La peinture italienne de la Renaissance est la peinture de la période commençant à la fin du 13ème siècle et florissante du début du 15ème à la fin du 16ème siècle, se produisant dans la péninsule italienne, qui était à l’époque divisée en de nombreux domaines politiques. Les peintres de l’Italie de la Renaissance, bien que souvent attachés à des tribunaux particuliers et loyaux à des villes particulières, errent néanmoins dans toute l’Italie, occupant souvent un statut diplomatique et diffusant des idées artistiques et philosophiques.

La ville de Florence en Toscane est renommée comme le berceau de la Renaissance, et en particulier de la peinture de la Renaissance. Un arrière-plan détaillé est donné dans les articles d’accompagnement de l’architecture Renaissance et Renaissance.

La peinture de la Renaissance italienne peut être divisée en quatre périodes: la Proto-Renaissance (1300-1400), la Renaissance (1400-1475), la Haute Renaissance (1475-1525) et le Maniérisme (1525-1600). Ces dates sont des approximations plutôt que des points spécifiques parce que la vie des artistes individuels et leurs styles personnels ont chevauché les différentes périodes.

La proto-Renaissance commence avec la vie professionnelle du peintre Giotto et comprend Taddeo Gaddi, Orcagna et Altichiero. Le début de la Renaissance a été marquée par le travail de Masaccio, Fra Angelico, Paolo Uccello, Piero della Francesca et Verrocchio. La période de la Haute Renaissance était celle de Léonard de Vinci, Michel-Ange, Raphaël et Titien. La période maniériste comprenait Andrea del Sarto, Pontormo et Tintoretto. Le maniérisme est traité dans un article séparé.

Influences
Les influences sur le développement de la peinture de la Renaissance en Italie sont celles qui ont également affecté la philosophie, la littérature, l’architecture, la théologie, la science, le gouvernement et d’autres aspects de la société. Ce qui suit est un résumé des points traités plus en détail dans les principaux articles cités ci-dessus.

Philosophie
Un certain nombre de textes classiques, qui avaient été perdus pour les savants d’Europe occidentale pendant des siècles, sont devenus disponibles. Ceux-ci comprenaient la philosophie, la poésie, le théâtre, la science, une thèse sur les arts et la théologie paléochrétienne. L’intérêt pour la philosophie humaniste qui en découle signifie que la relation de l’homme avec l’humanité, l’univers et avec Dieu n’est plus la province exclusive de l’Église. Un regain d’intérêt pour les classiques a provoqué la première étude archéologique des vestiges romains par l’architecte Brunelleschi et le sculpteur Donatello. La renaissance d’un style d’architecture basé sur des précédents classiques a inspiré un classicisme correspondant dans la peinture, qui s’est manifesté dès les années 1420 dans les peintures de Masaccio et de Paolo Uccello.

Science et technologie
Simultanément avec l’accès aux textes classiques, l’Europe a accédé aux mathématiques avancées qui avaient leur origine dans les travaux des érudits byzantins et islamiques. L’avènement de l’imprimerie de caractères mobiles au XVe siècle a permis de diffuser facilement des idées et un nombre croissant de livres ont été écrits pour un large public. Le développement de la peinture à l’huile et son introduction en Italie ont eu des effets durables sur l’art de peindre.

Société
La création de la Banque Médicis et le commerce ultérieur qu’elle a généré ont apporté une richesse sans précédent à une seule ville italienne, Florence. Cosme de Médicis établit un nouveau standard pour le mécénat des arts, non associé à l’église ou à la monarchie. La présence fortuite dans la région de Florence de certains individus de génie artistique, notamment Giotto, Masaccio, Brunelleschi, Piero della Francesca, Léonard de Vinci et Michel-Ange, a formé un ethos qui a soutenu et encouragé de nombreux artistes moins performants. Un héritage artistique similaire a eu lieu à Venise grâce à la talentueuse famille Bellini, à leurs influents membres Mantegna, Giorgione, Titian et Tintoretto.

