Die italienische Renaissancemalerei ist eine Malerei aus der Zeit des späten 13. Jahrhunderts, die vom Anfang des 15. bis zum Ende des 16. Jahrhunderts auf der damals in viele politische Gebiete gegliederten italienischen Halbinsel aufblühte. Die Maler des italienischen Renaissancestils, obwohl oft an bestimmte Höfe gebunden und mit Loyalitäten zu bestimmten Städten verbunden, wanderten dennoch durch ganz Italien, wobei sie oft einen diplomatischen Status innehatten und künstlerische und philosophische Ideen verbreiteten.

Die Stadt Florenz in der Toskana ist bekannt als der Geburtsort der Renaissance und insbesondere der Renaissance-Malerei. Ein ausführlicher Hintergrund wird in den Begleitartikeln Renaissance und Renaissance Architektur gegeben.

Die italienische Renaissancemalerei lässt sich in vier Perioden gliedern: die Proto-Renaissance (1300-1400), die Frühe Renaissance (1400-1475), die Hochrenaissance (1475-1525) und den Manierismus (1525-1600). Diese Daten sind eher Näherungen als spezifische Punkte, da sich die Leben der einzelnen Künstler und ihre persönlichen Stile mit den verschiedenen Perioden überschnitten.

Die Proto-Renaissance beginnt mit dem Berufsleben des Malers Giotto und umfasst Taddeo Gaddi, Orcagna und Altichiero. Die Frührenaissance war geprägt von Werken von Masaccio, Fra Angelico, Paolo Uccello, Piero della Francesca und Verrocchio. Die Hochrenaissancezeit war die von Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raphael und Tizian. Die manieristische Periode umfasste Andrea del Sarto, Pontormo und Tintoretto. Manierismus wird in einem separaten Artikel behandelt.

Einflüsse
Die Einflüsse auf die Entwicklung der Renaissancemalerei in Italien haben Auswirkungen auf Philosophie, Literatur, Architektur, Theologie, Wissenschaft, Regierung und andere Aspekte der Gesellschaft. Im Folgenden finden Sie eine Zusammenfassung der Punkte, die in den oben genannten Hauptartikeln ausführlicher behandelt werden.

Philosophie
Eine Reihe von klassischen Texten, die jahrhundertelang für westeuropäische Gelehrte verloren gegangen waren, wurde verfügbar. Dazu gehörten Philosophie, Poesie, Drama, Wissenschaft, eine These über die Künste und frühchristliche Theologie. Das daraus resultierende Interesse an der humanistischen Philosophie bedeutete, dass die Beziehung des Menschen zur Menschheit, zum Universum und zu Gott nicht länger die ausschließliche Aufgabe der Kirche war. Ein wiederbelebtes Interesse an den Klassikern brachte die erste archäologische Studie über römische Überreste durch den Architekten Brunelleschi und den Bildhauer Donatello. Die Wiederbelebung eines auf klassischen Präzedenzfällen basierenden Architekturstils inspirierte einen entsprechenden Klassizismus in der Malerei, der sich bereits in den 1420er Jahren in den Gemälden von Masaccio und Paolo Uccello manifestierte.

Wissenschaft und Technik
Gleichzeitig mit dem Zugang zu den klassischen Texten erhielt Europa Zugang zu fortgeschrittener Mathematik, die in den Werken byzantinischer und islamischer Gelehrter ihren Ursprung hatte. Mit dem Aufkommen des beweglichen Drucks im 15. Jahrhundert konnten Ideen leicht verbreitet werden, und immer mehr Bücher wurden für eine breite Öffentlichkeit geschrieben. Die Entwicklung der Ölfarbe und ihre Einführung in Italien hatten nachhaltige Auswirkungen auf die Malkunst.

