Postmoderne Literatur ist Literatur, die sich auf narrative Techniken wie Fragmentierung, Paradoxie und den unzuverlässigen Erzähler stützt; und wird oft (wenn auch nicht ausschließlich) als Stil oder Trend definiert, der in der Zeit nach dem Zweiten Weltkrieg entstand. Postmoderne Werke werden als Antwort auf die dogmatische Verfolgung des aufklärerischen Denkens und der modernistischen Ansätze in der Literatur gesehen.

Postmoderne Literatur neigt wie die Postmoderne insgesamt dazu, der Definition oder Klassifikation als „Bewegung“ zu widerstehen. Tatsächlich hat die Konvergenz der postmodernen Literatur mit verschiedenen Formen kritischer Theorie, insbesondere Leser-Antwort und dekonstruktivistischer Ansätze, und die Subversion des impliziten Vertrags zwischen Autor, Text und Leser, durch die seine Werke oft charakterisiert werden, zu vormodernen Fiktionen geführt so wie Cervantes ‚Don Quijote (1605, 1615) und Laurence Sternes Satire des achtzehnten Jahrhunderts, Tristram Shandy, rückblickend von einigen als frühe Beispiele der postmodernen Literatur betrachtet werden.

Während über die genauen Eigenschaften, den Umfang und die Bedeutung der postmodernen Literatur, wie es häufig bei künstlerischen Bewegungen der Fall ist, wenig Konsens besteht, wird die postmoderne Literatur im Allgemeinen in Bezug auf einen Vorläufer definiert. Vor allem postmoderne Autoren reagieren auf die Regeln der Moderne und agieren oft als literarische „Bricoleure“, die Formen und Stile paradieren, die mit modernen (und anderen) Schriftstellern und Künstlern verbunden sind. Postmoderne Werke neigen auch dazu, den Zufall über das Handwerk zu feiern, und setzen die Metafiktion weiter ein, um die Autorität oder Authentizität des Textes zu untergraben. Ein weiteres Merkmal der postmodernen Literatur ist die Infragestellung von Unterschieden zwischen hoher und niedriger Kultur durch die Verwendung von Pastiche, die Kombination von Themen und Genres, die bisher nicht für literaturgerecht gehalten wurde.

Hintergrund

Bemerkenswerte Einflüsse
Dramatiker, die am Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts arbeiteten, deren Gedanken und Arbeit einen Einfluss auf die Ästhetik der Postmoderne ausüben würden, sind der schwedische Dramatiker August Strindberg, der italienische Autor Luigi Pirandello und der deutsche Dramatiker und Theoretiker Bertolt Brecht. In den 1910er Jahren feierten Künstler, die mit dem Dadaismus zu tun hatten, Zufall, Parodie, Verspieltheit und forderten die Autorität des Künstlers heraus [Klärung erforderlich] Tristan Tzara behauptete in „Wie man ein dadaistisches Gedicht macht“, dass man ein dadaistisches Gedicht schaffen müsse zufällige Wörter in einem Hut und ziehen sie eins nach dem anderen heraus. Eine andere Art und Weise, wie der Dadaismus die postmoderne Literatur beeinflusste, war die Entwicklung von Collagen, insbesondere Collagen, die Elemente aus Reklame oder Illustrationen aus populären Romanen verwendeten (zum Beispiel die Collagen von Max Ernst). Mit dem Surrealismus assoziierte Künstler, die sich aus dem Dadaismus entwickelten, experimentierten weiter mit Zufall und Parodie, während sie den Fluss des Unterbewusstseins feierten. André Breton, der Begründer des Surrealismus, schlug vor, dass der Automatismus und die Beschreibung von Träumen eine größere Rolle bei der Schaffung von Literatur spielen sollten. Er verwendete den Automatismus, um seinen Roman Nadja zu schaffen, und benutzte Fotografien, um die Beschreibung als eine Parodie auf die allzu beschreibenden Romanciers zu ersetzen, die er oft kritisierte. Die Experimente des Surrealisten René Magritte mit der Bedeutung werden von Jacques Derrida und Michel Foucault als Beispiele verwendet. Foucault verwendet auch Beispiele von Jorge Luis Borges, ein wichtiger direkter Einfluss auf viele postmoderne Fiktion Autoren. Er wird gelegentlich als Postmodernist aufgeführt, obwohl er in den 1920er Jahren zu schreiben begann. Der Einfluss seiner Experimente mit Metafiktion und magischem Realismus wurde in der anglo-amerikanischen Welt erst in der postmodernen Periode voll verwirklicht. Letztendlich wird dies als die höchste Schichtung von Kritik unter Gelehrten angesehen.

Andere Romane des frühen 20. Jahrhunderts wie Raymond Roussels Impressions d’Afrique (1910) und Locus Solus (1914) und Giorgio de Chiricos Hebdomeros (1929) wurden ebenfalls als wichtige „postmoderne Vorläufer“ identifiziert.