Thèmes
Une grande partie de la peinture de la période de la Renaissance a été commandée par ou pour l’Église catholique. Ces œuvres étaient souvent de grande envergure et étaient fréquemment peintes à la fresque de la vie du Christ, de la vie de la Vierge ou de la vie d’un saint, en particulier saint François d’Assise. Il y avait aussi beaucoup de peintures allégoriques sur le thème du Salut et le rôle de l’Église pour l’atteindre. Les églises ont également commandé des retables, qui ont été peints à la détrempe sur panneau et plus tard à l’huile sur toile. En dehors des grands retables, de petites images de dévotion ont été réalisées en très grand nombre, tant pour les églises que pour les particuliers, le thème le plus courant étant la Vierge à l’Enfant.

Tout au long de la période, les commissions civiques étaient également importantes. Les bâtiments du gouvernement local ont été décorés de fresques et d’autres œuvres laïques, comme l’Allégorie du Bon et du Mauvais Gouvernement d’Ambrogio Lorenzetti, et religieuses, comme la fresque de Maestà de Simone Martini, au Palazzo Pubblico de Sienne.

Le portrait était rare au XIVe siècle et au début du XVe siècle, principalement pour des tableaux commémoratifs civiques comme les portraits équestres de Guidoriccio da Fogliano de Simone Martini, 1327, à Sienne et, au début du XVe siècle, John Hawkwood d’Uccello à Florence. son compagnon représentant Niccolò da Tolentino par Andrea del Castagno.

Au cours du XVe siècle, les portraits devinrent courants, d’abord des portraits de profil formalisés au départ, mais de plus en plus des portraits de trois quarts de face, de type buste. Les protagonistes d’œuvres d’art comme les retables et les cycles de fresques ont souvent été inclus dans les scènes, un exemple notable étant l’inclusion des familles Sassetti et Médicis dans le cycle de Domenico Ghirlandaio dans la chapelle Sassetti. Le portrait devait devenir un sujet majeur pour les peintres de la Haute Renaissance tels que Raphaël et Titien et continuer à la période maniériste dans des œuvres d’artistes tels que Bronzino.

Avec la croissance de l’Humanisme, les artistes se sont tournés vers des thèmes classiques, en particulier pour remplir des commandes pour la décoration des maisons de riches clients, le plus connu étant la naissance de Botticelli de Vénus pour les Médicis. De plus en plus, les thèmes classiques étaient également considérés comme fournissant du matériel allégorique approprié pour les commissions civiques. L’humanisme a également influencé la manière dont les thèmes religieux étaient représentés, notamment sur le plafond de la chapelle Sixtine de Michel-Ange.

D’autres motifs ont été tirés de la vie contemporaine, parfois avec une signification allégorique, certains parfois purement décoratifs. Les incidents importants pour une famille particulière pourraient être enregistrés comme ceux de la Camera degli Sposi que Mantegna a peint pour la famille Gonzaga à Mantoue. De plus en plus, des natures mortes et des scènes décoratives de la vie ont été peintes, comme le Concert de Lorenzo Costa vers 1490.

Des événements importants ont souvent été enregistrés ou commémorés dans des peintures telles que la bataille de San Romano d’Uccello, ainsi que d’importantes fêtes religieuses locales. L’histoire et les personnages historiques étaient souvent représentés d’une manière qui reflétait les événements actuels ou la vie des gens actuels. Les portraits étaient souvent peints de contemporains sous la forme de personnages de l’histoire ou de la littérature. Les écrits de Dante, Voragine’s Golden Legend et Decameron de Boccace sont d’importantes sources de thèmes.

Dans tous ces sujets, de plus en plus, et dans les œuvres de presque tous les peintres, se développaient certaines pratiques picturales sous-jacentes: l’observation de la nature, l’étude de l’anatomie, de la lumière et de la perspective.

