이탈리아 르네상스 그림

이탈리아 르네상스 시대 회화는 13 세기 후반부터 시작하여 15 세기 초부터 16 세기 후반에 걸쳐 번성했던 이탈리아 회화로, 그 당시 이탈리아의 여러 정치 지역으로 나누어 져있었습니다. 르네상스 시대의 화가들은 특정 법원에 종종 붙어 있었음에도 불구하고 종종 특정 도시에 대한 충성심을 가지고 있었지만 이탈리아의 길이와 폭을 어지럽히고 외교적 지위를 차지하고 예술적, 철학적 아이디어를 보급하기도했다.

투스카니에있는 피렌체 도시는 르네상스의 발상지로 특히 르네상스 그림으로 유명합니다. 상세한 배경은 르네상스 및 르네상스 건축술의 부록 기사에서 제공됩니다.

이탈리아 르네상스 그림은 원시 르네상스 (1300-1400), 초기 르네상스 (1400-1475), 높은 르네상스 (1475-1525) 및 매너리즘 (1525-1600)의 4 가지 기간으로 나눌 수 있습니다. 이 날짜는 개별 아티스트의 삶과 개인 스타일이 다른 기간과 겹치기 때문에 특정 지점이 아닌 대략적인 값입니다.

프로토 르네상스는 화가 Giotto의 전문 직업으로 시작되며 Taddeo Gaddi, Orcagna 및 Altichiero가 포함됩니다. 초기 르네상스는 Masaccio, Fra Angelico, Paolo Uccello, Piero della Francesca 및 Verrocchio의 작업으로 표시되었습니다. 높은 르네상스 기간은 Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raphael 및 Titian의 기간이었습니다. 매너 니스트 기간에는 Andrea del Sarto, Pontormo 및 Tintoretto가 포함되었습니다. 매너리즘은 별도의 기사에서 다루어집니다.

영향
이탈리아에서 르네상스 시대의 발전에 미친 영향은 철학, 문학, 건축, 신학, 과학, 정부 및 사회의 다른 측면에도 영향을 미쳤습니다. 다음은 위에서 언급 한 주요 기사에서 다루는 요점의 요약입니다.

철학
수세기 동안 서유럽 학자들에게 잃어버린 여러 고전 문안이 가능 해졌다. 여기에는 철학,시, 연극, 과학, 예술에 관한 논문 및 초기 기독교 신학이 포함됩니다. 결과적으로 인본주의 철학에 대한 관심은 인류와 우주 그리고 하나님과의 인간 관계가 더 이상 교회의 독점적 인 영역이 아니라는 것을 의미했습니다. 고전에 대한 부흥 된 관심은 건축가 브루넬레스키 (Brunelleschi)와 조각가 도나 텔로 (Donatello)의 로마 유적에 대한 최초 고고학 연구를 가져 왔습니다. 고전적 전례에 기반한 건축 양식의 부활은 회화에서 상응하는 고전주의에 영감을 주었고, Masaccio와 Paolo Uccello의 회화에서 1420 년대 초반에 나타났습니다.

과학 기술
고전 문학에 대한 접근과 동시에 유럽은 비잔틴과 이슬람 학자들의 연구에서 유래 한 진보 된 수학에 접근했다. 15 세기의 이동식 인쇄의 출현으로 인해 아이디어를 쉽게 전파 할 수 있었고 폭 넓은 대중을 대상으로 책이 늘어났습니다. 유화의 개발과 이탈리아에 대한 도입은 그림의 예술에 지속적인 영향을 미쳤다.

사회
메디치 은행 (Medici Bank)의 설립과 이로 인해 창출 된 무역은 유례없는 부 (富)를 하나의 이탈리아 도시인 플로렌스에 가져 왔습니다. 코스모 드 메디치 (Cosimo de ‘Medici)는 교회 나 군주국과 관련이없는 예술 후원에 새로운 기준을 세웠다. Giotto, Masaccio, Brunelleschi, Piero della Francesca, Leonardo da Vinci 및 Michelangelo와 같은 예술적 천재의 특정 인물들의 피렌체 지역에서의 우연한 존재감은 많은 덜 예술가들이 특별한 품질의 작품을 얻도록 격려하고 격려 한 기풍을 형성했습니다. 재능있는 벨리니 (Bellini) 가족, 영향력있는 수용자 만테 냐 (Mantegna), 조르지오 네 (Giorgione), 티티 안 (Titian), 틴토 렛토 (Tintoretto)를 통해 베니스에서 유사한 예술적 성취의 전통이 나타났습니다.

