Le nationalisme musical fait référence à l’utilisation d’idées ou de motifs musicaux qui sont identifiés avec un pays, une région ou une ethnie spécifique, tels que des airs et des mélodies populaires, des rythmes et des harmonies inspirés par eux. Par exemple, l’utilisation directe de la musique folklorique et l’utilisation de mélodies, de rythmes et d’harmonies inspirés par ce type de musique incluent également l’utilisation du folklore comme base conceptuelle, esthétique et idéologique d’œuvres programmatiques ou d’opéras.

Le nationalisme est souvent lié au romantisme musical du milieu du dix-neuvième siècle jusqu’au milieu du XXe siècle, mais il existe des signes de nationalisme au début et à la fin du dix-huitième siècle. Le terme est également fréquemment utilisé pour décrire la musique du XXe siècle provenant de régions non dominantes en musique, en particulier d’Amérique latine, d’Amérique du Nord et d’Europe de l’Est. Historiquement, le nationalisme musical du dix-neuvième siècle a été considéré comme une réaction contre la «domination» de la musique romantique allemande.

Les pays les plus fréquemment associés au nationalisme musical sont: Russie, Pologne, Roumanie, Hongrie, Norvège, Finlande, Suède, Ukraine, Espagne, Royaume-Uni, en Europe et aux États-Unis, Mexique, Brésil, Argentine, Chili, Cuba, Colombie et le Venezuela, en Amérique. L’auteur, compositeur et musicologue, qui fonde ce courant en Espagne est Felipe Pedrell. Le premier et le plus important compositeur ibéro-américain à se distinguer dans les cercles musicaux de l’Europe était le Brésilien Heitor Villa-Lobos.

Histoire
En tant que mouvement musical, le nationalisme est apparu au début du XIXe siècle en liaison avec les mouvements d’indépendance politique et se caractérisait par l’accent mis sur les éléments musicaux nationaux tels que les chants populaires, les danses ou les rythmes populaires ou l’adoption de sujets nationalistes. des opéras, des poèmes symphoniques ou d’autres formes de musique (Kennedy 2006). Alors que de nouvelles nations se formaient en Europe, le nationalisme en musique était une réaction contre la domination de la tradition classique européenne, alors que les compositeurs commençaient à se séparer des standards établis par les traditionalistes italiens, français et surtout allemands (Miles sd)

Des considérations plus précises sur le point d’origine sont sujettes à controverse. Selon un point de vue, cela a commencé avec la guerre de libération contre Napoléon, conduisant à une atmosphère réceptive en Allemagne pour l’opéra de Weber Der Freischütz (1821) et, plus tard, les drames épiques de Richard Wagner basés sur des légendes teutoniques. À peu près au même moment, la lutte de la Pologne contre la Russie tsariste produisit un esprit nationaliste dans les œuvres pour piano et compositions orchestrales comme le Fantasy_on_Polish_Airs_ (Chopin) de Frédéric Chopin, et un peu plus tard l’Italie de Giuseppe Verdi (Machlis 1979, 125-26). Les pays ou régions les plus souvent liés au nationalisme musical sont la Russie, la Tchécoslovaquie, la Pologne, la Roumanie, la Scandinavie, l’Espagne, le Royaume-Uni, l’Amérique latine et les États-Unis.

Pologne
Jan Stefani (1746-1829)
Jan Stefani composa le Singspiel Cud mniemany, czyli Krakowiacy i górali (Le Miracle supposé, ou les Cracoviens et les Highlanders), qui fut créé en 1794 et contient des krakowiaks, des polonaises et des mazurkas qui furent adoptés comme de la musique folklorique polonaise par le public. le renouveau de 1816 avec la nouvelle musique de Karol Kurpiński (Goldberg 2008, 231-32). Les paroles suggestives de beaucoup de chansons auraient difficilement pu être interprétées par le public polonais au seuil de l’insurrection de Kościuszko comme autre chose qu’un appel à la révolution, à l’unité nationale et à l’indépendance (Milewski 1999, 129-30). En ce sens, malgré son obscurité aujourd’hui, Stefani doit être considéré comme un précurseur et un fondateur du nationalisme musical du XIXe siècle.

