A pintura renascentista italiana é a pintura do período que começa no final do século XIII e floresce do início do século 15 ao final do século XVI, ocorrendo na península italiana, que na época estava dividida em muitas áreas políticas. Os pintores da Itália renascentista, embora muitas vezes ligados a tribunais específicos e com lealdades a determinadas cidades, ainda assim vagavam por toda a Itália, ocupando muitas vezes um status diplomático e divulgando idéias artísticas e filosóficas.

A cidade de Florença, na Toscana, é conhecida como o berço da Renascença e, em particular, da pintura renascentista. Um fundo detalhado é dado nos artigos complementares da arquitetura renascentista e renascentista.

A pintura renascentista italiana pode ser dividida em quatro períodos: o proto-renascentista (1300-1400), o início da Renascença (1400-1475), a Alta Renascença (1475-1525) e o maneirismo (1525-1600). Essas datas são aproximações, e não pontos específicos, porque as vidas de artistas individuais e seus estilos pessoais se sobrepuseram aos diferentes períodos.

O proto-renascentista começa com a vida profissional do pintor Giotto e inclui Taddeo Gaddi, Orcagna e Altichiero. O início da Renascença foi marcado pelo trabalho de Masaccio, Fra Angelico, Paolo Uccello, Piero della Francesca e Verrocchio. O período da Alta Renascença foi o de Leonardo da Vinci, Michelangelo, Rafael e Ticiano. O período maneirista incluía Andrea del Sarto, Pontormo e Tintoretto. O maneirismo é tratado em um artigo separado.

Influências
As influências sobre o desenvolvimento da pintura renascentista na Itália são aquelas que também afetaram a filosofia, a literatura, a arquitetura, a teologia, a ciência, o governo e outros aspectos da sociedade. A seguir, um resumo dos pontos tratados mais detalhadamente nos principais artigos citados acima.

Filosofia
Uma série de textos clássicos, que haviam sido perdidos para estudiosos da Europa Ocidental durante séculos, tornou-se disponível. Estes incluíram Filosofia, Poesia, Drama, Ciência, uma tese sobre as Artes e a Teologia Cristã Primitiva. O interesse resultante na filosofia humanista fez com que a relação do homem com a humanidade, o universo e com Deus não fosse mais a província exclusiva da Igreja. Um interesse reviveu nos clássicos trouxe sobre o primeiro estudo arqueológico de vestígios romanos pelo arquiteto Brunelleschi e escultor Donatello. O renascimento de um estilo de arquitetura baseado em precedentes clássicos inspirou um classicismo correspondente na pintura, que se manifestou já nos anos 1420 nas pinturas de Masaccio e Paolo Uccello.

Ciência e Tecnologia
Simultaneamente com o acesso aos textos clássicos, a Europa ganhou acesso a matemática avançada que teve sua origem nas obras de estudiosos bizantinos e islâmicos. O advento da impressão de tipo móvel no século XV significou que as idéias poderiam ser disseminadas facilmente, e um número crescente de livros foi escrito para um público amplo. O desenvolvimento da tinta a óleo e sua introdução na Itália tiveram efeitos duradouros na arte da pintura.

Sociedade
O estabelecimento do Medici Bank e o comércio subsequente que ele gerou trouxeram riqueza sem precedentes para uma única cidade italiana, Florence. Cosimo de ‘Medici estabeleceu um novo padrão de patronato das artes, não associado à igreja ou à monarquia. A presença acidental na região de Florença de certos indivíduos de gênio artístico, principalmente Giotto, Masaccio, Brunelleschi, Piero della Francesca, Leonardo da Vinci e Michelangelo, formou um ethos que apoiou e encorajou muitos artistas menores a realizar trabalhos de extraordinária qualidade. Uma herança semelhante de realização artística ocorreu em Veneza através da talentosa família Bellini, seus influentes senhores Mantegna, Giorgione, Ticiano e Tintoretto.

Temas
Muita pintura do período da Renascença foi encomendada pela ou para a Igreja Católica. Estas obras eram muitas vezes de grande escala e foram freqüentemente ciclos pintados no afresco da Vida de Cristo, a Vida da Virgem ou a vida de um santo, particularmente São Francisco de Assis. Havia também muitas pinturas alegóricas sobre o tema da salvação e o papel da Igreja em alcançá-lo. Igrejas também encomendaram retábulos, que foram pintados em têmpera no painel e depois em óleo sobre tela. Além de grandes retábulos, pequenos quadros devocionais foram produzidos em grande número, tanto para igrejas quanto para indivíduos particulares, sendo o tema mais comum a Madona e a Criança.

