des 18. Jahrhunderts machten, waren Jean-Baptiste Dubos mit seinen Reflexionen über die Poesie und die Peinture (1718), die Voltaires Anerkennung für die Scharfsinnigkeit seiner Annäherung an die ästhetische Theorie einbrachten ; und Étienne La Font de Saint-Yenne mit Reflexionen sur quelques führt zum französischen Present de la Peinture, der über den Salon von 1746 schrieb und den sozioökonomischen Rahmen der Produktion des damals populären Barockstils kommentierte, der zu eine Wahrnehmung anti-monarchistischer Gefühle im Text.

Der französische Schriftsteller Denis Diderot aus dem 18. Jahrhundert hat das Medium der Kunstkritik stark vorangetrieben. Diderots “Der Salon von 1765” war einer der ersten realen Versuche, Kunst in Worte zu fassen. Nach Ansicht des Kunsthistorikers Thomas E. Crow: “Als Diderot Kunstkritik aufnahm, war es auf den Fersen der ersten Generation professioneller Schriftsteller, die es sich zur Aufgabe gemacht haben, Beschreibungen und Urteile zeitgenössischer Malerei und Bildhauerei anzubieten ein Produkt der ebenfalls neuartigen Institution der regelmäßigen, freien, öffentlichen Ausstellungen der neuesten Kunst “.

In England führte 1762 und später, 1766, eine Ausstellung der Society of Arts zu einer Flut kritischer, wenn auch anonymer Broschüren. Zeitungen und Zeitschriften dieser Zeit, wie der London Chronicle, begannen Säulen für Kunstkritik zu tragen; eine Form, die mit der Gründung der Royal Academy im Jahr 1768 begann. In den 1770er Jahren war die Morning Chronicle die erste Zeitung, die systematisch die Kunst der Ausstellungen rezensierte.

Frankreich
Erst mit den öffentlichen Ausstellungen der Académie royale de peinture et de sculpture im Pariser Salon des 17. und 18. Jahrhunderts setzte sich eine professionelle Kunstkritik von Nichtkünstlern (sog. Laienkritik) gegen das Evaluationsmonopol durch die Mitglieder der Akademie. Zu den ersten Kunstkritikern gehörten die Schriftsteller Étienne La Font de Saint-Yenne und Denis Diderot. La Font des Saint-Yenne schrieb eine detaillierte Besprechung der Salonaufstellung von 1746, die ein Jahr später anonym in Den Haag erschien. Diderot schrieb zwischen 1759 und 1781 insgesamt neun Salonberichte für den Correspondance littéraire, einen seiner Freunde, Friedrich Melchior Grimm, in einer zweiwöchentlich herausgegebenen handschriftlichen Zeitschrift, die insbesondere aus aristokratischen Kreisen gewonnen wurde.

Hundert Jahre später schrieb der Avantgarde-Dichter Charles Baudelaire als junger Schriftsteller ab 1845 auch einige Kritiken der Pariser Salons mit klarer Parteinahme für die romantische Malerei und Ablehnung der realistischen und Freiluftmalerei.

Deutschland
In Deutschland entstand Kunstkritik im Zeitalter der Aufklärung als kultureller Transfer des französischen Kunstdiskurses, insbesondere gefördert durch die Zeitschriften von Johann Christoph Gottsched im Buchdruck und Buchhandel Leipzig. In den Literaturzeitschriften Gottscheds (ab 1747) nahm die Literatur zwar den Schwerpunkt ein, war aber zunehmend in den bildenden Künsten in Form von Rezensionen kunsttheoretischer Schriften und Übersetzungen von Vorträgen der Pariser Académie royale des Inskriptions et Belles-Lettres adressiert; aber nur in Ausnahmefällen bezogen sie sich direkt auf Kunstwerke.

19. Jahrhundert
Ab dem 19. Jahrhundert wurde Kunstkritik zu einer häufigeren Berufung und sogar zu einem Beruf, der zeitweise formalisierte Methoden entwickelte, die auf bestimmten ästhetischen Theorien beruhten. In Frankreich entstand in den zwanziger Jahren des 19. Jahrhunderts ein Riss zwischen den Vertretern der traditionellen neoklassischen Kunstformen und der neuen romantischen Mode. Die Neoklassiker unter Étienne-Jean Delécluze verteidigten das klassische Ideal und bevorzugten die sorgfältig ausgearbeitete Form in Gemälden. Romantiker wie Stendhal kritisierten die alten Stile als überformuliert und ohne Gefühl. Stattdessen setzten sie sich für die neuen expressiven, idealistischen und emotionalen Nuancen der romantischen Kunst ein. Eine ähnliche, wenn auch gedämpftere Debatte ereignete sich auch in England.

