Il nazionalismo musicale si riferisce all’uso di idee o motivi musicali identificati con un paese, una regione o un’etnia specifici, come le melodie e le melodie popolari, i ritmi e le armonie ispirati da essi. Ad esempio, l’uso diretto della musica popolare e l’uso di melodie, ritmi e armonie ispirate a questo tipo di musica include anche l’uso del folklore come base concettuale, estetica e ideologica di opere o opere programmatiche.

Il nazionalismo è spesso collegato al romanticismo musicale della metà del diciannovesimo secolo fino alla metà del XX secolo, ma ci sono prove del nazionalismo sia all’inizio che alla fine del diciottesimo secolo. Il termine è anche usato frequentemente per descrivere la musica del ventesimo secolo da regioni non dominanti nella musica, specialmente dall’America Latina, dal Nord America e dall’Europa dell’Est. Storicamente, il nazionalismo musicale del diciannovesimo secolo è stato considerato una reazione contro il “dominio” della musica romantica tedesca.

I paesi più frequentemente legati al nazionalismo musicale sono: Russia, Polonia, Romania, Ungheria, Norvegia, Finlandia, Svezia, Ucraina, Spagna, Regno Unito, in Europa e Stati Uniti, Messico, Brasile, Argentina, Cile, Cuba, Colombia e il Venezuela, in America. L’autore, compositore e musicologo, che fonda questa corrente in Spagna è Felipe Pedrell. Il primo e più importante compositore iberoamericano a distinguersi nei circoli musicali d’Europa è stato il brasiliano Heitor Villa-Lobos.

Storia
Come movimento musicale, il nazionalismo è emerso all’inizio del 19 ° secolo in connessione con i movimenti di indipendenza politica ed era caratterizzato da un’enfasi su elementi musicali nazionali come l’uso di canzoni popolari, danze e ritmi popolari o sull’adozione di soggetti nazionalisti per opere, poemi sinfonici o altre forme di musica (Kennedy 2006). Con la formazione di nuove nazioni in Europa, il nazionalismo nella musica fu una reazione contro il predominio della tradizionale tradizione classica europea quando i compositori iniziarono a separarsi dagli standard stabiliti dai tradizionalisti italiani, francesi e soprattutto tedeschi (Miles n.d.)

Considerazioni più precise sul punto di origine sono una questione di qualche controversia. Un punto di vista sostiene che sia iniziato con la guerra di liberazione contro Napoleone, portando ad un’atmosfera ricettiva in Germania per l’opera di Weber Der Freischütz (1821) e, più tardi, ai drammi epici di Richard Wagner basati sulle leggende teutoniche. Nello stesso periodo, la lotta polacca per la libertà dalla Russia zarista produsse uno spirito nazionalista nelle opere per pianoforte e composizioni orchestrali come il Fantasy_on_Polish_Airs_ (Chopin) di Frédéric Chopin, e poco dopo l’aspirazione dell’Italia all’indipendenza dall’Austria risuonò in molte delle opere di Giuseppe Verdi (Machlis 1979, 125-26). Paesi o regioni più comunemente legati al nazionalismo musicale includono Russia, Cecoslovacchia, Polonia, Romania, Scandinavia, Spagna, Regno Unito, America Latina e Stati Uniti.

Polonia
Jan Stefani (1746-1829)
Jan Stefani ha composto il Singspiel Cud mniemany, czyli Krakowiacy i górali (Il supposto miracolo, o Cracovians e gli Highlanders), che ha debuttato nel 1794 e contiene krakowiaks, polonaises e mazurka che sono stati adottati come se fossero musica popolare polacca del pubblico a il risveglio del 1816 con la nuova musica di Karol Kurpiński (Goldberg 2008, 231-32). I testi suggestivi di molte delle canzoni non potevano essere interpretati dal pubblico polacco sull’orlo della rivolta di Kościuszko come qualcosa di diverso da un appello per la rivoluzione, l’unità nazionale e l’indipendenza (Milewski 1999, 129-30). In questo senso, nonostante la sua oscurità oggi, Stefani deve essere considerato un precursore e fondatore del nazionalismo musicale del XIX secolo.