Ao longo do período, as comissões cívicas também foram importantes. Os edifícios do governo local foram decorados com afrescos e outras obras seculares, como A Alegoria do Bom e Mau Governo, de Ambrogio Lorenzetti, e religiosas, como o afresco da Maestà, de Simone Martini, no Palazzo Pubblico, em Siena.

Retratismo era incomum no século 14 e início do século 15, principalmente limitado a imagens comemorativas cívicas, como os retratos equestres de Guidoriccio da Fogliano por Simone Martini, 1327, em Siena e, do início do século 15, John Hawkwood por Uccello na Catedral de Florença e seu companheiro retratando Niccolò da Tolentino por Andrea del Castagno.

Durante o século XV, os retratos se tornaram comuns, inicialmente, com frequência, formalizavam retratos de perfil, mas cada vez mais retratos de rosto e busto de três quartos. Patronos de obras de arte, como retábulos e ciclos de afresco, muitas vezes foram incluídos nas cenas, sendo um exemplo notável a inclusão das famílias Sassetti e Medici no ciclo de Domenico Ghirlandaio na Capela Sassetti. O retrato tornou-se um assunto importante para pintores da Alta Renascença, como Raphael e Titian, e continua no período maneirista em obras de artistas como Bronzino.

Com o crescimento do humanismo, os artistas se voltaram para temas clássicos, particularmente para cumprir comissões para a decoração das casas de patronos ricos, sendo o mais conhecido o nascimento de Vênus de Botticelli para os Médici. Cada vez mais, temas clássicos também foram vistos como fornecendo material alegórico adequado para comissões cívicas. O humanismo também influenciou a maneira como os temas religiosos eram representados, notavelmente no teto de Michelangelo da Capela Sistina.

Outros motivos foram extraídos da vida contemporânea, às vezes com significado alegórico, alguns por vezes puramente decorativos. Incidentes importantes para uma determinada família podem ser registrados como os da Camera degli Sposi que Mantegna pintou para a família Gonzaga em Mântua. Cada vez mais, naturezas-mortas e cenas decorativas da vida foram pintadas, como o Concerto de Lorenzo Costa de cerca de 1490.

Eventos importantes eram freqüentemente registrados ou comemorados em pinturas como a Batalha de San Romano de Uccello, assim como importantes festivais religiosos locais. A história e os personagens históricos eram frequentemente representados de uma forma que refletia sobre os eventos atuais ou sobre as vidas das pessoas atuais. Retratos foram frequentemente pintados de contemporâneos sob o disfarce de personagens da história ou da literatura. Os escritos de Dante, da Lenda de Ouro de Voragine e do Decameron de Boccaccio foram importantes fontes de temas.

Em todos esses assuntos, cada vez mais, e nos trabalhos de quase todos os pintores, certas práticas subjacentes da pintura estavam sendo desenvolvidas: a observação da natureza, o estudo da anatomia, da luz e da perspectiva.

Pintura proto-renascentista

Tradições da pintura toscana do século XIII
A arte da região da Toscana no final do século 13 foi dominada por dois mestres do estilo bizantino, Cimabue de Florença e Duccio de Siena. Suas encomendas eram em sua maioria pinturas religiosas, várias delas sendo retábulos muito grandes mostrando a Madona e a Criança. Esses dois pintores, com seus contemporâneos, Guido de Siena, Coppo di Marcovaldo e o misterioso pintor em cujo estilo a escola se baseava, o chamado Mestre de São Bernardino, trabalhavam de maneira altamente formalizada e dependente. a antiga tradição da pintura de ícones. Nessas pinturas de têmpera, muitos dos detalhes eram rigidamente fixados pelo assunto, a posição precisa das mãos de Madonna e Christ Child, por exemplo, sendo ditada pela natureza da bênção que a pintura invocava sobre o espectador. O ângulo da cabeça e dos ombros da Virgem, as dobras em seu véu e as linhas com as quais suas feições eram definidas tinham se repetido em inúmeras pinturas. Cimabue e Duccio deram passos na direção de um naturalismo maior, assim como o contemporâneo Pietro Cavallini de Roma.