Einer der prominentesten Kritiker in England war zu dieser Zeit William Hazlitt, ein Maler und Essayist. Er schrieb über seine tiefe Freude an der Kunst und seinen Glauben, dass die Künste dazu verwendet werden könnten, die Großzügigkeit der Menschheit und das Wissen über die Welt um sie herum zu verbessern. Er war einer der aufstrebenden englischen Kritiker, die zunehmend unruhig wurden angesichts der immer abstrakteren Richtung, in der JMW Turners Landschaftskunst Einzug hielt.

Einer der großen Kritiker des 19. Jahrhunderts war John Ruskin. 1843 veröffentlichte er Modern Painters, in dem er das Werk von JMW Turner von seinen Kritikern verteidigte, die Turner beschuldigten, der Natur untreu zu sein. Durch sorgfältige Analyse und Detailgenauigkeit konnte Ruskin das Gegenteil beweisen, was der Kunsthistoriker EH Gombrich als “das ehrgeizigste Werk der wissenschaftlichen Kunstkritik aller Zeiten” bezeichnete. Ruskin wurde bekannt für seine reiche und fließende Prosa, und später im Leben er verzweigte sich zu einem aktiven und breit gefächerten Kritiker und veröffentlichte Werke über Architektur und Renaissance-Kunst, einschließlich der Stones of Venice.

Eine weitere dominierende Figur in der Kunstkritik des 19. Jahrhunderts war der französische Dichter Charles Baudelaire, dessen erstes veröffentlichtes Werk sein Kunst-Salon von 1845 war, der wegen seiner Kühnheit sofort Beachtung fand. Viele seiner kritischen Ansichten waren neu in ihrer Zeit, einschließlich seiner Befürwortung von Eugène Delacroix. Als Édouard Manets berühmter Olympia (1865), ein Porträt einer nackten Kurtisane, wegen seines eklatanten Realismus einen Skandal provozierte, arbeitete Baudelaire privat, um seinen Freund zu unterstützen. Er behauptete, dass “Kritik partiell, leidenschaftlich, politisch sein sollte, das heißt, aus einem exklusiven Blickwinkel gebildet werden sollte, aber auch aus einem Gesichtspunkt, der die größte Anzahl von Horizonten eröffnet”. Er versuchte, die Debatte von den alten binären Positionen früherer Jahrzehnte abzuheben und erklärte, dass “der wahre Maler derjenige sein wird, der dem zeitgenössischen Leben seinen epischen Aspekt entreißen kann und uns mit Farbe oder Zeichnung sehen und verstehen lässt, wie groß und poetisch sind wir in unseren Krawatten und unseren polierten Stiefeln “.

Im Jahr 1877, John Ruskin verspottete Nocturne in Schwarz und Gold: The Falling Rocket nach dem Künstler, James McNeill Whistler, zeigte es in Grosvenor Gallery: “Ich habe gesehen und gehört, viel Cockney Frechheit vor jetzt, aber nie erwartet, ein zu hören Coxcomb fragen zweihundert Guineas nach einem Topf Farbe in das Gesicht der Öffentlichkeit schleudern. ” Diese Kritik provozierte Whistler, den Kritiker wegen Verleumdung zu verklagen. Der folgende Gerichtsfall erwies sich als ein Pyrrhussieg für Whistler.