테마
르네상스 시대의 많은 그림은 가톨릭 교회에 의해 위임 받았다. 이 작품들은 대개 규모가 크며 그리스도의 생애, 성모의 생애, 성도의 생애, 특히 아시시의 성 프란시스의 생생한 장면을 그린 빈번한 회기였습니다. 또한 구원을 주제로 한 우화 그림과 그것을 달성하는 데있어 교회의 역할이 많이있었습니다. 또한 교회는 패널에 온도로 칠해 나중에는 캔버스에 기름으로 칠한 altarpieces를 위촉했다. 큰 altarpieces 외에도, 작은 경건의 그림은 매우 큰 숫자로, 교회 및 개인에 대한 모두 생산되었다, 가장 일반적인 주제는 마돈나와 아이.

이 기간 동안 시민위원회도 중요했습니다. 지방 정부 청사는 벽화와 Ambrogio Lorenzetti의 The Allegory of Good and Bad Government와 같은 세속적 인 작품으로 장식되었고 시에나 마티니의 Maestà 프레스코 화는 Palazzo Pubblico, Siena에서 종교적으로 장식되었습니다.

14 세기와 15 세기 초반의 초상화는 드물었습니다. 시에나 마티니 (Cione Martini)의 Guidoriccio da Fogliano, 시에나 (Simena Martini)의 승마 초상화, 15 세기 초 피렌체 대성당의 우첼로 (Uccello)가 제작 한 존 호크 우드 (John Hawkwood) Andrea del Castagno의 Niccolò da Tolentino를 묘사 한 동반자.

15 세기 인물화는 흔히 처음으로 공식화 된 인물 초상화가되었지만 점점 더 많은 얼굴과 가슴 길이의 인물이되었습니다. altarpieces 및 프레스코 사이클과 같은 예술 작품의 후원자는 장면에서 포함되고, 주목할만한 삽화는 Sassetti 채플에있는 Domenico Ghirlandaio의주기에 Sassetti 및 Medici 가족을 포함시키는 것입니다. 초상화는 Raphael과 Titian과 같은 High 르네상스 화가들의 주요 주제가되었고, Bronzino와 같은 예술가들의 작품에서 매너리즘 시대로 계속되었다.

휴머니즘의 성장과 함께, 예술가들은 고전적인 주제로, 특히 부유 한 후원자의 집 장식을위한 커미션을 수행하기 위해 노력했습니다. 가장 유명한 것으로는 Botticelli의 Venus of Medici 출생입니다. 점차적으로, 고전적인 주제는 시민위원회에 적합한 비유적인 자료를 제공하는 것으로 또한 보였습니다. 휴머니즘은 종교적 주제가 묘사 된 방식, 특히 미켈란젤로의 시스틴 성당 예배당에도 영향을 미쳤다.

다른 모티프는 동시대의 삶에서, 때로는 우화적인 의미로, 때로는 순전히 장식적인 것으로부터 도출되었습니다. 특정 가족에게 중요한 사건은 Mantegna가 Mantua의 Gonzaga 가족을 위해 그렸던 카메라 degli Sposi의 사건과 마찬가지로 기록 될 수 있습니다. 콘서트, 로렌조 코스타 (Lorenzo Costa)의 약 1490 편의 작품과 같이 점점 더 많은 삶과 장식 장면이 그려져 왔습니다.

중요 행사는 Uccello의 San Romano 전투와 같은 그림에서 종종 기록되거나 기념되었으며 중요한 지역 종교 축제였습니다. 역사와 역사적 인물은 현재 사건이나 현재 사람들의 삶에 반영되는 방식으로 종종 묘사되었습니다. 인물은 역사 또는 문학의 인물을 흉내내어 동시대 인물로 묘사되었습니다. 단테, 보루 진의 황금 전설과 보카치오의 데카 메론 (Decameron)의 저서는 중요한 주제였습니다.

이 모든 주제들, 거의 모든 화가들의 작품 속에서, 근본적인 회화 관행, 즉 자연의 관찰, 해부학, 빛의 연구, 그리고 원근법이 개발되고있다.