Giotto
Giotto (1266–1337), por tradição, um pastor das colinas ao norte de Florença, tornou-se aprendiz de Cimabue e emergiu como o mais notável pintor de sua época. Giotto, possivelmente influenciado por Pietro Cavallini e outros pintores romanos, não baseou as figuras que pintou em nenhuma tradição pictórica, mas na observação da vida. Ao contrário dos seus contemporâneos bizantinos, os números de Giotto são solidamente tridimensionais; eles estão diretamente no chão, têm anatomia discernível e são vestidos com roupas com peso e estrutura. Mas, acima de tudo, o que diferencia as figuras de Giotto das de seus contemporâneos são suas emoções. Nos rostos das figuras de Giotto estão alegria, raiva, desespero, vergonha, despeito e amor. O ciclo de afrescos da Vida de Cristo e da Vida da Virgem que ele pintou na Capela Scrovegni em Pádua estabeleceu um novo padrão para as imagens narrativas. Sua Ognissanti Madonna está pendurada na Galeria Uffizi, em Florença, na mesma sala de Santa Trinita Madonna, de Cimabue, e Ruccellai Madonna, de Duccio, onde as comparações estilísticas entre os três podem ser facilmente feitas. Uma das características aparentes no trabalho de Giotto é sua observação da perspectiva naturalista. Ele é considerado o arauto da Renascença.

Contemporâneos de Giotto
Giotto teve um número de contemporâneos que foram treinados e influenciados por ele, ou cuja observação da natureza os levou em uma direção similar. Embora vários dos alunos de Giotto tenham assimilado a direção que seu trabalho havia tomado, nenhum foi tão bem-sucedido quanto ele. Taddeo Gaddi realizou a primeira grande pintura de uma cena noturna em uma Anunciação aos Pastores na Capela Baroncelli da Igreja de Santa Croce, em Florença.

As pinturas da Igreja Superior da Basílica de São Francisco, em Assis, são exemplos de pintura naturalista do período, muitas vezes atribuídas ao próprio Giotto, mas mais provavelmente ao trabalho de artistas que cercam Pietro Cavallini. Uma pintura tardia de Cimabue na Igreja Inferior em Assis, da Madonna e de São Francisco, também mostra claramente um naturalismo maior do que suas pinturas em painéis e os restos de seus afrescos anteriores na igreja superior.

Mortalidade e Redenção
Um tema comum na decoração de igrejas medievais foi o Juízo Final, que nas igrejas do norte da Europa freqüentemente ocupa um espaço escultural acima da porta oeste, mas em igrejas italianas, como a Capela Scrovegni de Giotto, é pintado na parede oeste interna. A peste negra de 1348 fez com que seus sobreviventes se concentrassem na necessidade de abordar a morte em estado de penitência e absolvição. A inevitabilidade da morte, as recompensas pelo penitente e as penalidades do pecado foram enfatizadas em vários afrescos, notáveis ​​por suas sombrias representações de sofrimento e suas imagens surreais dos tormentos do Inferno.

Estes incluem o Triunfo da Morte pelo aluno de Giotto, Orcagna, agora em um estado fragmentário no Museu de Santa Croce, e o Triunfo da Morte no Camposanto Monumentale em Pisa por um pintor desconhecido, talvez Francesco Traini ou Buonamico Buffalmacco que trabalhou no outro três de uma série de afrescos sobre o tema da salvação. Não se sabe exatamente quando esses afrescos foram iniciados, mas geralmente se presume que eles sejam posteriores a 1348.

Dois importantes pintores de afrescos estavam ativos em Pádua no final do século XIV, Altichiero e Giusto de ‘Menabuoi. A obra-prima de Giusto, a decoração do Batistério da Catedral, segue o tema da Criação, Queda e Salvação da humanidade, tendo também um raro ciclo do Apocalipse na pequena capela-mor. Enquanto todo o trabalho é excepcional pela sua amplitude, qualidade e estado intacto, o tratamento da emoção humana é conservador em comparação com a Crucificação de Altichiero na Basílica de Sant’Antonio, também em Pádua. O trabalho de Giusto baseia-se em gestos formalizados, onde Altichiero relata os incidentes que cercam a morte de Cristo com grande drama humano e intensidade.