Gesellschaft
Die Gründung der Medici Bank und der daraus resultierende Handel brachten einer einzigen italienischen Stadt, Florence, beispiellosen Reichtum. Cosimo de ‚Medici setzte einen neuen Standard für die Schirmherrschaft der Künste, die nicht mit der Kirche oder der Monarchie verbunden sind. Die zufällige Anwesenheit von Personen des künstlerischen Genies, insbesondere Giotto, Masaccio, Brunelleschi, Piero della Francesca, Leonardo da Vinci und Michelangelo in der Region Florenz, bildete ein Ethos, das viele weniger bedeutende Künstler zu einer Arbeit von außerordentlicher Qualität ermutigte und ermutigte. Ein ähnliches Erbe künstlerischen Schaffens ereignete sich in Venedig durch die talentierte Bellini-Familie, deren einflussreicher Herr Mantegna, Giorgione, Tizian und Tintoretto.

Themen
Viel Malerei der Renaissance wurde von oder für die katholische Kirche in Auftrag gegeben. Diese Werke waren oft von großem Umfang und wurden häufig in Fresken des Lebens Christi, des Lebens der Jungfrau Maria oder des Lebens eines Heiligen, insbesondere des hl. Franziskus von Assisi, gemalt. Es gab auch viele allegorische Gemälde zum Thema Erlösung und die Rolle der Kirche bei ihrer Erlangung. Die Kirchen gaben Altarbilder in Auftrag, die in Tempera auf Holz und später in Öl auf Leinwand gemalt wurden. Neben großen Altarbildern wurden kleine Andachtsbilder in sehr großer Zahl sowohl für Kirchen als auch für Privatpersonen hergestellt, wobei das häufigste Thema die Madonna mit dem Kind war.

Während dieser Zeit waren auch Bürgerkommissionen wichtig. Lokale Regierungsgebäude wurden mit Fresken und anderen weltlichen Werken geschmückt, wie Ambrogio Lorenzettis Die Allegorie der Guten und Schlechten Regierung, und Religiösen, wie Simone Martinis Fresko der Maestà, im Palazzo Pubblico, Siena.

Die Porträtmalerei war im 14. und frühen 15. Jahrhundert ungewöhnlich, hauptsächlich beschränkt auf bürgerliche Erinnerungsbilder wie die Reiterporträts von Guidoriccio da Fogliano von Simone Martini, 1327, in Siena und, zu Beginn des 15. Jahrhunderts, John Hawkwood von Uccello in der Kathedrale von Florenz und sein Begleiter porträtierte Niccolò da Tolentino von Andrea del Castagno.

Im 15. Jahrhundert wurden Porträtaufnahmen üblich, zunächst formalisierte Profilportraits, zunehmend aber auch Dreiviertelansicht, bustlange Porträts. In die Szenen wurden häufig Kunstwerke, wie Altarbilder und Freskenzyklen, einbezogen, ein bemerkenswertes Beispiel ist die Einbeziehung der Familien Sassetti und Medici in den Zyklus von Domenico Ghirlandaio in der Sassetti-Kapelle. Die Porträtmalerei sollte für die Maler der Hochrenaissance wie Raphael und Tizian zum Hauptthema werden und in Werken von Künstlern wie Bronzino bis in die manieristische Periode hineinreichen.

Mit dem Wachsen des Humanismus wandten sich die Künstler klassischen Themen zu, vor allem, um Aufträge für die Dekoration der Häuser von wohlhabenden Gönnern zu erfüllen, die bekannteste war Botticellis Geburt der Venus für die Medici. In zunehmendem Maße wurden klassische Themen auch als geeignetes allegorisches Material für Bürgeraufträge angesehen. Der Humanismus beeinflusste auch die Art und Weise, in der religiöse Themen dargestellt wurden, insbesondere an Michelangelos Decke der Sixtinischen Kapelle.

Andere Motive wurden aus dem zeitgenössischen Leben gezeichnet, manchmal mit allegorischer Bedeutung, manche manchmal rein dekorativ. Zwischenfälle, die für eine bestimmte Familie wichtig sind, können aufgezeichnet werden wie jene in der Camera degli Sposi, die Mantegna für die Gonzaga-Familie in Mantua malte. In zunehmendem Maße wurden Stillleben und dekorative Szenen aus dem Leben gemalt, wie das Konzert von Lorenzo Costa von etwa 1490.