프로토 르네상스 그림

13 세기 토스카나 그림의 전통
13 세기 말 토스카나 지역의 예술은 비잔틴 양식의 두 주인 인 피렌체의 시마 부 (Cimabue)와 시에나의 두 치오 (Duccio of Siena)가 지배했습니다. 그들의 커미션은 대부분 종교 그림이었고, 그 중 몇몇은 Madonna and Child를 보여주는 커다란 altarpieces였다. 동시대의이 두 화가, Guido of Siena, Coppo di Marcovaldo와 그 학교의 스타일을 기반으로 한 신비한 화가, 소위 St Bernardino의 Master는 모두 매우 공식화되고 종속 된 방식으로 작업했습니다. 아이콘 페인팅의 고대 전통. 이 온도 그림에서 많은 세부 사항은 주제에 의해 엄격히 고정되었는데, 예를 들어, 마돈나와 그리스도 아이의 손의 정확한 위치는 그림이 관람자에게 부른 축복의 본질에 의해 결정되었습니다. 성모님의 머리와 어깨의 각도, 베일의 주름, 그리고 그녀의 특징이 정의 된 선은 수많은 회화 속에서 반복되었습니다. Cimabue와 Duccio는 현대의 Pietro Cavallini와 마찬가지로 더 큰 자연주의의 방향으로 나아갔습니다.

조토
조토 (Giotto, 1266-1337)는 피렌체 북부의 언덕에 사는 한 목동 소년이 시마부의 도제가되어 당시의 가장 뛰어난 화가로 떠올랐다. Giotto는 Pietro Cavallini와 다른 로마 화가들의 영향을 받았을 지 모른다. 비잔틴 시대의 비잔틴 시대의 사람들과 달리 지오토의 인물은 입체적으로 단단합니다. 그들은 땅에 정면으로 서 있고, 식별 할 수있는 해부학 적 구조를 지니고 있으며, 무게와 구조로 의복을 입고 있습니다. 그러나 무엇보다 조토의 인물을 동시대 사람의 인물과 차별화 된 것은 그들의 감정입니다. 조토의 얼굴에는 기쁨, 분노, 절망, 수치심, 악의 및 사랑이 있습니다. 파도바의 스크로 베니 예배당에서 그렸던 그리스도의 생애와 성모의 생애의 벽화 싸이클은 서사 그림의 새로운 기준을 세웠습니다. 그의 Ognissanti Madonna는 Cimabue의 Santa Trinita Madonna와 같은 방에있는 Florence의 Uffizi Gallery에 머무르고 있으며, Duccio의 Ruccellai Madonna는 3 인의 스타일을 쉽게 비교할 수 있습니다. 지오토의 작품에서 분명히 드러난 특징 중 하나는 자연 주의적 관점에 대한 그의 관찰이다. 그는 르네상스의 전령으로 여겨진다.

조토의 동시대 인들
Giotto는 그에게 훈련되거나 영향을받은 동시대 인물이 많았으며 자연 관찰을 통해 비슷한 방향으로 이끌었습니다. 조토 (Giotto)의 학생들 중 몇 명이 그의 작품이 취한 방향을 동화했지만 그 누구도 성공하지 못했습니다. 타 데오 가디 (Taddeo Gaddi)는 플로렌스 산타 크로체 교회 (Baroncelli Chapel of Santa Croce)의 목자 (Shepherds)에 대한 성모 영보 대축일에 밤 장면의 첫 번째 큰 그림을 완성했습니다.

아시시의 성 프란시스 대성당 성당의 회화는이시기의 자연주의 회화의 예이며 종종 조토 자신에게 귀속되지만, 아마도 피에트로 카발리니 (Pietro Cavallini)를 둘러싼 예술가들의 작품 일 것입니다. 아시시의 낮은 교회, 마돈나와 성 프란시스의 시마 부에 의한 막달레시아 회화는 또한 자신의 패널 그림과 그의 이전 교회의 프레스코 화 유물보다 더 큰 자연주의를 분명히 보여준다.

사망과 구속
중세 교회 장식의 공통된 주제는 최후의 심판이었습니다. 최후의 심판은 서쪽 문 위의 조각 공간을 북유럽 교회에서 자주 차지하지만 Giotto의 Scrovegni Chapel과 같은 이탈리아 교회에서는 서쪽 벽에 그려져 있습니다. 1348 년의 흑사병 (Black Death of 1348)은 생존자들이 회개와 결근의 상태에서 죽음에 접근해야 할 필요성에 초점을 맞추게했습니다. 죽음의 필연성, 회개 한 자에 대한 보상 및 죄의 처벌은 수많은 고통스런 묘사와 지옥의 고통에 대한 그들의 초현실적 인 묘사로 주목할만한 여러 가지 프레스코 화에서 강조되었습니다.