Em Florença, na Capela Espanhola de Santa Maria Novella, Andrea Bonaiuti foi encarregada de enfatizar o papel da Igreja no processo de redenção, e o da Ordem Dominicana em particular. Seu afresco Alegoria da Igreja Ativa e Triunfante é notável por sua representação da Catedral de Florença, completa com a cúpula que não foi construída até o século seguinte.

Gótico internacional
Durante o final do século XIV, o gótico internacional foi o estilo que dominou a pintura toscana. Pode ser visto em certa medida no trabalho de Pietro e Ambrogio Lorenzetti, que é marcado por uma doçura formal e graça nas figuras, e graciosidade gótica tardia nas cortinas. O estilo é totalmente desenvolvido nos trabalhos de Simone Martini e Gentile da Fabriano, que possuem uma elegância e uma riqueza de detalhes, e uma qualidade idealizada não compatível com as realidades mais marcantes das pinturas de Giotto.

No início do século XV, colmatar o fosso entre o gótico internacional e o renascimento são as pinturas de Fra Angelico, muitas das quais, sendo retábulos em têmpera, mostram o amor gótico da elaboração, a folha de ouro e a cor brilhante. É em seus afrescos em seu convento de Sant’Angelo que Fra Angelico se mostra o discípulo artístico de Giotto. Estas pinturas devocionais, que adornam as celas e os corredores habitados pelos frades, representam episódios da vida de Jesus, muitos deles cenas da Crucificação. Eles são extremamente simples, contidos em cores e intensos de humor enquanto o artista procurava tornar as revelações espirituais uma realidade visual.

Pintura renascentista

Florence
As primeiras imagens verdadeiramente renascentistas em Florença datam de 1401, o primeiro ano do século conhecido em italiano como Quattrocento, sinônimo do início da Renascença. Naquela data, uma competição foi realizada para encontrar um artista para criar um par de portas de bronze para o Batistério de São João, a igreja mais antiga da cidade. O Batistério é um grande edifício octogonal em estilo românico, cujas origens foram esquecidas e que se acreditava popularmente data da época romana. O interior de sua cúpula é decorado com uma enorme figura em mosaico de Cristo em Majestade, pensada para ser projetada por Coppo di Marcovaldo. Tem três grandes portais, o central sendo preenchido naquele tempo por um conjunto de portas criadas por Andrea Pisano oitenta anos antes.

As portas de Pisano foram divididas em 28 compartimentos de quatrefoil, contendo cenas narrativas da Vida de João Batista. Os competidores, dos quais havia sete jovens artistas, desenhavam um painel de bronze de forma e tamanho semelhantes, representando o sacrifício de Isaac.

Dois dos painéis sobreviveram, o de Lorenzo Ghiberti e o de Brunelleschi. Cada painel mostra alguns motivos fortemente classicizantes, indicando a direção que a arte e a filosofia estavam tomando na época. Ghiberti usou a figura nua de Isaac para criar uma pequena escultura no estilo clássico. Ele se ajoelha em um túmulo decorado com pergaminhos de acanto que também são uma referência à arte da Roma Antiga. No painel de Brunelleschi, uma das figuras adicionais incluídas na cena é uma reminiscência de uma figura de bronze romana bem conhecida de um menino puxando um espinho de seu pé. A criação de Brunelleschi é desafiadora em sua intensidade dinâmica. Menos elegante que a de Ghiberti, é mais sobre drama humano e tragédia iminente.

Ghiberti venceu a competição. Seu primeiro conjunto de portas do batistério levou 27 anos para ser concluído, após o qual ele foi contratado para fazer outro. No total de 50 anos que Ghiberti trabalhou neles, as portas forneceram um campo de treinamento para muitos dos artistas de Florença. Sendo a narrativa em questão e empregando não apenas habilidade em arranjar composições figurativas, mas também a habilidade florescente da perspectiva linear, as portas teriam uma enorme influência no desenvolvimento da arte pictórica florentina. Eles foram um fator unificador, uma fonte de orgulho e camaradagem para a cidade e seus artistas. Michelangelo deveria chamá-los de Portões do Paraíso.