Wende des zwanzigsten Jahrhunderts
Gegen Ende des 19. Jahrhunderts begann sich in England eine Bewegung zur Abstraktion, im Gegensatz zu spezifischen Inhalten, durchzusetzen, die insbesondere vom Dramatiker Oscar Wilde vertreten wurde. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts verschmelzen diese Einstellungen durch die Arbeit der Mitglieder der Bloomsbury Group, Roger Fry und Clive Bell, zu einer kohärenten Philosophie. Als Kunsthistoriker in den 1890er Jahren war Fry fasziniert von der neuen Kunst der Moderne und ihrer Abkehr von der traditionellen Darstellung. Seine Ausstellung über das, was er post-impressionistische Kunst nannte, wurde 1910 wegen seines Ikonoklasmus sehr kritisiert. Er verteidigte sich energisch in einem Vortrag, in dem er argumentierte, dass die Kunst sich bewegt habe, die Sprache der reinen Imagination zu entdecken, anstatt die seriöse und für seine Meinung unehrliche wissenschaftliche Erfassung der Landschaft. Frys Argumentation erwies sich zu dieser Zeit als sehr einflussreich, besonders unter der fortschrittlichen Elite. Virginia Woolf bemerkte: “Im Dezember 1910 [dem Datum, an dem Fry seinen Vortrag hielt] veränderte sich der menschliche Charakter.”

Unabhängig davon und gleichzeitig argumentierte Clive Bell in seinem 1914 erschienenen Buch Art, dass alle Kunstwerke eine besondere “signifikante Form” haben, während der konventionelle Gegenstand im Wesentlichen irrelevant ist. Diese Arbeit legte den Grundstein für den formalistischen Zugang zur Kunst. Im Jahr 1920 argumentierte Fry, dass “es mir egal ist, wenn ich einen Christus oder einen Topf repräsentiere, da es die Form und nicht das Objekt selbst ist, das mich interessiert.” Er ist nicht nur ein Befürworter des Formalismus, sondern auch der Meinung, dass der Wert von Kunst in seiner Fähigkeit liegt, beim Betrachter eine unverwechselbare ästhetische Erfahrung zu erzeugen. eine Erfahrung, die er “ästhetische Emotion” nannte. Er hat es als jene Erfahrung definiert, die von der bedeutenden Form geweckt wird. Er schlug auch vor, dass wir die ästhetische Emotion als Reaktion auf die signifikante Form eines Kunstwerks erleben, weil wir diese Form als Ausdruck einer Erfahrung des Künstlers wahrnehmen. Die Erfahrung des Künstlers wiederum, meinte er, sei die Erfahrung, gewöhnliche Objekte in der Welt als reine Form zu sehen: die Erfahrung, die man hat, wenn man etwas nicht als Mittel zu etwas anderem sieht, sondern als ein Ende in sich selbst.

Herbert Read war ein Meister moderner britischer Künstler wie Paul Nash, Ben Nicholson, Henry Moore und Barbara Hepworth und wurde mit Nashs zeitgenössischer Kunstgruppe Unit One verbunden. Er konzentrierte sich auf die Moderne von Pablo Picasso und Georges Braque und veröffentlichte 1929 einen einflussreichen Essay über die Bedeutung von Kunst in The Listener. Er redigierte auch das richtungsweisende Burlington Magazine (1933-38) und half bei der Organisation der London Surrealist Ausstellung 1936.

Seit 1945
Wie im Fall von Baudelaire im 19. Jahrhundert tauchte das Phänomen der Dichter als Kritiker auch im 20. Jahrhundert auf, als der französische Dichter Apollinaire zum Vorkämpfer des Kubismus wurde. Später schrieb der französische Schriftsteller und Held des Widerstandes, André Malraux, ausführlich über die Kunst und ging weit über die Grenzen seines Heimatlandes Europa hinaus. Seine Überzeugung, dass die Avantgarde Lateinamerikas im mexikanischen Muralismus (Orozco, Rivera und Siqueiros) liegt, änderte sich nach seiner Reise 1958 nach Buenos Aires. Nach dem Besuch der Ateliers mehrerer argentinischer Künstler in Begleitung des jungen Direktors des Museums für Moderne Kunst von Buenos Aires Rafael Squirru, Malraux erklärte die neue Avantgarde, in Argentiniens neuen künstlerischen Bewegungen zu liegen. Squirru, ein Dichter-Kritiker, der in den 1960er Jahren Kulturdirektor der OAS in Washington, DC wurde, war der letzte, der Edward Hopper vor seinem Tod interviewte, was zu einer Wiederbelebung des Interesses an dem amerikanischen Künstler beitrug.

In den 1940er Jahren gab es nicht nur wenige Galerien (The Art of This Century), sondern auch einige Kritiker, die bereit waren, die Arbeit der New Yorker Avantgarde zu verfolgen. Es gab auch einige Künstler mit einem literarischen Hintergrund, darunter Robert Motherwell und Barnett Newman, die auch als Kritiker fungierten.