여기에는 Giotto의 눈동자 Orcagna의 죽음의 승리, 산타 크로체 박물관의 단편적인 상태, 피사의 Camposanto Monumentale의 죽음의 승리 등이 포함됩니다. 미지의 화가, 아마도 Francesco Traini 또는 Buonamico Buffalmacco 구원의 주제에 관한 일련의 프레스코 화 중 세 가지. 이 프레스코 화가 언제 시작되었는지는 정확히 알 수 없지만 일반적으로 1348 년으로 추정됩니다.

2 개의 중요한 프레스코 화가는 Padua에서 14 세기 후반에, Altichiero와 Giusto de Menabuoi 활동적이었다. Giusto의 걸작 인 대성당 세례당 (Cathedral ‘s Baptistery)의 장식은 인류의 창조, 낙하, 구원을 주제로하고 있으며 작은 성벽에 희귀 한 종말주기가 있습니다. 전반적인 작업이 폭, 품질 및 손상되지 않은 상태에서 탁월한 반면, 인간 감정의 치료는 Padua의 Sant’Antonio 대성당에서 열린 Altichiero의 십자 훈장과 비교하여 보수적입니다. Giusto의 작업은 Altichiero가 그리스도의 죽음을 둘러싼 사건들을 훌륭한 인간 ​​드라마와 강렬함과 관련시키는 형식화 된 제스처에 의존합니다.

플로렌스의 산타 마리아 노벨 라 예배당 (Spanish Chapel of Santa Maria Novella)에서 안드레아 보나이티 (Andrea Bonaiuti)는 구속 과정과 특히 도미니카 교단의 교회의 역할을 강조하기 위해 위임 받았다. 그의 프레스코 인 Allegory of Active and Triumphant 교회는 다음 세기까지 건설되지 않은 돔으로 완성 된 피렌체 대성당의 묘사로 유명합니다.

국제 고딕
14 세기 후반에 International Gothic은 토스카나 그림을 지배하는 스타일이었습니다. 이것은 피에트로 (Pietro)와 앰 브로 지오 로렌 제티 (Ambrogio Lorenzetti)의 작품에서 어느 정도까지 볼 수 있습니다.이 작품은 피규어에서 정당화 된 단맛과 우아함을 특징으로하고, 고딕에서 늦은 고딕 양식의 우아함을 보여줍니다. 이 스타일은 우아함과 디테일이 풍부한 Simone Martini와 Gentile da Fabriano의 작품에서 완벽하게 개발되었으며, Giotto의 그림이 낯선 현실과 맞지 않는 이상적인 품질을 제공합니다.

15 세기 초, 인터내셔널 고딕과 르네상스 사이의 격차를 해소하는 Fra Angelico의 그림이 그중 많은 부분이 온도의 altarpieces이며, 정교함, 금박 및 화려한 색의 고딕 양식의 사랑을 보여줍니다. Fra Angelico가 자신에게 Giotto의 예술적 제자임을 보여준 것은 Sant ‘Marco 수녀원의 벽화에 있습니다. 수사들에 의해 거주되는 세포와 회랑을 장식하는이 경건의 그림들은 예수의 생애의 사건을 묘사합니다. 그 중 많은 장면이 십자가 처형의 장면입니다. 그들은 굳이 간단하고, 예술가가 영적 계시를 시각적 인 현실로 만들려고 노력하면서 색채와 강렬한 분위기로 제지되었습니다.

초기 르네상스 그림

플로렌스
피렌체에서 가장 초기의 진정한 르네상스 이미지는 1401 년부터 이탈리아에서 초기 르네상스 시대의 대명사였던 Quattrocento로 알려진 세기의 첫 해입니다. 이 날에는 도시에서 가장 오래된 남은 교회 인 성 요한의 세례당 (Baptistry of Bentesistry)을위한 한 쌍의 청동 문을 만드는 예술가를 찾기위한 경쟁이있었습니다. Baptistry는 Romanesque 스타일의 커다란 8 각형 건물로, 그 기원은 잊혀져 있었고 로마 시대부터 널리 알려졌다. 돔의 내부는 Coppo di Marcovaldo가 설계 한 것으로 생각되는 폐하의 그리스도의 거대한 모자이크 인물로 장식되어 있습니다. 그것은 세 개의 큰 포털을 가지고 있습니다. 그 중 하나는 그 당시 80 년 전에 Andrea Pisano가 창작 한 문으로 채워졌습니다.

