La critica d’arte è la discussione o la valutazione dell’arte visiva. I critici d’arte di solito criticano l’arte nel contesto dell’estetica o della teoria della bellezza. Un obiettivo della critica d’arte è il perseguimento di una base razionale per l’apprezzamento dell’arte, ma è discutibile se tale critica possa trascendere le circostanze socio-politiche prevalenti.

La varietà dei movimenti artistici ha portato a una divisione della critica d’arte in diverse discipline che possono utilizzare criteri diversi per i loro giudizi. La divisione più comune nel campo della critica è tra critica storica e valutazione, una forma di storia dell’arte e critica contemporanea del lavoro da artisti viventi.

Nonostante le percezioni secondo cui la critica d’arte è un’attività a rischio molto inferiore rispetto all’arte, le opinioni dell’arte corrente sono sempre suscettibili di drastiche correzioni con il passare del tempo. I critici del passato sono spesso ridicolizzati sia per gli artisti favorevoli ora derisi (come i pittori accademici del tardo XIX secolo) che per gli artisti licenziosi ora venerati (come i primi lavori degli impressionisti). Alcuni stessi movimenti d’arte furono criticati con disprezzo dalla critica, con il nome adottato successivamente come una sorta di distintivo d’onore dagli artisti dello stile (ad esempio, Impressionismo, Cubismo), con il significato negativo originale dimenticato.

Gli artisti hanno spesso avuto un rapporto difficile con i loro critici. Gli artisti di solito hanno bisogno di opinioni positive da parte della critica perché il loro lavoro sia visionato e acquistato; sfortunatamente per gli artisti, solo le generazioni successive potrebbero capirlo.

L’arte è una parte importante dell’essere umano e può essere trovata attraverso tutti gli aspetti della nostra vita, indipendentemente dalla cultura o dai tempi. Ci sono molte variabili differenti che determinano il proprio giudizio sull’arte come l’estetica, la cognizione o la percezione. L’arte può essere oggettiva o soggettiva in base alle preferenze personali verso l’estetica e la forma. Può essere basato sugli elementi e sul principio del design e sull’accettazione sociale e culturale. L’arte è un istinto umano fondamentale con una vasta gamma di forme ed espressioni. L’arte può essere autonoma con un giudizio istantaneo o può essere vista con una conoscenza più approfondita. Teorie estetiche, pragmatiche, espressive, formaliste, relativiste, processuali, imitative, rituali, cognitive, mimetiche e postmoderne sono alcune delle molte teorie per criticare e apprezzare l’arte. La critica e l’apprezzamento artistico possono essere soggettivi in ​​base alla preferenza personale verso l’estetica e la forma, oppure possono essere basati sugli elementi e sul principio del design e sull’accettazione sociale e culturale.

Definizione
La critica d’arte ha molti e spesso numerosi punti di vista soggettivi che sono quasi tanto vari quanto lo sono le persone che la praticano. È difficile trovare una definizione più stabile rispetto all’attività correlata alla discussione e all’interpretazione dell’arte e al suo valore. A seconda di chi sta scrivendo sull’argomento, la stessa “critica d’arte” può essere ovviata come obiettivo diretto o includere la storia dell’arte all’interno della sua struttura. Indipendentemente dai problemi di definizione, la critica d’arte può riferirsi alla storia del mestiere nei suoi saggi e la storia dell’arte stessa può usare implicitamente metodi critici. Secondo lo storico dell’arte R. Siva Kumar, “I confini tra storia dell’arte e critica d’arte … non sono più così fermi come una volta, forse è iniziato con gli storici dell’arte che si interessano all’arte moderna”.

La critica artistica è il processo di descrizione, analisi, interpretazione e valutazione delle opere d’arte. È distinto dalla critica d’arte (che si concentra sulle arti visive) a causa del suo mandato più ampio. Le discipline della critica d’arte possono essere definite dall’oggetto considerato piuttosto che dalla metodologia (attraverso l’analisi della sua filosofia): edifici (critica d’architettura), dipinti (critica d’arte visiva), spettacoli (critica di danza, critica teatrale), musica (musica giornalismo), media visivi (critica cinematografica, critica televisiva) o testi letterari (critica letteraria).

