Escultor renascentista italiano

A escultura renascentista é enquadrada no período entre as primeiras décadas do século XV e meados do século XV, aproximadamente. A escultura foi, também no período da Renascença, uma arte de ponta, que muitas vezes agia como um pioneiro para a pintura e outras formas artísticas. Entre os “pioneiros” florentinos da Renascença, dois eram escultores (Filippo Brunelleschi e Donatello) e suas conquistas foram uma fonte duradoura de inspiração para as gerações seguintes. Com a viagem de Donatello a Pádua (1443-1453), as conquistas do Renascimento começaram a se espalhar também no norte da Itália. Em meados do século XV, Roma, centro de atração pelos seus restos clássicos e pelo vasto programa de restauração e reconstrução monumental da cidade promovido pelos papas, tornou-se o principal ponto de encontro e intercâmbio de experiências artísticas, que culminaram no início da décadas do século XVI na Renascença romana.

As principais características da escultura renascentista italiana foram a sua definição como uma das formas de adquirir conhecimento e como instrumento de educação ética do público, e sua preocupação em integrar a oposição entre o interesse pela observação direta da natureza e os conceitos estéticos idealistas. desenvolvido pelo humanismo. Numa época em que o homem foi colocado no centro do universo, sua representação também assumiu um papel central, com a conseqüência de florescer os gêneros do nu artístico e do retrato, que desde o fim do Império Romano haviam caído no esquecimento. O tema mitológico também foi retomado, um corpo de teoria foi estabelecido para legitimar e guiar a arte do período, e a ênfase foi colocada na estreita associação entre o conhecimento teórico e uma rigorosa disciplina do trabalho prático como a ferramenta indispensável para a criação de um obra de arte especializada. A escultura do renascimento italiano em suas três primeiras fases foi dominada pela influência da escola toscana, cujo foco era Florença, então o maior centro cultural italiano e uma referência para todo o continente europeu. A fase final foi liderada por Roma, na época engajada em um projeto de afirmação da universalidade da autoridade do papado como herdeira de São Pedro e do Império Romano.

Principais representantes

Jacopo della Quercia
Jacopo della Quercia (Siena, 1374 – Bolonha, 1438) foi o maior representante da escola de escultura de Siena e um dos mestres mais originais do início do século XV, influenciando Michelangelo e vários outros. Foi de uma família de artistas. Em c. 1406 produziu o túmulo de Ilaria del Carretto na Catedral de Lucca, que sobrevive apenas em parte, e em 1408 uma estátua da Madonna e do Menino Jesus em Ferrara. Um ano depois, ele recebeu a ordem para uma grande fonte pública em Siena, a conhecida Fonte de Gaia, e ao mesmo tempo se envolveu em uma grande ordem para Lucca, uma estátua de um apóstolo, um altar e uma tumba, bem como como relevos para uma fonte em Siena. A quantidade de trabalho fez com que ele entregasse várias peças aos assistentes. Sua principal obra foi o alívio do portal da Basílica de São Petrônio, em Bolonha, cujo vigor o levou a ser comparado com as conquistas de Masaccio na pintura da figura humana. Em 1435 ele foi nomeado arquiteto-chefe da Catedral de Siena.

