La pintura renacentista italiana es la pintura del período que comenzó a fines del siglo XIII y floreció desde principios del siglo XV hasta finales del siglo XVI, ocurriendo en la península italiana, que en ese momento estaba dividida en muchas áreas políticas. Los pintores de la Italia del Renacimiento, aunque a menudo apegados a tribunales particulares y con lealtades a pueblos particulares, vagaron sin embargo a lo largo y ancho de Italia, a menudo ocupando un estatus diplomático y diseminando ideas artísticas y filosóficas.

La ciudad de Florencia en Toscana es famosa por ser la cuna del Renacimiento y, en particular, de la pintura renacentista. Se proporciona un trasfondo detallado en los artículos complementarios Renacimiento y arquitectura renacentista.

La pintura renacentista italiana se puede dividir en cuatro períodos: el Proto-Renacimiento (1300-1400), el Renacimiento temprano (1400-1475), el Alto Renacimiento (1475-1525) y el Manierismo (1525-1600). Estas fechas son aproximaciones en lugar de puntos específicos porque las vidas de los artistas individuales y sus estilos personales se superponen a los diferentes períodos.

El Proto-Renacimiento comienza con la vida profesional del pintor Giotto e incluye a Taddeo Gaddi, Orcagna y Altichiero. El Renacimiento temprano estuvo marcado por el trabajo de Masaccio, Fra Angelico, Paolo Uccello, Piero della Francesca y Verrocchio. El período del Alto Renacimiento fue el de Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael y Tiziano. El período manierista incluyó a Andrea del Sarto, Pontormo y Tintoretto. El manierismo se trata en un artículo separado.

Influencias
Las influencias sobre el desarrollo de la pintura del Renacimiento en Italia son las que también afectaron a la Filosofía, la Literatura, la Arquitectura, la Teología, la Ciencia, el Gobierno y otros aspectos de la sociedad. El siguiente es un resumen de los puntos tratados con más detalle en los artículos principales que se citan arriba.

Filosofía
Varios textos clásicos, que se habían perdido para los eruditos de Europa Occidental durante siglos, estuvieron disponibles. Estos incluyen Filosofía, Poesía, Drama, Ciencia, una tesis sobre las artes y la teología cristiana temprana. El interés resultante en la filosofía humanista significó que la relación del hombre con la humanidad, el universo y con Dios ya no era la provincia exclusiva de la Iglesia. Un renovado interés en los clásicos dio lugar al primer estudio arqueológico de restos romanos realizado por el arquitecto Brunelleschi y el escultor Donatello. El renacimiento de un estilo de arquitectura basado en precedentes clásicos inspiró un clasicismo correspondiente en la pintura, que se manifestó ya en la década de 1420 en las pinturas de Masaccio y Paolo Uccello.

Ciencia y Tecnología
Simultáneamente con el acceso a los textos clásicos, Europa obtuvo acceso a las matemáticas avanzadas que tuvieron su origen en las obras de eruditos bizantinos e islámicos. El advenimiento de la impresión de tipo móvil en el siglo XV significó que las ideas se podían difundir fácilmente, y se escribió un creciente número de libros para un público amplio. El desarrollo de la pintura al óleo y su introducción en Italia tuvo efectos duraderos en el arte de la pintura.

Sociedad
El establecimiento del Medici Bank y el posterior comercio que generó trajo una riqueza sin precedentes a una sola ciudad italiana, Florencia. Cosimo de ‘Medici estableció un nuevo estándar para el mecenazgo de las artes, no asociado con la iglesia o la monarquía. La presencia afortunada dentro de la región de Florencia de ciertos individuos de genio artístico, especialmente Giotto, Masaccio, Brunelleschi, Piero della Francesca, Leonardo da Vinci y Miguel Ángel, formaron un ethos que apoyó y animó a muchos artistas menores a lograr un trabajo de extraordinaria calidad. Una herencia similar de logros artísticos ocurrió en Venecia a través de la talentosa familia Bellini, su influyente integrante Mantegna, Giorgione, Tiziano y Tintoretto.