Frédéric Chopin (1810-1849)
Frédéric Chopin fut l’un des premiers compositeurs à intégrer des éléments nationalistes dans ses compositions. Joseph Machlis déclare: «La lutte de la Pologne pour la libération de la domination tsariste a éveillé le poète national en Pologne … Les nationalismes musicaux abondent dans la production de l’ère romantique, l’idiome folklorique est prédominant dans les Mazurkas de Chopin» (Machlis 1963, p. 149-50). Ses mazurkas et polonaises sont particulièrement remarquables pour leur utilisation des rythmes nationalistes. De plus, « Pendant la Seconde Guerre mondiale, les nazis ont interdit de jouer … les Polonaises de Chopin à Varsovie à cause du puissant symbolisme résidant dans ces œuvres » (Machlis 1963, 150).

Stanisław Moniuszko (1819-1872)
Stanisław Moniuszko s’est surtout associé au concept de style national de l’opéra. L’opéra et la musique de Moniuszko dans son ensemble sont représentatifs du romantisme du XIXe siècle, étant donné l’utilisation intensive par le compositeur des arias, des récitatifs et des ensembles qui figurent en bonne place dans ses opéras. La source des mélodies et des rythmes rythmiques de Moniuszko réside souvent dans le folklore musical polonais. Un des aspects les plus visiblement «polonais» de sa musique est dans les formes qu’il utilise, y compris les danses populaires parmi les classes supérieures telles que la polonaise et la mazurka, et les airs folkloriques et les danses telles que kujawiak et krakowiak.

Henryk Wieniawski (1835-1880)
Henryk Wieniawski était un autre compositeur important utilisant des mélodies folkloriques polonaises – il a écrit deux mazurkas populaires pour accompagnement de violon solo et de piano (le second, Obertas, en sol majeur).

Russie
Mikhail Glinka
Mikhail Glinka fut le premier compositeur russe à être reconnu hors de son pays et est généralement considéré comme le «père» de la musique russe. Son travail a exercé une grande influence sur les générations suivantes de compositeurs de son peuple.

Les cinq
Les membres de The Five, Mili Balákirev, César Cui, Aleksandr Borodín, Modest Musorgski et Nikolai Rimski-Kórsakov, étaient autodidactes, sans aucune formation académique. Au début, ils étaient très critiques avec le Conservatoire de Saint-Pétersbourg, nouvellement créé par Anton Rubinstein, mais finalement Rimsky-Korsakov a fini par être professeur de ce conservatoire et un exquis professionnel de l’orchestration. Dans les compositions, prédominent les airs populaires, différentes échelles telles que le ton entier (qui est un type d’hexatonique), ainsi que des thèmes tirés des steppes russes. De Rimski-Kórsakov met en valeur la suite symphonique Schéhérazade, utilisant le moule le plus représentatif du nationalisme, le poème symphonique. De Modeste Músorgski se distinguent Une nuit dans la colline nue et les Peintures d’une exposition pour piano, que Maurice Ravel a orchestré plus tard dans son refuge de Montfort l’Amauri, dans les années vingt.

Tchécoslovaquie
La Tchécoslovaquie est un pays formé en 1918 par la combinaison des territoires de Bohême et de Moravie (aujourd’hui la République tchèque et la Slovaquie). Ces territoires étaient sous le contrôle de l ‘Empire austro – hongrois des Habsbourg. En conséquence, la langue impériale, l’allemand et la religion impériale, le catholicisme était devenu un mode de vie pour le peuple tchèque et austro-hongrois.

Pour préserver la langue maternelle, un théâtre temporaire a été organisé à Prague. Ce théâtre ferait la promotion de la langue tchèque, des compositeurs, de la musique traditionnelle et des programmes utilisant des thèmes nationaux.

Bedřich Smetana (1824-1884)
Smetana fut le pionnier du développement d’un style musical qui devint étroitement lié aux aspirations de son pays à l’indépendance. Il est largement considéré dans son pays comme le père de la musique tchèque. Il est surtout connu pour le cycle symphonique Má vlast («Ma patrie»), qui décrit l’histoire, les légendes et les paysages de son pays natal.