Lorenzo Ghiberti
Lorenzo Ghiberti (Florença, 1378-1455) foi educado como ourives e pintor e, em 1400, deixou Florença para trabalhar em Pesaro. Sabendo que Florença havia aberto em 1401 um concurso público para a realização do segundo par de portas de bronze do Batistério de São João, ele retornou imediatamente para lá. A prova foi a criação de um painel representando o Sacrifício de Isaac, competindo com ele mais seis artistas. Ele ganhou a competição, o que lhe trouxe fama imediata, mas o trabalho levaria mais de vinte anos para ficar pronto. Neste mesmo período, trabalhou em vitrais na Catedral, projetou túmulos e relevos em Florença e Siena, atuou como consultor de arquitetura e preparou um São João Batista (1416) que foi a primeira estátua de bronze em tamanho acima do natural para ser fundido desde a antiguidade, e o primeiro nesta escala em Florença. O sucesso técnico e estilístico do empreendimento valeu mais duas ordens semelhantes, uma de São Mateus (1419) e outra de Santo Estevão para Orsanmichele (1425). Ambas as portas e estas estátuas revelam ainda ligações com o estilo gótico. Naquela época, ele administrava uma grande oficina, casando-se, enriquecendo-se, entrando para a alta sociedade, sendo considerado o principal artista de Florença e não conseguia lidar com tantas encomendas. Através de sua oficina eles passaram como futuros mestres aprendizes, como Donatello, Paolo Uccello, Michelozzo e Benozzo Gozzoli. Aparentemente ele era um professor liberal e interessado no progresso de seus alunos, e ele não escondeu seu conhecimento. Ele finalmente terminou as portas do Batistério em 1424, que são o mais importante conjunto escultórico do gótico internacional, e foram muito apreciados em seu tempo. Os últimos painéis dessas portas já indicam uma mudança de estilo e mostram a influência de Alberti, de quem ele havia se tornado amigo, e um estudo mais profundo da arte clássica, já trabalhando com o princípio da perspectiva.

Sua fama repousa principalmente no terceiro grupo de portas, as célebres Portas do Paraíso, criadas entre 1425 e 1452 e elogiadas por Michelangelo. Ao contrário das primeiras portas, cujos painéis deixam o fundo suave, o segundo grupo trata o espaço em baixos relevos de caráter pictórico, com definição eficiente de planos e perspectivas, e criando um espaço paisagístico povoado por várias figuras e prédios. Hartt disse que a influência das idéias de Alberti é tão profunda que as portas são uma exposição sistemática e completa de suas teorias. Cada porta tem cinco grandes painéis com cenas do Antigo Testamento, cercados por um friso de pequenas estátuas, motivos ornamentais e pequenos medalhões contendo bustos, incluindo um auto-retrato. O conjunto constitui uma das realizações mais significativas da escultura renascentista.

Nanni di Banco
Nanni di Banco (Florença, 1384/90 – 1421) foi um adepto de primeira linha dos ideais classicistas e, em sua fase final, desenvolveu um estilo menos formalista que teve grande influência sobre seus sucessores. Treinado por seu pai, também escultor, funcionário da Catedral de Florença, sua primeira ordem foi para a Catedral, uma estátua de Isaías. Entre 1411 e 1413 ele criou um grupo escultural, os Quatro Santos Coroados, para a guilda de Orsanmichele onde ele resolveu um dos problemas técnicos mais difíceis com os quais os escultores de sua geração enfrentaram, a representação de várias figuras juntas em forma completa dentro de uma nicho. Embora traços góticos ainda apareçam nesta obra, no tratamento de fantasias, nas cabeças e na impressão geral se assemelha à estatuária romana. Ele conseguiu manter o grupo formalmente coeso através de uma sábia delineação de planos internos e relacionamentos em suas atitudes, fazendo com que os números parecessem estar todos envolvidos em conversas. Seu último trabalho foi um alívio para uma das portas da catedral, iniciada em 1414, deixada incompleta, possivelmente completada por Luca della Robbia, então seu discípulo. Ele também criou outras estátuas de santos e profetas.