Pisano의 문은 28 개의 quatrefoil 구획으로 나누어졌으며 세례 요한의 생애의 이야기 장면이 포함되어 있습니다. 7 명의 젊은 예술가가 있던 경쟁자는 Isaac의 희생을 대표하는 유사한 모양 및 크기의 청동 색위원회를 디자인하기 위하여 각각이었다.

패널 중 두 명은 로렌조 지 베르 티 (Lorenzo Ghiberti)와 브루넬레스키 (Brunelleschi)에 의해 살아 남았다. 각 패널은 그 당시 예술과 철학이 움직이는 방향을 나타내는 강하게 고전적인 모티프를 보여줍니다. 기 베르 티 (Ghiberti)는 이삭의 적나라한 모습을 사용하여 고전 스타일의 작은 조각품을 만들었습니다. 그는 고대 로마 예술에 대한 참고서이기도 한 아칸 서스 두루마기로 장식 된 무덤에 무릎을 꿇습니다. 브루넬레스키 (Brunelleschi)의 패널에서이 장면에 포함 된 추가 인물 중 하나는 그의 발에서 가시가 나는 소년의 유명한 로마 청동 그림을 연상시킨다. 브루넬레스키의 창조는 역동적 인면에서 도전적입니다. 기 베르 티 (Ghiberti)보다 우아하지 만 인간 드라마와 임박한 비극이 더 중요합니다.

Ghiberti가 경쟁에서 우승했습니다. 그의 첫 번째 침례교 문 집합은 27 년이 걸렸으며, 그 후에 그는 다른 문명을 짓도록 위임 받았다. 지 베르 티 (Ghiberti)가 작업 한 총 50 년 동안이 문은 피렌체의 많은 예술가들에게 훈련의 장을 마련해주었습니다. 피사체에 서술을하고 비 유적 구성을 배치하는 기술뿐만 아니라 선형 적 관점의 급성장하는 기술을 사용하여 문은 피렌체 회화의 발전에 막대한 영향을 주어야했다. 그것들은 도시와 예술가 모두에게 자부심과 우애의 원천 인 통합 요소였습니다. 미켈란젤로는 그들을 낙원 천국이라고 불렀습니다.

브랑 카치 예배당
1426 년 두 명의 예술가가 Florence의 Carmelite 교회에서 Brancacci 가족의 예배당에서 성 베드로의 생애에 대한 프레스코 회화를 그리기 시작했습니다. 그들은 둘 다 Tommaso라는 이름으로 불려졌고 Masaccio와 Masolino, Slovenly Tom과 Little Tom으로 별명을 붙였습니다.

다른 어떤 예술가보다도 Masaccio는 Giotto의 작업에서 의미를 인식했습니다. 그는 자연에서 회화의 관행을 이어 나갔다. 그의 회화는 해부학, 단축화, 직선적 인 관점, 빛에 대한 이해와 공공에 대한 연구를 보여줍니다. 그의 작품들 가운데 아담과 이브가 아치의 측면에 채색되어있는 이덴에서 추방 된 인물들은 인간의 형태와 인간의 감정을 현실적으로 묘사 한 것으로 유명합니다. 그들은 금단의 열매를 맺은 아담과 이브의 반대편에있는 마 솔리 노가 그린 상냥하고 예쁜 인물과 대조를 이룹니다. Branaccacci Chapel의 그림은 Masaccio가 26 세에 죽었을 때 불완전한 상태로 남았습니다.이 작품은 Filippino Lippi가 나중에 완성했습니다. Masaccio의 작품은 Leonardo da Vinci와 Michelangelo를 비롯한 많은 화가에게 영감의 원천이되었습니다.

선형 원근감 개발
15 세기 전반기에 직선적 인 관점을 취함으로써 회화에서 현실적인 공간의 효과를 얻는 것은 많은 화가들의 주된 관심사였으며 건축가 인 Brunelleschi와 Alberti는 모두 주제에 관해 이론화했다. 브루넬레스키는 피렌체 대성당 밖에서 피아자와 팔각형 종탑에 대한 많은 연구를 한 것으로 알려졌으며 산타 마리아 노벨 라에서 그렸던 성삼위 (Holy Trinity) 주변의 유명한 트롬프 오일 틈새 (trompe l’ oeil niche)를 만드는 데 도움을 준 것으로 생각됩니다.

