Die postmoderne Kunst ist eine Ansammlung von Kunstströmungen, die versucht, einigen Aspekten der Moderne oder einigen Aspekten, die in der Folge entstanden oder entstanden sind, zu widersprechen. Im Allgemeinen werden Bewegungen wie Intermedia, Installationskunst, Konzeptkunst und Multimedia, insbesondere mit Video, als postmodern bezeichnet.

Es gibt mehrere Eigenschaften, die Kunst postmodern machen; Dazu gehören Bricolage, die Verwendung von Wörtern als zentrales künstlerisches Element, Collage, Vereinfachung, Aneignung, Performancekunst, die Wiederverwendung vergangener Stile und Themen in einem modernen Kontext sowie die Überwindung der Barriere zwischen Geldstrafe und hohe Kunst und niedrige Kunst und Populärkultur.

Verwendung des Begriffs
Die vorherrschende Bezeichnung für Kunst, die seit den 1950er Jahren produziert wird, ist „zeitgenössische Kunst“. Nicht jede Kunst, die als zeitgenössische Kunst bezeichnet wird, ist postmodern, und der breitere Begriff umfasst sowohl Künstler, die weiterhin in modernistischen und spätmodernen Traditionen arbeiten, als auch Künstler, die die Postmoderne aus anderen Gründen ablehnen. Arthur Danto argumentiert, dass „zeitgenössisch“ der umfassendere Begriff ist und postmoderne Objekte einen „Subsektor“ der zeitgenössischen Bewegung darstellen. Einige postmoderne Künstler haben von den Ideen der modernen Kunst markantere Brüche gemacht, und es gibt keinen Konsens darüber, was „spätmodern“ und was „postmodern“ ist. Ideen, die von der modernen Ästhetik abgelehnt wurden, wurden wieder hergestellt. In der Malerei hat die Postmoderne die Repräsentation wieder eingeführt. Einige Kritiker argumentieren, dass viel von der gegenwärtigen „postmodernen“ Kunst, der neuesten Avantgarde, noch als moderne Kunst einzustufen sei.

Die Postmoderne beschreibt neben bestimmten Tendenzen der zeitgenössischen Kunst auch eine Phase der modernen Kunst. Verteidiger der Moderne, wie Clement Greenberg, sowie radikale Gegner der Moderne, wie Félix Guattari, der den „letzten Atemzug“ des Modernismus nennt, haben diese Position eingenommen. Das neokonservative Hilton Kramer beschreibt die Postmoderne als „eine Kreation der Moderne am Ende ihrer Kräfte“. Jean-François Lyotard, in der Analyse von Fredric Jameson, hält nicht fest, es gibt eine postmoderne Bühne, die sich radikal von der Periode der hohen Moderne unterscheidet; stattdessen ist die postmoderne Unzufriedenheit mit diesem oder jenem hochmodernen Stil Teil des Experimentierens des Hochmodernismus, der neue Modernismen hervorbringt. Im Kontext von Ästhetik und Kunst ist Jean-François Lyotard ein bedeutender Philosoph der Postmoderne.

Viele Kritiker halten postmoderne Kunst aus der modernen Kunst. Vorgeschlagene Daten für den Übergang von modern zu postmodern gehören 1914 in Europa und 1962 oder 1968 in Amerika. James Elkins kommentiert die Diskussionen über das genaue Datum des Übergangs von der Moderne zur Postmoderne und vergleicht sie mit der Diskussion in den 1960er Jahren über die genaue Zeitspanne des Manierismus und darüber, ob er direkt nach der Hochrenaissance oder später im Jahrhundert beginnen sollte. Er macht den Punkt, dass diese Debatten die ganze Zeit in Bezug auf Kunstbewegungen und -perioden andauern, was nicht heißen soll, dass sie nicht wichtig sind. Das Ende der Periode der postmodernen Kunst wurde auf das Ende der 1980er Jahre datiert, als das Wort Postmoderne viel von seiner kritischen Resonanz verlor und Kunstpraktiken begannen, die Auswirkungen der Globalisierung und der neuen Medien anzugehen.

Der amerikanische marxistische Philosoph Fredric Jameson argumentiert, dass der Zustand des Lebens und der Produktion sich in allen Aktivitäten widerspiegeln wird, einschließlich der Kunstproduktion.