Frédéric Chopin (1810-1849)
Frédéric Chopin fu uno dei primi compositori a incorporare elementi nazionalistici nelle sue composizioni. Joseph Machlis afferma: “La lotta della Polonia per la libertà dal dominio zarista suscitò il poeta nazionale in Polonia … Gli esempi di nazionalismo musicale abbondano nella produzione dell’era romantica. L’idioma popolare è prominente nei Mazurka di Chopin” (Machlis 1963, 149-50). Le sue mazurche e le polacche sono particolarmente degne di nota per il loro uso dei ritmi nazionalistici. Inoltre, “Durante la seconda guerra mondiale i nazisti proibirono di suonare … le polacche di Chopin a Varsavia a causa del potente simbolismo che risiede in queste opere” (Machlis 1963, 150).

Stanisław Moniuszko (1819-1872)
Stanisław Moniuszko è stato associato soprattutto al concetto di stile nazionale nell’opera. L’opera e la musica di Moniuszko nel suo insieme sono rappresentative del romanticismo del XIX secolo, dato l’ampio uso del compositore di arie, recitativi e ensemble che caratterizzano fortemente le sue opere. La fonte delle melodie e degli schemi ritmici di Moniuszko si trova spesso nel folclore musicale polacco. Uno degli aspetti più visibilmente “polacchi” della sua musica è nelle forme che usa, comprese le danze popolari tra le classi superiori come la polonaise e la mazurka, e le musiche e le danze popolari come kujawiak e krakowiak.

Henryk Wieniawski (1835-1880)
Henryk Wieniawski era un altro importante compositore che utilizzava melodie popolari polacche: scrisse due famose mazurche per violino solo e accompagnamento al pianoforte (la seconda, Obertas, in Sol maggiore).

Russia
Mikhail Glinka
Mikhail Glinka è stato il primo compositore russo ad essere riconosciuto fuori dal suo paese ed è generalmente considerato il “padre” della musica russa. Il suo lavoro ha esercitato una grande influenza sulle seguenti generazioni di compositori del suo popolo.

I cinque
I membri dei Cinque, Mili Balákirev, César Cui, Aleksandr Borodín, Modest Musorgski e Nikolai Rimski-Kórsakov, erano autodidatti, senza alcuna formazione accademica. All’inizio erano molto critici con il Conservatorio di San Pietroburgo, appena creato da Anton Rubinstein, ma alla fine Rimskij-Korsakov finì per essere un professore di quel conservatorio e uno squisita professionista di orchestrazione. Nelle composizioni predominano le arie popolari, diverse scale come l’intero tono (che è un tipo di hexatonic), così come i temi presi dalle steppe russe. Di Rimski-Kórsakov mette in evidenza la suite sinfonica Scheherazade, usando la forma più rappresentativa del nazionalismo, il poema sinfonico. Di Modest Músorgski si distingue Una notte nella nuda collina e i Dipinti di una mostra per pianoforte, che Maurice Ravel orchestrò più tardi nel suo rifugio di Montfort l’amauri, negli anni venti.

Cecoslovacchia
La Cecoslovacchia è un paese formato nel 1918 dalla combinazione dei territori di Boemia e Moravia (ora Repubblica Ceca e Slovacchia). Questi territori erano sotto il controllo dell’Impero asburgico ungherese. Di conseguenza, il linguaggio imperiale, il tedesco e la religione imperiale, il cattolicesimo erano diventati uno stile di vita per il popolo ceco e austro-ungarico.

Per preservare la lingua materna, a Praga è stato organizzato un teatro temporaneo. Questo teatro promuoverà la lingua ceca, i compositori, la musica tradizionale e i programmi utilizzando temi nazionali.

Bedřich Smetana (1824-1884)
Smetana ha aperto la strada allo sviluppo di uno stile musicale che è stato identificato da vicino con le aspirazioni del suo paese allo stato indipendente. È ampiamente considerato nella sua patria come il padre della musica ceca. È meglio conosciuto per il ciclo sinfonico Má vlast (“My Homeland”), che ritrae la storia, le leggende e il paesaggio della sua terra natale.