Peinture proto-renaissance

Traditions de la peinture toscane du 13ème siècle
L’art de la région de Toscane à la fin du 13ème siècle a été dominé par deux maîtres du style byzantin, Cimabue de Florence et Duccio de Sienne. Leurs commandes étaient principalement des peintures religieuses, plusieurs d’entre eux étant de très grands retables représentant la Vierge à l’Enfant. Ces deux peintres, avec leurs contemporains, Guido de Sienne, Coppo di Marcovaldo et le peintre mystérieux sur le style duquel l’école a pu être fondée, le soi-disant Maître de St Bernardino, tous travaillé d’une manière qui était hautement formalisée et dépendante l’ancienne tradition de la peinture d’icônes. Dans ces peintures à la détrempe, de nombreux détails étaient fixés de manière rigide par le sujet, la position précise des mains de la Madone et du Christ Enfant, par exemple, étant dictée par la nature de la bénédiction que le tableau invoquait sur le spectateur. L’angle de la tête et des épaules de la Vierge, les plis dans son voile, et les lignes avec lesquelles ses traits étaient définis avaient tous été répétés dans d’innombrables telles peintures. Cimabue et Duccio ont pris des mesures en direction d’un plus grand naturalisme, tout comme leur contemporain, Pietro Cavallini de Rome.

Giotto
Giotto, (1266-1337), par tradition un berger des collines au nord de Florence, devint l’apprenti de Cimabue et devint le peintre le plus remarquable de son temps. Giotto, possiblement influencé par Pietro Cavallini et d’autres peintres romains, n’a pas fondé les figures qu’il a peintes sur n’importe quelle tradition picturale, mais sur l’observation de la vie. Contrairement à ceux de ses contemporains byzantins, les figures de Giotto sont solidement tridimensionnelles; ils se tiennent carrément sur le sol, ont une anatomie discernable et sont vêtus de vêtements avec du poids et de la structure. Mais plus que tout, ce qui distingue les figures de Giotto de celles de ses contemporains, ce sont leurs émotions. Dans les visages des figures de Giotto, il y a la joie, la rage, le désespoir, la honte, le dépit et l’amour. Le cycle des fresques de la Vie du Christ et de la Vie de la Vierge qu’il a peint dans la chapelle des Scrovegni à Padoue a établi un nouveau standard pour les images narratives. Sa Ognissanti Madonna est suspendue à la Galerie des Offices, Florence, dans la même pièce que la Sainte Trinité de Cimabue et la Ruccellai Madonna de Duccio, où les comparaisons stylistiques entre les trois peuvent facilement être faites. L’une des caractéristiques apparentes dans le travail de Giotto est son observation de la perspective naturaliste. Il est considéré comme le héraut de la Renaissance.

Les contemporains de Giotto
Giotto avait un certain nombre de contemporains qui étaient soit entraînés et influencés par lui, ou dont l’observation de la nature les avait conduits dans une direction similaire. Bien que plusieurs élèves de Giotto aient assimilé la direction que son travail avait prise, aucun ne devait devenir aussi réussi que lui. Taddeo Gaddi réalisa la première grande peinture d’une scène de nuit dans une Annonciation aux Bergers dans la chapelle Baroncelli de l’église de Santa Croce, Florence.

Les peintures de l’église supérieure de la basilique de Saint-François, Assise, sont des exemples de peinture naturaliste de l’époque, souvent attribuée à Giotto lui-même, mais plus probablement le travail des artistes entourant Pietro Cavallini. Une peinture tardive de Cimabue dans l’église basse d’Assise, de la Madone et de saint François, montre aussi clairement un naturalisme plus grand que ses peintures de panneaux et les restes de ses premières fresques dans l’église supérieure.

