Nacionalismo musical

O nacionalismo musical refere-se ao uso de idéias ou motivos musicais que são identificados com um país, região ou etnia específicos, como músicas e melodias folclóricas, ritmos e harmonias inspiradas por eles. Por exemplo, o uso direto da música folclórica e o uso de melodias, ritmos e harmonias inspiradas por esse tipo de música também incluem o uso do folclore como uma base conceitual, estética e ideológica de obras ou óperas programáticas.

O nacionalismo está frequentemente relacionado ao romantismo musical de meados do século XIX até meados do século XX, mas há indícios de nacionalismo tanto no início como no final do século XVIII. O termo também é freqüentemente usado para descrever a música do século XX de regiões não dominantes da música, especialmente da América Latina, América do Norte e Europa Oriental. Historicamente, o nacionalismo musical do século XIX foi considerado uma reação contra o “domínio” da música romântica alemã.

Os países mais freqüentemente relacionados ao nacionalismo musical são: Rússia, Polônia, Romênia, Hungria, Noruega, Finlândia, Suécia, Ucrânia, Espanha, Reino Unido, Europa e Estados Unidos, México, Brasil, Argentina, Chile, Cuba, Colômbia. e Venezuela, na América. O autor, compositor e musicólogo, que baseia essa corrente na Espanha, é Felipe Pedrell. O primeiro e mais importante compositor ibero-americano a se destacar nos círculos musicais da Europa foi o brasileiro Heitor Villa-Lobos.

História
Como um movimento musical, o nacionalismo emergiu no início do século XIX em conexão com movimentos de independência política e foi caracterizado por uma ênfase em elementos musicais nacionais como o uso de canções folclóricas, danças folclóricas ou ritmos, ou na adoção de temas nacionalistas para óperas, poemas sinfônicos ou outras formas de música (Kennedy, 2006). Como as novas nações se formaram na Europa, o nacionalismo na música foi uma reação contra o domínio da tradição clássica européia dominante, à medida que os compositores começaram a se separar dos padrões estabelecidos pelos tradicionalistas italianos, franceses e especialmente alemães (Miles nd)

Considerações mais precisas do ponto de origem são uma questão de alguma disputa. Um ponto de vista é que começou com a guerra de libertação contra Napoleão, levando a uma atmosfera receptiva na Alemanha para a ópera Der Freischütz (1821) de Weber e, mais tarde, os dramas épicos de Richard Wagner baseados nas lendas teutônicas. Por volta da mesma época, a luta da Polónia pela liberdade da Rússia czarista produziu um espírito nacionalista nas obras de piano e composições orquestrais como a Fantasy_on_Polish_Airs_ (Chopin) de Frédéric Chopin, e um pouco depois a aspiração da Itália à independência da Áustria ressoou em muitas das óperas de Giuseppe Verdi (Machlis 1979, 125-26). Países ou regiões mais comumente ligados ao nacionalismo musical incluem Rússia, Tchecoslováquia, Polônia, Romênia, Escandinávia, Espanha, Reino Unido, América Latina e Estados Unidos.

Polônia
Jan Stefani (1746–1829)
Jan Stefani compôs o Singspiel Cud Mniemany, czyli Krakowiacy i górali, que estreou em 1794 e contém krakowiaks, polonaises e mazurkas que foram adotados como se fossem música folclórica polonesa por platéias em o renascimento de 1816 com a nova música de Karol Kurpiński (Goldberg 2008, 231-32). As letras sugestivas de muitas das canções dificilmente poderiam ter sido interpretadas pelas audiências polonesas à beira da eclosão da Revolta de Kościuszko como algo diferente de um apelo por revolução, unidade nacional e independência (Milewski 1999, 129-30). Nesse sentido, apesar de sua obscuridade hoje, Stefani deve ser considerado um precursor e fundador do nacionalismo musical do século XIX.