Temas
Mucha pintura del período del Renacimiento fue encargada por o para la Iglesia Católica. Estas obras a menudo eran de gran escala y con frecuencia se pintaban ciclos al fresco de la Vida de Cristo, la Vida de la Virgen o la vida de un santo, particularmente San Francisco de Asís. También hubo muchas pinturas alegóricas sobre el tema de la Salvación y el papel de la Iglesia en su consecución. Las iglesias también encargaron retablos, que fueron pintados al temple en un panel y más tarde en óleo sobre lienzo. Además de los grandes retablos, se produjeron pequeñas imágenes devocionales en gran número, tanto para iglesias como para particulares, siendo el tema más común la Virgen y el Niño.

Durante todo el período, las comisiones cívicas también fueron importantes. Los edificios del gobierno local fueron decorados con frescos y otras obras seculares, como La alegoría del bien y mal gobierno de Ambrogio Lorenzetti, y religiosos, como el fresco de Maestà, de Simone Martini, en el Palazzo Pubblico de Siena.

El retrato era poco común en el siglo XIV y principios del XV, en su mayoría se limitaba a imágenes conmemorativas cívicas como los retratos ecuestres de Guidoriccio da Fogliano por Simone Martini, 1327, en Siena y, a principios del siglo XV, John Hawkwood por Uccello en la Catedral de Florencia y su compañero interpretando a Niccolò da Tolentino de Andrea del Castagno.

Durante el siglo XV se hizo común el retrato, inicialmente con retratos de perfil formalizados, pero cada vez más retratos de tres cuartos y de busto. Los patrocinadores de obras de arte como retablos y ciclos de frescos a menudo se incluyeron en las escenas, un ejemplo notable fue la inclusión de las familias Sassetti y Medici en el ciclo de Domenico Ghirlandaio en la Capilla Sassetti. El retrato se convertiría en un tema principal para pintores del Alto Renacimiento como Rafael y Tiziano y continuaría en el período manierista en obras de artistas como Bronzino.

Con el crecimiento del Humanismo, los artistas recurrieron a los temas clásicos, particularmente para cumplir con los encargos para la decoración de las casas de los patrones ricos, el más conocido es el nacimiento de Venus de Botticelli para los Medici. Cada vez más, los temas clásicos también fueron vistos como un material alegórico adecuado para las comisiones cívicas. El humanismo también influyó en la manera en que se representaron los temas religiosos, especialmente en el techo de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel.

Otros motivos fueron extraídos de la vida contemporánea, a veces con significado alegórico, algunos a veces puramente decorativos. Los incidentes importantes para una familia en particular podrían registrarse como los de la Camera degli Sposi que Mantegna pintó para la familia Gonzaga en Mantua. Cada vez más, se pintaron naturalezas muertas y escenas decorativas de la vida, como el Concierto de Lorenzo Costa de alrededor de 1490.

Los eventos importantes a menudo se registraban o conmemoraban en pinturas como la Batalla de San Romano de Uccello, al igual que los festivales religiosos locales importantes. La historia y los personajes históricos a menudo se representaban de una manera que se refleja en los acontecimientos actuales o en la vida de las personas actuales. Los retratos a menudo se pintaban de contemporáneos disfrazados de personajes de la historia o la literatura. Los escritos de Dante, la Leyenda de Oro de Vorágine y el Decamerón de Boccaccio fueron fuentes importantes de temas.

En todos estos temas, cada vez más, y en las obras de casi todos los pintores, se desarrollaron ciertas prácticas pictóricas subyacentes: la observación de la naturaleza, el estudio de la anatomía, de la luz y la perspectiva.

Pintura proto-renacentista

Tradiciones de la pintura toscana del siglo XIII
El arte de la región de la Toscana a fines del siglo XIII estuvo dominado por dos maestros de estilo bizantino, Cimabue de Florencia y Duccio de Siena. Sus comisiones eran en su mayoría pinturas religiosas, varias de ellas eran retablos muy grandes que mostraban a la Virgen y al Niño. Estos dos pintores, con sus contemporáneos, Guido de Siena, Coppo di Marcovaldo y el misterioso pintor sobre cuyo estilo pudo haberse basado la escuela, el así llamado Maestro de San Bernardino, todos trabajaron de una manera altamente formalizada y dependiente la antigua tradición de la pintura de iconos. En estas pinturas al temple muchos de los detalles estaban rígidamente fijados por el tema, la posición precisa de las manos de la Virgen y el Niño Jesús, por ejemplo, dictada por la naturaleza de la bendición que la pintura invoca al espectador. El ángulo de la cabeza y los hombros de la Virgen, los pliegues de su velo y las líneas con que se definían sus facciones se habían repetido en innumerables pinturas. Cimabue y Duccio tomaron medidas en dirección a un mayor naturalismo, al igual que su contemporáneo, Pietro Cavallini de Roma.