La critica delle arti può essere divisa in due categorie. Vi è una critica accademica come quella che si trova nelle opere accademiche e nelle riviste specializzate, poi c’è una critica di natura più giornalistica (spesso chiamata ‘una recensione’) che è vista da un pubblico più ampio attraverso giornali, televisione e radio. La critica accademica sarà di natura più vigorosa e analitica di quella giornalistica, il giornalista potrebbe anche concentrarsi sull’intrattenere il lettore a spese dei dettagli sull’arte in discussione.

Metodologia
La critica d’arte include un aspetto descrittivo, in cui l’opera d’arte è sufficientemente tradotta in parole in modo da consentire la realizzazione di un caso. La valutazione di un’opera d’arte che segue la descrizione (o ne è inframmezzata) dipende tanto dall’output dell’artista quanto dall’esperienza del critico. C’è in un’attività con una componente soggettiva così marcata una varietà di modi in cui può essere perseguita. Come estremi in un possibile spettro, mentre alcuni preferiscono semplicemente osservare le impressioni immediate causate da un oggetto artistico, altri preferiscono un approccio più sistematico che richiede conoscenze tecniche, teoria estetica favorita e il contesto socioculturale conosciuto in cui l’artista è immerso per discernere il loro intento .

Storia
Articolo principale: Storia della critica d’arte
Le critiche artistiche hanno probabilmente origine dalle origini dell’arte stessa, come dimostrano i testi trovati nelle opere di Platone, Vitruvio o Agostino di Ippona, tra gli altri, che contengono le prime forme di critica d’arte. Inoltre, i ricchi mecenati hanno impiegato, almeno sin dall’inizio del Rinascimento, mediatori d’arte intermediari per assisterli nell’approvvigionamento di commissioni e / o pezzi finiti.

origini
La critica d’arte come genere di scrittura ha ottenuto la sua forma moderna nel XVIII secolo. Il primo uso del termine “critica d’arte” fu del pittore inglese Jonathan Richardson nella sua pubblicazione del 1719 Un saggio sull’intera arte della critica. In questo lavoro, ha tentato di creare un sistema obiettivo per la classificazione delle opere d’arte. Sette categorie, tra cui disegno, composizione, invenzione e colorazione, hanno ottenuto un punteggio da 0 a 18, che sono stati combinati per dare un punteggio finale. Il termine che ha introdotto rapidamente ha preso piede, specialmente quando la classe media inglese ha cominciato a essere più perspicace nelle sue acquisizioni artistiche, come simboli del loro sfacciato status sociale.

In Francia e in Inghilterra verso la metà del 1700, l’interesse pubblico per l’arte cominciò a diffondersi e l’arte fu esposta regolarmente ai Salons di Parigi e alle Summer Exhibitions di Londra. I primi scrittori ad acquisire una reputazione individuale come critici d’arte nella Francia del XVIII secolo furono Jean-Baptiste Dubos con le sue Réflexions critiques sur la poésie et sur la peinture (1718) che accolsero l’acclamazione di Voltaire per la sagacia del suo approccio alla teoria estetica ; e Étienne La Font de Saint-Yenne con Reflexions sur quelques causa de l’état présent de la peinture en France che ha scritto sul Salon del 1746, commentando il quadro socioeconomico della produzione dell’epoca popolare stile barocco, che ha portato a una percezione dei sentimenti anti-monarchici nel testo.

Lo scrittore francese del diciottesimo secolo Denis Diderot avanzò notevolmente il mezzo della critica d’arte. “The Salon of 1765” di Diderot è stato uno dei primi veri tentativi di catturare l’arte a parole. Secondo lo storico dell’arte Thomas E. Crow, “Quando Diderot raccolse le critiche d’arte, fu sulla scia della prima generazione di scrittori professionisti che fecero del loro lavoro offrire descrizioni e giudizi della pittura e della scultura contemporanea. un prodotto dell’istituzione similmente romanzo di regolari, libere, mostre pubbliche della più recente arte “.

Nel frattempo, in Inghilterra, una mostra della Society of Arts nel 1762 e successivamente, nel 1766, provocò una raffica di opuscoli critici, sebbene anonimi. Giornali e periodici del periodo, come il London Chronicle, iniziarono a portare colonne per la critica d’arte; una forma che decollò con la fondazione della Royal Academy nel 1768. Nel 1770, il Morning Chronicle divenne il primo giornale a rivedere sistematicamente l’arte delle mostre.