Capela Brancacci
Em 1426, dois artistas começaram a pintar um ciclo de afresco da Vida de São Pedro na capela da família Brancacci, na igreja carmelita de Florença. Ambos foram chamados pelo nome de Tommaso e foram apelidados Masaccio e Masolino, Tom esloveno e Little Tom.

Mais do que qualquer outro artista, Masaccio reconheceu as implicações no trabalho de Giotto. Ele levou adiante a prática de pintura da natureza. Suas pinturas demonstram uma compreensão da anatomia, do escorço, da perspectiva linear, da luz e do estudo da tapeçaria. Entre suas obras, as figuras de Adão e Eva sendo expulsas do Éden, pintadas ao lado do arco na capela, são famosas por sua representação realista da forma humana e da emoção humana. Eles contrastam com as figuras gentis e bonitas pintadas por Masolino no lado oposto de Adão e Eva recebendo o fruto proibido. A pintura da capela Brancacci foi deixada incompleta quando Masaccio morreu aos 26 anos. A obra foi posteriormente finalizada por Filippino Lippi. O trabalho de Masaccio tornou-se uma fonte de inspiração para muitos pintores posteriores, incluindo Leonardo da Vinci e Michelangelo.

Desenvolvimento de perspectiva linear
Durante a primeira metade do século XV, a realização do efeito do espaço realista em uma pintura pelo emprego da perspectiva linear foi uma grande preocupação de muitos pintores, assim como dos arquitetos Brunelleschi e Alberti, que teorizaram sobre o assunto. Brunelleschi é conhecido por ter feito uma série de estudos cuidadosos da praça e do batistério octogonal fora da Catedral de Florença e acredita-se que ele tenha ajudado Masaccio na criação de seu famoso trompe l’oeil nicho ao redor da Santíssima Trindade que pintou em Santa Maria Novella.

De acordo com Vasari, Paolo Uccello estava tão obcecado com a perspectiva que ele pensava em pouco mais e experimentou em muitas pinturas, sendo as mais conhecidas três imagens da Batalha de San Romano que usam armas quebradas no chão e campos nas colinas distantes. para dar uma impressão de perspectiva.

Na década de 1450, Piero della Francesca, em pinturas como A Flagelação de Cristo, demonstrou seu domínio sobre a perspectiva linear e também sobre a ciência da luz. Outra pintura existe, uma paisagem urbana, por um artista desconhecido, talvez Piero della Francesca, que demonstra o tipo de experimento que Brunelleschi estava fazendo. Desde então, a perspectiva linear foi entendida e regularmente empregada, como por Perugino em seu Cristo dando as chaves a São Pedro na Capela Sistina.

Compreensão da luz
Giotto usou tonalidade para criar forma. Taddeo Gaddi, em sua cena noturna na capela Baroncelli, demonstrou como a luz poderia ser usada para criar drama. Paolo Uccello, cem anos depois, experimentou o efeito dramático da luz em alguns de seus afrescos quase monocromáticos. Ele fez alguns destes em terra verde ou “terra verde”, animando suas composições com toques de vermelhão. O mais conhecido é o retrato equestre de John Hawkwood na parede da Catedral de Florença. Tanto aqui como nas quatro cabeças de profetas que ele pintou em volta do mostrador interno da catedral, ele usou tons fortemente contrastantes, sugerindo que cada figura estava sendo iluminada por uma fonte de luz natural, como se a fonte fosse uma janela real na catedral. .

Piero della Francesca continuou estudando a luz. Na Flagelação, ele demonstra um conhecimento de como a luz é proporcionalmente disseminada a partir de seu ponto de origem. Existem duas fontes de luz nesta pintura, uma interna a um edifício e outra externa. Da fonte interna, embora a luz em si seja invisível, sua posição pode ser calculada com certeza matemática. Leonardo da Vinci deveria levar adiante o trabalho de Piero sobre a luz.

A madonna
A bem-aventurada Virgem Maria, reverenciada pela Igreja Católica em todo o mundo, foi particularmente evocada em Florença, onde houve uma imagem milagrosa dela em uma coluna no mercado de milho e onde tanto a Catedral de “Nossa Senhora das Flores” e a grande República Dominicana igreja de Santa Maria Novella foi nomeado em sua honra.