Jean Baudrillard hat die postmodern inspirierte Kunst maßgeblich beeinflusst und die Möglichkeiten neuer Formen der Kreativität hervorgehoben. Der Künstler Peter Halley beschreibt seine alltäglichen Farben als „Hyperrealisierung der realen Farbe“ und erkennt Baudrillard als Einfluss an. Baudrillard selbst, seit 1984, war ziemlich konsequent in seiner Sicht zeitgenössische Kunst, und vor allem die postmoderne Kunst war der modernistischen Kunst der Nachkriegszeit unterlegen, während Jean-François Lyotard die zeitgenössische Malerei lobte und über ihre Entwicklung aus der Moderne äußerte Kunst. Große Künstlerinnen im 20. Jahrhundert werden mit der postmodernen Kunst in Verbindung gebracht, da ihre theoretische Arbeit viel von der französischen Psychoanalyse und feministischen Theorie, die stark mit der postmodernen Philosophie verbunden ist, ausging.

Wie bei allen Verwendungen des Begriffes postmodern gibt es Kritiker seiner Anwendung. Kirk Varnedoe zum Beispiel erklärte, dass es keine Postmoderne gibt und dass die Möglichkeiten der Moderne noch nicht ausgeschöpft sind. Obwohl die Verwendung des Begriffs als eine Art Kurzschrift zur Bezeichnung der Arbeit gewisser Nachkriegs „schulen“, die relativ spezifische materielle und generische Techniken verwenden, seit Mitte der 1980er Jahre konventionell geworden ist, ist die theoretische Grundlage der Postmoderne als epochale oder epistemische Teilung geworden sind immer noch sehr umstritten.

Postmoderne Kunst definieren
Der Postmodernismus beschreibt Bewegungen, die sich aus Tendenzen der Moderne ergeben und darauf reagieren oder sie ablehnen. Allgemeine Zitate für spezifische Trends der Moderne sind formale Reinheit, mittlere Spezifität, Kunst um der Kunst Willen, Authentizität, Universalität, Originalität und revolutionäre oder reaktionäre Tendenz, dh die Avantgarde. Paradox ist jedoch wahrscheinlich die wichtigste modernistische Idee, auf die die Postmoderne reagiert. Paradox war für das modernistische Unternehmen, das Manet einführte, von zentraler Bedeutung. Manets verschiedene Verstöße gegen die darstellende Kunst brachten die vermeintliche gegenseitige Exklusivität von Realität und Repräsentation, Design und Repräsentation, Abstraktion und Realität zum Ausdruck. Die Einbeziehung des Paradox war von Manet zu den Konzeptualisten höchst anregend.

Der Status der Avantgarde ist umstritten: Viele Institutionen argumentieren, visionär, zukunftsweisend, innovativ und fortschrittlich seien für die Kunst in der Gegenwart entscheidend, und deshalb widerspreche die postmoderne Kunst dem Wert der „Kunst unserer Zeit“ „. Die Postmoderne lehnt den Begriff des Fortschritts oder Fortschritts in der Kunst per se ab und zielt somit darauf ab, den „Mythos der Avantgarde“ zu stürzen. Rosalind Krauss war einer der wichtigen Vertreter der Ansicht, dass der Avantgardismus vorbei sei und das neue künstlerische Zeitalter post-liberal und post-progressiv sei. Griselda Pollock studierte und konfrontierte die Avantgarde und die moderne Kunst in einer Reihe bahnbrechender Bücher, indem sie moderne Kunst rezensierte und gleichzeitig die postmoderne Kunst neu definierte.

Ein Charakteristikum der postmodernen Kunst ist die Verschmelzung von Hoch- und Niedrigkultur durch die Verwendung industrieller Materialien und popkultureller Bilder. Der Gebrauch von niedrigen Kunstformen war auch ein Teil des modernistischen Experimentierens, wie in Kirk Varnedoe und Adam Gopniks 1990-91 Show High und Low: Populäre Kultur und Moderne Kunst im New Yorker Museum of Modern Art, eine Ausstellung, die universell war zu dieser Zeit als einzige Veranstaltung, die Douglas Crimp und Hilton Kramer in einem Chor der Verachtung zusammenbringen könnte. Die postmoderne Kunst zeichnet sich dadurch aus, dass sie die Unterschiede zwischen dem, was als feine oder hohe Kunst wahrgenommen wird, und dem, was allgemein als niedrige oder kitschige Kunst angesehen wird, verwischt. Während dieses Konzept des „Verschwimmens“ oder „Verschmelzens“ von hoher Kunst mit niedriger Kunst während der Moderne erprobt worden war, wurde es immer erst nach dem Aufkommen der postmodernen Ära voll anerkannt. Die Postmoderne führte Elemente des Kommerzialismus, Kitsch und eine allgemeine Lagerästhetik in ihren künstlerischen Kontext ein; Die Postmoderne nimmt Stile aus vergangenen Epochen wie Gotik, Renaissance und Barock und vermischt sie so, dass sie ihre ursprüngliche Verwendung in der entsprechenden künstlerischen Bewegung ignorieren. Solche Elemente sind gemeinsame Merkmale dessen, was postmoderne Kunst ausmacht.