Donatello
Donato di Niccolò di Betto Bardi, conhecido como Donatello (Florença, 1386/87 – 1466), era filho de um cardador de lã; pouco se sabe sobre sua vida. Ele era um amigo de humanistas e registros de período como um conhecedor da arte clássica. Ele começou como aprendiz de pedreiro e por volta de 1404-1407 se juntou como discípulo de Ghiberti. Em seus anos de formação ainda não havia uma quantidade muito expressiva de obras antigas, e assim suas primeiras criações ainda trazem uma forte marca gótica, mas a primeira grande composição de sua autoria, uma São Jorge (c.1415) criada para o A guilda de Orsanmichele, já revela um sólido conhecimento da anatomia humana, e distingue-se de tudo o que foi produzido anteriormente na tensão manifesta em sua postura, no teste de caracterização psicológica de sua face, em seu manejo dos planos estruturais, em a força e autonomia de sua “presença” e na sutileza de sua técnica escultórica. No relevo sob o nicho onde a estátua foi instalada, Donatello introduziu inovações que tiveram uma grande repercussão na arte florentina posterior, criando um relevo bastante superficial onde a delicada sugestão de planos e figuras cria uma perspectiva eficiente de profundidade e efeitos sutis de luz e sombra , aproximando-o mais do caráter da pintura respeitando a integridade da superfície plana. Os melhores exemplos neste gênero são os relevos da Ascensão de Cristo e da Festa de Herodes, celebrada entre c.1420 e 1437. As mesmas qualidades de São Jorge foram expressas com força ainda maior na série de cinco profetas que foram instalados em nichos no campanário da Catedral de Florença, dos quais Habacuc é considerado uma das suas obras-primas. Seu aspecto realista e intensamente expressivo aproxima-os do retrato romano. Por volta de 1420, ele também trabalhou em bronze, criando uma bela St. Louis de Toulouse (c. 1423), e nesse tempo estabeleceu uma parceria limitada com Michelozzo, criando obras para eleNaples e Prato. Autonomamente ele fez várias peças para Siena, aparentemente influenciadas pela escultura etrusca. Entre 1430 e 1433 ele esteve em Roma, onde estudou as antigas relíquias, cujo fruto em seu retorno foi um tabernáculo e um coro contra a Basílica da Santa Cruz, que exibe um repertório de formas classicistas grandemente ampliadas. Até 1443, ele trabalhou para os Medici, produzindo a decoração da antiga sacristia da Basílica de São Lourenço, incluindo dez grandes relevos coloridos em estuque e duas portas de bronze com figuras de apóstolos e santos de intenso dinamismo. Neste período elaborou por volta de 1440 seu célebre David, a primeira estátua de uma grande figura nua e cheia desde a antiguidade. As proporções perfeitas e a tranquilidade de sua atitude fazem dele o mais clássico de todos os trabalhos do autor.

Entre 1443 e 1453 trabalhou em Pádua, criando uma estátua equestre do condado de Erasmo da Narni, apelidada de Gattamelata, também uma reinterpretação de padrões clássicos, inspirada no famoso monumento a Marco Aurélio que conhecera em Roma, eliminando detalhes supérfluos e concentrando sobre o princípio do herói ideal, estabelecendo um paradigma para a representação equestre que continuou válido nos séculos vindouros. Sua longa presença em Pádua estimulou a formação de uma próspera escola de bronze local e as obras que produziu para a Basílica de Santo Antônio de Pádua, incluindo um grande crucifixo e o altar mais ambicioso do europeu do século XV – agora reconstruído de outra forma – que consistia em um conjunto de 21 relevos em bronze, um grande relevo em pedra e sete estátuas em tamanho real, influenciou gerações de pintores e escultores do norte da Itália. Em seu retorno a Florença, ele criou um São João Batista para Veneza e uma Santa Maria Madalena em madeira policromada para o batistério local, de expressividade pungente, afastando-se do equilíbrio e da sobriedade da tradição classicista. O estilo duro e dramático dessas peças foi um choque para os florentinos, que estavam inclinados a uma estética mais suave e, nesse estágio, suas principais ordens vinham de fora. Entre eles, um São João Batista e um par de portas de bronze para a Catedral de Siena, dos quais apenas dois painéis foram executados. Ele foi novamente empregado pelos Medici e seus últimos anos de vida foram gastos criando dois púlpitos, um com o tema da Ressurreição e outro da Paixão de Cristo, para São Lourenço, que não foi completamente terminado, mas que estão entre os seus mais composições pesadamente carregadas de conteúdo espiritual. Donatello também deve a elaboração do tipo putto, uma espécie de gênio com a forma de uma criança pequena, alada ou não, que se tornou um motivo decorativo de sucesso imediato e ampla disseminação.

