Musikalischer Nationalismus bezieht sich auf die Verwendung von musikalischen Ideen oder Motiven, die mit einem bestimmten Land, einer Region oder einer ethnischen Zugehörigkeit identifiziert werden, wie Volksweisen und Melodien, Rhythmen und Harmonien, die von ihnen inspiriert sind. Die direkte Verwendung von Volksmusik und die Verwendung von Melodien, Rhythmen und Harmonien, die von dieser Art von Musik inspiriert sind, umfassen beispielsweise die Verwendung von Folklore als konzeptionelle, ästhetische und ideologische Grundlage programmatischer Werke oder Opern.

Der Nationalismus ist oft mit der musikalischen Romantik der Mitte des 19. Jahrhunderts bis Mitte des 20. Jahrhunderts verbunden, aber es gibt Anzeichen für Nationalismus sowohl am Anfang als auch am Ende des 18. Jahrhunderts. Der Begriff wird auch häufig verwendet, um die Musik des 20. Jahrhunderts aus nicht-dominanten Regionen in der Musik zu beschreiben, insbesondere aus Lateinamerika, Nordamerika und Osteuropa. Historisch gesehen wurde der musikalische Nationalismus des 19. Jahrhunderts als eine Reaktion auf die „Dominanz“ der deutschen romantischen Musik angesehen.

Die am meisten mit dem Nationalismus der Musik verbundenen Länder sind: Russland, Polen, Rumänien, Ungarn, Norwegen, Finnland, Schweden, Ukraine, Spanien, Vereinigtes Königreich, in Europa und den Vereinigten Staaten, Mexiko, Brasilien, Argentinien, Chile, Kuba, Kolumbien und Venezuela, in Amerika. Der Autor, Komponist und Musikwissenschaftler, der diese Strömung in Spanien begründet, ist Felipe Pedrell. Der erste und wichtigste iberoamerikanische Komponist, der sich in den musikalischen Kreisen Europas hervorgetan hat, war der Brasilianer Heitor Villa-Lobos.

Geschichte
Als eine musikalische Bewegung entstand der Nationalismus Anfang des 19. Jahrhunderts in Verbindung mit politischen Unabhängigkeitsbewegungen und war gekennzeichnet durch eine Betonung nationaler musikalischer Elemente wie die Verwendung von Volksliedern, Volkstänzen oder Rhythmen oder die Annahme nationalistischer Themen für Opern, symphonische Gedichte oder andere Formen von Musik (Kennedy 2006). Als in Europa neue Nationen gebildet wurden, war der Nationalismus in der Musik eine Reaktion gegen die Vorherrschaft der etablierten europäischen klassischen Tradition, als Komponisten begannen, sich von den Standards italienischer, französischer und besonders deutscher Traditionalisten zu trennen (Miles nd).

Präzisere Überlegungen zum Herkunftsort sind strittig. Eine Ansicht besagt, dass es mit dem Befreiungskrieg gegen Napoleon begann, was zu einer rezeptiven Atmosphäre in Deutschland für Webers Oper Der Freischütz (1821) und später für Richard Wagners epische Dramen auf der Grundlage der teutonischen Legenden führte. Ungefähr zur selben Zeit erzeugte Polens Kampf für die Freiheit vom zaristischen Russland einen nationalistischen Geist in den Klavierwerken und Orchesterkompositionen wie dem Fantasy_on_Polish_Airs_ (Chopin) von Frédéric Chopin, und etwas später hallte Italiens Streben nach Unabhängigkeit von Österreich in vielen der Opern von Giuseppe Verdi (Machlis 1979, 125-26). Länder oder Regionen, die am häufigsten mit dem musikalischen Nationalismus verbunden sind, sind Russland, die Tschechoslowakei, Polen, Rumänien, Skandinavien, Spanien, das Vereinigte Königreich, Lateinamerika und die Vereinigten Staaten.