Fredric Jameson schlägt postmoderne Werke vor, die jeglichen Anspruch auf Spontaneität und Direktheit des Ausdrucks ablehnen und statt Pastiche und Diskontinuität Gebrauch machen. Entgegen dieser Definition sind Charles Harrison und Paul Wood von Art and Language beharrlich in der modernistischen Kunst beheimatet und werden von modernen Künstlern wie Manet und Picasso wirkungsvoll eingesetzt.

Eine kompakte Definition ist, dass die Postmoderne die großen Erzählungen des Modernismus von der künstlerischen Richtung ablehnt, die Grenzen zwischen hohen und niedrigen Formen der Kunst beseitigt und die Konventionen des Genres durch Kollision, Collage und Fragmentierung zerstört. Postmoderne Kunst hält alle Haltungen instabil und unaufrichtig, und deshalb sind Ironie, Parodie und Humor die einzigen Positionen, die Kritik oder Revision nicht umstürzen können. „Pluralismus und Vielfalt“ sind andere definierende Merkmale.

Avantgardistische Vorläufer
Radikale Bewegungen und Trends, die als einflussreich und potentiell als Vorläufer der Postmoderne angesehen wurden, entstanden um den Ersten Weltkrieg herum und besonders in der Folgezeit. Mit der Einführung der Verwendung von industriellen Artefakten in Kunst und Techniken wie Collage, Avantgarde-Bewegungen wie Kubismus, Dada und Surrealismus in Frage gestellt, die Art und den Wert der Kunst. Neue Kunstformen wie das Kino und der Aufstieg der Reproduktion beeinflussten diese Bewegungen als Mittel zur Schaffung von Kunstwerken. Der Ausgangspunkt für die Definition des Modernismus, Clement Greenbergs Aufsatz Avantgarde und Kitsch, der erstmals 1939 in Partisan Review veröffentlicht wurde, verteidigt die Avantgarde angesichts der Populärkultur. Später würde Peter Bürger zwischen der historischen Avantgarde und der Moderne unterscheiden, und Kritiker wie Krauss, Huyssen und Douglas Crimp identifizierten nach Bürger die historische Avantgarde als Vorläufer der Postmoderne. Krauss zum Beispiel beschreibt Pablo Picassos Verwendung von Collage als avantgardistische Praxis, die die postmoderne Kunst mit ihrer Betonung der Sprache auf Kosten der Autobiografie vorwegnimmt. Ein anderer Gesichtspunkt ist, dass Avantgarde und moderne Künstler ähnliche Strategien benutzten und die Postmoderne beide ablehnt.

Dada
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts stellte Marcel Duchamp ein Urinal als Skulptur aus. Sein Punkt war, dass die Leute das Pissoir so betrachten sollten, als wäre es ein Kunstwerk, nur weil er sagte, es sei ein Kunstwerk. Er bezeichnete seine Arbeit als „Readymades“. The Fountain war ein Urinal mit dem Pseudonym R. Mutt, das die Kunstwelt im Jahr 1917 schockierte. Diese und Duchamps andere Werke werden allgemein als Dada bezeichnet. Duchamp kann als Vorläufer der Konzeptkunst angesehen werden. Einige Kritiker fragen sich, ob sie Duchamp – dessen Obsession mit Paradox bekannt ist – postmodern nennen, weil er ein bestimmtes Medium meidet, da das Paradox nicht mediumspezifisch ist, obwohl es zuerst in Manets Gemälden aufkam.

Der Dadaismus kann als Teil der Neigung der Moderne angesehen werden, etablierte Stile und Formen herauszufordern, zusammen mit dem Surrealismus, dem Futurismus und dem abstrakten Expressionismus. Aus chronologischer Sicht ist Dada fest in der Moderne verankert, aber eine Reihe von Kritikern hält es für postmodern, während andere, wie Ihab Hassan und Steven Connor, es als einen möglichen Übergang zwischen Moderne und Postmoderne betrachten. Zum Beispiel beginnt die Postmoderne laut McEvilly mit der Erkenntnis, dass man nicht länger an den Mythos des Fortschritts glaubt, und Duchamp spürte dies 1914, als er von einer modernistischen zu einer postmodernen Praxis wechselte, „ästhetischen Genuss, transzendenten Ehrgeiz und Tour de abweisend erzwinge Demonstrationen formeller Agilität zugunsten ästhetischer Gleichgültigkeit, Anerkennung der gewöhnlichen Welt und des gefundenen Objekts oder Readymade. “

Radikale Bewegungen in der modernen Kunst
Im Allgemeinen begannen Pop Art und Minimalismus als modernistische Bewegungen: Ein Paradigmenwechsel und eine philosophische Spaltung zwischen Formalismus und Antiformalismus in den frühen 1970er Jahren führte dazu, dass diese Bewegungen von einigen als Vorläufer oder als Übergangspostmoderne angesehen wurden. Andere moderne Bewegungen, die als einflussreich für die postmoderne Kunst gelten, sind Konzeptkunst und die Verwendung von Techniken wie Assemblage, Montage, Bricolage und Aneignung.