Mortalité et rédemption
Un thème commun dans la décoration des églises médiévales était le Jugement Dernier, qui dans les églises du nord de l’Europe occupe fréquemment un espace sculptural au-dessus de la porte ouest, mais dans les églises italiennes telles que la Chapelle Scrovegni de Giotto. La peste noire de 1348 a amené ses survivants à se concentrer sur la nécessité d’approcher la mort dans un état de pénitence et d’absolution. L’inévitabilité de la mort, les récompenses pour le pénitent et les peines du péché ont été soulignées dans un certain nombre de fresques, remarquables par leurs sinistres représentations de la souffrance et leurs images surréalistes des tourments de l’Enfer.

Ceux-ci comprennent le Triomphe de la mort de Orcagna, l’élève de Giotto, dans un état fragmentaire au Musée de Santa Croce, et le Triomphe de la mort au Camposanto Monumentale à Pise par un peintre inconnu, peut-être Francesco Traini ou Buonamico Buffalmacco trois d’une série de fresques sur le thème du salut. On ne sait pas exactement quand ces fresques ont été commencées mais il est généralement présumé qu’ils sont postérieurs à 1348.

Deux peintres de fresques importants étaient actifs à Padoue à la fin du XIVe siècle, Altichiero et Giusto de ‘Menabuoi. Le chef-d’œuvre de Giusto, la décoration du Baptistère de la Cathédrale, suit le thème de la Création, de la Chute et du Salut de l’humanité, ayant lui aussi un rare cycle de l’Apocalypse dans le petit choeur. Alors que toute l’œuvre est exceptionnelle par sa largeur, sa qualité et son état intact, le traitement de l’émotion humaine est conservateur par rapport à celui de la Crucifixion d’Altichiero à la Basilique de Sant’Antonio, également à Padoue. Le travail de Giusto repose sur des gestes formalisés, où Altichiero relate les incidents entourant la mort du Christ avec un grand drame humain et de l’intensité.

À Florence, à la chapelle espagnole de Santa Maria Novella, Andrea Bonaiuti a été chargé de souligner le rôle de l’Église dans le processus rédempteur, et celui de l’Ordre dominicain en particulier. Sa fresque Allégorie de l’église active et triomphante est remarquable pour sa représentation de la cathédrale de Florence, complète avec le dôme qui n’a pas été construit jusqu’au siècle suivant.

Gothique international
Au cours du XIVe siècle, le style gothique international a dominé la peinture toscane. Il peut être vu dans une certaine mesure dans l’œuvre de Pietro et Ambrogio Lorenzetti, qui est marquée par une douceur et une grâce formalisées dans les figures, et la grâce gothique tardive dans les draperies. Le style est entièrement développé dans les œuvres de Simone Martini et Gentile da Fabriano, qui ont une élégance et une richesse de détails, et une qualité idéalisée qui n’est pas compatible avec les réalités plus austères des peintures de Giotto.

Au début du XVe siècle, les toiles de Fra Angelico, qui sont des retables à la détrempe, témoignent de l’amour gothique de l’élaboration, de la feuille d’or et de la couleur brillante. C’est dans ses fresques de son couvent de Sant ‘Marco que Fra Angelico se montre le disciple artistique de Giotto. Ces peintures dévotionnelles, qui ornent les cellules et les couloirs habités par les frères, représentent des épisodes de la vie de Jésus, dont beaucoup sont des scènes de la Crucifixion. Ils sont d’une grande simplicité, d’une couleur sobre et d’une humeur intense, l’artiste cherchant à faire des révélations spirituelles une réalité visuelle.

Peinture du début de la Renaissance

Florence
Les premières images véritablement Renaissance à Florence datent de 1401, la première année du siècle connu en italien comme Quattrocento, synonyme de la Renaissance précoce. À cette date, un concours a été organisé pour trouver un artiste afin de créer une paire de portes de bronze pour le baptistère de Saint-Jean, la plus ancienne église restante de la ville. Baptistère est un grand bâtiment octogonal dans le style roman, dont les origines avaient été oubliées et qui, selon les croyances populaires, remonte à l’époque romaine. L’intérieur de sa coupole est orné d’une énorme figure en mosaïque de Christ en Majesté, conçue par Coppo di Marcovaldo. Il a trois grands portails, le central étant rempli à cette époque par un ensemble de portes créé par Andrea Pisano quatre-vingts ans plus tôt.