Luca della Robbia
Luca della Robbia (Florença, 1399 – 1482) foi educado em escultura de mármore, e em 1431 ele começou seu trabalho mais importante, uma varanda para o coro da Catedral de Florença, com dez painéis de relevo mostrando cenas de crianças cantando, dançando e tocando vários musicais instrumentos. Seu sucesso foi imediato, dado o eficiente naturalismo e a atmosfera de júbilo e inocência das cenas. Ele então montou um tabernáculo para uma capela em Florença e, por volta de 1440, começou a pesquisar sobre a terracota que o levou a descobrir uma técnica de vitrificação, permitindo-lhe obter superfícies coloridas vivas que não desbotavam e eram impermeáveis ​​à água. eles para ser instalado ao ar livre. Sua primeira composição documentada nesta técnica foi um medalhão com o tema da ressurreição para a antiga sacristia da Catedral, de c. 1442. Começou então a dedicar-se quase exclusivamente a este modo de escultura, recebendo ordens para um grande número de peças em Florença e em várias outras cidades, como Pescia e Urbino. Mesmo assim, na década de 1450, ele fez outra grande obra de mármore, a Tumba de Benozzo Federighi, bispo de Fiesole, na Igreja da Santíssima Trindade em Florença.

Bernardo Rossellino
Bernardo Rossellino (Settignano, 1409 – Florença, 1464), formado por Filippo Brunelleschi e influenciado por Luca della Robbia e Ghiberti, era membro de uma família de escultores, um classicista moderado e um dos grandes mestres da escultura funerária, além de ser notável arquiteto e urbanista. Sua obra-prima é o túmulo de Leonardo Bruni (1444-50) em Santa Cruz, que inaugurou um novo tipo de monumento funerário e está entre as maiores realizações do seu gênero renascentista, tornando-se um protótipo amplamente imitado, estabelecendo um bom equilíbrio entre escultura e arquitetura , figuração e decorativismo. Outras obras importantes foram o Túmulo de Orlando de Médici (1456-57) e o Túmulo da Beata Villana delle Botte (1451-52), ambos em Florença.

Antonio Rossellino
Antonio Rossellino (Settignano, 1427 – Florença, 1479) foi um notável escultor e arquiteto, irmão mais novo de Bernardo, de quem recebeu instrução e influência, e a quem ajudou como aprendiz em várias obras. Ele era um mestre no retrato, deixando várias peças de grande qualidade neste gênero, como as de Giovanni Chellini (1456) e Matteo Palmieri (1468), com um estilo realista realista. Sua melhor obra é a grande coleção do Túmulo do Cardeal de Portugal (c.1460), em St. Miniato al Monte, nos arredores de Florença, com uma combinação complexa de arquitetura, escultura e pintura. Ele teve a ajuda de vários colaboradores, mas a identidade estilística de Hartt Antonio continua dominante. Representou uma evolução significativa no conceito de um monumento funerário, dando-lhe muito maior dinamismo e unidade, com uma forte caracterização no retrato do falecido, sendo um dos melhores exemplos do género ao longo do século XV. Também deixaram várias Madonas e outro monumento importante para Filippo Lazzari (1464).

Mino da Fiesole
Mino da Fiesole (Poppi, Florença, 1429 – Florença, 1484) possivelmente foi treinado por Antonio Rossellino em Florença, e passou grande parte de sua carreira em Roma, onde estudou a antiga estatuária, concentrando-se nos retratos. Lá ele realizou monumentos fúnebres para vários cardeais e para o papa Paulo II. Embora sua técnica não seja brilhante, ele adquiriu sua fama com retratos, um gênero em que ele foi um dos primeiros a se especializar, deixando notáveis ​​composições nos retratos de Pedro de Médici, Niccolò Strozzi, Astorgio Manfredi, Rinaldo della Luna e Diotisalvi Neroni. , entre outros.

Desiderio da Settignano
Desiderio da Settignano (Settignano, c.1430 – 1464) nasceu em uma família de pedreiros. Pouco se sabe sobre sua educação, mas deve ter sido influenciado por Donatello. Desenvolveu um estilo de grande suavidade, requinte e sensualidade sublimada, expressa em retratos de mulheres, demonstrando uma grande capacidade de expressar sentimentos que vão da melancolia à alegria. Seus baixos-relevos evidenciavam seu domínio da perspectiva e efeitos sutis de luz e sombra, e sua qualidade técnica e estética não tinha rivais em sua geração. Ele também se tornou hábil nos retratos de crianças e em peças devocionais da Madonna e do Menino Jesus. Ele também deixou dois grandes monumentos em Florença, Túmulo de Carlo Marsuppini na Basílica da Santa Cruz (c.1453-55) e Tebernáculo do Sacramento na Basílica de São Lourenço (1461), ambos de especial importância para a evolução posterior de a escultura em seus gêneros, com planos de perspectiva nas costas dos relevos e uma modelagem de figuras que enfatiza os contornos e trata os vestidos com elegância e fluência para sugerir anatomia e movimento. O tratamento das superfícies também é diferente, com um cetim polido que empresta uma aura de doçura aos personagens.