Jackson Pollock und abstrakter Expressionismus
In den späten 1940er und frühen 1950er Jahren revolutionierte Pollocks radikale Herangehensweise an die Malerei das Potenzial für alle zeitgenössische Kunst, die ihm folgten. Pollock erkannte, dass die Reise zu einem Kunstwerk genauso wichtig war wie das Kunstwerk selbst. Wie Pablo Picassos innovative Neuerscheinungen von Malerei und Skulptur um die Jahrhundertwende über den Kubismus und die konstruierte Skulptur definierte Pollock das Kunstschaffen in der Mitte des Jahrhunderts neu. Pollocks Wechsel von Staffeleimalerei und Konventionalität befreite seine zeitgenössischen Künstler und nachfolgende Künstler. Sie realisierten Pollocks Prozess – er arbeitete von allen vier Seiten auf dem Boden, ungedehnt auf roher Leinwand, unter Verwendung von Künstlermaterialien, industriellen Materialien, Bildern, Nicht-Bildern, linearen Farbsträngen, Tropfen, Zeichnen, Färben, Bürsten – sprengender Kunstproduktion Grenzen. Der abstrakte Expressionismus erweiterte und entwickelte die Definitionen und Möglichkeiten, die Künstlern für die Schaffung neuer Kunstwerke zur Verfügung standen. In gewissem Sinne eröffneten die Innovationen von Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt und anderen der Vielfalt und Reichweite der folgenden Kunstwerke die Türschwelle.

Nach dem abstrakten Expressionismus
In der abstrakten Malerei der 1950er- und 1960er-Jahre tauchten einige neue Richtungen wie Hard-Edge-Malerei und andere Formen geometrischer Abstraktion auf, wie das Werk von Frank Stella, als eine Reaktion auf den Subjektivismus des Abstrakten Expressionismus in Künstlerateliers und radikalen Avantgarden aufkam -Girde Kreise. Clement Greenberg wurde zur Stimme der post-malerischen Abstraktion; durch Kuratieren einer einflussreichen Ausstellung neuer Malerei, die 1964 in den Vereinigten Staaten wichtige Kunstmuseen bereiste. Farbfeldmalerei, Hard-Edge-Malerei und lyrische Abstraktion erschienen als radikale neue Richtungen.

In den späten 1960er Jahren entstanden Postminimalismus, Prozesskunst und Arte Povera auch als revolutionäre Konzepte und Bewegungen, die Malerei und Skulptur umfassten, durch lyrische Abstraktion und die postminimalistische Bewegung und in der frühen Konzeptkunst. Die von Pollock inspirierte Prozesskunst befähigte Künstler, mit einer vielfältigen Enzyklopädie von Stil, Inhalt, Material, Platzierung, Sinn für Zeit und plastischem und realem Raum zu experimentieren und diese zu nutzen. Nancy Graves, Ronald Davis, Howard Hodgkin, Larry Poons, Jannis Kounellis, Brice Marden, Bruce Nauman, Richard Tuttle, Alan Saret, Walter Darby Bannard, Lynda Benglis, Dan Christensen, Larry Zox, Ronnie Landfield, Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra, Sam Gilliam, Mario Merz, Peter Reginato, Lee Lozano, waren einige der jüngeren Künstler, die während der späten Moderne hervorbrachen und die Blütezeit der Kunst der späten 1960er Jahre hervorbrachten.

Performance Kunst und Ereignisse
In den späten 1950er und 1960er Jahren begannen Künstler mit einer breiten Palette von Interessen, die Grenzen der zeitgenössischen Kunst zu erweitern. Yves Klein in Frankreich und Carolee Schneemann, Yayoi Kusama, Charlotte Moorman und Yoko Ono in New York City waren Pioniere von auf Performances basierenden Kunstwerken. Gruppen wie The Living Theatre mit Julian Beck und Judith Malina arbeiteten mit Bildhauern und Malern zusammen, die Umgebungen schaffen. radikal verändern die Beziehung zwischen Publikum und Darsteller vor allem in ihrem Stück Paradise Now. Das Judson Dance Theatre in der Judson Memorial Church, New York, und die Judson Tänzer, vor allem Yvonne Rainer, Trisha Brown, Elaine Summers, Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay, Lucinda Childs, Steve Paxton und andere arbeiteten mit Künstlern Robert Morris zusammen Robert Whitman, John Cage, Robert Rauschenberg und Ingenieure wie Billy Klüver. Diese Aufführungen wurden oft als Schaffung einer neuen Kunstform konzipiert, die Skulptur, Tanz und Musik oder Sound, oft mit Beteiligung des Publikums, kombiniert. Die Reduktionsphilosophien von Minimalismus, spontaner Improvisation und Expressivität des Abstrakten Expressionismus charakterisierten die Arbeiten.