Les portes de Pisano étaient divisées en 28 compartiments à quatre feuilles, contenant des scènes narratives de la vie de Jean-Baptiste. Les concurrents, dont il y avait sept jeunes artistes, devaient chacun dessiner un panneau de bronze de forme et de taille similaires, représentant le Sacrifice d’Isaac.

Deux panneaux ont survécu, celui de Lorenzo Ghiberti et celui de Brunelleschi. Chaque panneau montre des motifs fortement classiques qui indiquent la direction que prenaient l’art et la philosophie à cette époque. Ghiberti a utilisé la figure nue d’Isaac pour créer une petite sculpture dans le style classique. Il s’agenouille sur une tombe ornée de rouleaux d’acanthe qui sont aussi une référence à l’art de la Rome antique. Dans le panneau de Brunelleschi, l’un des personnages supplémentaires inclus dans la scène rappelle une célèbre figure en bronze romaine d’un garçon tirant une épine de son pied. La création de Brunelleschi est stimulante dans son intensité dynamique. Moins élégant que celui de Ghiberti, il s’agit plutôt d’un drame humain et d’une tragédie imminente.

Ghiberti a remporté la compétition. Son premier ensemble de portes baptistry a pris 27 ans à compléter, après quoi il a été chargé de faire un autre. Au cours des 50 années que Ghiberti a travaillé sur eux, les portes ont fourni un terrain d’entraînement pour beaucoup d’artistes de Florence. Étant narrative dans le sujet et employant non seulement l’habileté à organiser des compositions figuratives, mais aussi l’habileté naissante de la perspective linéaire, les portes devaient avoir une énorme influence sur le développement de l’art pictural florentin. Ils ont été un facteur d’unification, une source de fierté et de camaraderie pour la ville et ses artistes. Michel-Ange devait les appeler les Portes du Paradis.

Chapelle de Brancacci
En 1426 deux artistes ont commencé à peindre un cycle de fresques de la Vie de Saint Pierre dans la chapelle de la famille Brancacci, à l’église carmélite de Florence. Ils ont tous deux été appelés par le nom de Tommaso et ont été surnommés Masaccio et Masolino, Slovenly Tom et Little Tom.

Plus que tout autre artiste, Masaccio a reconnu les implications dans le travail de Giotto. Il a poursuivi la pratique de la peinture de la nature. Ses peintures démontrent une compréhension de l’anatomie, du raccourci, de la perspective linéaire, de la lumière et de l’étude des draperies. Parmi ses œuvres, les figures d’Adam et Eve expulsées d’Eden, peintes sur le côté de l’arcade dans la chapelle, sont réputées pour leur représentation réaliste de la forme humaine et de l’émotion humaine. Ils contrastent avec les douces et jolies figures peintes par Masolino du côté opposé d’Adam et Eve recevant le fruit défendu. La peinture de la chapelle de Brancacci a été laissée incomplète quand Masaccio est mort à 26 ans. Le travail a été plus tard terminé par Filippino Lippi. Le travail de Masaccio devint une source d’inspiration pour de nombreux peintres ultérieurs, dont Léonard de Vinci et Michel-Ange.

Développement de la perspective linéaire
Pendant la première moitié du XVe siècle, la réalisation de l’effet de l’espace réaliste dans un tableau par l’emploi de la perspective linéaire était une préoccupation majeure de nombreux peintres, ainsi que des architectes Brunelleschi et Alberti qui théorisaient sur le sujet. Brunelleschi est connu pour avoir fait de nombreuses études sur la place et le baptistère octogonal à l’extérieur de la cathédrale de Florence et il pense avoir aidé Masaccio à créer sa célèbre niche en trompe-l’œil autour de la Sainte Trinité qu’il peint à Santa Maria Novella.