Frédéric Chopin (1810–1849)
Frédéric Chopin foi um dos primeiros compositores a incorporar elementos nacionalistas em suas composições. Joseph Machlis afirma: “A luta da Polônia pela liberdade do regime czarista despertou o poeta nacional na Polônia … Exemplos de nacionalismo musical abundam na produção da era romântica. O idioma popular é proeminente nos Mazurkas de Chopin” (Machlis 1963, 149-50). Suas mazurcas e polonaises são particularmente notáveis ​​pelo uso de ritmos nacionalistas. Além disso, “durante a Segunda Guerra Mundial, os nazistas proibiram o jogo de … Polonaises de Chopin em Varsóvia por causa do poderoso simbolismo que reside nessas obras” (Machlis 1963, 150).

Stanisław Moniuszko (1819–1872)
Stanisław Moniuszko tornou-se associado sobretudo com o conceito de estilo nacional na ópera. A ópera e a música de Moniuszko como um todo são representativas do romantismo do século XIX, dado o uso extensivo do compositor de árias, recitativos e conjuntos que aparecem fortemente em suas óperas. A origem das melodias e padrões rítmicos de Moniuszko está frequentemente no folclore musical polonês. Um dos aspectos mais visivelmente “poloneses” de sua música está nas formas que ele usa, incluindo danças populares entre as classes superiores, como polonaise e mazurka, e melodias e danças folclóricas, como kujawiak e krakowiak.

Henryk Wieniawski (1835–1880)
Henryk Wieniawski foi outro compositor importante usando melodias folclóricas polonesas – ele escreveu duas mazurcas populares para violino solo e acompanhamento de piano (a segunda, Obertas, em sol maior).

Rússia
Mikhail Glinka
Mikhail Glinka foi o primeiro compositor russo a ser reconhecido fora do seu país e é geralmente considerado o “pai” da música russa. Seu trabalho exerceu uma grande influência nas gerações seguintes de compositores de seu povo.

Os cinco
Os membros dos Cinco, Mili Balákirev, César Cui, Aleksandr Borodín, Modest Musorgski e Nikolai Rimski-Kórsakov, eram autodidatas, sem qualquer formação acadêmica. A princípio, eles foram muito críticos com o Conservatório de São Petersburgo, recém-criado por Anton Rubinstein, mas finalmente Rimsky-Korsakov acabou sendo professor daquele conservatório e um excelente profissional de orquestração. Nas composições predominam os ares populares, escalas diferentes, como o tom todo (que é um tipo de hexatônico), bem como temas retirados das estepes russas. De Rimski-Kórsakov destaca a suíte sinfônica Scheherazade, usando o molde mais representativo do nacionalismo, o poema sinfônico. De Modest Músorgski se destacam Uma noite na colina nua e as pinturas de uma exposição para piano, que Maurice Ravel mais tarde orquestrou em seu refúgio de Montfort l’amauri, na década de vinte.

Checoslováquia
Checoslováquia é um país formado em 1918 pela combinação dos territórios da Boêmia e da Morávia (atual República Tcheca e Eslováquia). Esses territórios estiveram sob o controle do Império Austro-Húngaro dos Habsburgo. Como resultado, a língua imperial, o alemão e a religião imperial, o catolicismo se tornou um modo de vida para os povos tcheco e austro-húngaro.

Para preservar a língua materna, um teatro temporário foi organizado em Praga. Este teatro promoveria a língua checa, compositores, música tradicional e programas usando temas nacionais.

Bedrich Smetana (1824–1884)
Smetana foi pioneira no desenvolvimento de um estilo musical que se tornou intimamente identificado com as aspirações de seu país ao estado independente. Ele é amplamente considerado em sua terra natal como o pai da música tcheca. Ele é mais conhecido pelo ciclo sinfônico Má vlast (“Minha Pátria”), que retrata a história, as lendas e a paisagem de sua terra natal.

Antonín Dvořák (1841–1904)
Depois de Smetana, ele foi o segundo compositor checo a alcançar reconhecimento mundial. Seguindo o exemplo nacionalista de Smetana, Dvořák freqüentemente empregou aspectos, especificamente ritmos, da música folclórica da Morávia e de sua terra natal, Boêmia. O estilo próprio de Dvořák cria um idioma nacional misturando elementos da tradição sinfônica clássica e tradições musicais populares externas, absorvendo influências populares e encontrando maneiras eficazes de usá-las. Dvořák também escreveu nove óperas, que, além da primeira, têm libretos em tcheco e tinham a intenção de transmitir o espírito nacional tcheco, assim como algumas de suas obras corais.