Polen
Jan Stefani (1746-1829)
Jan Stefani komponierte das 1794 uraufgeführte Singspiel Cud mnnemany, das Wunder der Krakauer und der Hochländer, das Krakowiaks, Polonaisen und Mazurkas enthält, die von den Zuhörern als polnische Volksmusik adoptiert wurden das Revival von 1816 mit neuer Musik von Karol Kurpiński (Goldberg 2008, 231-32). Die suggestiven Texte vieler Lieder konnten vom polnischen Publikum am Rande des Ausbruchs des Kościuszko-Aufstandes kaum als ein Ruf nach Revolution, nationaler Einheit und Unabhängigkeit gedeutet werden (Milewski 1999, 129-30). In diesem Sinne muss Stefani trotz seiner Unklarheit heute als Vorläufer und Begründer des musikalischen Nationalismus des 19. Jahrhunderts angesehen werden.

Frédéric Chopin (1810-1849)
Frédéric Chopin war einer der ersten Komponisten, der nationalistische Elemente in seine Kompositionen integrierte. Joseph Machlis stellt fest: „Polens Kampf für die Freiheit von der zaristischen Herrschaft erregte den nationalen Dichter in Polen … Beispiele für musikalischen Nationalismus gibt es im Output der Romantik. Die Volkssprache ist in den Mazurkas von Chopin prominent“ (Machlis 1963, 149-50). Seine Mazurkas und Polonaisen zeichnen sich besonders durch ihren Gebrauch nationalistischer Rhythmen aus. Außerdem „verboten die Nazis während des Zweiten Weltkrieges das Spielen von … Chopins Polonaisen in Warschau wegen der starken Symbolik, die in diesen Werken wohnt“ (Machlis 1963, 150).

Stanisław Moniuszko (1819-1872)
Stanisław Moniuszko hat sich vor allem mit dem Konzept eines nationalen Stils in der Oper verbunden. Moniuszkos Oper und Musik als Ganzes ist repräsentativ für die Romantik des 19. Jahrhunderts, da der Komponist zahlreiche Arien, Rezitative und Ensembles verwendet, die in seinen Opern stark vertreten sind. Die Quelle von Moniuszkos Melodien und rhythmischen Mustern liegt oft in der polnischen Musikfolklore. Einer der sichtbarsten „polnischen“ Aspekte seiner Musik ist in den Formen, die er verwendet, darunter Tänze, die in der Oberschicht populär sind, wie Polonaise und Mazurka, und Volksweisen und Tänze wie Kujawiak und Krakowiak.

Henryk Wieniawski (1835-1880)
Henryk Wieniawski war ein weiterer bedeutender Komponist, der polnische Volksmelodien verwendete – er schrieb zwei populäre Mazurkas für Solovioline und Klavierbegleitung (der zweite, Obertas, in G-Dur).

Russland
Mikhail Glinka
Mikhail Glinka war der erste russische Komponist, der außerhalb seines Landes anerkannt wurde und gilt allgemein als „Vater“ der russischen Musik. Seine Arbeit übte einen großen Einfluss auf die folgenden Generationen von Komponisten seines Volkes aus.

Die Fünf
Die Mitglieder der Fünf, Mili Balákirev, César Cui, Aleksandr Borodín, Modest Musorgski und Nikolai Rimski-Kórsakov, waren Autodidakten ohne akademische Ausbildung. Zuerst waren sie sehr kritisch mit dem Konservatorium von Sankt Petersburg, das von Anton Rubinstein neu geschaffen wurde, aber schließlich wurde Rimsky-Korsakov Professor dieses Konservatoriums und exquisiter Fachmann der Orchestrierung. In den Kompositionen dominieren Volkslieder, unterschiedliche Tonleitern wie der Ganzton (eine Art Hexatonik) sowie Themen aus den russischen Steppen. Von Rimski-Kórsakov hebt die symphonische Suite Scheherazade hervor und bedient sich der repräsentativsten Form des Nationalismus, der symphonischen Dichtung. Von Modest Músorgski heben sich eine Nacht auf dem kahlen Hügel und die Gemälde einer Ausstellung für Klavier ab, die Maurice Ravel später in seinem Refugium von Montfort l’amauri in den zwanziger Jahren orchestrierte.