Während der gleichen Zeit – in den späten 1950er Jahren bis Mitte der 1960er Jahre – schufen verschiedene Avantgarde-Künstler Happenings. Happenings waren mysteriöse und oft spontane und nicht geschilderte Zusammenkünfte von Künstlern und ihren Freunden und Verwandten an verschiedenen bestimmten Orten. Oft mit Übungen in Absurdität, körperliche Bewegung, Kostüme, spontane Nacktheit und verschiedene zufällige und scheinbar getrennte Handlungen. Allan Kaprow, Joseph Beuys, Nam June Paik, Wolf Vostell, Claes Oldenburg, Jim Dine, Red Grooms und Robert Whitman waren ua bedeutende Happening-Erfinder.

Montagekunst
Im Zusammenhang mit dem Abstrakten Expressionismus entstand die Entstehung von kombinierten Kunstgegenständen – mit Künstlermaterialien, die sich von früheren Konventionen der Malerei und Skulptur wegbewegten. Das Werk von Robert Rauschenberg, dessen „Mähdrescher“ in den 1950er Jahren Vorläufer der Pop-Art- und Installation-Kunst waren, und die Assemblage großer physischer Objekte wie Stofftiere, Vögel und Werbefotografie nutzten, veranschaulichte diesen Kunsttrend.

Leo Steinberg verwendet den Begriff Postmoderne 1969, um Rauschenbergs „Flachbett“ -Bildebene zu beschreiben, die eine Reihe von kulturellen Bildern und Artefakten enthält, die mit dem Bildfeld der vormodernen und modernistischen Malerei nicht vereinbar waren. Craig Owens geht noch weiter und identifiziert die Bedeutung von Rauschenbergs Arbeit nicht als eine Darstellung von Steinbergs Ansicht „den Wechsel von der Natur zur Kultur“, sondern als eine Demonstration der Unmöglichkeit, ihre Opposition zu akzeptieren.

Steven Best und Douglas Kellner identifizieren Rauschenberg und Jasper Johns als Teil der von Marcel Duchamp beeinflussten Übergangsphase zwischen Moderne und Postmoderne. Diese Künstler verwendeten Bilder von gewöhnlichen Objekten oder die Objekte selbst in ihrer Arbeit, während sie die Abstraktion und die malerischen Gesten der Hochmoderne beibehielten.

Auch Anselm Kiefer verwendet in seinen Werken Elemente der Assemblage und einmal den Bogen eines Fischerbootes in einem Gemälde.

Pop-Art
Lawrence Alloway verwendete den Begriff „Pop Art“, um Gemälde zu beschreiben, die den Konsumismus der Nachkriegsära feiern. Diese Bewegung lehnte den abstrakten Expressionismus und seinen Fokus auf das hermeneutische und psychologische Innere zugunsten der Kunst ab, die materielle Konsumkultur, Werbung und Ikonographie des Massenproduktionszeitalters darstellte und oft zelebrierte. Die frühen Werke von David Hockney und die Werke von Richard Hamilton, John McHale und Eduardo Paolozzi wurden als wegweisende Beispiele in der Bewegung betrachtet. Spätere amerikanische Beispiele umfassen den Großteil der Karrieren von Andy Warhol und Roy Lichtenstein und seine Verwendung von Benday-Punkten, einer Technik, die in der kommerziellen Reproduktion verwendet wird. Es gibt eine klare Verbindung zwischen den radikalen Werken von Duchamp, dem rebellischen Dadaisten – mit einem Sinn für Humor; und Pop-Künstler wie Claes Oldenburg, Andy Warhol, Roy Lichtenstein und die anderen.

Thomas McEvilly, der Dave Hickey zustimmt, sagt, die US-Postmoderne in der bildenden Kunst habe 1962 mit den ersten Ausstellungen der Pop-Art begonnen, „obwohl es etwa 20 Jahre dauerte, bis die Postmoderne zu einer vorherrschenden Haltung in der bildenden Kunst wurde.“ Auch Fredric Jameson hält Pop Art für postmodern.

Ein Weg, wie Pop Art postmodern ist, ist das, was Andreas Huyssen die „große Kluft“ zwischen hoher Kunst und Populärkultur nennt. Die Postmoderne entspringt einer „generationsbedingten Ablehnung der kategorischen Gewissheiten des Hochmodernismus“.