Wichtige Ereignisse wurden oft in Gemälden wie Uccellos Schlacht bei San Romano festgehalten oder gefeiert, ebenso wie wichtige lokale religiöse Feste. Geschichte und historische Charaktere wurden oft so dargestellt, dass sie sich auf aktuelle Ereignisse oder das Leben gegenwärtiger Menschen bezogen. Porträts wurden oft von Zeitgenossen in Gestalt von Personen aus Geschichte oder Literatur gemalt. Die Schriften von Dante, Voragines Goldene Legende und Boccaccios Decameron waren wichtige Quellen für Themen.

In all diesen Fächern wurden zunehmend und in den Werken fast aller Maler bestimmte zugrunde liegende malerische Praktiken entwickelt: die Beobachtung der Natur, das Studium der Anatomie, des Lichts und der Perspektive.

Proto-Renaissance-Malerei

Traditionen der toskanischen Malerei des 13. Jahrhunderts
Die Kunst der Region Toskana im späten 13. Jahrhundert wurde von zwei Meistern des byzantinischen Stils beherrscht, Cimabue von Florenz und Duccio von Siena. Ihre Aufträge waren meist religiöse Gemälde, von denen einige sehr große Altarbilder mit der Madonna und dem Kind darstellen. Diese beiden Maler, mit ihren Zeitgenossen Guido von Siena, Coppo di Marcovaldo und dem mysteriösen Maler, auf dessen Stil die Schule gegründet sein mag, der sogenannte Meister des hl. Bernardino, arbeiteten alle in einer Weise, die stark formalisiert und von ihr abhängig war die alte Tradition der Ikonenmalerei. In diesen Tempera-Gemälden waren viele Details durch das Thema fest fixiert, wobei beispielsweise die genaue Position der Hände der Madonna und des Christuskindes durch die Art des Segens diktiert wurde, den das Gemälde auf den Betrachter anregte. Der Winkel des Hauptes und der Schultern der Jungfrau, die Falten in ihrem Schleier, und die Linien, mit denen ihre Merkmale definiert wurden, waren alle in unzähligen solcher Gemälde wiederholt worden. Cimabue und Duccio unternahmen Schritte in Richtung eines größeren Naturalismus, ebenso wie ihr Zeitgenosse Pietro Cavallini von Rom.

Giotto
Giotto, (1266-1337), der traditionsgemäß ein Hirtenjunge aus den Hügeln nördlich von Florenz, wurde Cimabues Lehrling und trat als der herausragendste Maler seiner Zeit hervor. Giotto, möglicherweise von Pietro Cavallini und anderen römischen Malern beeinflusst, basierte nicht auf einer malerischen Tradition, sondern auf der Beobachtung des Lebens. Im Gegensatz zu seinen byzantinischen Zeitgenossen sind Giottos Figuren dreidimensional; Sie stehen direkt auf dem Boden, haben eine erkennbare Anatomie und sind mit Gewichten und Gewichten bekleidet. Vor allem aber heben sich Giottos Figuren von denen ihrer Zeitgenossen durch ihre Gefühle ab. In den Gesichtern von Giottos Figuren sind Freude, Wut, Verzweiflung, Scham, Bosheit und Liebe. Der Freskenzyklus des Christuslebens und des Lebens der Jungfrau Maria, den er in der Scrovegni-Kapelle in Padua malte, setzte neue Maßstäbe für erzählende Bilder. Seine Ognissanti-Madonna hängt in den Uffizien, Florenz, im selben Raum wie Cimabues Santa Trinita Madonna und Duccios Ruccellai Madonna, wo die stilistischen Vergleiche zwischen den drei leicht gemacht werden können. Eines der Merkmale, die in Giottos Arbeit sichtbar werden, ist seine Beobachtung der naturalistischen Perspektive. Er gilt als der Vorbote der Renaissance.

Giottos Zeitgenossen
Giotto hatte eine Reihe von Zeitgenossen, die entweder von ihm ausgebildet und beeinflußt wurden oder deren Beobachtung der Natur sie in eine ähnliche Richtung geführt hatte. Obwohl einige von Giottos Schülern die Richtung seiner Arbeit assimilierten, sollte keiner so erfolgreich werden wie er. Taddeo Gaddi erreichte das erste große Gemälde einer Nachtszene in einer Verkündigung an die Hirten in der Baroncelli-Kapelle der Kirche Santa Croce, Florenz.