Tschechoslowakei
Die Tschechoslowakei ist ein Land, das im Jahr 1918 durch die Kombination der Gebiete Böhmen und Mähren (heute Tschechische Republik und Slowakei) gebildet wurde. Diese Gebiete standen unter der Kontrolle des österreichisch – ungarischen Habsburgerreiches. Als Folge der kaiserlichen Sprache, der deutschen und der kaiserlichen Religion wurde der Katholizismus zu einer Lebensform für das tschechische und österreichisch-ungarische Volk.

Um die Muttersprache zu bewahren, wurde in Prag ein temporäres Theater veranstaltet. Dieses Theater würde die tschechische Sprache, Komponisten, traditionelle Musik und Programme mit nationalen Themen fördern.

Bedřich Smetana (1824-1884)
Smetana war Vorreiter in der Entwicklung eines musikalischen Stils, der eng mit den Bestrebungen des Landes nach unabhängiger Staatlichkeit verbunden war. In seiner Heimat gilt er als der Vater der tschechischen Musik. Bekannt ist er vor allem für den symphonischen Zyklus Má vlast („Mein Heimatland“), der die Geschichte, die Legenden und die Landschaft seines Heimatlandes darstellt.

Antonín Dvořák (1841-1904)
Nach Smetana war er der zweite tschechische Komponist, der weltweit Anerkennung fand. In Anlehnung an Smetanas nationalistisches Beispiel wandte Dvořák häufig Aspekte, insbesondere Rhythmen, der Volksmusik von Mähren und seiner Heimat Böhmen an. Dvořáks eigener Stil schafft eine nationale Sprache, indem er Elemente der klassischen sinfonischen Tradition und fremde populäre Musiktraditionen vermischt, Einflüsse aus der Volksmusik aufnimmt und effektive Wege findet, sie zu nutzen. Dvořák schrieb auch neun Opern, die, außer seiner ersten, Libretti in Tschechisch haben und den tschechischen Nationalgeist vermitteln sollten, wie auch einige seiner Chorwerke.

Leoš Janáček (1854-1928)
Leoš Janáček forschte und katalogisierte traditionelle mährische Musik. Seine Arbeit inspirierte zusätzliche Forschung. Aufgrund seines Interesses an traditioneller Musik war er für die Modalität und die pentatonischen Tonleitern, die häufig in der traditionellen mährischen Musik vorkommen, prädestiniert. Er schrieb normalerweise nicht in den üblichen Kompositionsformaten, um sich frei zwischen den Modi zu bewegen.

Seine bekannteste Oper, Jenufa (1904), wurde auf Tschechisch geschrieben und ursprünglich ins Deutsche übersetzt. Janáček war sehr vorsichtig bei der Überwachung der Übersetzung, um die Integrität des Drehbuchs zu bewahren.

Bohuslav Martinů (1890-1959)
Martinů wird mit Prokofjew und Bartók in seiner innovativen Einbeziehung der mitteleuropäischen Ethnomusikologie in seine Musik verglichen. Er verwendete weiterhin böhmische und mährische Volksmelodien in seinem Oeuvre, in der Regel Kinderlieder – zum Beispiel in Otvírání studánek („Die Eröffnung der Brunnen“).

Norwegen
Edvard Grieg (1843-1907)
Edvard Grieg war ein bedeutender Komponist der Romantik, dessen Musik dazu beitrug, eine norwegische nationale Identität zu etablieren (Grimley 2006,)

Finnland
Jean Sibelius (1865-1957)
Jean Sibelius hatte starke patriotische Gefühle für Finnland. Er hat Finlandia komponiert. Jean Sibelius hatte starke patriotische Gefühle für Finnland. Er entschied sich für programmatische Musik. Jean basierte seine Arbeit auf traditioneller finnischer Musik. Für seine Beiträge gewährte die Regierung ihm eine Rente.

Im Jahr 1899 arbeitete Patriotismus in Finnland. Sibelius komponierte das symphonische Gedicht Finland (1899) für ein Festival, und dieses traf finnische Bürger in patriotischer Begeisterung. Ein Teil dieses Gedichtes wurde als Chor arrangiert; und es ist immer noch ein wichtiges nationales Lied Finnlands, das auch in vielen protestantischen Hymnen anwesend ist.