Leoš Janáček (1854-1928)
Leoš Janáček conduziu a pesquisa e catalogação da música tradicional da Morávia. Seu trabalho inspirou pesquisas adicionais. Devido ao seu interesse pela música tradicional, ele estava predisposto à modalidade e escalas pentatônicas que freqüentemente aparecem na música tradicional da Morávia. Ele não costumava escrever nos formatos habituais de composição, para se mover livremente entre os modos.

Sua ópera mais famosa, Jenufa (1904), foi escrita em tcheco e originalmente traduzida para o alemão. Janáček foi muito cuidadoso ao supervisionar a tradução para preservar a integridade do roteiro.

Bohuslav Martinů (1890-1959)
Martinů é comparado com Prokofiev e Bartók em sua incorporação inovadora da etnomusicologia da Europa Central em sua música. Ele continuou a usar melodias folclóricas da Boêmia e da Morávia ao longo de sua obra, geralmente rimas infantis – por exemplo, em Otvírání studánek (“A Abertura dos Poços”).

Noruega
Edvard Grieg (1843-1907)
Edvard Grieg foi um importante compositor da era romântica cuja música ajudou a estabelecer uma identidade nacional norueguesa (Grimley 2006,)

Finlândia
Jean Sibelius (1865-1957)
Jean Sibelius tinha fortes sentimentos patrióticos pela Finlândia. Ele compôs a Finlândia. Jean Sibelius tinha fortes sentimentos patrióticos pela Finlândia. Ele escolheu escrever música programática. Jean baseou seu trabalho na música tradicional finlandesa. Por suas contribuições, o governo concedeu-lhe uma pensão.

Em 1899, o patriotismo funcionou na Finlândia. Sibelius compôs o poema sinfônico Finlândia (1899) para um festival, e este se reuniu com cidadãos finlandeses, envoltos em um fervor patriótico. Uma parte deste poema foi organizada como um coral; e ainda é uma importante canção nacional da Finlândia, estando também presente em muitos hinos protestantes.

Suécia
Hugo Alfvén (1872-1960)
Estudou no conservatório de música em sua cidade natal, Estocolmo. Além de violinista, maestro e compositor, ele também era pintor. Ele é talvez mais conhecido por suas cinco sinfonias e três rapsódias suecas.

Romania
George Enescu (1881–1955)
George Enescu é considerado o compositor mais importante da Roménia (Malcolm e Sandu-Dediu 2015). Entre suas composições mais conhecidas estão suas duas Rapsódias Romenas e sua Sonata para Violino No. 3 (em Estilo Folclórico Romeno), op. 25

Hungria
Béla Bartók (1881-1945)
Béla Bartók colaborou com o colega compositor húngaro Zoltán Kodály para documentar a música folclórica húngara, que ambos incorporaram em suas peças musicais (Stevens 2016).

Zoltán Kodály (1882–1967)
Zoltán Kodály estudou na Academia de Música da Hungria e tinha interesse em canções folclóricas húngaras e costumava fazer longas viagens ao campo húngaro para estudar as melodias que eram então incorporadas em suas composições musicais (Anon. 2014).

Espanha
Os designers: Barbieri e Pedrell
Depois da grande tradição que a Idade do Ouro constituiu musicalmente, a construção de uma música nacional espanhola consiste em uma invenção durante o século XIX formada principalmente por Francisco Asenjo Barbieri (1823-1894) e efetivamente desenvolvida pelo compositor e musicólogo Felipe Pedrell (1841-1894). 1922) e seus discípulos. Estes últimos já patenteiam a existência de uma escola de primeiro grau, especialmente por meio de seus cinco principais autores:

Isaac Albéniz
Isaac Albéniz, discípulo de Felipe Pedrell, como Granados, estudou em muitos dos mais importantes conservatórios da Europa, incluindo a Escola Nacional de Música e Declamação da Espanha. Muitos de seus trabalhos para piano refletem sua herança espanhola, incluindo «Iberia» (1906-1909). Neste trabalho o piano imita a guitarra e os cantores, instrumentos tradicionais espanhóis.