Pintura do início da Renascença em outras partes da Itália

Andrea Mantegna em Pádua e Mântua
Um dos pintores mais influentes do norte da Itália foi Andrea Mantegna de Pádua, que teve a sorte de estar em sua adolescência na época em que o grande escultor florentino Donatello trabalhava lá. Donatello criou o enorme bronze equestre, o primeiro desde o Império Romano, do condotiero Gattemelata, ainda visível em seu pedestal na praça em frente à Basílica de Sant’Antonio. Ele também trabalhou no altar-mor e criou uma série de painéis de bronze nos quais alcançou uma notável ilusão de profundidade, com perspectiva nos cenários arquitetônicos e aparente redondeza da forma humana, tudo em relevo muito superficial.

Cosmè Tura em Ferrara
Enquanto Mantegna estava trabalhando para os Gonzagas em Mântua, um pintor muito diferente estava sendo empregado para projetar um esquema ainda mais ambicioso para a família Este de Ferrara. A pintura de Cosmè Tura é altamente distintiva, ao mesmo tempo estranhamente gótica e ao mesmo tempo classicizante. Tura apresenta figuras clássicas como se fossem santos, envolve-os com motivos simbólicos luminosos de perfeição surreal e os veste em roupas que parecem ser feitas de cobre intrincadamente dobrado e esmaltado.

Antonello da Messina
Em 1442, Afonso V de Aragão tornou-se governante de Nápoles, trazendo consigo uma coleção de pinturas flamengas e montando uma Academia Humanista. O pintor Antonello da Messina parece ter tido acesso à coleção do rei, que pode ter incluído as obras de Jan van Eyck. Ele parece ter sido exposto à pintura flamenga em uma data anterior aos florentinos, por ter visto rapidamente o potencial dos óleos como um meio e depois pintado em nada mais. Ele levou a técnica para o norte de Veneza com ele, onde foi logo adotado por Giovanni Bellini e se tornou o meio preferido da república marítima, onde a arte de afresco nunca foi um grande sucesso.

Alta renascença

Patrocínio e Humanismo
Em Florença, no final do século 15, a maioria das obras de arte, mesmo aquelas que eram feitas como decoração para igrejas, eram geralmente comissionadas e pagas por patronos privados. Grande parte do patrocínio veio da família Medici, ou daqueles que estavam intimamente associados ou relacionados a eles, como o Sassetti, o Ruccellai e o Tornabuoni.

Influência flamenga
Por volta de 1450, com a chegada na Itália do pintor flamengo Rogier van der Weyden e possivelmente antes, os artistas foram apresentados ao meio de tinta a óleo. Enquanto a têmpera e o afresco se prestavam à representação do padrão, nenhum dos dois apresentou uma maneira bem-sucedida de representar texturas naturais de forma realista. O meio altamente flexível dos óleos, que podiam ser tornados opacos ou transparentes, e permitiam alterações e acréscimos durante dias após ter sido estabelecido, abriu um novo mundo de possibilidades para os artistas italianos.

Comissão papal
Em 1477, o Papa Sisto IV substituiu a antiga capela abandonada no Vaticano, na qual muitos dos serviços papais foram realizados. O interior da nova capela, chamado Capela Sistina em sua homenagem, parece ter sido planejado desde o início para ter uma série de 16 grandes afrescos entre suas pilastras no nível médio, com uma série de retratos pintados de papas acima deles.

Leonardo da Vinci
Leonardo, por causa do escopo de seus interesses e do extraordinário talento que demonstrou em tantas áreas diversas, é considerado o “homem renascentista” arquetípico. Mas foi em primeiro lugar como um pintor que ele foi admirado em seu próprio tempo, e como pintor, ele se baseou no conhecimento que ele ganhou de todos os seus outros interesses.

Michelangelo
Em 1508, o Papa Júlio II conseguiu que o escultor Michelangelo concordasse em continuar o esquema decorativo da Capela Sistina. O teto da Capela Sistina foi construído de tal forma que havia doze pendentes inclinados sustentando a abóbada que formava superfícies ideais para pintar os Doze Apóstolos. Michelangelo, que cedera às exigências do papa com pouca graça, logo elaborou um esquema totalmente diferente, muito mais complexo tanto em design quanto em iconografia. A escala do trabalho, que ele executou sozinho, exceto pela assistência manual, foi titânica e levou quase cinco anos para ser concluída.