Selon Vasari, Paolo Uccello était tellement obsédé par la perspective qu’il pensa à peu de chose et l’expérimenta dans de nombreux tableaux, le plus connu étant les trois images de la Bataille de San Romano qui utilisent des armes cassées au sol et des champs sur les collines lointaines pour donner une impression de perspective.

Dans les années 1450, Piero della Francesca, dans des peintures telles que La Flagellation du Christ, a démontré sa maîtrise de la perspective linéaire et aussi de la science de la lumière. Une autre peinture existe, un paysage urbain, d’un artiste inconnu, peut-être Piero della Francesca, qui démontre le genre d’expérience que Brunelleschi avait fait. A partir de ce moment, la perspective linéaire a été comprise et régulièrement utilisée, comme par Perugino dans son Christ donnant les clés à Saint-Pierre dans la chapelle Sixtine.

Compréhension de la lumière
Giotto a utilisé la tonalité pour créer une forme. Taddeo Gaddi, dans sa scène nocturne de la chapelle Baroncelli, a démontré comment la lumière pouvait être utilisée pour créer un drame. Cent ans plus tard, Paolo Uccello expérimente l’effet dramatique de la lumière dans certaines de ses fresques presque monochromes. Il en a fait un certain nombre en terra verde ou «terre verte», animant ses compositions avec des touches de vermillon. Le plus connu est son portrait équestre de John Hawkwood sur le mur de la cathédrale de Florence. Ici et sur les quatre têtes de prophètes qu’il a peintes autour du cadran interne de la cathédrale, il a utilisé des tons fortement contrastés, suggérant que chaque figure était éclairée par une source de lumière naturelle, comme si la source était une fenêtre dans la cathédrale. .

Piero della Francesca a continué son étude de la lumière. Dans la Flagellation, il démontre une connaissance de la diffusion proportionnelle de la lumière à partir de son point d’origine. Il y a deux sources de lumière dans cette peinture, l’une interne à un bâtiment et l’autre externe. De la source interne, bien que la lumière elle-même soit invisible, sa position peut être calculée avec une certitude mathématique. Léonard de Vinci devait poursuivre le travail de Piero sur la lumière.

La Madone
La Bienheureuse Vierge Marie, vénérée par l’Eglise Catholique dans le monde entier, a été particulièrement évoquée à Florence, où il y avait une image miraculeuse d’elle sur une colonne dans le marché du maïs et où la cathédrale de Notre-Dame des L’église de Santa Maria Novella a été nommée en son honneur.

Peinture de début de la Renaissance dans d’autres parties de l’Italie

Andrea Mantegna à Padoue et Mantoue
L’un des peintres les plus influents du nord de l’Italie fut Andrea Mantegna de Padoue, qui eut la chance d’être dans son adolescence à l’époque où travaillait le grand sculpteur florentin Donatello. Donatello a créé l’énorme bronze équestre, le premier depuis l’Empire romain, du condotiero Gattemelata, encore visible sur son socle sur la place de la Basilique de Sant’Antonio. Il a également travaillé sur le maître-autel et a créé une série de panneaux de bronze dans lesquels il a réalisé une illusion remarquable de profondeur, avec la perspective dans les arrangements architecturaux et la rondeur apparente de la forme humaine tout dans le soulagement très peu profond.

Cosmè Tura à Ferrare
Tandis que Mantegna travaillait pour les Gonzague à Mantoue, un peintre très différent était employé pour concevoir un projet encore plus ambitieux pour la famille Este de Ferrare. La peinture de Cosmè Tura est très distinctive, à la fois étrangement gothique et classique à la fois. Tura pose des figures classiques comme des saints, les entoure de motifs symboliques lumineux de la perfection surréaliste et les revêt de vêtements qui semblent fabriqués en cuivre délicatement plié et émaillé.