Giotto
Giotto, (1266-1337), por tradición un pastor de las colinas al norte de Florencia, se convirtió en el aprendiz de Cimabue y se convirtió en el pintor más destacado de su tiempo. Giotto, posiblemente influenciado por Pietro Cavallini y otros pintores romanos, no basó las figuras que pintó en ninguna tradición pictórica, sino en la observación de la vida. A diferencia de sus contemporáneos bizantinos, las figuras de Giotto son sólidamente tridimensionales; están de pie en el suelo, tienen una anatomía discernible y están vestidos con prendas de peso y estructura. Pero más que nada, lo que distingue a las figuras de Giotto de las de sus contemporáneos son sus emociones. En las caras de las figuras de Giotto están la alegría, la ira, la desesperación, la vergüenza, el rencor y el amor. El ciclo de frescos de la Vida de Cristo y la Vida de la Virgen que pintó en la Capilla Scrovegni en Padua estableció un nuevo estándar para las imágenes narrativas. Su Ognissanti Madonna cuelga en la Galería de los Uffizi, Florencia, en la misma habitación que Santa Trinita Madonna de Cimabue y Ruccellai Madonna de Duccio, donde las comparaciones estilísticas entre los tres se pueden hacer fácilmente. Una de las características aparentes en el trabajo de Giotto es su observación de la perspectiva naturalista. Él es considerado como el heraldo del Renacimiento.

Los contemporáneos de Giotto
Giotto tenía un número de contemporáneos que fueron entrenados e influenciados por él, o cuya observación de la naturaleza los había llevado en una dirección similar. Aunque varios de los alumnos de Giotto asimilaron la dirección que su trabajo había tomado, ninguno iba a ser tan exitoso como él. Taddeo Gaddi logró la primera gran pintura de una escena nocturna en una Anunciación a los Pastores en la Capilla Baroncelli de la Iglesia de Santa Croce, en Florencia.

Las pinturas de la Iglesia Superior de la Basílica de San Francisco, Asís, son ejemplos de la pintura naturalista de la época, a menudo atribuida al propio Giotto, pero más probablemente el trabajo de los artistas que rodean a Pietro Cavallini. Una pintura tardía de Cimabue en la Iglesia inferior de Asís, de la Virgen y San Francisco, también muestra claramente un mayor naturalismo que sus pinturas de paneles y los restos de sus primeros frescos en la iglesia superior.

Mortalidad y redención
Un tema común en la decoración de las iglesias medievales fue el Juicio Final, que en las iglesias del norte de Europa ocupa con frecuencia un espacio escultórico sobre la puerta occidental, pero en las iglesias italianas como la Capilla Scrovegni de Giotto está pintado en la pared interior oeste. La Muerte Negra de 1348 hizo que sus supervivientes se centraran en la necesidad de acercarse a la muerte en un estado de penitencia y absolución. La inevitabilidad de la muerte, las recompensas para el penitente y las penas del pecado fueron enfatizadas en varios frescos, notables por sus sombrías representaciones de sufrimiento y sus imágenes surrealistas de los tormentos del Infierno.

Estos incluyen el Triunfo de la Muerte por el alumno de Giotto Orcagna, ahora en estado fragmentario en el Museo de Santa Croce, y el Triunfo de la Muerte en el Camposanto Monumentale en Pisa por un pintor desconocido, tal vez Francesco Traini o Buonamico Buffalmacco que trabajaron en el otro tres de una serie de frescos sobre el tema de la Salvación. Se desconoce exactamente cuándo se iniciaron estos frescos, pero generalmente se presume que datan de 1348.

Dos importantes pintores de frescos estuvieron activos en Padua a finales del siglo XIV, Altichiero y Giusto de ‘Menabuoi. La obra maestra de Giusto, la decoración del Baptisterio de la Catedral, sigue el tema de la Creación, la Caída y la Salvación de la humanidad, y también tiene un raro ciclo de Apocalipsis en el pequeño presbiterio. Si bien todo el trabajo es excepcional por su amplitud, calidad y estado intacto, el tratamiento de las emociones humanas es conservador en comparación con el de la Crucifixión de Altichiero en la Basílica de San Antonio, también en Padua. El trabajo de Giusto se basa en gestos formalizados, donde Altichiero relaciona los incidentes que rodearon la muerte de Cristo con gran drama e intensidad humana.