Schweden
Hugo Alfvén (1872-1960)
Studierte am Musikkonservatorium in seiner Heimatstadt Stockholm. Er war nicht nur Geiger, Dirigent und Komponist, sondern auch Maler. Er ist vielleicht am besten für seine fünf Symphonien und drei schwedische Rhapsodien bekannt.

Rumänien
George Enescu (1881-1955)
George Enescu gilt als Rumäniens wichtigster Komponist (Malcolm und Sandu-Dediu 2015). Zu seinen bekanntesten Kompositionen gehören seine beiden rumänischen Rhapsodien und seine Violinsonate Nr. 3 (im rumänischen Folk-Stil), Op. 25.

Ungarn
Béla Bartók (1881-1945)
Béla Bartók arbeitete mit dem ungarischen Komponisten Zoltán Kodály zusammen, um die ungarische Volksmusik zu dokumentieren, die beide in ihre Musikstücke einbrachten (Stevens 2016).

Zoltán Kodály (1882-1967)
Zoltán Kodály studierte an der Musikakademie in Ungarn, interessierte sich für ungarische Volkslieder und unternahm oft längere Reisen in die ungarische Landschaft, um die Melodien zu studieren, die dann in seine Musikkompositionen einflossen (Anon. 2014).

Spanien
Die Designer: Barbieri und Pedrell
Nach der großen Tradition, die das Goldene Zeitalter musikalisch konstituierte, besteht der Aufbau einer spanischen Nationalmusik aus einer Erfindung, die im 19. Jahrhundert hauptsächlich von Francisco Asenjo Barbieri (1823-1894) entwickelt und vom Komponisten und Musikwissenschaftler Felipe Pedrell (1841- 1922) und seine Jünger. Diese Letzten machen bereits die Existenz einer Schule ersten Ranges vor allem durch ihre fünf Hauptautoren zum Patent:

Isaac Albéniz
Isaac Albéniz, Schüler von Felipe Pedrell, wie Granados, studierte in vielen der wichtigsten Konservatorien in Europa, einschließlich der Nationalen Schule für Musik und Deklamation von Spanien. Viele seiner Klavierwerke spiegeln sein spanisches Erbe wider, darunter «Iberia» (1906-1909). In dieser Arbeit imitiert das Klavier die Gitarre und die Sänger, traditionelle spanische Instrumente.

Albéniz äußert sich zunächst mit dem Klavier. Eines seiner Meisterwerke ist die Iberia-Suite, in der er die spanische Folklore in rhythmischer und harmonischer Weise auf eine höchst kreative Ebene erhebt, die wiederum mit der Sprache der internationalen Avantgarde verwoben ist: der musikalische Impressionismus debusynischer Reminiszenzen. In der spanischen Suite Op. 47, Regionalismus und Neotraditionalismus werden ebenfalls beobachtet.

Enrique Granados
Enrique Granados komponierte die Zarzuelas, eine Art spanisches Musiktheater. Er komponierte sein Werk „Goyescas“ (1911) basierend auf „den Drucken“ des spanischen Malers „Goya“. Auch ein nationaler Stil sind seine «Spanischen Tänze» und seine erste Oper «María del Carmen». Wie Albéniz äußert er sich vor allem am Klavier mit Werken wie Danzas Españolas und Goyescas, die eng mit der Musik des achtzehnten Jahrhunderts verwandt sind.

Joaquín Turina
Joaquín Turina, Kritiker, Musikwissenschaftler und Orchesterdirektor, war ein weiterer Komponist dessen, was man spätromanische Romantik nennen könnte. Er wurde in Sevilla geboren und nahm schließlich nach den von Felipe Pedrell angegebenen Kriterien die andalusische und neopopularistische Tradition an. Zu seinen bekanntesten Werken zählen „Danzas Fantastica“ und „La Procesión del Rocío“.

Manuel de Falla
Manuel de Falla war ein Komponist von großer internationaler Rückwirkung. Schüler Felipe Pedrells schwärmt und verwebt den nationalen Charakter (an vielen andalusischen Anlässen) mit fast allen europäischen Avantgardebewegungen: musikalischer Impressionismus (Nächte in den Gärten Spaniens), Neoklassizismus (Konzert für Cembalo), bestimmte für die russischen Ballette (Der dreieckige Hut), und sogar ein gesichterter Expressionismus und Kubismus, vielleicht das Ergebnis von Picassos Vision, neben der pro-avantgardistischen Verspieltheit, zusammen mit neopopularistischen Traditionalismus, die Werke von Kindern und Puppen (The Altarbild von Meister Pedro).