Antonello da Messina
En 1442, Alphonse V d’Aragon devint souverain de Naples, apportant avec lui une collection de peintures flamandes et établissant une Académie Humaniste. Le peintre Antonello da Messina semble avoir eu accès à la collection du roi, qui aurait pu inclure les œuvres de Jan van Eyck. Il semble avoir été exposé à la peinture flamande à une date antérieure aux Florentins, pour avoir rapidement vu le potentiel des huiles comme médium et ensuite peint dans rien d’autre. Il a porté la technique au nord à Venise avec lui, où il a été bientôt adopté par Giovanni Bellini et est devenu le moyen privilégié de la république maritime où l’art de la fresque n’a jamais été un grand succès.

Haute Renaissance

Patronage et humanisme
À Florence, à la fin du XVe siècle, la plupart des œuvres d’art, même celles qui servaient de décor aux églises, étaient généralement commandées et payées par des mécènes privés. Une grande partie du patronage provenait de la famille des Médicis, ou de ceux qui leur étaient étroitement associés ou apparentés, tels que les Sassetti, les Ruccellai et les Tornabuoni.

Influence flamande
A partir de 1450, avec l’arrivée en Italie du peintre flamand Rogier van der Weyden et peut-être plus tôt, les artistes ont été initiés à la peinture à l’huile. Alors que la tempera et la fresque se prêtaient toutes deux à la représentation de motifs, aucun des deux ne présentait un moyen efficace de représenter les textures naturelles de façon réaliste. Le milieu très flexible des huiles, qui pouvaient être rendues opaques ou transparentes, et permettait des modifications et des ajouts pendant les jours qui suivaient son dépôt, ouvrait un nouveau monde de possibilités aux artistes italiens.

Commission papale
En 1477, le pape Sixte IV remplaça l’ancienne chapelle abandonnée du Vatican, où de nombreux services religieux étaient tenus. L’intérieur de la nouvelle chapelle, nommée Chapelle Sixtine en son honneur, semble avoir été conçu dès le début pour avoir une série de 16 grandes fresques entre ses pilastres au niveau moyen, avec une série de portraits peints de papes au-dessus d’eux.

Léonard de Vinci
Leonardo, en raison de l’étendue de ses intérêts et de l’extraordinaire talent qu’il a démontré dans tant de domaines divers, est considéré comme l’archétype de «l’homme de la Renaissance». Mais c’est avant tout en tant que peintre qu’il est admiré à son époque et, en tant que peintre, il puise dans les connaissances qu’il a acquises de tous ses autres intérêts.

Michelangelo
En 1508, le pape Jules II réussit à faire accepter au sculpteur Michel-Ange de continuer le plan décoratif de la chapelle Sixtine. Le plafond de la chapelle Sixtine a été construit de telle sorte qu’il y avait douze pendentifs en pente soutenant la voûte qui formaient des surfaces idéales pour peindre les douze apôtres. Michel-Ange, qui avait cédé aux exigences du pape avec peu de grâce, conçut bientôt un tout autre plan, beaucoup plus complexe à la fois dans le design et dans l’iconographie. L’ampleur du travail, qu’il a exécuté seul, à l’exception de l’assistance manuelle, était titanique et a pris près de cinq ans à compléter.

Raphaël
Avec Léonard de Vinci et Michel-Ange, le nom de Raphaël est synonyme de la Haute Renaissance, bien qu’il soit plus jeune que Michel-Ange de 18 ans et Leonardo de presque 30 ans. On ne peut pas dire qu’il a grandement fait progresser la peinture comme ses deux contemporains célèbres fait. Au contraire, son travail était l’aboutissement de tous les développements de la Haute Renaissance.