En Florencia, en la capilla española de Santa Maria Novella, se encargó a Andrea Bonaiuti enfatizar el papel de la Iglesia en el proceso redentor y el de la Orden Dominicana en particular. Su fresco La alegoría de la iglesia activa y triunfante es notable por su descripción de la catedral de Florencia, completa con la cúpula que no fue construida hasta el siglo siguiente.

Gótico internacional
Durante el último siglo XIV, el estilo gótico internacional dominó la pintura toscana. Se puede ver hasta cierto punto en la obra de Pietro y Ambrogio Lorenzetti, que se caracteriza por una dulzura y gracia formal en las figuras, y gracia gótica tardía en las cortinas. El estilo está completamente desarrollado en las obras de Simone Martini y Gentile da Fabriano, que tienen una elegancia y una riqueza de detalles, y una calidad idealizada que no es compatible con las realidades más duras de las pinturas de Giotto.

A principios del siglo XV, cerrar la brecha entre el gótico internacional y el Renacimiento son las pinturas de Fra Angélico, muchas de las cuales, siendo retablos al temple, muestran el amor gótico por la elaboración, el pan de oro y el color brillante. Es en sus frescos en su convento de San Marco que Fra Angelico se muestra el discípulo artístico de Giotto. Estas pinturas devocionales, que adornan las celdas y corredores habitados por los frailes, representan episodios de la vida de Jesús, muchos de los cuales son escenas de la Crucifixión. Son crudamente simples, de colores moderados e intensos en el estado de ánimo a medida que el artista buscaba hacer de las revelaciones espirituales una realidad visual.

Pintura renacentista temprana

Florence
Las primeras imágenes verdaderamente renacentistas en Florencia datan de 1401, el primer año del siglo conocido en italiano como Quattrocento, sinónimo del Renacimiento temprano. En esa fecha se realizó una competencia para encontrar un artista que creara un par de puertas de bronce para el Baptisterio de San Juan, la iglesia más antigua que queda en la ciudad. El Baptisterio es una gran construcción octogonal de estilo románico, cuyos orígenes habían sido olvidados y que, según se creía popularmente, databa de la época romana. El interior de su cúpula está decorado con una enorme figura de mosaico de Cristo en Majestad que se cree que fue diseñada por Coppo di Marcovaldo. Tiene tres portales grandes, el central está lleno en ese momento por un conjunto de puertas creadas por Andrea Pisano ochenta años antes.

Las puertas de Pisano estaban divididas en 28 compartimentos de quatrefoil, conteniendo escenas narrativas de la vida de Juan el Bautista. Los competidores, de los cuales había siete artistas jóvenes, diseñaron cada uno un panel de bronce de forma y tamaño similar, representando el Sacrificio de Isaac.

Dos de los paneles han sobrevivido, el de Lorenzo Ghiberti y el de Brunelleschi. Cada panel muestra algunos motivos fuertemente clasicistas que indican la dirección en que se movían el arte y la filosofía, en ese momento. Ghiberti usó la figura desnuda de Isaac para crear una pequeña escultura en estilo clásico. Se arrodilla sobre una tumba decorada con volutas de acanto que también son una referencia del arte de la Antigua Roma. En el panel de Brunelleschi, una de las figuras adicionales incluidas en la escena es una reminiscencia de una conocida figura romana de bronce de un niño que saca una espina de su pie. La creación de Brunelleschi es desafiante en su intensidad dinámica. Menos elegante que el de Ghiberti, se trata más de drama humano y tragedia inminente.

Ghiberti ganó la competencia. Su primer conjunto de puertas bautismales tardó 27 años en completarse, después de lo cual recibió el encargo de hacer otro. En el total de 50 años que Ghiberti trabajó en ellos, las puertas proporcionaron un campo de entrenamiento para muchos de los artistas de Florencia. Siendo narrativo en el sujeto y empleando no solo la habilidad para organizar composiciones figurativas sino también la creciente habilidad de la perspectiva lineal, las puertas tendrían una enorme influencia en el desarrollo del arte pictórico florentino. Eran un factor unificador, una fuente de orgullo y camaradería tanto para la ciudad como para sus artistas. Miguel Ángel los llamaría las Puertas del Paraíso.