바사리 (Vasari)에 따르면, 파올로 우 첼로 (Paolo Uccello)는 매우 다른 관점에 집착하여 많은 그림에서 실험했으며 가장 잘 알려진 것은 산 로마노 (San Romano)의 3 가지 전투 사진이 지상에서 파손 된 무기를 사용하고 멀리 떨어진 언덕 관점의 인상을 준다.

1450 년대 피에로 델라 프란체스카 (Piero della Francesca)는 그리스도의 고향 (The Flagellation of Christ)과 같은 회화에서 직선적 관점과 빛의 과학에 대한 숙달을 보여주었습니다. 브루넬레스키 (Brunelleschi)가 해왔 던 일종의 실험을 보여주는 미지의 예술가 피에로 델라 프란체스카 (Piero della Francesca)에 의해 도시 풍경이 그려져있다. 이 시점에서 시스 티나 예배당의 성 베드로에게 열쇠를 주신 그리스도의 페루 기노 (Perugino)와 같이 직선적 인 관점이 이해되고 정기적으로 채택되었습니다.

빛의 이해
Giotto는 음조를 사용하여 양식을 만들었습니다. Baroncelli 채플에있는 그의 야간 장면에서 Taddeo Gaddi는 빛이 드라마를 만드는 데 사용될 수있는 방법을 보여주었습니다. 100 년 후 파올로 우 첼로 (Paolo Uccello)는 그의 거의 단색의 벽화에서 빛의 극적인 효과를 실험했다. 그는 테라 베르드 (terra verde) 또는 “그린 흙 (green earth)”에서 이들 중 다수를 수행하여 주홍색의 촉감으로 작곡을 활발하게했습니다. 가장 잘 알려진 것은 그의 피렌체 대성당 벽에 존 호크 우드의 초상화입니다. 여기 대성당의 내부 시계 벽 주위에 그려진 선지자 네 명 머리에 그는 강렬하게 대조되는 색조를 사용하여 각 광원이 자연광에 의해 켜져 있다는 것을 암시했다. .

Piero della Francesca는 빛에 대한 그의 연구를 계속했습니다. Flagellation에서 그는 빛이 원점에서 비례 적으로 전파되는 방법에 대한 지식을 보여줍니다. 이 그림에는 두 개의 빛 소스가 있습니다. 하나는 건물의 내부 조명이고 다른 하나는 외부 조명입니다. 내부 소스 중에서 빛 자체는 보이지 않지만 그 위치는 수학적 확실성으로 계산할 수 있습니다. Leonardo da Vinci는 Piero의 연구를 빛으로 이끌었다.

마돈나
축복받은 동정녀 마리아는 전세계 가톨릭 교회가 존경하며 특히 피렌체에서 생겨 났으며 옥수수 시장의 한 기둥에 그녀의 기적적인 이미지가 있었으며 “꽃의 성모”대성당과 큰 도미니카 성당 산타 마리아 노벨 라 (Santa Maria Novella) 교회가 그녀의 영예에서 지명되었습니다.

이탈리아의 다른 지역에서 초기 르네상스 그림

파도바와 만 투아에있는 안드레아 만테 그나
북부 이탈리아에서 가장 영향력있는 화가 중 한 명은 파도바의 안드레아 만테 냐 (Andrea Mantegna)였습니다. 그는 큰 피렌체 조각가 인 도나 텔로가 그곳에서 일했던 10 대 후반에있을 행운이있었습니다. 도나 텔로 (Donatello)는 로마 제국 이후 최초로 거대한 승마 용 청동 (the bronze)을 만들었는데, Gattemelata condotiero가 여전히 Sant’Antonio 대성당 바깥 광장에 있습니다. 그는 또한 높은 제단에서 일하며 일련의 청동 판넬을 만들었습니다.이 판넬은 건축 적 배경과 관점에서 볼 때 매우 얕은 안도감으로 인간 형상의 뚜렷한 원형을 가진 깊이있는 환상을 만들어 냈습니다.

페라라의 Cosmè Tura
Mantegna가 Mantua에서 Gonzagas를 위해 일하는 동안, 매우 다른 화가가 Ferrara의 Este 가족을위한 더욱 야심 찬 계획을 디자인하기 위해 고용되었습니다. Cosmè Tura의 그림은 매우 독특합니다. 이상하게도 고딕과 동시에 Classicising입니다. Tura는 고전적인 인물들이 마치 성자 인 것처럼 초현실적 인 완전성을 지닌 빛나는 상징적 인 모티프로 그들을 둘러싼 다. 그리고 그 옷은 복잡하게 접히고 에나멜 처리 된 구리로 만들어진 것으로 보인다.