Antonín Dvořák (1841-1904)
Dopo Smetana, è stato il secondo compositore ceco a ottenere il riconoscimento in tutto il mondo. Seguendo l’esempio nazionalista di Smetana, Dvořák ha frequentemente impiegato aspetti, in particolare i ritmi, della musica popolare della Moravia e della sua Boemia natale. Lo stile di Dvořák crea un linguaggio nazionale mescolando elementi della tradizione sinfonica classica e tradizioni musicali estranee popolari, assorbendo le influenze popolari e trovando modi efficaci di usarle. Dvořák ha anche scritto nove opere, che, oltre al suo primo, hanno libretti in ceco e avevano lo scopo di trasmettere lo spirito nazionale ceco, come lo erano alcune delle sue opere corali.

Leoš Janáček (1854-1928)
Leoš Janáček ha condotto ricerche e catalogazione della musica tradizionale della Moravia. Il suo lavoro ha ispirato ulteriori ricerche. A causa del suo interesse per la musica tradizionale, era predisposto per le modalità e le scale pentatoniche che spesso appaiono nella musica tradizionale della Moravia. Di solito non scriveva nei soliti formati di composizione, per muoversi liberamente tra le modalità.

La sua opera più famosa, Jenufa (1904), è stata scritta in ceco e originariamente tradotta in tedesco. Janáček è stato molto attento nel supervisionare la traduzione per preservare l’integrità della sceneggiatura.

Bohuslav Martinů (1890-1959)
Martinů è paragonato a Prokofiev e Bartók nella sua innovativa incorporazione dell’etnomusicologia dell’Europa centrale nella sua musica. Continuò a usare melodie popolari della Boemia e della Moravia per tutta la sua opera, di solito filastrocche, per esempio in Otvírání studánek (“L’apertura dei pozzi”).

Norvegia
Edvard Grieg (1843-1907)
Edvard Grieg fu un importante compositore dell’era romantica la cui musica contribuì a stabilire un’identità nazionale norvegese (Grimley 2006,)

Finlandia
Jean Sibelius (1865-1957)
Jean Sibelius aveva forti sentimenti patriottici per la Finlandia. Ha composto Finlandia. Jean Sibelius aveva forti sentimenti patriottici per la Finlandia. Ha scelto di scrivere musica programmatica. Jean ha basato il suo lavoro sulla musica tradizionale finlandese. Per i suoi contributi, il governo gli ha concesso una pensione.

Nel 1899, il patriottismo ha funzionato in Finlandia. Sibelius compose il poema sinfonico Finlandia (1899) per un festival, e questo si incontrò con cittadini finlandesi, avvolti in un fervore patriottico. Una parte di questo poema è stata organizzata come un corale; ed è ancora un’importante canzone nazionale della Finlandia, essendo presente anche in molti inni protestanti.

Svezia
Hugo Alfvén (1872-1960)
Studiato al conservatorio di musica nella sua città natale, Stoccolma. Oltre ad essere violinista, direttore d’orchestra e compositore, era anche un pittore. È forse meglio conosciuto per le sue cinque sinfonie e tre rapsodie svedesi.

Romania
George Enescu (1881-1955)
George Enescu è considerato il compositore più importante della Romania (Malcolm e Sandu-Dediu 2015). Tra le sue composizioni più famose ci sono le sue due Rapsodie romene e la sua Sonata n. 3 (in stile folk rumeno), op. 25.

Ungheria
Béla Bartók (1881-1945)
Béla Bartók ha collaborato con il compositore ungherese Zoltán Kodály per documentare la musica popolare ungherese, che entrambi hanno incorporato nei loro pezzi musicali (Stevens 2016).

Zoltán Kodály (1882-1967)
Zoltán Kodály ha studiato all’Accademia di Musica in Ungheria e ha avuto un interesse per le canzoni popolari ungheresi e spesso ha fatto lunghi viaggi nella campagna ungherese per studiare le melodie che sono state poi incorporate nelle sue composizioni musicali (Anon 2014).

Spagna
I designer: Barbieri e Pedrell
Dopo la grande tradizione che l’Età dell’Oro ha costituito musicalmente, la costruzione di una musica nazionale spagnola consiste in un’invenzione durante il XIX secolo formata principalmente da Francisco Asenjo Barbieri (1823-1894) ed efficacemente sviluppata dal compositore e musicologo Felipe Pedrell (1841- 1922) e i suoi discepoli. Questi ultimi già rendono palese l’esistenza di una scuola di primo rango, soprattutto per mezzo dei suoi cinque autori principali:

Isaac Albéniz
Isaac Albéniz, discepolo di Felipe Pedrell, come Granados, ha studiato in molti dei più importanti conservatori d’Europa, tra cui la Scuola nazionale di musica e la declamazione della Spagna. Molte delle sue opere per pianoforte riflettono la sua eredità spagnola, tra cui «Iberia» (1906-1909). In questo lavoro il pianoforte imita la chitarra e i cantanti, strumenti tradizionali spagnoli.