Raphael
Com Leonardo da Vinci e Michelangelo, o nome de Rafael é sinônimo de Alta Renascença, embora fosse menor que Michelangelo aos 18 anos e Leonardo quase aos 30. Não se pode dizer dele que ele avançou muito o estado da pintura como seus dois famosos contemporâneos. fez. Em vez disso, seu trabalho foi o culminar de todos os desenvolvimentos do Alto Renascimento.

Alta pintura renascentista em Veneza

Giovanni Bellini
Giovanni Bellini foi o contemporâneo exato de seu irmão Gentile, seu cunhado Mantegna e Antonello da Messina. Trabalhando a maior parte de sua vida no estúdio de seu irmão, e fortemente influenciado pelo estilo nítido de Mantegna, ele não parece ter produzido uma pintura autografada independentemente até os seus 50 e poucos anos. Durante os últimos 30 anos de sua vida, ele foi extraordinariamente produtivo e influente, tendo a orientação de Giorgione e Ticiano. Bellini, como seu contemporâneo muito mais jovem, Raphael, produziu numerosas pequenas Madonas em rica cor brilhante, geralmente de tonalidade mais intensa que sua contraparte florentina. Essas Madonas multiplicaram-se prolificamente à medida que eram reproduzidas por outros membros do grande estúdio Bellini, uma minúscula foto, A Circuncisão de Cristo, existente em quatro ou cinco versões quase idênticas.

Giorgione e Ticiano
Enquanto o estilo da pintura de Giorgione se relaciona claramente com o de seu mestre presumido, Giovanni Bellini, seu assunto faz dele um dos artistas mais originais e abstrusos do Renascimento. Uma de suas pinturas, de uma paisagem conhecida como A Tempestade, com uma mulher semi-nua alimentando um bebê, um homem vestido, algumas colunas clássicas e um relâmpago, talvez represente Adão e Eva em seus dias pós-Éden, ou talvez isso não. Outra pintura atribuída a ele e tradicionalmente conhecida como Os Três Filósofos, pode representar os Magos planejando sua jornada em busca do Menino Jesus, mas isso também não é certo.

Influência da pintura renascentista italiana
As vidas de Michelangelo e Ticiano se estenderam até a segunda metade do século XVI. Ambos viram seus estilos e os de Leonardo, Mantegna, Giovanni Bellini, Antonello da Messina e Rafael, adaptados por pintores posteriores para formar um estilo diferente conhecido como Maneirismo, e se movem firmemente para a grande efusão de imaginação e virtuosismo pictórico do período barroco.

O artista que mais ampliou as tendências nas grandes composições figurativas de Ticiano é Tintoretto, embora suas maneiras pessoais tenham sido tais que durou apenas nove dias como aprendiz de Ticiano. O conhecimento de Rembrandt das obras de ambos, Ticiano e Rafael, é evidente em seus retratos. As influências diretas de Leonardo e Rafael sobre os seus próprios alunos foram para o efeito de gerações de artistas, incluindo Poussin e escolas de pintores clássicos dos séculos XVIII e XIX. O trabalho de Antonello da Messina teve influência direta sobre Albrecht Dürer e Martin Schongauer e, através das gravuras deste último, inúmeros artistas, incluindo as escolas de vitrais alemãs, holandesas e inglesas que se estenderam até o início do século XX.

O teto da Capela Sistina de Michelangelo e, posteriormente, O Juízo Final tiveram influência direta nas composições figurativas de Rafael e seus discípulos e depois em quase todos os pintores do século XVI que procuravam maneiras novas e interessantes de descrever a forma humana. É possível traçar o seu estilo de composição figurativa através de Andrea del Sarto, Pontormo, Bronzino, Parmigianino, Veronese, até Greco, Carracci, Caravaggio, Rubens, Poussin e Tiepolo, tanto para os pintores clássicos como para os românticos do século XIX, como Jacques-Louis David e Delacroix.

Sob a influência da pintura da Renascença italiana, muitas academias modernas de arte, como a Royal Academy, foram fundadas, e foi especificamente para coletar as obras da Renascença italiana que algumas das coleções de arte mais conhecidas do mundo, como a National Galeria, Londres, foram formados.