Albéniz se expressa em primeiro lugar com o piano. Uma de suas obras-primas é a Suíte Iberia, onde eleva o folclore espanhol a níveis altamente criativos, tanto em ritmo como em harmonia, e este, por sua vez, entrelaçado com a linguagem da vanguarda internacional: o impressionismo musical das reminiscências debussinianas. Na suíte espanhola Op. 47, regionalismo e neotradicionalismo também são observados.

Enrique Granados
Enrique Granados compôs as zarzuelas, um tipo de teatro musical espanhol. Ele compôs seu trabalho “Goyescas” (1911) baseado em “as impressões” do pintor espanhol “Goya”. Também de estilo nacional são suas «Danças espanholas» e sua primeira ópera «María del Carmen». Como Albéniz, ele se expressa em primeiro lugar no piano com obras como Danzas Españolas e Goyescas, intimamente relacionadas à música do século XVIII.

Joaquín Turina
Joaquín Turina, crítico, musicólogo e diretor de orquestra, foi outro compositor do que poderia ser chamado de romantismo espanhol tardio. Nascido em Sevilha, ele finalmente assumiu, seguindo os critérios indicados por Felipe Pedrell, a tradição andaluza e neopopularista. Entre suas obras mais notáveis ​​estão “Danzas Fantastica” e “La Procesión del Rocío”.

Manuel de Falla
Manuel de Falla foi um compositor de grande repercussão internacional. Discípulo de Felipe Pedrell, suas obras impregnam e entrelaçam o caráter nacional (em muitas ocasiões andaluzas) com quase todos os movimentos vanguardistas europeus: impressionismo musical (Noites nos jardins da Espanha), neoclassicismo (Concerto para o cravo), certos aspectos característicos de os balés russos (o chapéu de três pontas), e até mesmo um expressionismo e cubismo peneirados, talvez o resultado da visão de Picasso, além da brincadeira pró-vanguarda, junto com o tradicionalismo neopopularista, os trabalhos de crianças e fantoches (The retábulo do Mestre Pedro).

Joaquín Rodrigo
Joaquín Rodrigo, o mais recente membro desta escola de espanhol, é o compositor que levou o violão ao seu local definitivo. Ele é universalmente conhecido por seu trabalho Concierto de Aranjuez (1939).

México
Um renascimento nacionalista nas artes foi produzido pela Revolução Mexicana de 1910-1920. O regime de Álvaro Obregón, inaugurado em 1921, proporcionou um grande orçamento para a Secretaria de Educação Pública, sob a direção de José Vasconcelos, que encomendou pinturas de edifícios públicos de artistas como José Clemente Orozco, Diego Rivera e David Alfaro Siqueiros. Como parte desse ambicioso programa, Vasconcelos também encomendou composições musicais sobre temas nacionalistas. Uma das primeiras obras desse tipo foi o balé com tema asteca El fuego nuevo, de Carlos Chávez, composto em 1921, mas que não foi realizado até 1928 (Parker, 1983, 3-4).

Manuel M. Ponce
Manuel M. Ponce nasceu em Fresnillo, Zacatecas, no México, embora ele viveu sua infância na cidade de Aguascalientes. Compositor polêmico, dedicou-se à criação de uma obra musical baseada em temas do folclore mexicano, combinando-os com o estilo romântico europeu de sua época.

Ele compôs para vários instrumentos, especialmente a guitarra, graças à amizade que ele teve com o guitarrista espanhol Andrés Segovia. Ele foi o primeiro compositor mexicano cuja música teve projeção internacional, e seu nome era amplamente conhecido no exterior. Entre suas obras nacionalistas estão: Balada Mexicana, Scherzino Maya, Rapsódia Mexicana e o poema sinfônico Chapultepec, para citar alguns. Ele morreu em 1948, e seu corpo foi enterrado na Rotunda dos Homens Ilustres, no Panteão Civil de Dolores, na Cidade do México.