Obwohl New York und die Welt mit der New Yorker Avantgarde nicht vertraut waren, hatten in den späten 1940er Jahren die meisten Künstler, die heute zu bekannten Namen geworden sind, ihre gut etablierten Gönnerkritiker. Clement Greenberg befürwortete Jackson Pollock und die Farbfeldmaler wie Clyfford Still, Mark Rothko, Barnett Newman, Adolph Gottlieb und Hans Hofmann. Harold Rosenberg schien die Actionmaler wie Willem de Kooning und Franz Kline zu bevorzugen. Thomas B. Hess, der Chefredakteur von ARTnews, setzte sich für Willem de Kooning ein.

Die neuen Kritiker hoben ihre Schützlinge auf, indem sie andere Künstler als “Anhänger” ausstießen oder diejenigen ignorierten, die ihrem Werbeziel nicht dienten. Als Beispiel wurde Mark Tobey 1958 der erste amerikanische Maler seit Whistler (1895), der auf der Biennale von Venedig den Hauptpreis gewann. Die beiden führenden Kunstzeitschriften in New York waren nicht interessiert. Kunst erwähnte das historische Ereignis nur in einer Nachrichtenkolumne und Art News (Chefredakteur: Thomas B. Hess) ignorierten es vollständig. Die New York Times und das Life druckten Artikel “.

Barnett Newman, ein verstorbenes Mitglied der Uptown Group, schrieb Katalog-Vorworte und Rezensionen und wurde Ende der 1940er Jahre ausstellender Künstler in der Betty Parsons Gallery. Seine erste Einzelausstellung war 1948. Kurz nach seiner ersten Ausstellung bemerkte Barnett Newman in einer der Artists ‘Session im Studio 35: “Wir sind dabei, die Welt gewissermaßen zu unserem eigenen Bild zu machen”. Mit seinen Schreibfähigkeiten kämpfte Newman jeden Schritt seines Weges, um sein neu etabliertes Image als Künstler zu verstärken und seine Arbeit zu fördern. Ein Beispiel ist sein Brief an Sidney Janis am 9. April 1955:

Es ist wahr, dass Rothko den Kämpfer redet. Er kämpft jedoch, um sich der Philisterwelt zu unterwerfen. Mein Kampf gegen die bürgerliche Gesellschaft hat die totale Ablehnung von ihr mit sich gebracht.

Die Person, die am meisten mit der Förderung dieses Stils zu tun hatte, war ein New Yorker Trotzkist, Clement Greenberg. Als langjähriger Kunstkritiker für Partisan Review und The Nation wurde er zu einem frühen und gebildeten Befürworter des Abstrakten Expressionismus. Künstler Robert Motherwell, gut betucht, trat Greenberg bei der Förderung eines Stils, der dem politischen Klima und der intellektuellen Rebellion der Ära entsprechen.

Clement Greenberg proklamierte insbesondere den Abstrakten Expressionismus und Jackson Pollock als Inbegriff des ästhetischen Wertes. Greenberg unterstützte Pollocks formalistische Arbeit als das beste Gemälde seiner Zeit und als Höhepunkt einer über den Kubismus und Cézanne bis Monet zurückreichenden Kunsttradition, in der die Malerei immer “reiner” und konzentrierter auf das “Wesentliche” wurde die Herstellung von Markierungen auf einer ebenen Oberfläche.

Jackson Pollocks Arbeit polarisierte seit jeher die Kritiker. Harold Rosenberg sprach in Pollocks Arbeit von der Umwandlung der Malerei in ein existenzielles Drama, in dem “was auf die Leinwand gehen sollte, kein Bild, sondern ein Ereignis war”. “Der große Moment kam, als entschieden wurde” nur zu malen “zu malen. Die Geste auf der Leinwand war eine Geste der Befreiung von Wert-politischer, ästhetischer, moralischer.”

Einer der lautesten Kritiker des Abstrakten Expressionismus war damals der New York Times-Kunstkritiker John Canaday. Meyer Schapiro und Leo Steinberg waren auch wichtige Nachkriegs-Kunsthistoriker, die sich für den Abstrakten Expressionismus aussprachen. In den frühen bis mittleren Sixties gaben die jüngeren Kunstkritiker Michael Fried, Rosalind Krauss und Robert Hughes beträchtliche Einblicke in die kritische Dialektik, die um den Abstrakten Expressionismus immer weiter wächst.