Die Gemälde in der Oberkirche der Basilika von St. Franziskus, Assisi, sind Beispiele für die naturalistische Malerei dieser Zeit, die oft Giotto selbst zugeschrieben wird, wohl aber die Werke von Künstlern um Pietro Cavallini. Ein spätes Gemälde von Cimabue in der Unterkirche von Assisi, der Madonna und des hl. Franziskus, zeigt ebenfalls deutlich mehr Naturalismus als seine Tafelbilder und die Überreste seiner früheren Fresken in der Oberkirche.

Sterblichkeit und Erlösung
Ein gemeinsames Thema bei der Dekoration mittelalterlicher Kirchen war das Jüngste Gericht, das in nordeuropäischen Kirchen häufig einen skulpturalen Raum über der Westtür einnimmt, aber in italienischen Kirchen wie Giottos Scrovegni-Kapelle an der inneren Westwand gemalt ist. Der Schwarze Tod von 1348 veranlasste seine Überlebenden, sich auf die Notwendigkeit zu konzentrieren, sich dem Tod in einem Zustand der Buße und Absolution zu nähern. Die Unausweichlichkeit des Todes, die Belohnungen für die Büßer und die Strafen der Sünde wurden in einer Reihe von Fresken hervorgehoben, die für ihre grimmigen Leidensdarstellungen und ihre surrealen Bilder von den Qualen der Hölle bemerkenswert sind.

Dazu gehören der Triumph des Todes von Giottos Schüler Orcagna, jetzt in einem fragmentarischen Zustand im Museum von Santa Croce, und der Triumph des Todes im Camposanto Monumentale in Pisa von einem unbekannten Maler, vielleicht Francesco Traini oder Buonamico Buffalmacco, der am anderen arbeitete drei einer Reihe von Fresken zum Thema Erlösung. Es ist nicht genau bekannt, wann diese Fresken begonnen wurden, aber es wird allgemein angenommen, dass sie nach 1348 datieren.

Zwei bedeutende Freskenmaler waren im späten 14. Jahrhundert in Padua tätig, Altichiero und Giusto de ‚Menabuoi. Giustos Meisterwerk, die Dekoration des Baptisteriums der Kathedrale, folgt dem Thema der Schöpfung, des Untergangs und der Errettung der Menschheit und hat auch einen seltenen Apokalypse-Zyklus im kleinen Chor. Während das ganze Werk wegen seiner Breite, Qualität und intaktem Zustand außergewöhnlich ist, ist die Behandlung menschlicher Emotionen konservativ im Vergleich zu der Kreuzigung Altichieros in der Basilika von Sant’Antonio, ebenfalls in Padua. Giustos Arbeit stützt sich auf formalisierte Gesten, in denen Altichiero die Ereignisse um Christi Tod mit großer menschlicher Dramatik und Intensität in Verbindung bringt.

In Florenz, in der Spanischen Kapelle Santa Maria Novella, wurde Andrea Bonaiuti beauftragt, die Rolle der Kirche im Erlösungs- und insbesondere im Dominikaner-Orden zu betonen. Sein Fresko Allegorie der aktiven und triumphierenden Kirche ist bemerkenswert wegen seiner Darstellung der Kathedrale von Florenz, komplett mit der Kuppel, die erst im folgenden Jahrhundert gebaut wurde.

Internationale Gotik
Während des späten 14. Jahrhunderts war die internationale Gotik der Stil, der die toskanische Malerei dominierte. In der Arbeit von Pietro und Ambrogio Lorenzetti, die durch formalisierte Süße und Grazie in den Figuren und spätgotische Anmut in den Vorhängen gekennzeichnet ist, ist dies zu einem gewissen Grad zu sehen. Der Stil ist in den Werken von Simone Martini und Gentile da Fabriano voll entwickelt, die eine Eleganz und eine Fülle von Details und eine idealisierte Qualität haben, die nicht mit den stärkeren Realitäten von Giottos Gemälden vereinbar ist.