Carlos Chávez
Carlos Chávez nasceu em Popotla, perto da Cidade do México, em 13 de junho de 1899. Ele era um compositor, maestro, professor e jornalista mexicano. Sua música foi influenciada pelas culturas nativas do México. De suas seis sinfonias, a segunda, chamada Indian Symphony, que utiliza instrumentos de percussão yaqui, é talvez a mais popular de suas obras, em todo o mundo. Chávez foi, além de compositor, homem público, oficial, educador e político. Com Carlos Chávez, o movimento musical nacionalista do México está definitivamente consolidado.

José Pablo Moncayo
José Pablo Moncayo nasceu em Guadalajara, Jalisco, México, em 29 de junho de 1912. Estudou no Conservatório Nacional de Música em 1929, onde foi aluno de Carlos Chávez e Candelario Huízar. Em 1935, ele formou o «Grupo dos Quatro» com Blas Galindo, Salvador Contreras e Daniel Ayala para divulgar suas obras que refletem o espírito nacionalista do México.

O Huapango é baseado em três sones da rica tradição musical do Estado de Veracruz. «El Siquisirí», «El Balajú» e «El Gavilancito» e é uma das peças mais emblemáticas da música de concerto mexicana e uma das mais conhecidas do mundo. Ele morreu na Cidade do México em 16 de junho de 1958.

Silvestre Revueltas
Silvestre Revueltas nasceu em Santiago Papasquiaro, Durango, México, em 31 de dezembro de 1899, foi um proeminente compositor da primeira metade do século XX da música sinfônica, violinista e maestro mexicano. A música de Revueltas despertou o interesse musicológico internacional, fenômeno que só foi observado até 50 anos após sua morte. As diferentes investigações estão moldando um compositor cuja importância o coloca dentro das criações mais originais da música do século XX. Segundo vários autores, é o único compositor de gênio que o México teve. Até mesmo Peter Garland, um de seus principais estudiosos, considera-o o melhor compositor a surgir na América.

Os estudos mostram um autor que não coincide com a estética do nacionalismo mexicano como foi durante muito tempo rotulado, mas está em contato com as últimas vanguardas de seu tempo, no que Yolanda Moreno Rivas considera um estilo altamente informado que transcendeu o mesmo nacionalismo.

Ele compôs músicas para filmes, câmeras, músicas e alguns outros trabalhos. Sua música orquestral inclui poemas sinfônicos; O mais conhecido é o Sensemayá em 1938, baseado no poema de Nicolás Guillén. Sua linguagem musical é tonal, mas às vezes dissonante, com vitalidade rítmica e, muitas vezes, com um sabor distintamente mexicano. Ele morreu na Cidade do México em 5 de outubro de 1940 devido a uma pneumonia aos 40 anos, no mesmo dia da estréia de seu balé El tuencuajo paseador, composto sete anos antes. Seus restos mortais estão preservados na Rotunda das Pessoas Ilustres, na Cidade do México.

Salvador Contreras Sánchez
José Avelino Salvador Contreras Sánchez nasceu em Cuerámaro, Guanajuato, México, em 10 de novembro de 1910; embora, por razões desconhecidas, o próprio Contreras muitas vezes sustentasse que fora em 1912. Escreveu preferencialmente para orquestra, embora também dirigisse música de câmara e compusesse para instrumentos solo. Ele era, acima de tudo, um compositor de música instrumental, dominado pela idéia de considerar a música como uma arte autônoma e independente de qualquer outro meio de expressão. Seu estilo musical revelou, desde os seus primórdios, uma forte influência do neoclassicismo dos Vinchianos e das sonoridades Revueltianas, bem como características de caráter impressionista, características que foram mantidas em grande parte de sua obra.