Antonín Dvořák (1841-1904)
Après Smetana, il fut le deuxième compositeur tchèque à obtenir une reconnaissance mondiale. Suivant l’exemple nationaliste de Smetana, Dvořák utilise fréquemment des aspects, en particulier des rythmes, de la musique folklorique de Moravie et de sa Bohême natale. Le propre style de Dvořák crée un idiome national en mélangeant des éléments de la tradition symphonique classique et des traditions musicales populaires étrangères, en absorbant les influences folkloriques et en trouvant des façons efficaces de les utiliser. Dvořák a également écrit neuf opéras, qui, à l’exception de son premier, ont des livrets en tchèque et étaient destinés à transmettre l’esprit national tchèque, tout comme certaines de ses œuvres chorales.

Leoš Janáček (1854-1928)
Leoš Janáček a mené des recherches et catalogué la musique traditionnelle morave. Son travail a inspiré d’autres recherches. En raison de son intérêt pour la musique traditionnelle, il était prédisposé aux échelles modales et pentatoniques qui apparaissent fréquemment dans la musique traditionnelle morave. Il n’écrivait généralement pas dans les formats de composition habituels, pour se déplacer librement entre les modes.

Son opéra le plus célèbre, Jenufa (1904), a été écrit en tchèque et traduit à l’origine en allemand. Janáček a été très prudent dans la supervision de la traduction pour préserver l’intégrité du script.

Bohuslav Martinů (1890-1959)
Martinů est comparé à Prokofiev et Bartók dans son intégration innovante de l’ethnomusicologie d’Europe centrale dans sa musique. Il a continué à utiliser des mélodies folkloriques bohémiennes et moraves dans son œuvre, généralement des comptines – par exemple dans Otvírání studánek («L’ouverture des puits»).

Norvège
Edvard Grieg (1843-1907)
Edvard Grieg était un compositeur important de l’ère romantique dont la musique a aidé à établir une identité nationale norvégienne (Grimley 2006,)

Finlande
Jean Sibelius (1865-1957)
Jean Sibelius avait de forts sentiments patriotiques pour la Finlande. Il a composé Finlandia. Jean Sibelius avait de forts sentiments patriotiques pour la Finlande. Il a choisi d’écrire de la musique programmatique. Jean a basé son travail sur la musique traditionnelle finlandaise. Pour ses contributions, le gouvernement lui a accordé une pension.

En 1899, le patriotisme a fonctionné en Finlande. Sibelius a composé le poème symphonique Finlande (1899) pour un festival, et celui-ci a rencontré des citoyens finlandais, enveloppés dans une ferveur patriotique. Une partie de ce poème a été arrangée comme une chorale; et c’est encore une chanson nationale importante de la Finlande, étant également présente dans beaucoup d’hymnes protestants.

Suède
Hugo Alfvén (1872-1960)
Étudié au conservatoire de musique de sa ville natale, Stockholm. En plus d’être violoniste, chef d’orchestre et compositeur, il était aussi peintre. Il est peut-être mieux connu pour ses cinq symphonies et ses trois Rhapsodies suédoises.

Roumanie
George Enescu (1881-1955)
George Enescu est considéré comme le compositeur le plus important de la Roumanie (Malcolm et Sandu-Dediu 2015). Parmi ses compositions les plus connues figurent ses deux Rhapsodies Roumaines et sa Sonate pour Violon No. 3 (en Roumain Folk Style), op. 25

Hongrie
Béla Bartók (1881-1945)
Béla Bartók a collaboré avec le compositeur hongrois Zoltán Kodály pour documenter la musique folklorique hongroise, qu’ils ont tous deux incorporée dans leurs pièces musicales (Stevens 2016).

Zoltán Kodály (1882-1967)
Zoltán Kodály étudie à l’Académie de musique de Hongrie et s’intéresse aux chansons folkloriques hongroises et entreprend souvent des voyages prolongés dans la campagne hongroise pour étudier les mélodies qui sont ensuite incorporées dans ses compositions musicales (Anon 2014).