안토 넬로 다 메시나
1442 년 Alfonso V의 Aragon이 나폴리의 통치자가되어 플랑드르의 그림을 수집하고 Humanist Academy를 ​​설립했습니다. 화가 인 안토 넬로 다 메시나 (Antonello da Messina)는 얀 반 아이크 (Jan van Eyck)의 작품을 포함 할 수도있는 왕의 콜렉션에 접근 한 것으로 보인다. 그는 피렌체보다 빠른시기에 플랑드르 회화에 노출되어 매체의 유력을 신속하게 파악한 다음 다른 어떤 것도 그렸습니다. 그는 그 기술을 북쪽 베니스로 옮겨 조반니 벨리니 (Mario Giovanni Bellini)가 곧 입양했으며 프레스코 화가 결코 큰 성공을 거두지 못한 해양 공화국의 선호 매체가되었습니다.

높은 르네상스

후원과 휴머니즘
피렌체에서는 15 세기 후반에 대부분의 예술 작품이 교회 장식용으로 제작되었지만 일반적으로 개인 후원자들에 의해 위임 받았다. 후원의 다량은 Sassetti, Ruccellai 및 Tornabuoni와 같은 Medici 가족, 또는 그 (것)들과 가깝게 연관되거나 관련되었던 그들에서왔다.

플랑드르 영향
플랑드르 화가 인 Rogier van der Weyden이 이탈리아에 도착했을 때, 아마도 1450 년경부터 예술가들은 오일 페인트의 매체에 소개되었습니다. 온도와 프레스코는 모두 패턴 묘사에 도움이되었지만 자연스러운 질감을 현실적으로 표현하는 성공적인 방법을 제시하지 못했습니다. 매우 유연하게 불투명하게 만들어 졌던 오일은 불투명하거나 투명해질 수 있었고, 규정 된 후 며칠 동안 변경과 추가가 가능하여 이탈리아 예술가들에게 새로운 가능성을 열어주었습니다.

교황 수탁자
1477 년 교황 식스 투스 4 세는 교황청에서 많은 예배가 열린 바티칸에서 버려진 예배당을 대체했다. 그의 명예에있는 Sistine 채플이라고 지명 된 새로운 채플의 내부는, 그 (것)들의 위 교황의 일련의 초상화을 그린 중간 수준에 그것의 pilasters 사이 시리즈의 16의 큰 벽화를 처음부터 계획하기 위하여 계획되는 것처럼 보인다.

레오나르도 다빈치
레오나르도 (Leonardo)는 자신의 관심 분야와 다양한 분야에서 뛰어난 재능을 보여 주었기 때문에 전형적 르네상스 인물로 간주됩니다. 그러나 그는 화가로서 가장 먼저 자신의 시간에 감탄했고, 화가로서 그는 자신의 다른 모든 관심사에서 얻은 지식을 끌어 냈습니다.

미켈란젤로
1508 년 교황 율리우스 2 세 (Julius II)는 조각가 미켈란젤로 (Michelangelo)가 시스틴 예배당 (Sistine Chapel)의 장식 구성을 계속하는 것에 동의하게했다. 시스틴 예배당 천장은 십이 사도를 칠하기에 이상적인 표면을 형성하는 금고를지지하는 12 개의 경 사진 펜던트가있는 방식으로 지어졌습니다. 작은 은혜로 교황의 요구에 굴복 한 미켈란젤로는 곧 디자인과 도상학에서 훨씬 더 복잡한 완전히 다른 계획을 고안했습니다. 그가 수동적 인 도움을 제외하고는 한 손으로 수행 한 작업의 규모는 거대했고 거의 완성하는데 거의 5 년이 걸렸다.

라파엘
Leonardo da Vinci와 Michelangelo와 함께 Raphael의 이름은 Michelangelo보다 18 세, Leonardo가 30 세보다 젊지 만 높은 르네상스의 대명사입니다. 그의 두 유명한 동시대 인으로 회화의 모습을 크게 발전시킨 것은 그에게 말할 수 없습니다 그랬어. 오히려 그의 작품은 르네상스 시대의 모든 발전의 절정이었습니다.