Capilla Brancacci
En 1426, dos artistas comenzaron a pintar un ciclo de frescos de la Vida de San Pedro en la capilla de la familia Brancacci, en la Iglesia Carmelita de Florencia. Ambos fueron llamados por el nombre de Tommaso y fueron apodados Masaccio y Masolino, Slovenly Tom y Little Tom.

Más que cualquier otro artista, Masaccio reconoció las implicaciones en el trabajo de Giotto. Él llevó adelante la práctica de pintar de la naturaleza. Sus pinturas demuestran una comprensión de la anatomía, del acortamiento, de la perspectiva lineal, de la luz y el estudio de las cortinas. Entre sus obras, las figuras de Adán y Eva expulsadas del Edén, pintadas del lado del arco en la capilla, son famosas por su representación realista de la forma humana y de la emoción humana. Contrastan con las figuras bonitas y bonitas pintadas por Masolino en el lado opuesto de Adán y Eva recibiendo la fruta prohibida. La pintura de la Capilla de Brancacci quedó incompleta cuando Masaccio murió a los 26. El trabajo fue terminado más tarde por Filippino Lippi. El trabajo de Masaccio se convirtió en una fuente de inspiración para muchos pintores posteriores, incluidos Leonardo da Vinci y Miguel Ángel.

Desarrollo de perspectiva lineal
Durante la primera mitad del siglo XV, la consecución del efecto del espacio realista en una pintura mediante el empleo de la perspectiva lineal fue una gran preocupación de muchos pintores, así como de los arquitectos Brunelleschi y Alberti, quienes teorizaron sobre el tema. Se sabe que Brunelleschi hizo varios estudios cuidadosos de la plaza y del baptisterio octogonal en las afueras de la catedral de Florencia y se cree que ayudó a Masaccio en la creación de su famoso nicho de trompe l’oeil alrededor de la Santísima Trinidad que pintó en Santa Maria Novella.

Según Vasari, Paolo Uccello estaba tan obsesionado con la perspectiva que pensó en poco más y experimentó con ella en muchas pinturas, las más conocidas son las tres pinturas de la Batalla de San Romano que usan armas rotas en el suelo y campos en las colinas distantes para dar una impresión de perspectiva.

En la década de 1450, Piero della Francesca, en pinturas como La flagelación de Cristo, demostró su maestría sobre la perspectiva lineal y también sobre la ciencia de la luz. Existe otra pintura, un paisaje urbano, de un artista desconocido, tal vez Piero della Francesca, que demuestra el tipo de experimento que Brunelleschi había estado haciendo. A partir de este momento, la perspectiva lineal fue comprendida y empleada regularmente, como la de Perugino en su obra Cristo dando las llaves a San Pedro en la Capilla Sixtina.

Comprensión de la luz
Giotto usó la tonalidad para crear forma. Taddeo Gaddi en su escena nocturna en la Capilla Baroncelli demostró cómo la luz podía ser utilizada para crear drama. Paolo Uccello, cien años más tarde, experimentó con el efecto dramático de la luz en algunos de sus frescos casi monocromos. Hizo varios de estos en terra verde o «tierra verde», animando sus composiciones con toques de bermellón. El más conocido es su retrato ecuestre de John Hawkwood en la pared de la catedral de Florencia. Tanto aquí como en las cuatro cabezas de profetas que pintó alrededor de la esfera interna de la catedral, utilizó tonos fuertemente contrastados, lo que sugiere que cada figura estaba iluminada por una fuente de luz natural, como si la fuente fuera una ventana real en la catedral .

Piero della Francesca llevó su estudio de la luz más allá. En la Flagelación demuestra un conocimiento de cómo la luz se disemina proporcionalmente desde su punto de origen. Hay dos fuentes de luz en esta pintura, una interna a un edificio y la otra externa. De la fuente interna, aunque la luz en sí misma es invisible, su posición puede calcularse con certeza matemática. Leonardo da Vinci iba a llevar adelante el trabajo de Piero sobre la luz.

La Virgen
La Santísima Virgen María, venerada por la Iglesia Católica en todo el mundo, fue particularmente evocada en Florencia, donde había una imagen milagrosa de ella en una columna en el mercado de maíz y donde tanto la Catedral de «Nuestra Señora de las Flores» como la gran República Dominicana la iglesia de Santa Maria Novella fue nombrada en su honor.