Espagne
Les designers: Barbieri et Pedrell
Après la grande tradition que l’Âge d’Or constituait musicalement, la construction d’une musique nationale espagnole consiste en une invention du XIXe siècle formée principalement par Francisco Asenjo Barbieri (1823-1894) et effectivement développée par le compositeur et musicologue Felipe Pedrell (1841- 1922) et ses disciples. Ces derniers font déjà breveter l’existence d’une école de premier ordre, notamment au moyen de ses cinq auteurs principaux:

Isaac Albéniz
Isaac Albéniz, disciple de Felipe Pedrell, comme Granados, a étudié dans plusieurs des plus importants conservatoires d’Europe, dont l’Ecole Nationale de Musique et de Déclamation d’Espagne. Beaucoup de ses œuvres pour piano reflètent son héritage espagnol, y compris «Iberia» (1906-1909). Dans ce travail, le piano imite la guitare et les chanteurs, instruments traditionnels espagnols.

Albéniz s’exprime d’abord au piano. L’un de ses chefs-d’œuvre est la suite Iberia, où il élève le folklore espagnol à des niveaux hautement créatifs, à la fois rythmés et harmonieux, entremêlés au langage de l’avant-garde internationale: l’impressionnisme musical des réminiscences debussyniennes. Dans la suite espagnole op. 47, le régionalisme et le néotraditionalisme sont également observés.

Enrique Granados
Enrique Granados a composé les zarzuelas, un type de théâtre musical espagnol. Il a composé son travail « Goyescas » (1911) basé sur « les estampes » du peintre espagnol « Goya ». Ses «Danses espagnoles» et son premier opéra «María del Carmen» sont également de style national. Comme Albéniz, il s’exprime d’abord au piano avec des œuvres comme Danzas Españolas et Goyescas, étroitement liées à la musique du dix-huitième siècle.

Joaquín Turina
Joaquín Turina, critique, musicologue et directeur d’orchestre, était un autre compositeur de ce qu’on pourrait appeler le romantisme espagnol tardif. Né à Séville, il a finalement assumé, selon les critères indiqués par Felipe Pedrell, la tradition andalouse et néopopulaire. Parmi ses œuvres les plus remarquables sont « Danzas Fantastica » et « La Procesión del Rocío ».

Manuel de Falla
Manuel de Falla était un compositeur de grande répercussion internationale. Disciple de Felipe Pedrell, ses œuvres imprègnent et entremêlent le caractère national (dans de nombreuses occasions andalouses) avec presque tous les mouvements d’avant-garde européens: l’impressionnisme musical (Nuits dans les jardins d’Espagne), le néoclassicisme (Concerto pour clavecin) les ballets russes (Le chapeau à trois cornes), et même un expressionnisme tamisé et cubiste, peut-être le résultat de la vision de Picasso, en plus de l’espièglerie pro-avant-garde, avec le traditionalisme néopopulariste, les œuvres d’enfants et de marionnettes. retable de Maître Pedro).

Joaquín Rodrigo
Joaquín Rodrigo, le dernier membre de cette école d’espagnol, est le compositeur qui a élevé la guitare à sa salle de concert définitive. Il est universellement connu pour son travail Concierto de Aranjuez (1939).

Mexique
Une renaissance nationaliste dans les arts a été produite par la révolution mexicaine de 1910-1920. Le régime d’Álvaro Obregón, inauguré en 1921, prévoyait un budget important pour le Secrétariat à l’éducation publique, sous la direction de José Vasconcelos, qui commanda des peintures pour des bâtiments publics d’artistes tels que José Clemente Orozco, Diego Rivera et David Alfaro Siqueiros. Dans le cadre de ce programme ambitieux, Vasconcelos a également commandé des compositions musicales sur des thèmes nationalistes. L’un des premiers travaux de ce genre fut le ballet sur le thème aztèque El fuego nuevo (Le nouveau feu) de Carlos Chávez, composé en 1921 mais non exécuté jusqu’en 1928 (Parker 1983, 3-4).

Manuel M. Ponce
Manuel M. Ponce est né à Fresnillo, Zacatecas, au Mexique, bien qu’il ait vécu son enfance dans la ville d’Aguascalientes. Compositeur controversé, il se consacre à la création d’une œuvre musicale basée sur des thèmes du folklore mexicain, en les combinant avec le style romantique européen de son temps.

Il a composé pour plusieurs instruments, notamment la guitare grâce à l’amitié qu’il avait avec le guitariste espagnol Andrés Segovia. Il était le premier compositeur mexicain dont la musique avait la projection internationale, et son nom était largement connu à l’étranger. Parmi ses œuvres nationalistes sont: Balada Mexicana, Scherzino Maya, Rhapsodie mexicaine et le poème symphonique Chapultepec, pour n’en nommer que quelques-uns. Il mourut en 1948 et son corps fut enterré dans la Rotonde des Hommes Illustres, au Panthéon Civil de Dolores, à Mexico.