Francesco Laurana
Francesco de la Vrana, conhecido como Francesco Laurana (Vrana, então parte da República de Veneza, c.1430 – Avignon, c.1502), escultor e medalhista, foi um dos iniciadores do estilo renascentista na França. A primeira parte de sua vida é obscura, e as primeiras notícias que aparecem sobre ele remontam aos anos 1450, quando ele foi contratado por Alphonse II de Aragão para criar um arco triunfal em Castel Nuovo, em Nápoles. Entre 1461 e 1466 trabalhou para Renato I de Nápoles, para quem criou medalhas, e em 1468 estava na Sicília, passando seus últimos anos viajando entre a Sicília, Nápoles e o sul da França. Deixaram vários Madonnas e retratos de mulheres, das quais Battista Sforza é famoso, cuja delicadeza e sofisticação fazem deles espelhos da cultura cortesana da época, caracterizada pela busca pela elegância e distanciamento aristocrático e pela economia formal e reserva, descartando detalhes e criando formas que se aproximam da abstração geométrica, além de realizá-las com grande expertise técnica.

Andrea do Verrocchio
Andrea di Francesco di Cione, mais conhecido como Andrea del Verrocchio (Florença, 1435 – Veneza, 1488) foi o filho de um oleiro, e durante a sua infância a família sofreu com a pobreza. A tradição diz que ele foi treinado por um ourives chamado Giuliano Verrocchi, de quem ele teria adotado o sobrenome. Por volta de 1460, ele começou a estudar pintura, talvez como um aluno de Alesso Baldovinetti e Filippo Lippi, sendo um colega de Botticelli. Alguns anos depois, com a morte de Donatello, que era o favorito dos Medici, ele assumiu seu lugar como protegido, produzindo para eles pinturas e esculturas, assim como desenhos para decorações, vestimentas e armaduras. Um construtor conservador das coleções antigas da família, ele restaurou muitos bustos romanos e estátuas. Então sua fama começou a se espalhar, abriu uma grande oficina que atraiu muitos discípulos, entre eles Leonardo da Vinci e Perugino, e foi uma influência para Benedetto da Maiano e Botticelli. Apesar de sua fama como pintor e sua produção, que deve ter sido significativa, hoje quase nada pode ser atribuído a ele com certeza. Ele dedicou-se mais fortemente à escultura, mas também neste campo suas obras autenticadas, embora em maior número, ainda são poucas.

Sua primeira grande encomenda foi uma tumba para Pedro e João de Médicis, na antiga sacristia de São Lourenço, concluída em 1472, que impressiona pela originalidade de seu design e seu uso inspirado de mármores coloridos e pórfiro combinados com rica ornamentação de bronze. Ele então fez uma estatueta, Menino com um Golfinho, para uma fonte em Villa Medicea di Careggi, que revela o seu interesse no movimento, sendo importante na evolução da forma espiral conhecida como figura serpentina, a forma preferida no Maneirismo. Sua reputação como um dos grandes escultores de baixo-relevo do século XV estabeleceu-se com o Cenotáfio do Cardeal Niccolò Forteguerri para a Catedral de Pistoia, iniciada em 1476 mas nunca concluída, sendo concluída somente após sua morte. Embora sua concepção original tenha sido modificada por outros artesãos, permanece como um testemunho confiável de sua grande habilidade tanto na composição de um conjunto de efeitos teatrais, que antecipou as soluções do barroco, como no desenho unificado e dinâmico das cenas. nos relevos e no acabamento técnico impecável. Na técnica de baixo-relevo, ele também deixou um painel representando a derrota de São João Batista, a Catedral de Florença (1480) e uma Madona para um hospital (c.1477). Naquela época produziu dois bustos, o Retrato de Juliano de Médici, de grande realismo, e a Dama com buquê de flores, onde criou um novo tipo de busto, que incluía os braços da figura. A escultura mais importante que ele criou para Florença foi possivelmente o grupo de Cristo e São Tomás, ambientado em Orsanmichele (1467-83), notável por sua perfeição técnica e pela solução original de composição no espaço estreito do nicho. Em 1483, a pedido de Veneza, ele viajou para lá para criar um grande monumento equestre para celebrar o condottiero Bartolomeo Colleoni, de grande presença cênica, claramente inspirado no trabalho de Donatello, mas superando-o em dinamismo e a impressão de força e decisão . É ao lado do trabalho de Donatello o monumento mais importante em seu gênero do Renascimento, e foi muito influente sobre os escultores barrocos, e até mesmo o neoclássico e romântico. No entanto, tendo terminado o modelo, ele morreu antes de lançar o trabalho. O acabamento foi confiado a Alessandro Leopardi, cuja participação no resultado final da composição é motivo de debate.