Vergleiche mit der Literatur der Moderne
Sowohl die moderne als auch die postmoderne Literatur stellen eine Abkehr vom Realismus des 19. Jahrhunderts dar. In der Charakterentwicklung erforschen sowohl die moderne als auch die postmoderne Literatur den Subjektivismus, indem sie sich von der äußeren Realität zu inneren Bewusstseinszuständen bewegen und in vielen Fällen auf modernistische Beispiele des Virginia Woolf und James Joyce oder explorative Gedichte wie Waste Land von TS Eliot. Darüber hinaus erforschen sowohl die moderne als auch die postmoderne Literatur Fragmentarismen in der Erzähl- und Charakterkonstruktion. Das Abfallland wird oft als Mittel zur Unterscheidung von moderner und postmoderner Literatur angeführt. Das Gedicht ist fragmentarisch und verwendet Pastiche wie viel postmoderne Literatur, aber der Sprecher in The Waste Land sagt: „Diese Fragmente habe ich gegen meine Ruinen getragen“. Die modernistische Literatur sieht Fragmentierung und extreme Subjektivität als eine existenzielle Krise oder Freudschen internen Konflikt, ein Problem, das gelöst werden muss, und der Künstler wird oft als derjenige zitiert, um es zu lösen. Die Postmodernisten zeigen jedoch oft, dass dieses Chaos unüberwindbar ist; der Künstler ist impotent, und die einzige Möglichkeit gegen „Ruin“ ist es, innerhalb des Chaos zu spielen. Verspieltheit ist in vielen Werken der Moderne präsent (Joyce Finnegans Wake oder Virginia Woolfs Orlando, zum Beispiel) und sie scheinen postmodernen Arbeiten sehr ähnlich zu sein, aber mit Postmoderne wird Verspieltheit zentral und die tatsächliche Erfüllung von Ordnung und Bedeutung wird unwahrscheinlich. Gertrude Steins spielerisches Experiment mit Metafiktion und Genre in Die Autobiographie von Alice B. Toklas (1933) wurde als postmodern interpretiert.

Übergang zur Postmoderne
Wie bei allen stilistischen Epochen gibt es keine eindeutigen Daten für den Aufstieg und Fall der Popularität des Postmodernismus. 1941, das Jahr, in dem der irische Schriftsteller James Joyce und die englische Schriftstellerin Virginia Woolf beide gestorben sind, wird manchmal als grobe Grenze für den Beginn des Postmodernismus benutzt. Der irische Schriftsteller Flann O’Brien vollendete 1939 The Third Policeman. Er wurde zur Veröffentlichung zurückgewiesen und blieb vermutlich bis zu seinem posthum veröffentlichten Erscheinen im Jahr 1967 verloren. Eine überarbeitete Version mit dem Titel The Dalkey Archive wurde vor dem Original 1964 veröffentlicht, zwei Jahre vor O’Briens Tod . Der Literaturtheoretiker Keith Hopper betrachtet den Dritten Polizisten trotz seines langatmigen Aussehens als eines der ersten jener Gattung, die sie den postmodernen Roman nennen.

Das Präfix „post“ bedeutet jedoch nicht notwendigerweise eine neue Ära. Es könnte vielmehr auch eine Reaktion auf den Modernismus im Gefolge des Zweiten Weltkriegs sein (mit seiner Missachtung der Menschenrechte, die gerade in der Genfer Konvention bestätigt wurde, durch die Vergewaltigung von Nanking, den Bataan Death March, die Atombombenabwürfe von Hiroshima und Nagasaki, der Holocaust, die Bombardierung von Dresden, die Bombardierung von Tokio und die japanisch-amerikanische Internierung). Es könnte auch eine Reaktion auf bedeutende Nachkriegsereignisse bedeuten: den Beginn des Kalten Krieges, die Bürgerrechtsbewegung, den Postkolonialismus (postkoloniale Literatur) und den Aufstieg des Personalcomputers (Cyberpunk-Fiktion und Hypertext-Fiktion).

Nachkriegsentwicklungen und Übergangszahlen
Obwohl die postmoderne Literatur nicht alles umfasst, was in der postmodernen Periode geschrieben wurde, haben einige Nachkriegsentwicklungen in der Literatur (wie das Theater des Absurden, die Beat-Generation und der magische Realismus) signifikante Ähnlichkeiten. Diese Entwicklungen werden gelegentlich kollektiv als „postmodern“ bezeichnet; häufiger werden einige Schlüsselfiguren (Samuel Beckett, William S. Burroughs, Jorge Luis Borges, Julio Cortázar und Gabriel García Márquez) als wichtige Beiträge zur postmodernen Ästhetik zitiert.

Die Werke von Jarry, den Surrealisten, Antonin Artaud, Luigi Pirandello und anderen beeinflussten auch die Arbeit der Dramatiker des Absurden Theaters. Der Begriff „Theater des Absurden“ wurde von Martin Esslin geprägt, um eine Tendenz im Theater in den 1950er Jahren zu beschreiben; Er erzählte es Albert Camus ‚Konzept des Absurden. Die Stücke des Theaters der absurden parallel postmodernen Fiktion in vielerlei Hinsicht. Zum Beispiel ist The Bald Soprano von Eugène Ionesco im Wesentlichen eine Reihe von Klischees, die einem Sprachlehrbuch entnommen sind. Eine der wichtigsten Figuren, die sowohl als absurd als auch als postmodern einzustufen sind, ist Samuel Beckett. Die Arbeit von Samuel Beckett wird oft als der Übergang von der Moderne zur Postmoderne in der Literatur bezeichnet. Wegen seiner Freundschaft mit James Joyce war er eng mit der Moderne verbunden; Seine Arbeit hat jedoch dazu beigetragen, die Entwicklung der Literatur weg von der Moderne zu gestalten. Joyce, einer der Vorbilder der Moderne, feierte die Möglichkeit der Sprache; Beckett hatte 1945 eine Enthüllung, dass er, um dem Schatten von Joyce zu entgehen, sich auf die Armut von Sprache und Menschen als Versagen konzentrieren musste.