Carlos Chávez
Carlos Chávez est né à Popotla, près de Mexico, le 13 juin 1899. Il était compositeur, chef d’orchestre, enseignant et journaliste mexicain. Sa musique a été influencée par les cultures indigènes du Mexique. De ses six symphonies, la seconde, appelée Indian Symphony, qui utilise des instruments à percussion Yaqui, est peut-être la plus populaire de ses œuvres, dans le monde entier. Chávez était, en plus de compositeur, homme public, fonctionnaire, éducateur et politicien. Avec Carlos Chávez, le mouvement musical nationaliste du Mexique est définitivement consolidé.

José Pablo Moncayo
José Pablo Moncayo est né à Guadalajara, Jalisco, Mexique, le 29 juin 1912. Il a étudié au Conservatoire national de musique en 1929, où il a été l’élève de Carlos Chávez et Candelario Huízar. En 1935, il forme le «Groupe des Quatre» avec Blas Galindo, Salvador Contreras et Daniel Ayala pour diffuser ses œuvres qui reflètent l’esprit nationaliste du Mexique.

Le Huapango est basé sur trois fils de la riche tradition musicale de l’État de Veracruz. «El Siquisirí», «El Balajú» et «El Gavilancito», est l’une des pièces les plus emblématiques de la musique de concert mexicaine et l’une des plus connues au monde. Il est mort à Mexico le 16 juin 1958.

Silvestre Revueltas
Silvestre Revueltas est né à Santiago Papasquiaro, Durango, Mexique, le 31 décembre 1899, était un compositeur éminent de la première moitié du XXe siècle de la musique symphonique, violoniste et chef d’orchestre mexicain. La musique de Revueltas a suscité un intérêt musicologique international, un phénomène qui n’a été observé que 50 ans après sa mort. Les différentes recherches façonnent un compositeur dont l’importance le place dans les créations les plus originales de la musique du XXe siècle. Selon divers auteurs, c’est le seul compositeur de génie que le Mexique a eu. Même Peter Garland, l’un de ses principaux érudits, le considère comme le meilleur compositeur à émerger en Amérique.

Des études montrent un auteur qui ne coïncide pas avec l’esthétique du nationalisme mexicain car il a été longtemps catalogué, mais est en contact avec les dernières avant-gardes de son temps dans ce que Yolanda Moreno Rivas considère comme un style hautement informé qui transcende le même nationalisme.

Il a composé de la musique pour des films, des appareils photo, des chansons et d’autres œuvres. Sa musique orchestrale comprend des poèmes symphoniques; le plus connu est Sensemayá en 1938, basé sur le poème de Nicolás Guillén. Son langage musical est tonal mais parfois dissonant, avec une vitalité rythmique, et souvent avec une saveur typiquement mexicaine. Il mourut à Mexico le 5 octobre 1940 à cause d’une pneumonie à l’âge de 40 ans, le même jour que la première de son ballet El tuencuajo paseador, composé sept ans plus tôt. Ses restes sont conservés dans la Rotonde des personnages illustres, à Mexico.

Salvador Contreras Sánchez
José Avelino Salvador Contreras Sánchez est né à Cuerámaro, Guanajuato, au Mexique, le 10 novembre 1910; bien que, pour des raisons inconnues, Contreras lui-même a souvent soutenu qu’il avait été en 1912. Il a écrit de préférence pour l’orchestre, bien qu’il ait également adressé la musique de chambre et a composé pour des instruments de solo. Il était avant tout un compositeur de musique instrumentale, dominé par l’idée de considérer la musique comme un art autonome et indépendant de tout autre moyen d’expression. Son style musical révéla, dès ses débuts, une forte influence du néo-classisme des Vinskiens et des sonorités revueltiennes, ainsi que des traits d’une nature impressionniste, caractéristiques qui furent maintenues dans une grande partie de son travail.