Fluxus
Fluxus wurde 1962 von George Maciunas (1931-1978), einem in Litauen geborenen amerikanischen Künstler, benannt und lose organisiert. Fluxus führt seine Anfänge zu John Cages 1957 bis 1959 Experimental Composition Klassen an der New School für Sozialforschung in New York City. Viele seiner Studenten waren Künstler, die in anderen Medien mit wenig oder keinem Hintergrund in der Musik arbeiteten. Cages Studenten schlossen die Gründungsmitglieder von Fluxus, Jackson Mac Low, Al Hansen, George Brecht und Dick Higgins ein. 1962 startete Fluxus in Deutschland mit den FLUXUS Internationalen Festspielen Neuester Musik in Wiesbaden, mit George Maciunas, Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam June Paik und anderen. Und 1963 mit dem: Festum Fluxorum Fluxus in Düsseldorf mit George Maciunas, Wolf Vostell, Joseph Beuys, Dick Higgins, Nam June Paik, Ben Patterson, Emmett Williams und anderen.

Fluxus förderte eine „do it yourself“ -Ästhetik und schätzte Einfachheit gegenüber Komplexität. Wie zuvor Dada hatte Fluxus eine starke Strömung des Anti-Kommerzialismus und einer Anti-Kunst-Sensibilität, die die konventionelle marktgetriebene Kunstwelt zugunsten einer künstlerzentrierten kreativen Praxis herabsetzte. Fluxus-Künstler zogen es vor, mit den Materialien zu arbeiten, die ihnen zur Verfügung standen, und kreierten entweder ihre eigene Arbeit oder arbeiteten mit ihren Kollegen am Entstehungsprozess mit.

Fluxus kann zusammen mit Rauschenberg, Johns, Warhol und der Situationistischen Internationale als Teil der ersten Phase der Postmoderne angesehen werden. Andreas Huyssen kritisiert Versuche, Fluxus für die Postmoderne als „entweder den Meistercode der Postmoderne oder die letztlich nicht darstellbare Kunstbewegung, sozusagen die Sublimen der Postmoderne“ zu beanspruchen. Stattdessen sieht er Fluxus als ein bedeutendes neodadaistisches Phänomen innerhalb der Avantgarde-Tradition. Es war kein großer Fortschritt in der Entwicklung künstlerischer Strategien, obwohl es eine Rebellion gegen „die verwaltete Kultur der 1950er Jahre ausdrückt, in der eine gemäßigte, domestizierte Moderne als ideologische Stütze für den Kalten Krieg diente“.

Minimalismus
In den frühen 1960er Jahren entstand der Minimalismus als abstrakte Bewegung in der Kunst (mit Wurzeln in der geometrischen Abstraktion über Malewitsch, Bauhaus und Mondrian), die die Idee der relationalen und subjektiven Malerei, die Komplexität der abstrakten expressionistischen Oberflächen und den emotionalen Zeitgeist und die Polemik ablehnten anwesend in der Arena des Action Paintings. Der Minimalismus argumentierte, dass extreme Einfachheit die erhabene Repräsentation, die Kunst erfordert, erfassen kann. Im Zusammenhang mit Malern wie Frank Stella ist der Minimalismus in der Malerei im Gegensatz zu anderen Bereichen eine modernistische Bewegung und kann je nach Kontext als Vorläufer der postmodernen Bewegung aufgefasst werden.

Hal Foster untersucht in seinem Essay The Crux of Minimalism, inwiefern Donald Judd und Robert Morris die Greenberg’sche Moderne in ihren publizierten Definitionen des Minimalismus anerkennen und übertreffen. Er argumentiert, dass Minimalismus keine „Sackgasse“ der Moderne ist, sondern ein „Paradigmenwechsel hin zu postmodernen Praktiken, die bis heute weiterentwickelt werden“.

Postminimalismus
Robert Pincus-Witten prägte 1977 den Begriff Post-Minimalismus, um minimalistisch abgeleitete Kunst zu beschreiben, die inhaltliche und kontextuelle Obertöne minimalistisch ablehnte. Seine Verwendung des Begriffs umfasste den Zeitraum 1966 – 1976 und betraf das Werk von Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra und neue Arbeiten der ehemaligen Minimalisten Robert Smithson, Robert Morris, Sol LeWitt und Barry Le Va und andere. Prozesskunst und Anti-Form-Kunst sind andere Begriffe, die diese Arbeit beschreiben, die den Raum, den sie einnimmt, und den Prozess, durch den sie entsteht, bestimmen.

Rosalind Krauss argumentiert 1968, dass Künstler wie Morris, LeWitt, Smithson und Serra „in eine Situation eingetreten sind, deren logische Bedingungen nicht mehr als modernistisch beschrieben werden können“. Die Erweiterung der Kategorie der Skulptur um Land Art und Architektur, „brachte den Übergang in die Postmoderne“.