Joaquín Rodrigo
Joaquín Rodrigo, das jüngste Mitglied dieser spanischen Schule, ist der Komponist, der die Gitarre zu seinem definitiven Konzertort erhoben hat. Er ist allgemein bekannt für sein Werk Concierto de Aranjuez (1939).

Mexiko
Eine nationalistische Renaissance in den Künsten wurde durch die Mexikanische Revolution von 1910-1920 produziert. Das Álvaro Obregón-Regime, das 1921 eröffnet wurde, stellte ein großes Budget für das Sekretariat für öffentliche Bildung unter der Leitung von José Vasconcelos zur Verfügung, der Gemälde für öffentliche Gebäude von Künstlern wie José Clemente Orozco, Diego Rivera und David Alfaro Siqueiros in Auftrag gab. Im Rahmen dieses ehrgeizigen Programms gab Vasconcelos auch Kompositionen zu nationalistischen Themen in Auftrag. Eine der ersten Arbeiten war das Azteken-Ballett El fuego nuevo (Das neue Feuer) von Carlos Chávez, das 1921 komponiert, aber erst 1928 aufgeführt wurde (Parker 1983, 3-4).

Manuel M. Ponce
Manuel M. Ponce wurde in Fresnillo, Zacatecas, Mexiko geboren, obwohl er seine Kindheit in der Stadt Aguascalientes verbrachte. Als kontroverser Komponist widmete er sich der Schaffung eines musikalischen Werkes, das auf Themen der mexikanischen Folklore basierte, und kombinierte sie mit dem europäischen romantischen Stil seiner Zeit.

Er komponierte für mehrere Instrumente, besonders die Gitarre, dank seiner Freundschaft mit dem spanischen Gitarristen Andrés Segovia. Er war der erste mexikanische Komponist, dessen Musik eine internationale Projektion hatte, und sein Name war im Ausland weithin bekannt. Zu seinen nationalistischen Werken gehören: Balada Mexicana, Scherzino Maya, Mexikanische Rhapsodie und das symphonische Gedicht Chapultepec, um nur einige zu nennen. Er starb 1948, und seine Leiche wurde in der Rotunde der Erlauchten Männer im Pantheon von Dolores in Mexico City begraben.

Carlos Chávez
Carlos Chávez wurde am 13. Juni 1899 in Popotla bei Mexiko-Stadt geboren. Er war ein mexikanischer Komponist, Dirigent, Lehrer und Journalist. Seine Musik wurde von den einheimischen Kulturen Mexikos beeinflusst. Von seinen sechs Sinfonien ist die zweite, die indische Symphonie, die Yaqui-Perkussionsinstrumente verwendet, vielleicht das populärste seiner Werke weltweit. Chávez war neben dem Komponisten auch öffentlicher Mann, Beamter, Erzieher und Politiker. Mit Carlos Chávez ist die nationalistische Musikbewegung Mexikos endgültig konsolidiert.

José Pablo Moncayo
José Pablo Moncayo wurde am 29. Juni 1912 in Guadalajara, Jalisco, Mexiko geboren. Er studierte 1929 am Nationalkonservatorium für Musik, wo er Schüler von Carlos Chávez und Candelario Huízar war. 1935 gründete er zusammen mit Blas Galindo, Salvador Contreras und Daniel Ayala die «Vierergruppe», um seine Werke zu verbreiten, die den nationalistischen Geist Mexikos widerspiegeln.

Der Huapango basiert auf drei Stücken aus der reichen Musiktradition des Staates Veracruz. „El Siquisirí“, „El Balajú“ und „El Gavilancito“, und ist eines der emblematischsten Stücke der mexikanischen Konzertmusik und eines der bekanntesten der Welt. Er starb am 16. Juni 1958 in Mexiko-Stadt.