Produziu um trabalho amplo e sólido, íntimo, profundamente nacional, com grandes possibilidades expressivas, que vão desde músicas simples até a grandiloqüência orquestral. Como seus colegas do Grupo dos Quatro, isso representa o esgotamento das tendências nacionalistas na música mexicana. Entre suas obras mais representativas estão a Sonata para violino e violoncelo (1933), Quarteto de cordas nº 2 (1936), Música para Orquestra Sinfônica (1940), Provincianas (balé) (1950), Duas Peças Dodecofônicas (1966), Sete prelúdios para piano (1971), Three movements for guitar (1963).

Compõe sua 4ª Sinfonia e Tributo a Diego Rivera, orquestra e narrador de textos de seu irmão Guillermo Contreras, quando, após uma longa e dolorosa doença, se surpreendeu com a morte na Cidade do México, em 7 de novembro de 1982, deixando-os duas obras inacabadas.

Salvador Contreras ainda é um compositor cuja produção permanece em grande parte arquivada, um criador que espera, como muitos, a passagem do tempo e da história para que sua música seja devidamente valorizada.

Chile
Pedro Humberto Allende Sarón
Pedro Humberto Allende Sarón, um dos compositores chilenos mais importantes e que ganhou o primeiro Prêmio Nacional de Arte, menciona a música em 1945. Destacado por ser o pioneiro da música nacionalista no Chile, incorporando a música camponesa e mapuche ao seu trabalho.

Venezuela
Antonio Estévez
Compositor de renome e maestro de orquestra, Antonio Estévez iniciou sua formação musical em Caracas e ingressou como membro da Marcial Band desta cidade, bem como da Orquestra Sinfônica Venezuelana. Sua obra-prima é a Cantata Criolla, que foi lançada em 25 de julho de 1954, a mais importante do nacionalismo musical venezuelano na peça do século XX, e lhe valeu o Prêmio Nacional de Música. Outras obras de importância são Noon na planície, Cromovibrafonía e Cromovibrafonía múltiple.
Brasil
Carlos Gomes (1836–1896)
O compositor mais representativo do romantismo brasileiro, Gomes usou várias referências da música folclórica e temas tradicionais do país, principalmente em sua ópera Il Guarany (1870).

Francisco Mignone (1897-1986)
Mignone incorporou ritmos e instrumentos folclóricos às suas suítes Fantasias Brasileiras nos.1–4 (1929–1936), suas 12 valsas brasileiras (1968–1979), Congada (1921) e Babaloxá (1936), além de compor balés baseados em grandes obras literárias. da literatura brasileira.

Heitor Villa-Lobos (1887 a 1959)
Villa-Lobos viajou muito por todo o Brasil em sua juventude e gravou canções folclóricas e melodias que mais tarde usou em sua série Bachianas Brasileiras e todos os seus Chôros (entre eles, seu Chôros No. 10, subtitulado Rasga o coração depois da música com palavras de Catulo da Paixão Cearense e música de Anacleto de Madeiros, que Villa-Lobos cita na segunda metade desta peça coral-orquestral, que utiliza percussão nativa.

Reino Unido
No Reino Unido, a música nacionalista era mais proeminente na Escócia, na Irlanda e no País de Gales do que na Inglaterra. Esses países sempre tiveram uma forte conexão com sua herança, e compositores românticos incorporaram elementos da música tradicional britânica em suas obras.

Joseph Parry (1841–1903)
Parry nasceu no País de Gales, mas mudou-se para os Estados Unidos quando criança. Em sua vida adulta, ele viajou entre o País de Gales e a América, e cantou canções e gays galesas com textos galeses em recitais. Ele compôs a primeira ópera galesa, Blodwen, em 1878 (Rhys 1998,).

Edward Elgar (1857-1934)
Mais conhecido pelas Marchas de Pompa e Circunstância (Moore 1984,).

Charles Villiers Stanford (1852 a 1924)
Stanford escreveu cinco Rapsódias Irlandesas (1901-1914). Ele publicou volumes de arranjos de músicas folclóricas irlandesas, e sua terceira sinfonia é intitulada a sinfonia irlandesa. Além de ser fortemente influenciado pela cultura irlandesa e música folclórica, ele foi particularmente influenciado por Johannes Brahms (White nd, 205).