Die „Beat Generation“ war die Jugend Amerikas während der materialistischen 1950er Jahre; Jack Kerouac, der den Begriff prägte, entwickelte Ideen des Automatismus zu dem, was er „spontane Prosa“ nannte, um ein maximalistisches, multi-romanisches Epos namens Duluoz Legend in der Form von Marcel Prousts In Search of Lost Time zu schaffen. Im weiteren Sinne umfasst „Beat Generation“ oft mehrere Gruppen amerikanischer Nachkriegsautoren aus den Black Mountain Poets, der New York School, der San Francisco Renaissance und so weiter. Diese Autoren wurden gelegentlich auch als „Postmodern“ bezeichnet (siehe insbesondere Referenzen von Charles Olson und die von Donald Allen herausgegebenen Grove-Anthologien). Obwohl dies heute eine weniger gebräuchliche Verwendung von „postmodern“ ist, tauchen immer noch Hinweise auf diese Autoren als „Postmodernisten“ auf, und viele mit dieser Gruppe assoziierte Autoren (John Ashbery, Richard Brautigan, Gilbert Sorrentino usw.) erscheinen oft auf Listen der Postmoderne Schriftsteller. Ein Autor der Beat Generation, der am häufigsten auf Listen von postmodernen Autoren erscheint, ist William S.

Magischer Realismus ist eine Technik, die unter Lateinamerikanern populär ist (und auch als eigenes Genre betrachtet werden kann), in der übernatürliche Elemente als banal behandelt werden (ein berühmtes Beispiel dafür ist die praktisch denkende und letztlich abweisende Behandlung einer scheinbar engelhaften Figur in Gabriel García Márquez) „Ein sehr alter Mann mit enormen Flügeln“). Obwohl die Technik ihre Wurzeln im traditionellen Geschichtenerzählen hat, war sie ein Kernstück des lateinamerikanischen „Booms“, einer Bewegung, die mit der Postmoderne zusammenhängt. Einige der Hauptfiguren des „Booms“ und die Vertreter des magischen Realismus (Gabriel García Márquez, Julio Cortázar usw.) werden manchmal als Postmodernisten aufgeführt. Diese Kennzeichnung ist jedoch nicht ohne Probleme. Im spanischsprachigen Lateinamerika beziehen sich Modernismo und Postmodernismo auf Literaturbewegungen des frühen 20. Jahrhunderts, die keine direkte Beziehung zur Moderne und Postmoderne im Englischen haben. Octavio Paz hat es als anachronistisch bezeichnet und argumentiert, dass der Postmodernismus ein importierter Grand-Récit sei, der mit der kulturellen Produktion Lateinamerikas unvereinbar sei.

Umfang
Die Postmoderne in der Literatur ist keine organisierte Bewegung mit Führern oder zentralen Figuren; daher ist es schwieriger zu sagen, ob es zu Ende ist oder wann es enden wird (im Vergleich zum Beispiel, das Ende der Moderne mit dem Tod von Joyce oder Woolf zu erklären). Die Postmoderne erreichte ihren Höhepunkt in den 1960er und 1970er Jahren mit der Veröffentlichung von Catch-22 im Jahr 1961, Lost im Funhouse 1968, Slaughterhouse-Five im Jahr 1969 und vielen anderen. Thomas Pynchons 1973er Roman Gravity’s Rainbow wird „oft als der postmoderne Roman betrachtet, der sowohl die Postmoderne als auch den Roman im Allgemeinen neu definiert“.

Einige erklärten den Tod der Postmoderne in den 1980er Jahren mit einer neuen Welle von Realismus, die von Raymond Carver vertreten und inspiriert wurde. Tom Wolfe in seinem 1989 erschienenen Artikel „Stalking the Billion-Footed Beast“ forderte eine neue Betonung des Realismus in der Fiktion, um die Postmoderne zu ersetzen. Mit dieser neuen Betonung des Realismus erklärten einige [wer?] White Noise 1985 oder The Satanic Verses 1988 zu den letzten großen Romanen der postmodernen Ära.

Gemeinsame Themen und Techniken
Verschiedene Themen und Techniken weisen auf das Schreiben in der Postmoderne hin. Diese Themen und Techniken, die unten diskutiert werden, werden oft zusammen verwendet. Zum Beispiel werden Metafiktion und Pastiche oft für Ironie verwendet. Diese werden nicht von allen Postmodernisten benutzt, noch ist dies eine exklusive Liste von Features.