Francia
Non è stato fino alle esibizioni pubbliche dell’Académie royale de peinture et de sculpture nel Salon di Parigi del 17 ° e 18 ° secolo che una critica artistica professionale di non artisti (la cosiddetta critica laica) ha prevalso sul monopolio della valutazione rivendicata da i membri dell’accademia. Tra i primi critici d’arte c’erano gli scrittori Étienne La Font de Saint-Yenne e Denis Diderot. La Font des Saint-Yenne ha scritto una recensione dettagliata della scaletta del salone del 1746, che è apparso come un libretto indipendente anonimo a L’Aia un anno dopo. Diderot scrisse tra il 1759 e il 1781 un totale di nove relazioni di saloni per il Correspondance littéraire, un suo amico Frisch Melchior Grimm in un settimanale manoscritto a cadenza bisettimanale, ottenuto in particolare da circoli aristocratici.

Cento anni dopo, il poeta d’avanguardia Charles Baudelaire scrisse come giovane scrittore dal 1845 anche diverse recensioni dei salotti di Parigi con una chiara partigianeria per la pittura romantica e il rifiuto della pittura realistica e plein air.

Germania
In Germania, la critica d’arte è emersa nell’età dell’Illuminismo come trasferimento culturale del discorso artistico francese, in particolare promosso dalle riviste di Johann Christoph Gottsched nella stampa del libro e del commercio librario di Lipsia. In riviste di riviste Gottscheds (dal 1747), la letteratura ha preso Sebbene l’enfasi uno, ma erano in loro sempre più le arti visive sotto forma di recensioni di arte-teorici e traduzioni di conferenze dall’Accademia di Parigi royale des Inscriptions et Belles-Lettres sempre più indirizzata; ma solo in casi eccezionali riguardavano direttamente le opere d’arte.

19esimo secolo
A partire dal XIX secolo, la critica d’arte divenne una vocazione più comune e persino una professione, sviluppando a volte metodi formalizzati basati su particolari teorie estetiche. In Francia, una frattura è emersa negli anni venti dell’Ottocento tra i sostenitori delle forme d’arte neoclassiche tradizionali e la nuova moda romantica. I neoclassici, sotto Étienne-Jean Delécluze difesero l’ideale classico e preferirono la forma accuratamente rifinita nei dipinti. I romantici, come Stendhal, criticavano i vecchi stili come eccessivamente formali e privi di ogni sentimento. Invece, hanno sostenuto le nuove sfumature espressive, idealistiche ed emotive dell’arte romantica. Un dibattito simile, anche se più sommesso, si è verificato anche in Inghilterra.

Uno dei maggiori critici in Inghilterra all’epoca era William Hazlitt, pittore e saggista. Scrisse del suo profondo piacere nell’arte e della sua convinzione che le arti potessero essere utilizzate per migliorare la generosità dello spirito e la conoscenza del mondo circostante. Era una delle marce in aumento dei critici inglesi che cominciarono a crescere a disagio con la direzione sempre più astratta che l’arte paesaggistica di J.M. W. Turner si stava muovendo dentro.

Uno dei grandi critici del 19 ° secolo fu John Ruskin. Nel 1843 pubblicò Pittori Moderni in cui difendeva con vigore il lavoro di J. W. W. Turner dei suoi critici, che accusò Turner di essere infedele alla natura. Attraverso un’analisi minuziosa e l’attenzione ai dettagli, Ruskin è stata in grado di dimostrare l’esatto opposto, in quello che lo storico dell’arte E. H. Gombrich ha definito “l’opera più ambiziosa della critica d’arte scientifica mai tentata”. Ruskin divenne famoso per la sua ricca e fluente prosa, e più tardi nella vita si diramò per diventare un critico attivo e di ampio respiro, pubblicando opere sull’architettura e sull’arte del Rinascimento, tra cui le Pietre di Venezia.