Albéniz si esprime innanzitutto con il pianoforte. Uno dei suoi capolavori è Iberia Suite, dove eleva il folklore spagnolo a livelli altamente creativi, sia nel ritmo che nell’armonia, e questo a sua volta si intreccia al linguaggio delle avanguardie internazionali: l’impressionismo musicale delle reminiscenze debussynian. Nella Suite spagnola op. 47, si osservano anche il regionalismo e il neotradizionalismo.

Enrique Granados
Enrique Granados ha composto le zarzuelas, un tipo di teatro musicale spagnolo. Ha composto la sua opera “Goyescas” (1911) basata sulle “stampe” del pittore spagnolo “Goya”. Anche di uno stile nazionale sono le sue «danze spagnole» e la sua prima opera «María del Carmen». Come Albéniz, si esprime innanzitutto al pianoforte con opere come Danzas Españolas e Goyescas, strettamente legate alla musica del diciottesimo secolo.

Joaquín Turina
Joaquín Turina, critico, musicologo e direttore d’orchestra, è stato un altro compositore di quello che si potrebbe chiamare il tardo romanticismo spagnolo. Nato a Siviglia, alla fine assunse, seguendo i criteri indicati da Felipe Pedrell, la tradizione andalusa e neopopolarista. Tra le sue opere più notevoli sono “Danzas Fantastica” e “La Procesión del Rocío”.

Manuel de Falla
Manuel de Falla è stato un compositore di grande risonanza internazionale. Discepolo di Felipe Pedrell, le sue opere impregnano e intrecciano il personaggio nazionale (in molte occasioni andaluse) con quasi tutte le avanguardie europee: impressionismo musicale (Notti nei giardini di Spagna), neoclassicismo (Concerto per clavicembalo), alcuni aspetti caratteristici di i balletti russi (Il cappello a tre punte), e persino un espressionismo e cubismo setacciato, forse il risultato della visione di Picasso, oltre alla giocosità avanguardista, insieme al tradizionalismo neopopolarista, alle opere di bambini e burattini (The pala d’altare del Maestro Pedro).

Joaquín Rodrigo
Joaquín Rodrigo, il membro più recente di questa scuola spagnola, è il compositore che ha portato la chitarra nella sua sede definitiva per i concerti. È universalmente conosciuto per il suo lavoro Concierto de Aranjuez (1939).

Messico
Una rinascita nazionalistica nelle arti fu prodotta dalla rivoluzione messicana del 1910-1920. Il regime di Álvaro Obregón, inaugurato nel 1921, forniva un grande budget alla Segreteria della Pubblica Istruzione, sotto la direzione di José Vasconcelos, che commissionò dipinti per edifici pubblici ad artisti come José Clemente Orozco, Diego Rivera e David Alfaro Siqueiros. Come parte di questo ambizioso programma, Vasconcelos commissionò anche composizioni musicali su temi nazionalistici. Uno dei primi lavori del genere fu il balletto a tema azteco El fuego nuevo (Il nuovo fuoco) di Carlos Chávez, composto nel 1921 ma non eseguito fino al 1928 (Parker 1983, 3-4).

Manuel M. Ponce
Manuel M. Ponce è nato a Fresnillo, Zacatecas, in Messico, sebbene abbia vissuto la sua infanzia nella città di Aguascalientes. Compositore controverso, si dedica alla creazione di un’opera musicale basata su temi del folclore messicano, combinandoli con lo stile romantico europeo del suo tempo.

Ha composto per diversi strumenti, in particolare la chitarra grazie all’amicizia che ha avuto con il chitarrista spagnolo Andrés Segovia. Fu il primo compositore messicano la cui musica avesse una proiezione internazionale, e il suo nome era ampiamente conosciuto all’estero. Tra le sue opere nazionaliste ci sono: Balada Mexicana, Scherzino Maya, Mexican Rhapsody e il poema sinfonico Chapultepec, solo per citarne alcuni. Morì nel 1948, e il suo corpo fu sepolto nella Rotonda degli Uomini Illustri, nel Pantheon Civile di Dolores, a Città del Messico.