Andrea della Robbia
A longa carreira de Andrea della Robbia (Florença, 1435 – 1525) estende-se pela terceira e quarta fases. Como seu tio Luca, ele aparentemente foi treinado como um escultor de mármore, e dedicou a maior parte de seus esforços à criação de terracota vitrificada policromada, com a qual ele se tornou famoso. Seus primeiros trabalhos nesta técnica foram realizados para o Hospital dos Inocentes em Florença, por volta de 1463. Seu trabalho mais importante é a série de grandes relevos para o Santuário de Monte Alverne, perto de Assis, na década de 1480. Nos primeiros anos do século XVI, sua oficina já empregava muitos aprendizes e começava a receber ordens de prestígio de várias catedrais e nobres. Ele foi um escultor muito prolífico, e suas composições são encontradas em muitas cidades italianas, como Prato, Volterra, Chiusi, Nápoles, Viterbo, Pistoia, Bibbiena, Montalcino e Montevarchi, e vários outros. Seu estilo une um rico senso de decorativismo com um desenho de figura sóbrio, delicado e elegante, com uma inclinação à narrativa coloquial de apelo popular imediato e caracterização penetrante nos retratos. Suas numerosas imagens da Madona e do Menino Jesus são de grande ternura, e foram capazes de abordar as emoções mais dramáticas em suas Pietàs e Crucificações, mas sem excessos.

Pietro Lombardo
Pietro Lombardo (Carona, Ducado de Milão, 1435 – Veneza, 1515) foi o líder da escola renascentista veneziana e pai de Tullio Lombardo e Antonio Lombardo, também escultores. Seus primeiros trabalhos revelam influência florentina, mas seu estilo maduro estava em dívida com a arte germânica e flamenga. Seu primeiro trabalho conhecido é o túmulo de Antonio Roselli (1464-67) na Basílica de Santo Antônio, em Pádua. Por volta de 1467 mudou-se para Veneza, produzindo numerosos monumentos e também trabalhando como arquiteto. Em Veneza, a sua produção mais notável é a tumba da família Malipiero (c.1463) e do Doge Pietro Mocenigo (c.1476-81) em Basílica de São João e São Paulo. Com uma oficina lotada, mais tarde ele deixou a maior parte da elaboração de suas obras para seus assistentes, incluindo seus filhos, e apenas projetou e supervisionou o trabalho. Ele foi o arquiteto e escultor chefe da Igreja de Santa Maria dos Milagres entre 1481 e 1489, considerado um dos melhores edifícios renascentistas da cidade e que exerceu profunda influência local. Em 1482 ele criou o túmulo de Dante Alighieri em Ravenna e em 1485 ele projetou sua obra-prima, o túmulo de Zanetti, cujo trabalho prático foi entregue aos seus filhos. Seus últimos anos foram passados ​​como mestre construtor do Palácio Ducal.