Un’altra figura dominante nella critica d’arte del 19 ° secolo, fu il poeta francese Charles Baudelaire, il cui primo lavoro pubblicato fu la sua rassegna d’arte Salon del 1845, che attirò l’attenzione immediata per la sua audacia. Molte delle sue opinioni critiche erano nuove nel loro tempo, incluso il suo campione di Eugène Delacroix. Quando la famosa Olympia di Édouard Manet (1865), ritratto di una cortigiana nuda, provocò uno scandalo per il suo sfacciato realismo, Baudelaire lavorò in privato per sostenere il suo amico. Sosteneva che “la critica dovrebbe essere parziale, appassionata, politica – vale a dire, formata da un punto di vista esclusivo, ma anche da un punto di vista che apre il maggior numero di orizzonti”. Ha cercato di spostare il dibattito dalle vecchie posizioni binarie dei decenni precedenti, dichiarando che “il vero pittore, sarà lui a strappare alla vita contemporanea il suo aspetto epico e farci vedere e capire, con il colore o nel disegno, quanto è grande e poetico siamo nelle nostre cravatte e nei nostri stivali levigati “.

Nel 1877, John Ruskin derise Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket dopo che l’artista, James McNeill Whistler, lo mostrò alla Grosvenor Gallery: “Ho visto e sentito parlare di impudenza di Cockney prima d’ora, ma non mi aspettavo di sentire un il coxcomb chiede a duecento ghinee di gettare un barattolo di vernice sul viso del pubblico. ” Questa critica provocò a Whistler di citare in giudizio il critico per diffamazione. Il caso giudiziario che ne risultò si rivelò una vittoria di Pirro per Whistler.

Inizio del ventesimo secolo
Verso la fine del 19 ° secolo un movimento verso l’astrazione, a differenza del contenuto specifico, iniziò a guadagnare terreno in Inghilterra, in particolare con il drammaturgo Oscar Wilde. All’inizio del XX secolo questi atteggiamenti formalmente si fondevano in una filosofia coerente, attraverso il lavoro dei membri del gruppo di Bloomsbury Roger Fry e Clive Bell. Come storico dell’arte negli anni 1890, Fry si incuriosì con la nuova arte modernista e il suo allontanamento dalla tradizionale rappresentazione. La sua mostra del 1910 su ciò che chiamò arte post-impressionista attirò molte critiche per il suo iconoclastia. Si difese vigorosamente in una conferenza, nella quale sostenne che l’arte si era mossa per tentare di scoprire il linguaggio della pura immaginazione, piuttosto che la svelta e, a suo parere, disonesta acquisizione scientifica del paesaggio. L’argomento di Fry si rivelò molto influente all’epoca, specialmente tra l’élite progressista. Virginia Woolf osservò che: “nel dicembre 1910 [la data in cui Fry diede la sua lezione] il carattere umano cambiò”.

Indipendentemente, e allo stesso tempo, Clive Bell ha sostenuto nel suo libro Art 1914 che tutte le opere d’arte hanno la sua particolare ‘forma significativa’, mentre l’argomento convenzionale era sostanzialmente irrilevante. Questo lavoro ha posto le basi per l’approccio formalista all’arte. Nel 1920, Fry sostenne che “è lo stesso per me se rappresento un Cristo o una casseruola poiché è la forma, e non l’oggetto stesso, che mi interessa”. Oltre ad essere un sostenitore del formalismo, ha sostenuto che il valore dell’arte risiede nella sua capacità di produrre un’esperienza estetica distintiva nello spettatore. un’esperienza che ha definito “emozione estetica”. Lo ha definito come quell’esperienza suscitata da una forma significativa. Ha anche suggerito che la ragione per cui proviamo emozioni estetiche in risposta alla forma significativa di un’opera d’arte è che percepiamo quella forma come espressione di un’esperienza che l’artista ha. L’esperienza dell’artista, a sua volta, suggeriva, era l’esperienza di vedere oggetti ordinari nel mondo come pura forma: l’esperienza che si ha quando si vede qualcosa non come un mezzo per qualcos’altro, ma come un fine in sé.

Herbert Read è stato un paladino di artisti britannici moderni come Paul Nash, Ben Nicholson, Henry Moore e Barbara Hepworth ed è stato associato al gruppo di arti contemporanee di Nash Unit One. Si concentrò sul modernismo di Pablo Picasso e Georges Braque e pubblicò un influente saggio del 1929 sul significato dell’arte in The Listener. Ha anche curato il Burlington Magazine (1933-38), che ha creato un trend e ha contribuito a organizzare l’Esposizione surrealista internazionale di Londra nel 1936.