베니스의 높은 르네상스 그림

조반니 벨리니
지오바니 벨리니 (Giovanni Bellini)는 그의 동생 이방인 (Gentile), 그의 처남 인 만테 뉴 (Mantegna)와 안토 넬로 다 메시나 (Antonello da Messina)와 정확히 일치했다. 그의 형제의 스튜디오에서 그의 삶의 대부분을 일했으며, Mantegna의 파삭 파삭 한 스타일에 크게 영향을받은 그는 50 대 후반이 될 때까지 독립적으로 서명 된 그림을 제작 한 것으로 보이지 않습니다. 그의 생애의 지난 30 년 동안 그는 놀랍게도 생산적이었고 영향력이 있었으며 Giorgione과 Titian의지도를 받았다. 벨리니 (Bellini)는 그의 젊은 현대 미술품 인 라파엘 (Laphael)과 마찬가지로 피렌체 (Castor)의 피아니스트보다 더 강렬한 색조의 화려한 작은 마돈나 (Madonnas)를 제작했습니다. 이 Madonnas는 큰 Bellini 스튜디오의 다른 멤버 인 하나의 작은 그림 인, The Circumcision of Christ가 4-5 개의 거의 동일한 버전으로 존재하여 재현됨에 따라 다산 적으로 늘어났습니다.

조르지오네와 티치아노
Giorgione의 그림이 Giovanni Bellini의 주인 인 Giovanni Bellini의 그림과 분명히 관련되어 있지만 그의 주제는 그를 르네상스의 가장 독창적이고 난해한 예술가 중 하나로 만든다. 그의 그림 중 하나 인 The Tempest로 알려진 풍경, 아기에게 먹이를주는 반쯤 벗은 여자, 옷을 입은 남자, 고전적인 기둥과 번개가 번쩍 들었을 때, 아마도 에덴 동산에서의 아담과 이브, 그렇지 않습니다. 그에게 귀착되고 전통적으로 세 명의 철학자로 알려진 또 다른 그림은 동방 박사를 유아 그리스도를 찾아 여행 계획을 세우는 것을 나타낼 수도 있지만 이것은 확실하지 않습니다.

이탈리아 르네상스 그림의 영향
미켈란젤로와 티티 안의 삶은 16 세기 후반으로 확장되었습니다. 두 사람은 레오나르도, 만테크나, 지오반니 벨리니, 안토 넬로 다 메시나, 라파엘로의 스타일을 나중에 화가들이 매너리즘으로 알려진 이질적인 스타일을 형성하도록 조정하고 바로크 시대의 위대한 풍성한 상상력과 회화 적 기교로 꾸준히 나아갔습니다.

티치아노의 큰 비유적인 작곡의 경향을 가장 확장 한 예술가는 틴트 렛토 (Tintoretto)이지만 개인적인 태도는 티티 아니의 견습생으로 9 일간 계속되는 것이었다. 렘브란트의 티티 안과 라파엘의 작품에 대한 지식은 그의 초상화에서 분명합니다. 레오나르도와 라파엘이 학생들에게 직접적인 영향을 미쳤다는 것은 18 세기와 19 세기의 고전 화가 학교 인 푸신 (Poussin)을 비롯한 여러 세대의 예술가들에게 영향을 미쳤다. Antonello da Messina의 작품은 Albrecht Dürer와 Martin Schongauer 그리고 20 세기 초 독일과 네덜란드, 영국의 스테인드 글라스 제작사를 포함한 수많은 예술가들의 조각상을 통해 직접적인 영향을 받았다.

미켈란젤로의 시스틴 예배당 천장 이후 라스트 판트 (Last Judgment)는 라파엘과 그의 제자들의 비유적인 작곡에 직접적인 영향을 주었고, 그 후 거의 모든 후속 16 세기 화가는 인간의 형상을 묘사하는 새롭고 흥미로운 방법을 찾았다. Andrea del Sarto, Pontormo, Bronzino, Parmigianino, Veronese, el Greco, Carracci, Caravaggio, Rubens, Poussin, Tiepolo 등의 19 세기 고전 화가들과 낭만주의 화가들에게 비 유적 작곡 스타일을 추적하는 것이 가능하다. Jacques-Louis David와 Delacroix.

이탈리아 르네상스 그림의 영향을 받아 로얄 아카데미와 같은 많은 현대 미술 학원이 세워졌으며 특별히 이탈리아 르네상스 작품을 수집하여 세계에서 가장 잘 알려진 미술 컬렉션 중 일부 런던의 갤러리 (Gallery)가 결성되었습니다.