Ironie, Verspieltheit, schwarzer Humor
Linda Hutcheon behauptete, dass postmoderne Fiktion als Ganzes durch die ironischen Anführungszeichen gekennzeichnet sein könnte, dass vieles davon als ironisch betrachtet werden kann. Diese Ironie, zusammen mit dem schwarzen Humor und dem allgemeinen Konzept des „Spiels“ (das mit Derridas Konzept oder den Ideen von Roland Barthes in The Pleasure of the Text zusammenhängt) zählen zu den bekanntesten Aspekten der Postmoderne. Obwohl die Idee, diese in der Literatur zu verwenden, nicht mit den Postmodernisten begann (die Modernisten waren oft verspielt und ironisch), wurden sie zu zentralen Merkmalen vieler postmoderner Arbeiten. Tatsächlich wurden mehrere später postmodern zu benennende Romanautoren zuerst kollektiv als schwarze Humoristen bezeichnet: John Barth, Joseph Heller, William Gaddis, Kurt Vonnegut, Bruce Jay Friedman usw. Es ist üblich, dass Postmodernisten ernste Themen auf spielerische und humorvolle Weise behandeln: zum Beispiel, wie Heller und Vonnegut auf die Ereignisse des Zweiten Weltkriegs eingehen. Das zentrale Konzept von Joseph Hellers Catch-22 ist die Ironie des jetzt idiomatischen „Catch-22“, und die Erzählung ist um eine lange Reihe von ähnlichen Ironien strukturiert. Vor allem Thomas Pynchons „The Crying of Lot 49“ ist ein Paradebeispiel für Verspieltheit, oft mit albernen Wortspielen, in einem ernsthaften Kontext. Zum Beispiel enthält es Charaktere wie Mike Fallopian und Stanley Koteks und eine Radiostation namens KCUF, während der Roman als Ganzes ein ernstes Thema und eine komplexe Struktur hat.

Intertextualität
Da die Postmoderne ein dezentriertes Konzept des Universums darstellt, in dem einzelne Werke keine isolierten Schöpfungen sind, liegt der Schwerpunkt der Erforschung der postmodernen Literatur auf der Intertextualität: der Beziehung zwischen einem Text (zum Beispiel einem Roman) und einem anderen oder einem Text innerhalb der Gewebe der Literaturgeschichte. Intertextualität in der postmodernen Literatur kann eine Referenz oder Parallele zu einem anderen literarischen Werk sein, eine ausgedehnte Diskussion einer Arbeit oder die Übernahme eines Stils. In der postmodernen Literatur manifestiert sich dies in der Regel als Hinweis auf Märchen – wie in Werken von Margaret Atwood, Donald Barthelme und vielen anderen – oder in Bezug auf populäre Genres wie Sci-Fi und Detektivfiktion. Ein Beispiel für Intertextualität des frühen 20. Jahrhunderts, das spätere Postmodernisten beeinflusste, ist „Pierre Menard, Autor des Quijote“ von Jorge Luis Borges, eine Geschichte mit bedeutendem Bezug auf Don Quijote, der auch ein gutes Beispiel für Intertextualität mit seinen Verweisen auf mittelalterliche Romanzen ist.

Pastiche
In Bezug auf postmoderne Intertextualität bedeutet Pastiche, mehrere Elemente zu kombinieren oder „zusammenzufügen“. In der postmodernen Literatur kann dies eine Hommage an oder eine Parodie vergangener Stile sein. Es kann als eine Darstellung der chaotischen, pluralistischen oder informationsgeprägten Aspekte der postmodernen Gesellschaft gesehen werden. Es kann eine Kombination mehrerer Genres sein, um eine einzigartige Erzählung zu schaffen oder um Situationen in der Postmoderne zu kommentieren: William S. Burroughs verwendet zum Beispiel Science-Fiction, Kriminalromane, Western; Margaret Atwood verwendet Science-Fiction und Märchen; Giannina Braschi mischt Poesie, Werbung, Musical, Manifest und Drama; Umberto Eco verwendet Kriminalromane, Märchen und Science-Fiction, Derek Pell stützt sich auf Collagen- und Noir-Detektiv, Erotik, Reiseführer und Anleitungen, und so weiter. Obwohl Pastiche häufig die Mischung von Genres beinhaltet, sind auch viele andere Elemente enthalten (Metafiktion und zeitliche Verzerrung sind in der breiteren Pastiche des postmodernen Romans üblich). In Robert Coovers Roman „The Public Burning“ von 1977 mischt Coover historisch ungenaue Berichte von Richard Nixon, die mit historischen Figuren und fiktionalen Charakteren wie Uncle Sam und Betty Crocker interagieren. Pastiche kann stattdessen eine Kompositionstechnik beinhalten, zum Beispiel die von Burroughs angewandte Cut-up-Technik. Ein anderes Beispiel ist BS Johnsons Roman The Unfortunates von 1969; es wurde in einer Kiste ohne Bindung veröffentlicht, so dass die Leser es zusammenstellen konnten, wie sie wollten.

Metafiktion
Metafiction schreibt im Wesentlichen über das Schreiben oder „den Apparat im Vordergrund“, wie es für dekonstruktivistische Ansätze typisch ist, die Künstlichkeit der Kunst oder die Fiktionalität der Fiktion für den Leser sichtbar macht und die Notwendigkeit „williger Aussetzung des Unglaubens“ im allgemeinen mißachtet. Zum Beispiel schreiben die postmoderne Sensibilität und Metafiktion vor, dass Werke der Parodie die Idee der Parodie selbst parodieren sollten.