Carlos Chávez
Carlos Chávez è nato a Popotla, vicino a Città del Messico, il 13 giugno 1899. È stato un compositore, direttore d’orchestra, insegnante e giornalista messicano. La sua musica è stata influenzata dalle culture native del Messico. Delle sue sei sinfonie, la seconda, chiamata Indian Symphony, che utilizza strumenti a percussione Yaqui, è forse la più popolare delle sue opere, in tutto il mondo. Chávez era, oltre al compositore, uomo pubblico, ufficiale, educatore e politico. Con Carlos Chávez, il movimento nazionalista musicale del Messico è definitivamente consolidato.

José Pablo Moncayo
José Pablo Moncayo è nato a Guadalajara, Jalisco, in Messico, il 29 giugno 1912. Ha studiato al Conservatorio Nazionale di Musica nel 1929, dove è stato allievo di Carlos Chávez e Candelario Huízar. Nel 1935 formò il «Gruppo dei quattro» con Blas Galindo, Salvador Contreras e Daniel Ayala per divulgare le sue opere che riflettono lo spirito nazionalista del Messico.

L’Huapango è basato su tre pietre della ricca tradizione musicale dello Stato di Veracruz. «El Siquisirí», «El Balajú» e «El Gavilancito», ed è uno dei pezzi più emblematici della musica da concerto messicana e uno dei più conosciuti al mondo. Morì a Città del Messico il 16 giugno 1958.

Silvestre Revueltas
Silvestre Revueltas è nato a Santiago Papasquiaro, Durango, in Messico, il 31 dicembre 1899, è stato un importante compositore della prima metà del ventesimo secolo della musica sinfonica, violinista e direttore messicano. La musica di Revueltas ha suscitato interesse musicologico internazionale, un fenomeno che è stato osservato solo fino a 50 anni dopo la sua morte. Le diverse indagini stanno dando forma a un compositore la cui importanza lo colloca all’interno delle creazioni più originali della musica del XX secolo. Secondo vari autori, è l’unico compositore di genio che il Messico abbia avuto. Persino Peter Garland, uno dei suoi principali studiosi, lo considera il miglior compositore emergente in America.

Gli studi mostrano un autore che non coincide con l’estetica del nazionalismo messicano come lo è stato per lungo tempo incasellato, ma è in contatto con le ultime avanguardie del suo tempo in quello che Yolanda Moreno Rivas considera uno stile altamente informato che ha trasceso lo stesso nazionalismo.

Ha composto musica per film, macchina fotografica, canzoni e altri lavori. La sua musica orchestrale include poemi sinfonici; il più noto è Sensemayá nel 1938, basato sul poema di Nicolás Guillén. Il suo linguaggio musicale è tonale ma a volte dissonante, con vitalità ritmata e spesso con un sapore decisamente messicano. Morì a Città del Messico il 5 ottobre 1940 a causa di polmonite all’età di 40 anni, lo stesso giorno della prima del suo balletto El tuencuajo paseador, composto sette anni prima. I suoi resti sono conservati nella Rotonda delle persone illustri, a Città del Messico.

Salvador Contreras Sánchez
José Avelino Salvador Contreras Sánchez è nato a Cuerámaro, Guanajuato, in Messico, il 10 novembre 1910; anche se, per ragioni sconosciute, lo stesso Contreras sosteneva spesso che era stato nel 1912. Scrisse preferibilmente per orchestra, anche se si occupava anche di musica da camera e componeva per strumenti solisti. Era, soprattutto, un compositore di musica strumentale, dominato dall’idea di considerare la musica come un’arte autonoma e indipendente da ogni altro mezzo di espressione. Il suo stile musicale rivelò, fin dalle sue origini, una forte influenza del Neoclassicismo dei Vinskians e delle sonorità revueltiane, così come le caratteristiche di una natura impressionistica, caratteristiche che sono state mantenute in gran parte del suo lavoro.