Haute peinture de la Renaissance à Venise

Giovanni Bellini
Giovanni Bellini était l’exact contemporain de son frère Gentile, son beau-frère Mantegna et Antonello da Messina. Travaillant une grande partie de sa vie dans l’atelier de son frère, et fortement influencé par le style croquant de Mantegna, il ne semble pas avoir produit un tableau signé de manière indépendante avant la fin de la cinquantaine. Au cours des 30 dernières années de sa vie, il a été extraordinairement productif et influent, sous la direction de Giorgione et du Titien. Bellini, comme son contemporain beaucoup plus jeune, Raphaël, a produit de nombreuses petites Madones dans une riche couleur rougeoyante, généralement d’une tonalité plus intense que son homologue florentin. Ces Madones se multiplièrent abondamment lorsqu’elles furent reproduites par d’autres membres du grand atelier de Bellini, une image minuscule, The Circumcision of Christ, existant en quatre ou cinq versions presque identiques.

Giorgione et Titien
Tandis que le style de la peinture de Giorgione se rapproche clairement de celui de son maître présumé, Giovanni Bellini, son sujet fait de lui l’un des artistes les plus originaux et abstrus de la Renaissance. Une de ses peintures, d’un paysage connu sous le nom de The Tempest, avec une femme à moitié nue nourrissant un bébé, un homme vêtu, des colonnes classiques et un éclair, représente peut-être Adam et Eve dans leurs jours post-Eden, ou peut-être ce ne est pas. Un autre tableau qui lui est attribué et traditionnellement connu sous le nom des Trois Philosophes, peut représenter les Mages qui planifient leur voyage à la recherche du Christ naissant, mais ce n’est pas certain non plus.

Influence de la peinture de la Renaissance italienne
La vie de Michel-Ange et du Titien s’étendit jusqu’à la seconde moitié du XVIe siècle. Les deux ont vu leurs styles et ceux de Leonardo, Mantegna, Giovanni Bellini, Antonello da Messina et Raphael adaptés par les peintres plus tard pour former un style disparate connu sous le nom de maniérisme, et se diriger vers le grand effusion d’imagination et de virtuosité picturale de la période baroque.

L’artiste qui a le plus étendu les tendances dans les grandes compositions figuratives de Titien est Tintoretto, bien que sa manière personnelle ait été telle qu’il n’a duré que neuf jours comme apprenti du Titien. La connaissance de Rembrandt des œuvres de Titien et de Raphaël apparaît dans ses portraits. Les influences directes de Léonard et de Raphaël sur leurs propres élèves furent de produire des générations d’artistes, y compris Poussin et des écoles de peintres classiques des XVIIIe et XIXe siècles. Le travail d’Antonello da Messina eut une influence directe sur Albrecht Dürer et Martin Schongauer et, grâce à ses gravures, d’innombrables artistes, y compris les écoles allemandes, néerlandaises et anglaises de vitraux jusqu’au début du XXe siècle.

Le plafond de la chapelle Sixtine de Michel-Ange et plus tard Le Jugement Dernier a influencé directement les compositions figuratives de Raphaël et de ses élèves, puis de presque tous les peintres du XVIe siècle qui ont cherché des façons nouvelles et intéressantes de représenter la forme humaine. Il est possible de retracer son style de composition figurative à travers Andrea del Sarto, Pontormo, Bronzino, Parmigianino, Veronese, au Greco, Carracci, Caravaggio, Rubens, Poussin et Tiepolo à la fois les peintres classiques et romantiques du 19ème siècle tels que Jacques-Louis David et Delacroix.

Sous l’influence de la peinture italienne de la Renaissance, de nombreuses académies d’art modernes, telles que l’Académie Royale, ont été fondées, et ce fut précisément pour recueillir les œuvres de la Renaissance italienne que certaines des collections d’art les plus connues au monde, telles que Gallery, Londres, ont été formés.