Dal 1945
Come nel caso di Baudelaire nel 19 ° secolo, il fenomeno poeta-as-critico è apparso ancora una volta nel 20, quando il poeta francese Apollinaire divenne il campione del cubismo. Successivamente, lo scrittore e eroe della Resistenza francese, André Malraux, ha scritto ampiamente sull’arte, andando ben oltre i limiti della sua nativa Europa. La sua convinzione che l’avanguardia in America Latina risiedesse nel Muralismo messicano (Orozco, Rivera e Siqueiros) cambiò dopo il suo viaggio a Buenos Aires nel 1958. Dopo aver visitato gli studi di diversi artisti argentini in compagnia del giovane direttore del Museum of Modern Art di Buenos Aires Rafael Squirru, Malraux ha dichiarato la nuova avanguardia di mentire nei nuovi movimenti artistici argentini. Squirru, un poeta-critico che divenne direttore culturale dell’OAS a Washington, DC, durante gli anni ’60, fu l’ultimo ad intervistare Edward Hopper prima della sua morte, contribuendo a far rinascere l’interesse dell’artista americano.

Negli anni ’40 non c’erano solo poche gallerie (The Art of This Century) ma anche alcuni critici che erano disposti a seguire il lavoro della New York Vanguard. C’erano anche alcuni artisti con un background letterario, tra cui Robert Motherwell e Barnett Newman che fungevano anche da critici.

Sebbene New York e il mondo non avessero familiarità con le avanguardie di New York, alla fine degli anni ’40 la maggior parte degli artisti che sono diventati nomi di famiglia oggi avevano i loro ben consolidati critici patroni. Clement Greenberg sosteneva Jackson Pollock ei pittori del campo dei colori come Clyfford Still, Mark Rothko, Barnett Newman, Adolph Gottlieb e Hans Hofmann. Harold Rosenberg sembrava preferire i pittori d’azione come Willem de Kooning e Franz Kline. Thomas B. Hess, il caporedattore di ARTnews, ha sostenuto Willem de Kooning.

I nuovi critici hanno elevato i loro protetti con il casting di altri artisti come “seguaci” o ignorando coloro che non hanno raggiunto il loro obiettivo promozionale. Per esempio, nel 1958, Mark Tobey “è diventato il primo pittore americano da Whistler (1895) a vincere il primo premio alla Biennale di Venezia, le due principali riviste d’arte di New York non erano interessate. e Art News (Managing editor: Thomas B. Hess) lo ha completamente ignorato: il New York Times e Life hanno stampato articoli di approfondimento “.

Barnett Newman, un ex membro del gruppo Uptown ha scritto prefazioni e revisioni di catalogo e alla fine degli anni ’40 è diventato artista espositore alla Betty Parsons Gallery. La sua prima mostra personale fu nel 1948. Poco dopo la sua prima esibizione, Barnett Newman fece notare in una delle Session d’artisti allo Studio 35: “Siamo in procinto di rendere il mondo, in una certa misura, a nostra immagine”. Utilizzando le sue capacità di scrittura, Newman ha combattuto in ogni modo per consolidare la sua nuova immagine di artista e promuovere il suo lavoro. Un esempio è la sua lettera a Sidney Janis del 9 aprile 1955:

È vero che Rothko parla con il combattente. Combatte, tuttavia, per sottomettersi al mondo filisteo. La mia lotta contro la società borghese ha comportato il totale rifiuto di essa.

La persona che si pensava avesse più a che fare con la promozione di questo stile era un trotzkista di New York, Clement Greenberg. Da lungo tempo critico d’arte per il Partisan Review e The Nation, è diventato uno dei primi e letterati sostenitori dell’Espressionismo Astratto. L’artista Robert Motherwell, benestante, si unì a Greenberg per promuovere uno stile che si adattava al clima politico e alla ribellione intellettuale dell’epoca.

Clement Greenberg proclamò l’espressionismo astratto e Jackson Pollock in particolare come l’epitome del valore estetico. Greenberg sostenne che il lavoro di Pollock su basi formali fosse semplicemente il miglior dipinto del suo tempo e il culmine di una tradizione artistica che passava attraverso Cubismo e Cézanne a Monet, in cui la pittura diventava sempre più “pura” e più concentrata in ciò che era “essenziale” , la realizzazione di segni su una superficie piana.