Metafiktion wird oft eingesetzt, um die Autorität des Autors zu unterminieren, für unerwartete narrative Verschiebungen, um eine Geschichte in einzigartiger Weise voranzutreiben, für emotionale Distanz oder um den Akt des Geschichtenerzählens zu kommentieren. Zum Beispiel Italo Calvinos 1979er Roman Wenn in einer Winternacht ein Reisender über einen Leser versucht, einen Roman des gleichen Namens zu lesen. Kurt Vonnegut verwendete diese Technik auch häufig: Das erste Kapitel seines 1969 erschienenen Romans Slaughterhouse-Five handelt vom Prozess des Schreibens des Romans und macht auf seine eigene Anwesenheit während des Romans aufmerksam. Obwohl ein Großteil des Romans mit Vonneguts eigenen Erfahrungen während des Brandanschlags auf Dresden zu tun hat, weist Vonnegut immer wieder auf die Künstlichkeit des zentralen Erzählbogens hin, der offensichtlich fiktive Elemente wie Aliens und Zeitreisen enthält. In ähnlicher Weise erzählt Tim O’Briens Roman / Story-Kollektion „The Things She Carried“ von 1990 über die Erfahrungen eines Zuges während des Vietnamkriegs mit einer Figur namens Tim O’Brien; Obwohl O’Brien ein Vietnam-Veteran war, ist das Buch ein Werk der Fiktion und O’Brien stellt die Fiktionalität der Charaktere und Vorfälle im ganzen Buch in Frage. Eine Geschichte in dem Buch „Wie man eine wahre Kriegsgeschichte erzählt“ stellt das Wesen des Geschichtenerzählens in Frage. Das Nacherzählen von Kriegsgeschichten, so sagt der Erzähler, wäre unglaublich, und heroische, moralische Kriegsgeschichten erfassen nicht die Wahrheit. Ein anderes Beispiel ist David Foster Wallaces The Pale King, in dem er behauptete, dass die Copyright-Seite nur behauptete, es sei eine Fiktion für legale Zwecke, und dass alles innerhalb des Romans keine Fiktion sei. Er verwendet auch eine Figur in dem Roman namens David Foster Wallace.

Fabulation
Fabulation ist ein Begriff, der manchmal synonym mit Metafiktion verwendet wird und sich auf Pastiche und magischen Realismus bezieht. Es ist eine Ablehnung des Realismus, die die Vorstellung umfasst, dass Literatur ein geschaffenes Werk ist und nicht an Vorstellungen von Mimesis und Wahrscheinlichkeit gebunden ist. So stellt die Fabulation einige traditionelle Begriffe der Literatur in Frage – die traditionelle Struktur eines Romans oder die Rolle des Erzählers zum Beispiel – und integriert andere traditionelle Konzepte des Geschichtenerzählens, einschließlich fantastischer Elemente wie Magie und Mythos oder Elemente populärer Genres wie Science-Fiction. Nach einigen Berichten wurde der Begriff von Robert Scholes in seinem Buch The Fabulators geprägt. Starke Beispiele der Fabulation in der zeitgenössischen Literatur finden sich in Giannina Braschis „United States of Banana“ und Salman Rushdies Harun und dem Meer der Geschichten.

Poioumena
Poioumenon (Plural: poioumena; aus dem Altgriechischen: ποιούμενον, „Produkt“) ist ein von Alastair Fowler geprägter Begriff, der sich auf eine bestimmte Art von Metafiktion bezieht, in der es um den Prozess der Schöpfung geht. Laut Fowler „ist der Poioumenon dazu bestimmt, Möglichkeiten zu bieten, die Grenzen von Fiktion und Realität zu erforschen – die Grenzen der narrativen Wahrheit.“ In vielen Fällen geht es in dem Buch um den Entstehungsprozess des Buches oder um eine zentrale Metapher für diesen Prozess. Typische Beispiele dafür sind Thomas Carlyles Sartor Resartus und Laurence Sternes Tristram Shandy, in dem es um den frustrierten Versuch des Erzählers geht, seine eigene Geschichte zu erzählen.

Historiographische Metafiktion
Linda Hutcheon prägte den Begriff „historiographic metafiction“, um sich auf Werke zu beziehen, die tatsächliche historische Ereignisse oder Figuren fiktionalisieren; Bemerkenswerte Beispiele sind der General in seinem Labyrinth von Gabriel García Márquez (über Simón Bolívar), Flauberts Papagei von Julian Barnes (über Gustave Flaubert), Ragtime von EL Doctorow (mit so historischen Figuren wie Harry Houdini, Henry Ford, Erzherzog Franz Ferdinand von Österreich, Booker T. Washington, Sigmund Freud, Carl Jung) und Rabih Alameddines Koolaids: Die Kunst des Krieges, die auf den libanesischen Bürgerkrieg und verschiedene politische Persönlichkeiten des wirklichen Lebens verweist. Thomas Pynchons Mason und Dixon verwenden dieses Konzept ebenfalls; Zum Beispiel ist eine Szene mit George Washington Rauchen von Marihuana enthalten. Ähnlich verhält sich John Fowles mit der viktorianischen Zeit in der französischen Lieutenant’s Woman. Kurt Vonneguts Slaughterhouse-Five soll eine metafiktionale, „janusköpfige“ Perspektive haben, in der der Roman versucht, sowohl die tatsächlichen historischen Ereignisse aus dem Zweiten Weltkrieg darzustellen, als auch die Vorstellung, genau das zu tun, problematisiert .