Kunstkritiker
Der Kunstkritiker, oder Kunst- und Kulturkritiker, ist ein Fachmann, der ein Techniker oder Absolvent, Lehrer, Lehrer oder Meister oder Autodidakt (Kenner) sein kann, in den Hauptbereichen der Kunstgeschichte, Kunstkritik und alles was die Kunst betrifft künstlerisch-plastisches und kulturelles Umfeld eines Landes oder einer Region. Edgar Allan Poe und Charles Baudelaire gelten als einige der ersten Kunstkritiker. Der Kunstkritiker hat ein geschultes Profil, um alles zu analysieren, was mit Kunst und Kultur zu tun hat, also eine Analyse der Kunstwerke in Raum, Zeit und Trend, daher der Name “Kritik” der Kunst, durch die Beschreibungen, die beides tun müssen mündlich und schriftlich. Es wird gewöhnlich als die subjektivste aller Disziplinen angesehen, die mit dem Studium der Kunst zu tun haben, weil es evaluativ ist; das heißt, es gibt ein persönliches Urteil in Bezug auf eine Arbeit.

Einige sehr allgemeine Fragen, die der Kritiker beantworten möchte, sind:

Was ist Motiv und Thema eines bestimmten Kunstwerks?
Wie sind die Raum- und Volumenillusionen entstanden?
Welche Ideen und / oder Emotionen werden ausgedrückt?
Der Kunstkritiker kann sein Wissen oder seine Schlussfolgerungen erweitern und ein Kunstschriftsteller sein, literarische Fragmente anderer Kunstkritiker studieren und Kulturhistoriker sein. Deshalb kann der Kunst- und Kulturkritiker ein visionärer, literarischer und kultureller Animator sein, der für die Wege künstlerischer Trends und Bewegungen verantwortlich ist.

Kritiker der journalistischen Kunst
Da ist der journalistische Kunstkritiker, der im Gegensatz zum Kunstkritiker als solcher in der Kommunikation oder im Journalismus anfing und in den Medien künstlerisch kritisierte. Obwohl dies vor kurzem im XXI. Jahrhundert aufgetaucht ist, beschränkt es nicht, dass es in den kulturellen Kunstkritiker einbezogen werden kann und umgekehrt. Dies ist gegenwärtig möglich aufgrund der großen Veränderungen der Persönlichkeit des Kunstkritikers, des Fortschritts und der Entwicklung der Medien und der neuen Technologien in der Gegenwart. Der journalistische Kunstkritiker ist in einer Vielzahl von zusätzlichen künstlerischen Fächern enthalten und unterscheidet sich stark von denen des kulturellen Kunstkritikers, wie Kino, Unterhaltung, Fernsehen, Radio usw.

Feministische Kunstkritik
Feministische Kunstkritik entstand in den 1970er Jahren aus der breiteren feministischen Bewegung als kritische Auseinandersetzung mit visuellen Darstellungen von Frauen in Kunst und Kunst von Frauen. Es ist weiterhin ein wichtiges Feld der Kunstkritik.

Heute
Kunstkritiker arbeiten heute nicht nur in Printmedien und in Fachzeitschriften, sondern auch in Zeitungen. Kunstkritiker treten auch im Internet, im Fernsehen und Radio, aber auch in Museen und Galerien auf. Viele sind auch an Universitäten oder als Kunstvermittler für Museen tätig. Kunstkritiker kuratieren Ausstellungen und beschäftigen sich häufig mit dem Schreiben von Ausstellungskatalogen. Kunstkritiker haben ihre eigene Organisation, eine Nichtregierungsorganisation der UNESCO, die Internationale Vereinigung der Kunstkritiker, die etwa 76 nationale Sektionen und eine politische blockfreie Sektion für Flüchtlinge und Exilanten hat.

Kunstblogs
Seit dem Anfang des 21. Jahrhunderts sind auf der ganzen Welt Online-Kunstkritische Websites und Kunstblogs aufgetaucht, um ihre Stimmen der Kunstwelt hinzuzufügen. Viele dieser Autoren nutzen Social-Media-Ressourcen wie Facebook, Twitter, Tumblr und Google+, um den Lesern ihre Meinung zur Kunstkritik zu vermitteln.