Pintura renacentista temprana en otras partes de Italia

Andrea Mantegna en Padua y Mantua
Uno de los pintores más influyentes del norte de Italia fue Andrea Mantegna de Padua, que tuvo la buena fortuna de ser un adolescente en la época en que el gran escultor florentino Donatello estaba trabajando allí. Donatello creó el enorme bronce ecuestre, el primero desde el Imperio Romano, del condotiero Gattemelata, todavía visible en su basamento en la plaza exterior de la Basílica de San Antonio. También trabajó en el altar mayor y creó una serie de paneles de bronce en los que logró una notable ilusión de profundidad, con perspectiva en el entorno arquitectónico y aparente redondez de la forma humana, todo en un relieve muy poco profundo.

Cosme Tura en Ferrara
Mientras Mantegna trabajaba para los Gonzaga en Mantua, se empleó a un pintor muy diferente para diseñar un plan aún más ambicioso para la familia Este de Ferrara. La pintura de Cosmè Tura es muy distintiva, tanto extrañamente gótica como clásica al mismo tiempo. Tura posa figuras clásicas como si fueran santas, las rodea con luminosos motivos simbólicos de perfección surrealista y los viste con prendas que parecen hechas de cobre intrincadamente doblado y esmaltado.

Antonello da Messina
En 1442 Alfonso V de Aragón se convirtió en gobernante de Nápoles, trayendo consigo una colección de pinturas flamencas y la creación de una Academia Humanista. El pintor Antonello da Messina parece haber tenido acceso a la colección del Rey, que puede haber incluido las obras de Jan van Eyck. Parece haber estado expuesto a la pintura flamenca en una fecha anterior a la de los florentinos, haber visto rápidamente el potencial de los aceites como medio y luego no haber pintado nada más. Llevó la técnica al norte de Venecia con él, donde pronto fue adoptada por Giovanni Bellini y se convirtió en el medio preferido de la república marítima donde el arte del fresco nunca había sido un gran éxito.

Alto Renacimiento

Patrocinio y Humanismo
En Florencia, a fines del siglo XV, la mayoría de las obras de arte, incluso aquellas que se usaban como decoración de iglesias, generalmente eran encargadas y pagadas por clientes privados. Gran parte del patrocinio provino de la familia Medici, o de aquellos que estaban estrechamente asociados o relacionados con ellos, como el Sassetti, el Ruccellai y el Tornabuoni.

Influencia flamenca
Desde aproximadamente 1450, con la llegada a Italia del pintor flamenco Rogier van der Weyden y posiblemente antes, los artistas se introdujeron en el medio de la pintura al óleo. Mientras que tanto el temple como el fresco se prestaban a la representación del patrón, ninguno presentaba una forma exitosa de representar las texturas naturales de forma realista. El medio altamente flexible de los aceites, que podría ser opaco o transparente, y permitir la alteración y adiciones durante días después de que se había establecido, abrió un nuevo mundo de posibilidades para los artistas italianos.

Comisión papal
En 1477, el Papa Sixto IV reemplazó la vieja y abandonada capilla del Vaticano, en la que se celebraron muchos de los servicios papales. El interior de la nueva capilla, llamada la Capilla Sixtina en su honor, parece haber sido planificado desde el principio para tener una serie de 16 grandes frescos entre sus pilastras en el nivel medio, con una serie de retratos pintados de papas sobre ellos.

Leonardo da Vinci
Leonardo, por el alcance de sus intereses y el extraordinario grado de talento que demostró en tantas áreas diversas, es considerado como el «hombre renacentista» arquetípico. Pero, en primer lugar, como pintor, fue admirado en su tiempo y, como pintor, recurrió al conocimiento que obtuvo de todos sus otros intereses.

Michelangelo
En 1508, el Papa Julio II logró que el escultor Miguel Ángel aceptara continuar con el esquema decorativo de la Capilla Sixtina. El techo de la Capilla Sixtina fue construido de tal manera que había doce pechinas inclinadas que sostenían la bóveda que formaba las superficies ideales para pintar los Doce Apóstoles. Miguel Ángel, que había cedido a las exigencias del Papa con poca gracia, pronto ideó un esquema completamente diferente, mucho más complejo tanto en diseño como en iconografía. La escala del trabajo, que ejecutó con una sola mano a excepción de la asistencia manual, fue titánica y tardó casi cinco años en completarse.