Matteo Civitali
Matteo Civitali (Lucca, 1436 – 1502), escultor e arquiteto, foi a figura principal da escola de Lucca. Ele só começou a se dedicar à escultura depois dos 40 anos, tendo sido anteriormente um cirurgião-barbeiro. Ele estudou em Florença com Antonio Rossellino e Mino da Fiesole. Suas principais obras estão na Catedral de Lucca, incluindo o Altar de São Romano, o túmulo de Pietro Noceto e um São Sebastião. Ele também fez esculturas de Adão e Eva, Abraão e vários santos para a Catedral de Gênova.

Tullio Lombardo
Tullio Lombardo (Veneza, 1455-1532) foi filho e discípulo de Pietro, e como trabalhou em escultura e arquitetura, mas abandonou a inestimabilidade do estilo de seu pai e adotou as convenções do classicismo, também influenciadas pelo trabalho dos helenistas, como o recém-descoberto Grupo Laocoon. Uma de suas obras importantes é a Tumba do Doge, Andrea Vendramin, a mais suntuosa tumba renascentista de Veneza, que originalmente continha uma estátua de Adão (c. 1490-95), agora no Metropolitan Museum of Art, um superlativo em tamanho natural, claramente inspirado na iconografia clássica de Baco e Antínoo. Notável pela pureza do mármore empregado e pelo fino acabamento, este Adão foi o primeiro nu de tamanho real esculpido na antiguidade. Também realizou o túmulo de Guidarello Guidarelli, retratos, relevos alegóricos e deixou uma série de nove painéis em relevo para a Basílica de Santo Antônio em Pádua, com cenas da vida do santo, onde apresenta um estilo narrativo de grande nobreza e dramaticidade. eloquência, muito semelhante aos exemplos da Roma antiga.

Antico
Pier Jacopo Alari Bonacolsi, apelidado de Antico (Mantua ou Gazzuolo, 1460-1528), começou sua carreira como medalhista, interessou-se por pintura, trabalhou como restaurador de estátuas antigas e era protegido de Isabella d’Este, mas sua fama é devido à sua habilidade no campo da pequena escultura, criando uma série de peças decorativas para clientes particulares, mas que têm refinamento estético e uma qualidade técnica de primeira qualidade. Foi um dos primeiros escultores a perceber as possibilidades comerciais de criar cópias de suas obras em bronze através da técnica indireta de cera perdida, quando até então o uso era a confecção de peças únicas. Seu estilo é todo inclinado ao classicismo, que ele exerceu na criação de imagens da mitologia greco-romana. Por seu amor pela antiguidade, ele recebeu seu apelido, que significa “antigo”.

Andrea Sansovino
Andrea Coducci, chamado Andrea Sansovino (Florença, c. 1467-1529) foi um arquiteto e escultor cujo estilo mostra a transição da terceira fase do Renascimento para o Alto Renascimento. Sua primeira composição importante foi o altar do sacramento (1485-90) na Basílica do Espírito Santo, em Florença, com um artesão de alta qualidade e uma grande ênfase nas emoções. Ele passou vários anos em Portugal, e em 1502 foi novamente em Florença, quando o grupo do Batismo de Cristo, instalado na fachada do Batistério de São João. Somente o Batista é inteiramente dele, e o anjo é todo outro artista, mas a concepção elegante, sóbria e digna do todo, além da grande beleza dos corpos, faz dele uma das primeiras obras importantes do Alto Renascimento. Ele também compôs uma série de frisos policromados para Villa Medicea di Poggio a Caiano. Em 1505 ele foi para Roma contratado pelo Papa Júlio II para executar dois túmulos quase idênticos aos cardeais Ascanio Sforza e Girolamo della Rovere na Igreja de Santa Maria del Popolo, concluída em 1509 e considerada suas obras mais originais. Sua última grande ordem foi supervisionar a construção de vários edifícios na cidade de Loreto e a decoração da Santa Casa local, onde ele esculpiu um alívio da Anunciação da grande riqueza plástica.