Silvestre Revueltas
Silvestre Revueltas wurde am 31. Dezember 1899 in Santiago Papasquiaro, Durango, Mexiko geboren. Er war ein bedeutender Komponist der ersten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts der symphonischen Musik, Violinist und mexikanischer Dirigent. Die Musik von Revueltas hat internationales musikwissenschaftliches Interesse geweckt, ein Phänomen, das nur bis zu 50 Jahre nach seinem Tod beobachtet wurde. Die verschiedenen Untersuchungen prägen einen Komponisten, dessen Bedeutung ihn zu den originellsten Werken der Musik des 20. Jahrhunderts macht. Laut verschiedener Autoren ist es der einzige geniale Komponist, den Mexiko hatte. Sogar Peter Garland, einer seiner wichtigsten Gelehrten, hält ihn für den besten Komponisten in Amerika.

Studien zeigen einen Autor, der nicht mit der Ästhetik des mexikanischen Nationalismus übereinstimmt, wie er lange Zeit eingekerkert war, sondern in Kontakt mit den neuesten Avantgarden seiner Zeit steht, in der Yolanda Moreno Rivas einen hochgradig informierten Stil sieht, der über das Gleiche hinausgeht Nationalismus.

Er komponierte Musik für Filme, Kamera, Lieder und einige andere Werke. Seine Orchestermusik umfasst symphonische Dichtungen; Die bekannteste ist Sensemayá im Jahr 1938, basierend auf dem Gedicht von Nicolás Guillén. Seine musikalische Sprache ist tonal, aber manchmal dissonant, mit rhythmischer Vitalität und oft mit einem ausgeprägten mexikanischen Geschmack. Er starb am 5. Oktober 1940 in Mexiko-Stadt wegen Lungenentzündung im Alter von 40 Jahren, am selben Tag wie die Uraufführung seines sieben Jahre zuvor komponierten Balletts El tuencuajo paseador. Seine Überreste sind in der Rotunde der illustre Personen in Mexiko-Stadt erhalten.

Salvador Contreras Sánchez
José Avelino Salvador Contreras Sánchez wurde am 10. November 1910 in Cuerámaro, Guanajuato, Mexiko, geboren. obwohl Contreras selbst aus unbekannten Gründen oft behauptete, es sei 1912 gewesen. Er schrieb vorzugsweise für Orchester, obwohl er sich auch mit Kammermusik beschäftigte und für Soloinstrumente komponierte. Er war vor allem ein Komponist instrumentaler Musik, der von der Idee beherrscht wurde, Musik als autonome Kunst und unabhängig von anderen Ausdrucksmitteln zu betrachten. Sein musikalischer Stil zeigte von Anfang an einen starken Einfluss des Neoklassizismus der Vinsker und der Revueltischen Klänge, sowie Merkmale eines impressionistischen Charakters, Eigenschaften, die in einem großen Teil seines Werkes beibehalten wurden.

Er produzierte ein breites und solides Werk, intim, zutiefst national, mit großen expressiven Möglichkeiten, die von einfachen Liedern bis hin zu orchestraler Prahlerei reichen. Wie seine Kollegen aus der Vierergruppe repräsentiert es die Erschöpfung nationalistischer Tendenzen in der mexikanischen Musik. Zu seinen repräsentativsten Werken gehören die Sonate für Violine und Violoncello (1933), Streichquartett Nr. 2 (1936), Musik für Symphonieorchester (1940), Provincianas (Ballett) (1950), Zwei dodekophone Stücke (1966), Sieben Präludien für Klavier (1971), Drei Sätze für Gitarre (1963).

Er komponierte seine 4. Sinfonie und eine Hommage an Diego Rivera, für Orchester und Erzähler über Texte seines Bruders Guillermo Contreras, als er nach einer langen und schmerzhaften Krankheit am 7. November 1982 in Mexiko-Stadt vom Tod überrascht wurde und diesen verließ zwei Arbeiten unvollendet.

Salvador Contreras ist immer noch ein Komponist, dessen Produktion größtenteils archiviert ist, ein Schöpfer, der, wie viele, den Lauf der Zeit und die Geschichte erwartet, damit seine Musik angemessen bewertet wird.