Raphael
Con Leonardo da Vinci y Miguel Ángel, el nombre de Rafael es sinónimo del Alto Renacimiento, aunque era más joven que Miguel Ángel por 18 años y Leonardo por casi 30. No se puede decir de él que avanzó mucho en el estado de la pintura como sus dos contemporáneos famosos. hizo. Más bien, su trabajo fue la culminación de todos los desarrollos del Alto Renacimiento.

Pintura del alto Renacimiento en Venecia

Giovanni Bellini
Giovanni Bellini era el contemporáneo exacto de su hermano Gentile, su cuñado Mantegna y Antonello da Messina. Trabajando la mayor parte de su vida en el estudio de su hermano, y fuertemente influenciado por el estilo nítido de Mantegna, no parece haber producido una pintura firmada independientemente hasta que estuvo en sus 50 años. Durante los últimos 30 años de su vida, fue extraordinariamente productivo e influyente, con la guía tanto de Giorgione como de Tiziano. Bellini, al igual que su contemporáneo mucho más joven, Raphael, produjo numerosas Madonnas pequeñas en un rico color brillante, usualmente de tonalidad más intensa que su contraparte florentina. Estas Madonnas se multiplicaron prolíficamente al ser reproducidas por otros miembros del gran estudio de Bellini, una pequeña imagen, La Circuncisión de Cristo, que existía en cuatro o cinco versiones casi idénticas.

Giorgione y Tiziano
Mientras que el estilo de la pintura de Giorgione se relaciona claramente con el de su presunto maestro, Giovanni Bellini, su tema lo convierte en uno de los artistas más originales y abstrusos del Renacimiento. Una de sus pinturas, de un paisaje conocido como La Tempestad, con una mujer semidesnuda alimentando a un bebé, un hombre vestido, algunas columnas clásicas y un relámpago, tal vez representa a Adán y Eva en sus días posteriores al Edén, o tal vez no es asi. Otra pintura atribuida a él y tradicionalmente conocida como Los Tres Filósofos, puede representar a los Reyes Magos que planean su viaje en busca del Cristo niño, pero tampoco es seguro.

Influencia de la pintura renacentista italiana
Las vidas de Miguel Ángel y Tiziano se extendieron hasta la segunda mitad del siglo XVI. Ambos vieron sus estilos y los de Leonardo, Mantegna, Giovanni Bellini, Antonello da Messina y Rafael adaptados por los pintores posteriores para formar un estilo dispares conocido como manierismo, y avanzar firmemente hacia la gran efusión de imaginación y virtuosismo pictórico del período barroco.

El artista que más extendió las tendencias en las grandes composiciones figurativas de Tiziano es Tintoretto, aunque su manera personal fue tal que solo duró nueve días como aprendiz de Tiziano. El conocimiento de Rembrandt sobre las obras de Tiziano y Rafael es evidente en sus retratos. Las influencias directas de Leonardo y Rafael sobre sus propios alumnos afectaron a generaciones de artistas como Poussin y escuelas de pintores clásicos de los siglos XVIII y XIX. La obra de Antonello da Messina tuvo una influencia directa en Albrecht Dürer y Martin Schongauer y, a través de los grabados de este último, innumerables artistas, incluidas las escuelas alemanas, holandesas e inglesas de vidrieras, se extendieron hasta principios del siglo XX.

El techo de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel y más tarde El Juicio Final tuvo influencia directa en las composiciones figurativas, primero en Rafael y sus discípulos y luego en casi todos los pintores posteriores del siglo XVI que buscaron formas nuevas e interesantes de representar la forma humana. Es posible rastrear su estilo de composición figurativa a través de Andrea del Sarto, Pontormo, Bronzino, Parmigianino, Veronese, al Greco, Carracci, Caravaggio, Rubens, Poussin y Tiepolo, tanto a los pintores clásicos como a los románticos del siglo XIX, tales como Jacques-Louis David y Delacroix.

Bajo la influencia de la pintura renacentista italiana, se fundaron muchas academias modernas de arte, como la Royal Academy, y fue específicamente para recoger las obras del Renacimiento italiano que algunas de las colecciones de arte más conocidas del mundo, como el National Galería, Londres, se formaron.