Michelangelo
Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, conhecido como Michelangelo (Caprese, República de Florença, 1475 – Roma, 1564), foi a figura dominante na escultura italiana do século XVI, bem como pintor e arquiteto do mesmo tipo. Um dos artistas mais célebres e influentes de toda a arte ocidental, iniciou seu aprendizado com Ghirlandaio relativamente tarde, aos 13 anos, após superar a oposição paterna. Seu talento foi logo reconhecido e ele se tornou um protegido Medici, ganhou acesso a sua coleção de esculturas antigas e recebeu algumas instruções de escultura de Bertoldo di Giovanni. Um de seus primeiros trabalhos foi Madonna da Escada (c. 1491), no estilo dos baixos-relevos de Desidério da Settignano, e então criou uma variação de um motivo encontrado em um sarcófago romano, a Batalha dos Centauros (c.1492). ), cujo dinamismo foi elogiado. Em 1494, os Medici foram expulsos da cidade e Michelangelo procurou emprego em Bolonha, trabalhando em figuras secundárias do túmulo de São Domingos (1494-95), mas que são originais e expressivos, fazendo referências à iconografia clássica. Viajando para Roma, então a cidade culturalmente mais importante, ele produziu sua primeira composição em grande escala, um Baco Bêbado (1496-97) em tamanho um pouco acima do natural, de grande virtuosismo na concepção e execução, que aparentemente foi vendido a um colecionador. como se fosse uma peça de antiguidade. O sucesso do trabalho lhe rendeu outra ordem, uma Pietà (1498-99), que recebeu aclamação imediata e o enviou à preeminência entre todos os escultores italianos por sua originalidade de composição e seu acabamento extraordinariamente fino, sendo sua peça perfeita este último aspecto.

Imediatamente ele foi chamado para Florença para criar um David monumental (1501-1504), cujo design é especialmente próximo das soluções do classicismo. O trabalho foi ainda mais bem sucedido que os demais e por decisão da comunidade foi instalado em praça pública, em frente ao Palácio Municipal como símbolo da República Florentina. A Pietà e David tornaram-se ícones do Renascimento italiano e estão entre as obras mais famosas da história da escultura ocidental. Nesse ínterim, ele também estava envolvido na elaboração de várias Madonas para clientes particulares, e deve ter sido influenciado por Leonardo da Vinci, que retornou a Florença após vinte anos de ausência e excitou o entusiasmo de todos. O trabalho de AfterDavid começou a mover-se para o maneirismo, mas o florescimento final do classicismo de alto renascimento é o Moisés (1513-15), de grande majestade, realizado como parte de uma tumba ambiciosa para o Papa Júlio II na Basílica de São Pedro em Acorrentado. , never completed according to the original plan, two Slaves (1513-1516), also unfinished and part of the same project, and an elegant Christ Redeemer (1519-1520) entirely naked for the Church of Santa Maria on Minerva, who impressed his contemporaries to the point of Sebastiano del Piomboto say that only his knees were worth more than all of Rome.Depois disso, sua nudez, considerada indecente, foi Coberto, como depend até hoje.

Jacopo Sansovino
Jacopo Tatti, conhecido como Jacopo Sansovino (Florença, 1486 – Veneza, 1570) a partir de 1502 com Andrea Sansovino, que, para homenageá-lo, tomou o sobrenome. Em 1505 ele estudou arquitetura e escultura Giuliano da Sangallo até Roma, onde estudou arquitetura e escultura romana, foi contratado pelo papa Júlio II como restaurador de antigas estátuas. Retornando a Florença, ele esculpiu um St. James (1511-18) para a Catedral e um Baco (c.1514). Em 1518, ele estava novamente em Roma, trabalhando em uma Nossa Senhora do Parto (c.1519) para a Igreja de Santo Agostinho, que revela a influência do Sansovino, e em outro São Tiago (1520) para a Igreja de Santa Maria em Monserrato dos espanhóis.

Após o saque de Roma, em 1527, mudou-se para Veneza, introduzindo uma estética clássica do Alto Renascimento, que durou muito mais que em Roma. Your age is graciosa and elegant, fast and a fast fast in the classic classic. Entre eles estão as missões de evangelistas e São João Batista (1540) para a Basílica de São Marcos e o túmulo do Doge Francesco Venier (1556-1561) na Igreja do Redentor. Ele também atuou como arquiteto-chefe e urbanista da cidade, mais tarde adquirindo fama como um dos maiores arquitetos do maneirismo.