Chile
Pedro Humberto Allende Sarón
Pedro Humberto Allende Sarón, einer der wichtigsten chilenischen Komponisten, der 1945 den ersten nationalen Kunstpreis gewann, erwähnt die Musik. Herausragend als Pionier der nationalistischen Musik in Chile, der seine Werke mit Bauern- und Mapuche-Musik unterlegt.

Venezuela
Antonio Estévez
Hervorragender Komponist und Orchesterdirigent, Antonio Estévez begann seine musikalische Ausbildung in Caracas und trat als Mitglied der Marcial Band dieser Stadt, sowie des Venezolanischen Symphonieorchesters bei. Sein Meisterwerk ist die Cantata Criolla, die am 25. Juli 1954 veröffentlicht wurde, die wichtigste des venezolanischen musikalischen Nationalismus im Stück des 20. Jahrhunderts, und brachte ihm den Nationalen Musikpreis ein. Andere Werke von Bedeutung sind Mittag in der Ebene, Cromovibrafonía und Cromovibrafonía Múltiple.
Brasilien
Carlos Gomes (1836-1896)
Der repräsentativste Komponist der brasilianischen Romantik, Gomes verwendete mehrere Hinweise aus der Volksmusik des Landes und traditionellen Themen, vor allem in seiner Oper Il Guarany (1870).

Francisco Mignone (1897-1986)
Mignone integrierte volkstümliche Rhythmen und Instrumente in seine Suiten Fantasias Brasileiras nos.1-4 (1929-1936), seine 12 brasilianischen Walzer (1968-1979), Congada (1921) und Babaloxá (1936) und komponierte Ballette, die auf bedeutenden literarischen Werken basieren aus der brasilianischen Literatur.

Heitor Villa-Lobos (1887-1959)
Villa-Lobos reiste in seiner Jugend durch ganz Brasilien und nahm Volkslieder und Melodien auf, die er später in seiner Serie Bachianas Brasileiras und all seinen Chôros (darunter seine Chôros Nr. 10, Rasga o coração nach dem Lied mit Worten von Catulo) verwendete Da Paixão Cearense und Musik von Anacleto de Madeiros, die Villa-Lobos in der zweiten Hälfte dieses Chor-Orchesterstückes zitiert, das native Perkussion einsetzt.

Großbritannien
Im Vereinigten Königreich war die nationalistische Musik in Schottland, Irland und Wales stärker vertreten als in England. Diese Länder hatten immer eine starke Verbindung zu ihrem Erbe, und romantische Komponisten integrierten Elemente britischer traditioneller Musik in ihre Werke.

Joseph Parry (1841-1903)
Parry wurde in Wales geboren, zog aber als Kind in die Vereinigten Staaten. In seinem Erwachsenenalter reiste er zwischen Wales und Amerika, führte walisische Lieder und glänzt mit walisischen Texten in den Vorträgen. Er komponierte die erste walisische Oper, Blodwen, 1878 (Rhys 1998).

Edward Elgar (1857-1934)
Am bekanntesten für die Pomp and Circumstance Marches (Moore 1984).

Charles Villiers Stanford (1852-1924)
Stanford schrieb fünf irische Rhapsodien (1901-1914). Er veröffentlichte Bände irischer Volksliedarrangements und seine dritte Symphonie trägt den Titel Irish Symphony. Er war nicht nur stark von der irischen Kultur und Volksmusik beeinflusst, sondern vor allem von Johannes Brahms (White nd, 205) beeinflusst.

Alexander Mackenzie (1847-1935)
Mackenzie schrieb eine Highland Ballade für Violine und Orchester (1893) und das Scottish Concerto für Klavier und Orchester (1897). Er komponierte auch die Kanadische Rhapsodie.

In seinem Leben erlebte MacKenzie sowohl die Überreste der jakobitischen Kultur als auch die Ära der Roten Clydesiden. Seine Musik ist stark von jakobitischer Kunst beeinflusst (White und Murphy 2001, 224-25).