Il a produit un travail large et solide, intime, profondément national, avec de grandes possibilités expressives qui vont du simple chant à la grandiloquence orchestrale. Comme ses collègues du Groupe des Quatre, il représente l’épuisement des tendances nationalistes dans la musique mexicaine. Parmi ses œuvres les plus représentatives figurent la Sonate pour violon et violoncelle (1933), Quatuor à cordes n ° 2 (1936), Musique pour orchestre symphonique (1940), Provincianas (ballet) (1950), Deux pièces dodécophoniques (1966), Sept préludes pour piano (1971), Trois mouvements pour guitare (1963).

Il composait sa 4ème Symphonie et un hommage à Diego Rivera, pour orchestre et narrateur sur des textes de son frère Guillermo Contreras, quand après une longue et pénible maladie, il fut surpris par la mort à Mexico, le 7 novembre 1982, laissant ces deux œuvres inachevées.

Salvador Contreras est encore un compositeur dont la production reste largement archivée, un créateur qui attend, comme beaucoup, le passage du temps et de l’histoire pour que sa musique soit correctement valorisée.

Chili
Pedro Humberto Allende Sarón
Pedro Humberto Allende Sarón, l’un des compositeurs chiliens les plus importants et qui a remporté le premier prix national d’art en 1945, est un pionnier de la musique nationaliste au Chili, intégrant la musique paysanne et mapuche à son travail.

Venezuela
Antonio Estévez
Antonio Estévez, excellent compositeur et chef d’orchestre, a commencé sa formation musicale à Caracas et s’est joint au groupe Marcial de cette ville, ainsi qu’à l’Orchestre symphonique vénézuélien. Son chef-d’œuvre est la Cantata Criolla qui a été libéré le 25 juillet 1954, le plus important du nationalisme musical vénézuélien dans la pièce du vingtième siècle, et lui a valu le Prix National de Musique. D’autres travaux d’importance sont Noon sur la plaine, Cromovibrafonía et Cromovibrafonía múltiple.
Brésil
Carlos Gomes (1836-1896)
Le compositeur le plus représentatif du romantisme brésilien, Gomes a utilisé plusieurs références de la musique folklorique du pays et des thèmes traditionnels, principalement dans son opéra Il Guarany (1870).

Francisco Mignone (1897-1986)
Mignone incorpore des rythmes folkloriques et des instruments dans ses suites Fantasias Brasileiras nos.1-4 (1929-1936), ses 12 valses brésiliennes (1968-1979), Congada (1921) et Babaloxá (1936), en plus de composer des ballets à partir d’œuvres littéraires majeures de la littérature brésilienne.

Heitor Villa-Lobos (1887-1959)
Villa-Lobos a beaucoup voyagé dans tout le Brésil dans sa jeunesse et a enregistré des chansons folkloriques et des airs qu’il utilisera plus tard dans sa série Bachianas Brasileiras et tous ses Chôros (parmi eux, Chôros No. 10, Rasga o coração après la chanson avec des mots de Catulo da Paixão Cearense et la musique d’Anacleto de Madeiros, que Villa-Lobos cite dans la deuxième partie de cette pièce chorale-orchestrale, qui emploie des percussions indigènes).

Royaume-Uni
Au Royaume-Uni, la musique nationaliste était plus importante en Écosse, en Irlande et au Pays de Galles qu’en Angleterre. Ces pays ont toujours eu un lien fort avec leur héritage, et les compositeurs romantiques ont incorporé des éléments de la musique traditionnelle britannique dans leurs œuvres.

Joseph Parry (1841-1903)
Parry est né au Pays de Galles, mais a déménagé aux États-Unis comme un enfant. À l’âge adulte, il a voyagé entre le Pays de Galles et l’Amérique, et a interprété des chansons galloises et glees avec des textes gallois en récitals. Il a composé le premier opéra gallois, Blodwen, en 1878 (Rhys 1998,).

Edward Elgar (1857-1934)
Mieux connu pour les marches Pomp et Circumstance (Moore 1984,).

Charles Villiers Stanford (1852-1924)
Stanford a écrit cinq Rhapsodies irlandaises (1901-1914). Il a publié des volumes d’arrangements de chansons populaires irlandaises, et sa troisième symphonie s’intitule la symphonie irlandaise. En plus d’être fortement influencé par la culture irlandaise et la musique folklorique, il a été particulièrement influencé par Johannes Brahms (White sd, 205).