Minimalisten wie Donald Judd, Dan Flavin, Carl Andre, Agnes Martin, John McCracken und andere stellten ihre spätmodernen Gemälde und Skulpturen für den Rest ihrer Karriere fort.

Bewegungen in der postmodernen Kunst

Konzeptkunst
Begriffskunst wird manchmal als postmodern bezeichnet, weil sie ausdrücklich an der Dekonstruktion dessen beteiligt ist, was ein Kunstwerk, „Kunst“, macht. Konzeptuelle Kunst, weil sie oft entworfen wird, um Vorstellungen zu konfrontieren, zu verletzen oder anzugreifen, die von vielen der Menschen, die sie sehen, gehalten wird, wird mit besonderer Kontroverse betrachtet.

Vorläufer der Konzeptkunst sind die Werke von Duchamp, John Cages 4 ’33 „, in denen die Musik als“ die Klänge der Umgebung, die die Zuhörer hören, während sie aufgeführt wird „, und Rauschenbergs Erased De Kooning Drawing konzeptuelle Arbeiten nehmen die Position ein, dass Kunst durch den Betrachter geschaffen wird, der ein Objekt betrachtet oder als Kunst handelt, nicht aufgrund der innewohnenden Qualitäten des Werks selbst. So, weil Fountain ausgestellt wurde, war es eine Skulptur.

Installationskunst
Eine wichtige Reihe von Bewegungen in der Kunst, die durchweg als postmodern beschrieben wurden, betraf die Installation und die Schaffung von konzeptuellen Artefakten. Ein Beispiel dafür sind die Zeichen von Jenny Holzer, die mit Hilfe von Kunstwerken bestimmte Botschaften vermitteln, wie „Beschütze mich vor dem, was ich will“. Installation Kunst war wichtig, um die Räume zu bestimmen, die für Museen zeitgenössischer Kunst ausgewählt wurden, um in der Lage zu sein, die großen Werke zu halten, die aus großen Collagen von hergestellten und gefundenen Objekten bestehen. Diese Installationen und Collagen sind oft elektrifiziert, mit beweglichen Teilen und Lichtern.

Sie sind oft entworfen, um Auswirkungen auf die Umwelt zu schaffen, wie Christo und Jeanne-Claude der Eiserne Vorhang, Mauer von 240 Ölfässern, Blocking Rue Visconti, Paris, Juni 1962, die eine poetische Antwort auf die Berliner Mauer von 1961 war.

Lowbrow-Kunst
Lowbrow ist eine weit verbreitete populistische Kunstbewegung mit Wurzeln in der Underground-Comix-Welt, Punk-Musik, Hot-Rod-Street-Kultur und anderen kalifornischen Subkulturen. Es ist auch oft unter dem Namen Pop-Surrealismus bekannt. Lowbrow-Kunst hebt ein zentrales Thema in der Postmoderne hervor, indem die Unterscheidung zwischen „hoher“ und „niedriger“ Kunst nicht länger anerkannt wird.

Performance Kunst

Digitale Kunst
Digitale Kunst ist ein allgemeiner Begriff für eine Reihe von künstlerischen Arbeiten und Praktiken, die digitale Technologie als wesentlichen Teil des kreativen und / oder Präsentationsprozesses nutzen. Die Auswirkungen der digitalen Technologie haben Aktivitäten wie Malerei, Zeichnung, Skulptur und Musik / Klangkunst verändert, während neue Formen wie Netzkunst, digitale Installationskunst und virtuelle Realität zu anerkannten künstlerischen Praktiken geworden sind.

Zu den führenden Kunsttheoretikern und -historikern auf diesem Gebiet zählen Christiane Paul, Frank Popper, Christine Buci-Glucksmann, Dominique Moulon, Robert C. Morgan, Roy Ascott, Catherine Perret, Margot Lovejoy, Edmond Couchot, Fred Forest und Edward A. Shanken.