Zeitliche Verzerrung
Dies ist eine gängige Technik in der Fiktion der Moderne: Fragmentierung und nichtlineare Erzählungen sind zentrale Merkmale in der modernen und postmodernen Literatur. Zeitverzerrungen in der postmodernen Fiktion werden auf vielfältige Weise genutzt, oft aus Gründen der Ironie. Historiographische Metafiktion (siehe oben) ist ein Beispiel dafür. Verzerrungen in der Zeit sind zentrale Merkmale in vielen von Kurt Vonneguts nichtlinearen Romanen, von denen der berühmteste vielleicht Billy Pilgrim in Slaughterhouse-Five ist, der sich „in der Zeit löst“. Im Flug nach Kanada handelt Ishmael Reed spielerisch mit Anachronismen, Abraham Lincoln zum Beispiel mit einem Telefon. Die Zeit kann sich auch überlappen, wiederholen oder in mehrere Möglichkeiten verzweigen. Zum Beispiel in Robert Coovers „The Babysitter“ von Pricksongs & Descants stellt der Autor mehrere mögliche Ereignisse gleichzeitig vor – in einem Abschnitt wird der Babysitter ermordet, während in einem anderen Abschnitt nichts geschieht und so weiter – dennoch wird keine Version der Geschichte bevorzugt die richtige Version.

magischer Realismus
Magischer Realismus mag ein literarisches Werk sein, das durch die Verwendung von immer noch scharf abgegrenzten, geschmeidig gemalten Bildern von surrealistisch dargestellten Figuren und Objekten gekennzeichnet ist. Die Themen und Themen sind oft imaginär, etwas abwegig und fantastisch und mit einer gewissen traumähnlichen Qualität. Einige der charakteristischen Merkmale dieser Art von Fiktion sind die Vermischung und Gegenüberstellung der realistischen und der phantastischen oder bizarren, geschickten Zeitverschiebungen, verschlungenen und sogar labyrinthischen Erzählungen und Plots, verschiedene Verwendung von Träumen, Mythen und Märchen, expressionistisch und sogar surrealistisch Beschreibung, arkane Gelehrsamkeit, das Element der Überraschung oder des plötzlichen Schocks, des Schreckens und des Unerklärlichen. Es wurde zum Beispiel auf die Arbeit von Jorge Luis Borges angewendet, dem Argentinier, der 1935 seine Historia universal de la infamia veröffentlichte, die von vielen als das erste Werk des magischen Realismus betrachtet wird. Der kolumbianische Romancier Gabriel García Márquez gilt auch als ein bemerkenswerter Vertreter dieser Art von Fiktion – insbesondere sein Roman Hundert Jahre Einsamkeit. Der Kubaner Alejo Carpentier ist ein anderer, der als „magischer Realist“ beschrieben wird. Postmodernisten wie Salman Rushdie und Italo Calvino verwenden häufig den magischen Realismus in ihrer Arbeit. Eine Fusion von Fabulismus mit magischem Realismus zeigt sich in amerikanischen Kurzgeschichten des frühen 21. Jahrhunderts wie Kevin Brockmeiers „The Ceiling“, Dan Chaons „Big Me“, Jacob M. Appels „Exposure“ und Elizabeth Gravers „The Mourning Door“.

Technokultur und Hyperrealität
Fredric Jameson nannte die Postmoderne die „kulturelle Logik des Spätkapitalismus“. Der „Spätkapitalismus“ impliziert, dass die Gesellschaft über das Industriezeitalter hinaus in das Informationszeitalter eingetreten ist. Ebenso behauptete Jean Baudrillard, die Postmoderne sei durch eine Verschiebung in Hyperrealität definiert worden, in der Simulationen das Reale ersetzt hätten. In der Postmoderne werden Menschen mit Informationen überflutet, Technologie ist in vielen Leben zu einem zentralen Fokus geworden, und unser Verständnis des Realen wird durch Simulationen des Realen vermittelt. Viele Werke der Fiktion haben sich mit charakteristischer Ironie und Nachahmung mit diesem Aspekt der Postmoderne auseinandergesetzt. Zum Beispiel präsentiert Don DeLillos White Noise Charaktere, die mit einem „weißen Rauschen“ des Fernsehens, Produktmarken und Klischees bombardiert werden. Die Cyberpunk-Fiktion von William Gibson, Neal Stephenson und vielen anderen verwendet Science-Fiction-Techniken, um diesen postmodernen, hyperrealen Informationsbombardement anzugehen.

Paranoia
Vielleicht am bekanntesten und effektivsten in Joseph Hellers Catch-22, dem Gefühl der Paranoia, dem Glauben, dass hinter dem Chaos der Welt ein Ordnungssystem steckt, ist ein weiteres wiederkehrendes postmodernes Thema. Für den Postmodernisten ist keine Ordnung extrem vom Subjekt abhängig, so dass die Paranoia oft die Grenze zwischen Täuschung und brillanter Einsicht überschreitet. Pynchons The Crying of Lot 49, lange Zeit als Prototyp der postmodernen Literatur betrachtet, stellt eine Situation dar, die „Zufall oder Verschwörung – oder ein grausamer Scherz“ sein könnte. Dies fällt oft mit dem Thema Technokultur und Hyperrealität zusammen. Zum Beispiel wird in „Breakfast of Champions“ von Kurt Vonnegut der Charakter Dwayne Hoover gewalttätig, wenn er überzeugt ist, dass alle anderen auf der Welt ein Roboter sind und er der einzige Mensch ist.