Alexander Mackenzie (1847-1935)
Mackenzie a écrit une Highland Ballad pour violon et orchestre (1893) et le Concerto écossais pour piano et orchestre (1897). Il a également composé la Rhapsodie canadienne.

Dans sa vie, MacKenzie a été témoin à la fois des survivances de la culture jacobite et de l’ère du Clydeside rouge. Sa musique est fortement influencée par l’art jacobite (White et Murphy 2001, 224-25).

Ralph Vaughan Williams (1872-1958)
Vaughan Williams a recueilli, publié et arrangé de nombreuses chansons folkloriques à travers le pays, et a écrit de nombreuses pièces, à grande et petite échelle, basées sur des mélodies populaires, comme la Fantasia on Greensleeves et les Cinq Variantes sur « Dives and Lazarus. le nationalisme musical, écrivant que «l’art de la musique au-dessus de tous les autres arts est l’expression de l’âme d’une nation» (Vaughan Williams 1934, 123).

États Unis
Aaron Copland (1900-1990)
Ironiquement, Copland a composé de la musique «mexicaine» comme El Salón México en plus de ses œuvres nationalistes américaines (Piston 1961, 25).

Horatio Parker (1863-1919)
Edward MacDowell (1860-1908)
MacDowell’s Woodland Sketches, op. 51 (1896) se compose de dix pièces de piano courtes portant des titres se référant au paysage américain. De cette façon, ils revendiquent l’identité de MacDowell en tant que compositeur américain (Crawford 1996, 542).

Charles Cadman
Charles Cadman a consacré du temps aux réservations indiennes d’Omaha et Winnebago et a enregistré ses chansons. Il a arrangé et publié certains d’entre eux. Cadman a présenté une série de décrets avec la Princesse Tsianina Redfeather, mezzo-soprano d’Omaha, et a composé un opéra, Shanewis ou la Robin Woman (1918), basé sur sa vie.

Arthur Farwell
Arthur Farwell a travaillé avec la musique amérindienne, mais a également étudié les chansons folkloriques américaines, anglo-américaines et africaines, ainsi que la musique mexicaine et cow-boy. Il a fondé la presse Wa-Wan pour publier sa mélodie «American Indian» (1900) et les œuvres d’autres compositeurs contemporains.

Ukraine
En Ukraine, le terme «nationalisme de la musique» (ukrainien: музичний націоналізм) a été inventé par Stanyslav Lyudkevych en 1905 (Hrabovsky 2009,). L’article sous ce titre est consacré à Mykola Lysenko, considéré comme le père de la musique classique ukrainienne. Ludkevych conclut que le nationalisme de Lyssenko a été inspiré par ceux de Glinka dans la musique russe, bien que la tradition occidentale, particulièrement allemande, soit encore significative dans sa musique, particulièrement instrumentale.

V. Hrabovsky suppose que Stanyslav Lyudkevych lui-même pourrait être considéré comme un compositeur et musicologue nationaliste important grâce à ses nombreux ouvrages consacrés à l’Ukraine ainsi qu’à de nombreux articles consacrés à l’utilisation des chansons et poésies ukrainiennes dans la musique classique ukrainienne (Lyudkevych 1905).

L’inspiration du folklore ukrainien a pu être observée encore plus tôt, en particulier dans les compositions de Maksym Berezovsky (1745-1777) (Kornii 1998, 188), Dmytro Bortnyansky (1751-1825) (Kornii 1998, 296) et Artem Vedel (1767-1808) (Kornii 1998, 311). Semen Hulak-Artemovsky (1813-1873) est considéré comme l’auteur du premier opéra ukrainien (Zaporozhets za Dunayem, premièred en 1863). Les traditions de Lyssenko ont été poursuivies entre autres par Kyrylo Stetsenko (1882-1922), Mykola Leontovych (1877-1921), Yakiv Stepovy (1883-1921), Alexander Koshetz (1877-1944) et, plus tard, Levko Revutsky (1889-1977). ).

En même temps, le terme «nationalisme» n’est pas utilisé en musicologie ukrainienne (voir par exemple Yutsevych 2009, où ce terme manque). De plus, l’article «Music Nationalism» de Ludkevych était interdit en URSS (Hrabovsky 2009) et n’était pas très connu avant sa publication en 1999 (Lyudkevych 1999).