Ha prodotto un lavoro ampio e solido, intimo, profondamente nazionale, con grandi possibilità espressive che vanno dalle canzoni semplici alla magniloquenza orchestrale. Come i suoi colleghi del Gruppo dei quattro, rappresenta l’esaurimento delle tendenze nazionaliste nella musica messicana. Tra le sue opere più rappresentative ci sono la Sonata per violino e violoncello (1933), String Quartet No. 2 (1936), Music for Symphonic Orchestra (1940), Provincianas (balletto) (1950), Two Dodecophonic Pieces (1966), Seven preludi per pianoforte (1971), Tre movimenti per chitarra (1963).

Stava componendo la sua quarta sinfonia e un tributo a Diego Rivera, per orchestra e narratore su testi di suo fratello Guillermo Contreras, quando, dopo una lunga e dolorosa malattia, fu sorpreso dalla morte a Città del Messico, il 7 novembre 1982, lasciando questi due opere non finite.

Salvador Contreras è ancora un compositore la cui produzione rimane ampiamente archiviata, un creatore che si aspetta, come molti, il passare del tempo e della storia in modo che la sua musica sia adeguatamente valorizzata.

Chile
Pedro Humberto Allende Sarón
Pedro Humberto Allende Sarón, uno dei più importanti compositori cileni, che nel 1945 vinse il primo premio nazionale d’arte menziona la musica, eccezionale per essere stato il pioniere della musica nazionalista in Cile, incorporando musica contadina e mapuche al suo lavoro.

Venezuela
Antonio Estévez
Straordinario compositore e direttore d’orchestra, Antonio Estévez ha iniziato la sua formazione musicale a Caracas e si è unito come membro della Marcial Band di questa città, così come l’Orchestra Sinfonica Venezuelana. Il suo capolavoro è la Cantata Criolla che fu pubblicata il 25 luglio 1954, il più importante nazionalismo musicale venezuelano nel pezzo del XX secolo, e gli è valso il National Music Prize. Altre opere importanti sono il mezzogiorno in pianura, Cromovibrafonía e Cromovibrafonía múltiple.
Brasile
Carlos Gomes (1836-1896)
Il compositore più rappresentativo del romanticismo brasiliano, Gomes ha usato diversi riferimenti dalla musica popolare del paese e temi tradizionali, principalmente nella sua opera Il Guarany (1870).

Francisco Mignone (1897-1986)
Mignone incorporò ritmi e strumenti folk nelle sue suite Fantasias Brasileiras nos.1-4 (1929-1936), i suoi 12 brasiliani valzer (1968-1979), Congada (1921) e Babaloxá (1936), oltre a comporre balletti basati su importanti opere letterarie dalla letteratura brasiliana.

Heitor Villa-Lobos (1887-1959)
Villa-Lobos ha viaggiato molto in tutto il Brasile in gioventù e ha registrato canzoni popolari e brani che ha poi utilizzato nella sua serie Bachianas Brasileiras e in tutti i suoi Chôros (tra questi, il suo Chôros n. 10, sottotitolato Rasga o coração dopo la canzone con parole di Catulo da Paixão Cearense e musica di Anacleto de Madeiros, che Villa-Lobos cita nella seconda parte di questo pezzo corale-orchestrale, che impiega percussioni native).

Regno Unito
Nel Regno Unito, la musica nazionalista era più prominente in Scozia, Irlanda e Galles che in Inghilterra. Questi paesi hanno sempre avuto un forte legame con la loro eredità, e i compositori romantici hanno incorporato elementi della musica tradizionale britannica nelle loro opere.

Joseph Parry (1841-1903)
Parry è nato in Galles, ma si è trasferito negli Stati Uniti da bambino. Nella sua età adulta, ha viaggiato tra il Galles e l’America, e ha eseguito canzoni gallesi e glees con testi gallesi in recitals. Compose la prima opera gallese, Blodwen, nel 1878 (Rhys 1998).

Edward Elgar (1857-1934)
Meglio conosciuto per Pomp and Circumstance Marches (Moore 1984,).

Charles Villiers Stanford (1852-1924)
Stanford scrisse cinque Rapsodie irlandesi (1901-1914). Ha pubblicato volumi di arrangiamenti di canzoni popolari irlandesi, e la sua terza sinfonia è intitolata alla sinfonia irlandese. Oltre ad essere fortemente influenzato dalla cultura irlandese e dalla musica popolare, fu particolarmente influenzato da Johannes Brahms (White n., 205).