Maximalismus
Von einigen Kritikern als Maximalismus bezeichnet, hat die ausufernde Leinwand und fragmentierte Erzählung von Autoren wie Dave Eggers und David Foster Wallace Kontroversen über den „Zweck“ eines Romans als Erzählung und die Maßstäbe hervorgerufen, an denen er gemessen werden sollte. Die postmoderne Position ist, dass der Stil eines Romans dem, was es darstellt und darstellt, entsprechen muss, und verweist auf solche Beispiele in früheren Zeiten als Gargantua von François Rabelais und die Odyssee von Homer, die Nancy Felson als das Vorbild des Polytropen hagelt Publikum und seine Beschäftigung mit einer Arbeit.

Viele modernistische Kritiker, insbesondere BR Myers in seinem polemischen Reader’s Manifesto, greifen den maximalistischen Roman als desorganisiert, steril und voller Sprachspiele um seiner selbst willen an, leer von emotionaler Hingabe – und daher leer von Wert als Roman. Aber es gibt Gegenbeispiele, wie Pynchons Mason & Dixon und David Foster Wallaces Unendlicher Spaß, wo postmoderne Erzählungen mit emotionalem Engagement koexistieren.

Minimalismus
Literarischer Minimalismus kann als Fokus auf eine Oberflächenbeschreibung charakterisiert werden, bei der von den Lesern erwartet wird, dass sie eine aktive Rolle bei der Erschaffung einer Geschichte spielen. Die Charaktere in minimalistischen Geschichten und Romanen sind in der Regel nicht exzeptionell. Im Allgemeinen sind die Kurzgeschichten „Stück des Lebens“ Geschichten. Minimalismus, das Gegenteil von Maximalismus, ist eine Darstellung nur der grundlegendsten und notwendigsten Stücke, spezifisch für Wirtschaft mit Worten. Minimalistische Autoren zögern, Adjektive, Adverbien oder bedeutungslose Details zu verwenden. Statt jedes kleinste Detail zu liefern, stellt der Autor einen allgemeinen Kontext zur Verfügung und ermöglicht dann der Fantasie des Lesers, die Geschichte zu gestalten. Unter denen, die als postmodern kategorisiert werden, wird der literarische Minimalismus am häufigsten mit Jon Fosse und besonders mit Samuel Beckett assoziiert.

Zersplitterung
Fragmentierung ist ein weiterer wichtiger Aspekt der postmodernen Literatur. Verschiedene Elemente, die Handlung, Charaktere, Themen, Bilder und Sachbezüge betreffen, sind im gesamten Werk fragmentiert und verstreut. Im Allgemeinen gibt es eine unterbrochene Abfolge von Ereignissen, Charakterentwicklung und Handlung, die auf den ersten Blick modern aussehen kann. Fragmentierung behauptet jedoch, ein metaphysisch unbegründetes, chaotisches Universum darzustellen. Es kann in Sprache, Satzstruktur oder Grammatik vorkommen. In Z213: Exit, einem fiktiven Tagebuch des griechischen Schriftstellers Dimitris Lyacos, einem der Hauptvertreter der Fragmentierung in der postmodernen Literatur, wird ein fast telegraphischer Stil angenommen, der größtenteils von Artikeln und Konjunktionen frei ist. Der Text ist durchsetzt von Lakunen und alltäglichen Sprachkombinationen mit Poesie und biblischen Referenzen, die zur Syntaxunterbrechung und Verzerrung der Grammatik führen. Ein Gefühl der Entfremdung von Charakter und Welt wird durch ein Sprachmedium geschaffen, das erfunden wurde, um eine Art intermittierende Syntaxstruktur zu bilden, die die Illustration der unbewussten Ängste und Paranoia des Hauptcharakters im Zuge seiner Erforschung einer scheinbar chaotischen Welt ergänzt.

Verschiedene Perspektiven
John Barth, der postmoderne Romancier, der oft über das Label „postmodern“ spricht, schrieb 1967 einen einflussreichen Aufsatz mit dem Titel „The Literature of Exhaustion“ und veröffentlichte 1980 „The Literature of Replenishment“, um den früheren Aufsatz zu verdeutlichen. „Literatur der Erschöpfung“ handelte von der Notwendigkeit einer neuen Ära in der Literatur, nachdem sich die Moderne selbst erschöpft hatte. In „Literatur der Nachschub“ sagt Barth,