Ralph Vaughan Williams (1872-1958)
Vaughan Williams sammelte, veröffentlichte und arrangierte viele Volkslieder aus dem ganzen Land und schrieb viele Stücke, große und kleine, basierend auf Volksmelodien, wie die Fantasia on Greensleeves und die fünf Varianten auf „Dives and Lazarus“. Vaughan Williams half dabei, zu definieren musikalischer Nationalismus, der schreibt: „Die Kunst der Musik über allen anderen Künsten ist der Ausdruck der Seele einer Nation“ (Vaughan Williams 1934, 123).

Vereinigte Staaten
Aaron Copland (1900-1990)
Ironischerweise komponierte Copland neben seinen amerikanischen nationalistischen Werken auch „mexikanische“ Musik wie El Salón México (Piston 1961, 25).

Horatio Parker (1863-1919)
Edward MacDowell (1860-1908)
MacDowells Woodland Sketches, Op. 51 (1896) besteht aus zehn kurzen Klavierstücken mit Titeln, die sich auf die amerikanische Landschaft beziehen. Auf diese Weise behaupten sie MacDowells Identität als amerikanischer Komponist (Crawford 1996, 542).

Charles Cadman
Charles Cadman widmete den Indianerreservaten von Omaha und Winnebago Zeit und nahm seine Lieder auf. Er arrangierte und veröffentlichte einige von ihnen. Cadman legte eine Reihe von Dekreten mit Prinzessin Tsianina Redfeather, Mezzosopran von Omaha, vor und komponierte eine Oper, Shanewis oder die Robin Woman (1918), basierend auf seinem Leben.

Arthur Farwell
Arthur Farwell arbeitete mit indianischer Musik, studierte aber auch amerikanische, anglo-amerikanische und afrikanische Volkslieder sowie mexikanische und Cowboy-Musik. Er gründete die Wa-Wan-Presse, um seine „American Indian“ Melodie (1900) und die Werke anderer zeitgenössischer Komponisten zu veröffentlichen.

Ukraine
In der Ukraine wurde der Begriff „Musik Nationalismus“ (ukrainisch: музичний націоналізм) von Stanyslaw Lyudkevych im Jahr 1905 geprägt (Hrabovsky 2009,). Der Artikel unter diesem Titel ist Mykola Lysenko gewidmet, der als Vater der ukrainischen klassischen Musik gilt. Ludkevych kommt zu dem Schluss, dass Lyssenkos Nationalismus von denen Glinkas in der russischen Musik inspiriert wurde, obwohl die westliche Tradition, insbesondere die deutsche, in seiner Musik immer noch bedeutend ist, besonders instrumental.

V. Hrabovsky geht davon aus, dass Stanyslav Lyudkevych selbst als bedeutender nationalistischer Komponist und Musikwissenschaftler angesehen werden konnte, dank seiner zahlreichen Kompositionen unter ukrainischen Titeln sowie zahlreicher Veröffentlichungen über ukrainische Volkslieder und Gedichte in der ukrainischen klassischen Musik (Lyudkevych 1905).

Die Inspiration durch ukrainische Folklore konnte noch früher beobachtet werden, besonders in Kompositionen von Maksym Berezovsky (1745-1777) (Kornii 1998, 188), Dmytro Bortnyansky (1751-1825) (Kornii 1998, 296) und Artem Vedel (1767-1808) (Kornii 1998, 311). Semen Hulak-Artemovsky (1813-1873) gilt als Autor der ersten ukrainischen Oper (Zaporozhets za Dunayem, uraufgeführt im Jahre 1863). Lysenkos Traditionen wurden unter anderem von Kyrylo Stetsenko (1882-1922), Mykola Leontowych (1877-1921), Yakiv Stepovy (1883-1921), Alexander Koshetz (1877-1944) und später Levko Revutsky (1889-1977) fortgeführt ).

Zur gleichen Zeit wird der Begriff „Nationalismus“ in der ukrainischen Musikwissenschaft nicht verwendet (siehe zum Beispiel Yutsevych 2009, wo dieser Begriff fehlt). Darüber hinaus wurde der Artikel „Musik Nationalismus“ von Ludkevych in der UdSSR verboten (Hrabovsky 2009,) und war bis zu seiner Veröffentlichung im Jahr 1999 nicht weit verbreitet (Lyudkevych 1999).