Alexander Mackenzie (1847-1935)
Mackenzie scrisse una Highland Ballad per violino e orchestra (1893) e il Concerto scozzese per pianoforte e orchestra (1897). Ha anche composto la Canadian Rhapsody.

Nella sua vita MacKenzie è stato testimone delle sopravvivenze della cultura giacobita e dell’era del Clydeside rosso. La sua musica è fortemente influenzata dall’arte giacobita (White and Murphy 2001, 224-25).

Ralph Vaughan Williams (1872-1958)
Vaughan Williams ha raccolto, pubblicato e arrangiato molti canti popolari provenienti da tutto il paese, e ha scritto molti pezzi, su piccola e grande scala, basati su melodie popolari, come la Fantasia su Greensleeves e le Cinque varianti su “Dives and Lazarus”. nazionalismo musicale, scrivendo che “L’arte della musica sopra tutte le altre arti è l’espressione dell’anima di una nazione” (Vaughan Williams 1934, 123).

stati Uniti
Aaron Copland (1900-1990)
Ironia della sorte, Copland ha composto musica “messicana” come El Salón México in aggiunta alle sue opere nazionaliste americane (Piston 1961, 25).

Horatio Parker (1863-1919)
Edward MacDowell (1860-1908)
MacDowell’s Woodland Sketches, op. 51 (1896) consiste di dieci brevi pezzi per pianoforte recanti titoli che si riferiscono al paesaggio americano. In questo modo, rivendicano l’identità di MacDowell come compositore americano (Crawford 1996, 542).

Charles Cadman
Charles Cadman dedicò tempo alle riserve indiane di Omaha e Winnebago e registrò le sue canzoni. Ha organizzato e pubblicato alcuni di loro. Cadman ha presentato una serie di decreti con la principessa Tsianina Redfeather, mezzosoprano di Omaha, e ha composto un’opera, Shanewis o Robin Woman (1918), basata sulla sua vita.

Arthur Farwell
Arthur Farwell ha lavorato con musica nativa americana, ma ha anche studiato canzoni folk americane, anglo-americane e africane, oltre a musica messicana e cowboy. Ha fondato la stampa Wa-Wan per pubblicare la sua melodia “American Indian” (1900) e le opere di altri compositori contemporanei.

Ucraina
In Ucraina il termine “Nazionalismo musicale” (ucraino: музичний націоналізм) è stato coniato da Stanyslav Lyudkevych nel 1905 (Hrabovsky 2009,). L’articolo sotto questo titolo è dedicato a Mykola Lysenko che è considerato il padre della musica classica ucraina. Ludkevych conclude che il nazionalismo di Lysenko è stato ispirato da quelli di Glinka nella musica russa, sebbene la tradizione occidentale, in particolare quella tedesca, sia ancora significativa nella sua musica, soprattutto strumentale.

V. Hrabovsky presume che lo stesso Stanyslav Lyudkevych potesse essere considerato un significativo compositore e musicologo nazionalista grazie alla sua numerosa composizione con titoli dedicati all’Ucraina e numerosi articoli dedicati all’uso di canzoni e poesia ucraine popolari nella musica classica ucraina (Lyudkevych 1905).

L’ispirazione del folclore ucraino potrebbe essere osservata anche prima, in particolare nelle composizioni di Maksym Berezovsky (1745-1777) (Kornii 1998, 188), Dmytro Bortnyansky (1751-1825) (Kornii 1998, 296) e Artem Vedel (1767-1808) (Kornii 1998, 311). Semen Hulak-Artemovsky (1813-1873) è considerato l’autore della prima opera ucraina (Zaporozhets za Dunayem, premiata nel 1863). Le tradizioni di Lysenko furono proseguite, tra gli altri, da Kyrylo Stetsenko (1882-1922), Mykola Leontovych (1877-1921), Yakiv Stepovy (1883-1921), Alexander Koshetz (1877-1944), e più tardi, Levko Revutsky (1889-1977) ).

Allo stesso tempo il termine “nazionalismo” non è usato nella musicologia ucraina (si veda ad esempio Yutsevych 2009, dove tale termine è mancante). Inoltre, l’articolo “Music Nationalism” di Ludkevych era proibito nell’URSS (Hrabovsky 2009) e non era molto conosciuto fino alla sua pubblicazione nel 1999 (Lyudkevych 1999).