Il lavoro di Jackson Pollock ha sempre polarizzato i critici. Harold Rosenberg ha parlato della trasformazione della pittura in un dramma esistenziale nell’opera di Pollock, in cui “ciò che doveva andare sulla tela non era un quadro ma un evento”. “Il grande momento arrivò quando fu deciso di dipingere ‘solo per dipingere’. Il gesto sulla tela era un gesto di liberazione dal valore politico, estetico, morale”.

Uno dei critici più vocalici dell’Espressionismo Astratto all’epoca era il critico d’arte del New York Times, John Canaday. Meyer Schapiro e Leo Steinberg erano anche importanti storici dell’arte del dopoguerra che esprimevano il loro sostegno all’espressionismo astratto. Durante la prima metà degli anni Sessanta, i giovani critici d’arte Michael Fried, Rosalind Krauss e Robert Hughes aggiunsero considerevoli intuizioni sulla dialettica critica che continua a crescere attorno all’espressionismo astratto.

Critico d ‘arte
Il critico d’arte, o critico d’arte e cultura, è un professionista che può essere un tecnico o un laureato, insegnante, insegnante o master, o autodidatta (conoscitore), nelle principali aree della storia dell’arte, critica d’arte e tutto ciò che riguarda il ambiente artistico-plastico e culturale di un paese o di una regione. Edgar Allan Poe e Charles Baudelaire sono considerati tra i primi critici d’arte. Il critico d’arte ha un profilo addestrato per analizzare tutto ciò che riguarda Arte e Cultura, quindi include un’analisi delle opere d’arte nello spazio, nel tempo e nella tendenza, da qui il nome di “critica” dell’arte, dalle descrizioni che devono fare entrambe le cose per via orale e scritta. Di solito è considerato il più soggettivo di tutte le discipline legate allo studio dell’arte perché è valutativo; cioè emette un giudizio di carattere personale rispetto a un’opera.

Alcune domande molto generali a cui il critico cerca di rispondere sono:

Qual è il motivo e il tema di una particolare opera d’arte?
Come sono state create le illusioni spaziali e del volume?
Quali idee e / o emozioni sono espresse?
Il critico d’arte può ulteriormente estendere le sue conoscenze o deduzioni, ed essere uno scrittore d’arte, studiare frammenti letterari di altri critici d’arte e storici della cultura. Ecco perché il critico d’arte e cultura può essere un animatore visionario, letterario e culturale, responsabile delle rotte che le tendenze e i movimenti artistici possono intraprendere.

Critico dell’arte giornalistica
C’è il critico d’arte giornalistico, che, a differenza del critico d’arte in quanto tale, ha iniziato con la comunicazione o il giornalismo e ha finito per fare critiche artistiche nei media. Sebbene sia emerso di recente nel XXI secolo, non limita che possa essere incluso nel critico d’arte culturale e viceversa. Ciò è possibile al momento a causa dei grandi cambiamenti di personalità del critico d’arte, del progresso e dello sviluppo dei media e delle nuove tecnologie nell’età contemporanea. Il critico d’arte giornalistico è incluso in un’ampia varietà di materie artistiche aggiuntive e molto diverse da quelle del critico d’arte culturale, come cinema, intrattenimento, TV, radio, ecc.

Critica d’arte femminista
La critica d’arte femminista è emersa negli anni ’70 dal più ampio movimento femminista come esame critico di entrambe le rappresentazioni visive delle donne nell’arte e nell’arte prodotta dalle donne. Continua a essere un importante campo di critica d’arte.

Oggi
I critici d’arte oggi lavorano non solo su carta stampata e su riviste specializzate d’arte e giornali. I critici d’arte appaiono anche su Internet, TV e radio, così come nei musei e nelle gallerie. Molti sono anche impiegati nelle università o come educatori d’arte per i musei. I critici d’arte curano le mostre e sono spesso impiegati per scrivere cataloghi di mostre. I critici d’arte hanno una propria organizzazione, un’organizzazione non governativa dell’UNESCO, chiamata Associazione internazionale dei critici d’arte che ha circa 76 sezioni nazionali e una sezione politica non allineata per rifugiati ed esuli.

Blog d’arte
Dall’inizio del XXI secolo, i siti web e i blog d’arte online importanti sono sorti in tutto il mondo per aggiungere le loro voci al mondo dell’arte. Molti di questi scrittori utilizzano risorse di social media come Facebook, Twitter, Tumblr e Google+ per presentare ai lettori le loro opinioni sulla critica d’arte.