Alexander Mackenzie (1847–1935)
Mackenzie escreveu uma balada Highland para violino e orquestra (1893) e o Concerto escocês para piano e orquestra (1897). Ele também compôs a Rapsódia Canadense.

Em sua vida, MacKenzie testemunhou tanto a sobrevivência da cultura jacobita como a era Red Clydeside. Sua música é fortemente influenciada pela arte jacobita (White e Murphy 2001, 224-25).

Ralph Vaughan Williams (1872–1958)
Vaughan Williams coletou, publicou e organizou muitas canções populares de todo o país e escreveu muitas peças, em grande e pequena escala, baseadas em melodias populares, como a Fantasia em Greensleeves e as Cinco Variantes em “Dives and Lazarus”. Vaughan Williams ajudou a definir nacionalismo musical, escrevendo que “A arte da música acima de todas as outras artes é a expressão da alma de uma nação” (Vaughan Williams 1934, 123).

Estados Unidos
Aaron Copland (1900-1990)
Ironicamente, Copland compôs música “mexicana”, como El Salón México, além de suas obras nacionalistas americanas (Piston 1961, 25).

Horatio Parker (1863-1919)
Edward MacDowell (1860 a 1908)
Esboços da floresta de MacDowell, op. 51 (1896) consiste em dez pequenas peças de piano com títulos referentes à paisagem americana. Desta forma, eles reivindicam a identidade de MacDowell como um compositor americano (Crawford 1996, 542).

Charles Cadman
Charles Cadman dedicou tempo às reservas indígenas de Omaha e Winnebago e gravou suas canções. Ele organizou e publicou alguns deles. Cadman apresentou uma série de decretos com a Princesa Tsianina Redfeather, mezzo-soprano de Omaha, e compôs uma ópera, Shanewis ou a Mulher Robin (1918), baseada em sua vida.

Arthur Farwell
Arthur Farwell trabalhou com música nativa americana, mas também estudou canções folclóricas americanas, anglo-americanas e africanas, bem como música mexicana e cowboy. Ele fundou a imprensa Wa-Wan para publicar sua melodia “American Indian” (1900) e as obras de outros compositores contemporâneos.

Ucrânia
Na Ucrânia, o termo “Music nationalism” (ucraniano: музичний націоналізм) foi cunhado por Stanyslav Lyudkevych em 1905 (Hrabovsky 2009). O artigo sob este título é dedicado a Mykola Lysenko, que é considerado o pai da música clássica ucraniana. Ludkevych conclui que o nacionalismo de Lysenko foi inspirado pelos de Glinka na música russa, embora a tradição ocidental, particularmente alemã, ainda seja significativa em sua música, especialmente instrumental.

V. Hrabovsky assume que o próprio Stanyslav Lyudkevych poderia ser considerado como compositor e musicólogo nacionalista significativo graças a sua numerosa composição sob títulos dedicados à Ucrânia, bem como numerosos trabalhos dedicados ao uso de canções folclóricas ucranianas e poesia na música clássica ucraniana (Lyudkevych 1905).

A inspiração do folclore ucraniano pôde ser observada ainda mais cedo, particularmente nas composições de Maksym Berezovsky (1745-1777) (Kornii 1998, 188), Dmytro Bortnyansky (1751-1825) (Kornii 1998, 296) e Artem Vedel (1767-1808). (Kornii 1998, 311). O sêmen Hulak-Artemovsky (1813–1873) é considerado o autor da primeira ópera ucraniana (Zaporozhets za Dunayem, estréia em 1863). As tradições de Lysenko foram continuadas por, entre outros, Kyrylo Stetsenko (1882-1922), Mykola Leontovych (1877-1921), Yakiv Stepovy (1883-1921), Alexander Koshetz (1877-1944) e, mais tarde, Levko Revutsky (1889-1977) ).

Ao mesmo tempo, o termo “nacionalismo” não é usado na musicologia ucraniana (ver, por exemplo, Yutsevych 2009, onde tal termo está faltando). Além disso, o artigo “Music Nationalism” de Ludkevych foi proibido na URSS (Hrabovsky 2009) e não era amplamente conhecido até sua publicação em 1999 (Lyudkevych 1999).