Mein idealer postmoderner Autor lehnt weder nur seine modernistischen Eltern des 20. Jahrhunderts noch seine vormodernen Großeltern aus dem 19. Jahrhundert ab. Er hat die erste Hälfte unseres Jahrhunderts unter seinem Gürtel, aber nicht auf seinem Rücken. Ohne sich in moralische oder künstlerische Einfachheit, schäbige Handwerkskunst, Madison-Avenue-Käuflichkeit oder falsche oder echte Naivität zu verlieren, strebt er dennoch nach einer Fiktion, die demokratischer ist als solche spätmodernen Wunderwerke wie Becketts Texte für nichts … Der ideale Postmodernist Roman wird irgendwie über den Streit zwischen Realismus und Irrealismus, Formalismus und „Contentismus“, reine und engagierte Literatur, Coterie-Fiktion und Junk-Fiction hinausgehen …

Viele der bekannten postmodernen Romane befassen sich mit dem Zweiten Weltkrieg, einer der berühmtesten davon ist Joseph Hellers Catch-22. Heller behauptete seinen Roman und viele der anderen amerikanischen Romane der Zeit hatten mehr mit dem Zustand des Landes nach dem Krieg zu tun:

Die Anti-Kriegs-und Anti-Regierung Gefühle in dem Buch gehören zu der Zeit nach dem Zweiten Weltkrieg: der Koreakrieg, der Kalten Krieg der fünfziger Jahre. Ein allgemeiner Zerfall des Glaubens fand dann statt und betraf Catch-22 insofern, als die Form des Romans fast aufgelöst wurde. Catch-22 war eine Collage; wenn nicht in der Struktur, dann in der Ideologie des Romans selbst … Ohne mir dessen bewusst zu sein, war ich Teil einer fast fiktionalen Bewegung. Während ich Catch-22 schrieb, schrieb JP Donleavy The Ginger Man, Jack Kerouac schrieb On the Road, Ken Kesey schrieb Ein flog über das Kuckucksnest, Thomas Pynchon schrieb V., und Kurt Vonnegut schrieb Cat’s Cradle. Ich glaube nicht, dass irgendjemand von uns überhaupt einen der anderen kannte. Sicher kannte ich sie nicht. Welche Kräfte auch immer einen Kunsttrend prägten, beeinflusste nicht nur mich, sondern uns alle. Die Gefühle der Hilflosigkeit und Verfolgung in Catch-22 sind in Cat’s Cradle sehr stark.

Der Romanschriftsteller und Theoretiker Umberto Eco erklärt in seinen Reflexionen zu ‚Der Name der Rose‘ seine Idee der Postmoderne als eine Art Doppelcodierung und als ein transhistorisches Phänomen:

Ostmoderne … kein chronologisch definierter Trend, sondern eine ideale Kategorie – oder besser noch ein Kunstwollen, eine Art zu operieren. … Ich denke an die postmoderne Haltung eines Mannes, der eine sehr kultivierte Frau liebt und weiß, dass er ihr nicht sagen kann „Ich liebe dich wahnsinnig“, weil er weiß, dass sie weiß (und das weiß sie) these words have already been written by Barbara Cartland.Trotzdem gibt es eine Lösung. Er kann sagen „Wie Barbara Cartland es ausgedrückte, ich liebe dich verrückt“. An diesem Punkt, nach dem die falsche Mütze, nach dem er klar ist, dass es nicht mehr möglich ist, wird er zu sagen, dass er in einer Zeit der verlorenen Unschuld lieb.

Der Schriftsteller David Foster Wallace steht in seinem Essay „E Unibus Pluram: Fernsehen und US-Fiktion“ von 1990 der Verbindung zwischen dem Aufstieg der Postmoderne und dem Aufstieg des Fernsehsenders mit der Kamera und der ironischen Gegenseite wirdsagt, ihr. Dies erklärt das Übergewicht der Popkultur-Referenzen in der postmodernen Literatur:

Es war im Post-atomaren Amerika, das ist Popeinflüsse auf Literatur und mehr als technisch wurde. When to the Time, as the surface to the large to get a culture to the collection of the collection of the current of the United States of the United States … Hochkarätige Sammlung von Symbolen und Mythen zu werden. Das Episkopat dieser Pop-Referenzbewegung war der post-Nabokovian Black Humorists, der Metafictionists und verschiedener Frank- und Latinophiles, der erst später von „postmodern“ umflossen wurde. Die gelehrten, sardonischen Fiktionen der Black Humourists führen eine Generation neuer Romanautoren ein, die sich als eine Kunst Avant-Avantgarde verstehen, nicht nur kosmopolitisch und polyglott, aber auch technisch gebildet, Produkte von mehr als nur einer Region, Erbe und Theorie und Bürger einer Kultur,Die Recognitions und JR, ein Barth von The End of the Road und The Sot-Weed Factor, und das Pynchon von The Crying of Lot 49 … Hier ist Robert Coovers 1966 Ein Public Burning, in der Eisenhower Nixon on-air und seine 1968 Eine politische Fabel, in der die Katze in den Hut läuft, für den Präsidenten bangt.

Hans-Peter Wagner ist ein Roman von Hans-Peter Wagner, der die Geschichte der Postmoderne

anschaulich zeigt. Die Autoren von Martin Amis und der „Chemical (Scottish) Generation“ des Fin de wurden in den 1960er Jahren mit Lawrence Durrell und John Fowles gegründet Siècle reichen. „Postmodernist“ für experimentelle Autoren (insbesondere Durrell, Carroll, Brooke-Rose, Barnes, Ackroyd und Martin Amis), postmodernAuf wenig innovative Autoren wird angewendet.