Intermediär und multimedial
Ein weiterer Trend in der Kunst, der mit dem Begriff Postmodern verbunden ist, ist die Verwendung einer Reihe unterschiedlicher Medien. Intermedia, ein Begriff, der von Dick Higgins geprägt wurde und neue Kunstformen wie Fluxus, Konkrete Poesie, Gefundene Objekte, Performancekunst und Computerkunst vermitteln sollte. Higgins war der Herausgeber der Something Else Press, einer Konkreten Dichterin, die mit der Künstlerin Alison Knowles verheiratet ist und ein Bewunderer von Marcel Duchamp ist. Ihab Hassan schließt in seiner Liste der Eigenschaften der postmodernen Kunst „Intermedia, die Verschmelzung der Formen, die Verwirrung der Reiche“ ein. Eine der häufigsten Formen von „Multimedia-Kunst“ ist die Verwendung von Videokassetten und CRT-Monitoren, die Videokunst genannt werden. Während die Theorie des Kombinierens mehrerer Künste zu einer Kunst ziemlich alt ist und periodisch wiederbelebt wird, ist die postmoderne Manifestation oft in Kombination mit Performance – Kunst, wo der dramatische Subtext entfernt wird und die spezifischen Aussagen des Künstlers in Frage oder die konzeptionelle Aussage ihres Handelns. Higgins Konzeption von Intermedia ist verbunden mit dem Wachstum multimedialer digitaler Praktiken wie immersiver virtueller Realität, digitaler Kunst und Computerkunst.

Telematische Kunst
Telematische Kunst ist eine Beschreibung von Kunstprojekten, die computervermittelte Telekommunikationsnetze als ihr Medium verwenden. Telematische Kunst fordert die traditionelle Beziehung zwischen aktiven Betrachtungsgegenständen und passiven Kunstobjekten heraus, indem sie interaktive Verhaltenskontexte für entfernte ästhetische Begegnungen schafft. Roy Ascott sieht in der telematischen Kunstform die Umwandlung des Betrachters in einen aktiven Mitwirkenden des Kunstwerks, das während seiner gesamten Dauer im Prozess bleibt. Ascott ist seit 1978 führend in der Theorie und Praxis der Telematik-Kunst, als er zum ersten Mal online ging und verschiedene kollaborative Online-Projekte organisierte.

Appropriation Art und neo-konzeptuelle Kunst
In seinem Essay The Allegorical Impulse: In Richtung einer Theorie der Postmoderne von 1980 identifiziert Craig Owens das Wiederauftauchen eines allegorischen Impulses, der für die postmoderne Kunst charakteristisch ist. Dieser Impuls zeigt sich in der Aneignungskunst von Künstlern wie Sherrie Levine und Robert Longo, denn „Allegorische Bilder sind angeeignete Bilder“. Appropriation Art entlarvt modernistische Vorstellungen von künstlerischem Genie und Originalität und ist ambivalenter und widersprüchlicher als moderne Kunst, die gleichzeitig Ideologien installiert und untergräbt, „die sowohl kritisch als auch mitschuldig sind“.

Neo-Expressionismus und Malerei
Die Rückkehr zu den traditionellen Kunstformen der Bildhauerei und Malerei in den späten 1970er und frühen 1980er Jahren, die in Werken neoexpressionistischer Künstler wie Georg Baselitz und Julian Schnabel zu sehen sind, wurde als postmoderne Tendenz und als eine der ersten zusammenhängenden Bewegungen beschrieben tauchen in der Postmoderne auf. Seine enge Verbindung mit dem kommerziellen Kunstmarkt hat jedoch Fragen aufgeworfen, sowohl was seinen Status als postmoderne Bewegung als auch die Definition der Postmoderne selbst betrifft. Hal Foster erklärt, dass der Neoexpressionismus mit der konservativen Kulturpolitik der Reagan-Bush-Ära in den USA verwickelt sei. Félix Guattari missachtet die „großen Werbeaktionen, die in Deutschland Neo-Expressionismus genannt werden“ (ein Beispiel für eine „Modeerscheinung“) selbst „,“ als eine zu leichte Möglichkeit für ihn, „zu zeigen, dass die Postmoderne nichts als der letzte Atemzug der Moderne ist.“ Diese Kritik des Neoexpressionismus zeigt, dass Geld und Öffentlichkeitsarbeit in Amerika die Glaubwürdigkeit der zeitgenössischen Kunstwelt in der gleichen Zeit aufrecht erhielten, in der konzeptuelle Künstler und Praktiken von Künstlerinnen wie Malern und feministischen Theoretikern wie Griselda Pollock die moderne Kunst systematisch neu bewerteten. Brian Massumi behauptet, dass Deleuze und Guattari den Horizont neuer Definitionen von Schönheit in der postmodernen Kunst öffnen. Für Jean-François Lyotard handelte es sich um eine Malerei der Künstler Valerio Adami, Daniel Buren, Marcel Duchamp, Bracha Ettinger und Barnett Newman, die nach der Zeit der Avantgarde und der Malerei von Paul Cézanne und Wassily Kandinsky das Vehikel für Neues war Ideen des Erhabenen in der zeitgenössischen Kunst.

Institutionskritik
Kritik an den Institutionen der Kunst (vor allem Museen und Galerien) wird in den Arbeiten von Michael Asher, Marcel Broodthaers, Daniel Buren und Hans Haacke gemacht.