Zu Beginn des 15. Jahrhunderts überbrückt Fra Angelico die Malereien von der internationalen Gotik und der Renaissance. Viele von ihnen, als Altargemälde in Tempera, zeigen die gotische Liebe zur Ausarbeitung, Blattgold und brillante Farben. In seinen Fresken in seinem Kloster Sant ‚Marco zeigt sich Fra Angelico als künstlerischer Schüler Giottos. Diese Andachtsbilder, die die von den Brüdern bewohnten Zellen und Gänge zieren, stellen Episoden aus dem Leben Jesu dar, von denen viele Szenen der Kreuzigung sind. Sie sind sehr einfach, zurückhaltend in der Farbe und intensiv in der Stimmung, da der Künstler spirituelle Offenbarungen zu einer visuellen Realität machen wollte.

Frührenaissance-Malerei

Florenz
Die frühesten Bilder aus der Renaissance in Florenz stammen aus dem Jahr 1401, dem ersten Jahrhundertjahrhundert, das auf Italienisch als Quattrocento bekannt ist und Synonym für die Frührenaissance ist. Zu diesem Zeitpunkt fand ein Wettbewerb statt, bei dem ein Künstler eine Bronzetür für das Baptisterium des Hl. Johannes, die älteste noch existierende Kirche der Stadt, schuf. Das Baptisterium ist ein großes achteckiges Gebäude im romanischen Stil, dessen Ursprünge vergessen worden waren und von dem man glaubte, dass es aus römischer Zeit stammt. Das Innere der Kuppel ist mit einer riesigen Christusfigur in Majestät geschmückt, die wahrscheinlich von Coppo di Marcovaldo entworfen wurde. Es hat drei große Portale, von denen das zentrale zu jener Zeit von einem von Andrea Pisano vor 80 Jahren geschaffenen Tor erfüllt wurde.

Pisanos Türen waren in 28 Vierpass-Abteilungen unterteilt, die Szenen aus dem Leben Johannes des Täufers enthielten. Die Teilnehmer, von denen es sieben junge Künstler gab, sollten jeweils eine Bronzetafel ähnlicher Form und Größe entwerfen, die das Opfer Isaaks darstellte.

Zwei der Platten sind erhalten geblieben, die von Lorenzo Ghiberti und Brunelleschi. Jede Tafel zeigt stark klassizistische Motive, die auf die damalige Richtung von Kunst und Philosophie hinweisen. Ghiberti hat die nackte Figur von Isaac verwendet, um eine kleine Skulptur im klassischen Stil zu schaffen. Er kniet auf einem mit Akanthusrollen geschmückten Grabmal, das auch eine Anspielung auf die Kunst des antiken Roms darstellt. In Brunelleschis Tafel erinnert eine der zusätzlichen Figuren in der Szene an eine bekannte römische Bronzefigur eines Jungen, der sich einen Dorn aus dem Fuß zieht. Brunelleschis Schöpfung ist in ihrer dynamischen Intensität herausfordernd. Weniger elegant als Ghiberti, geht es mehr um menschliches Drama und drohende Tragödie.

Ghiberti gewann den Wettbewerb. Seine erste Reihe von Baptisterien Türen dauerte 27 Jahre, nach denen er beauftragt wurde, einen anderen zu machen. In den insgesamt 50 Jahren, in denen Ghiberti an ihnen arbeitete, bildeten die Türen für viele Florentiner Künstler einen Ausbildungsort. Als narratives Subjekt und nicht nur durch die Fähigkeit, figürliche Kompositionen zu arrangieren, sondern auch durch die aufkeimende Fähigkeit der linearen Perspektive, sollten die Türen einen enormen Einfluss auf die Entwicklung der florentinischen Kunst haben. Sie waren ein verbindender Faktor, eine Quelle des Stolzes und der Kameradschaft für die Stadt und ihre Künstler. Michelangelo sollte sie die Tore des Paradieses nennen.

Brancacci Kapelle
Im Jahr 1426 begannen zwei Künstler in der Karmeliterkirche in Florenz in der Kapelle der Familie Brancacci einen Freskenzyklus des Lebens des hl. Petrus zu malen. Sie beide hießen Tommaso und bekamen den Spitznamen Masaccio und Masolino, Slovenly Tom und Little Tom.

Mehr als jeder andere Künstler erkannte Masaccio die Implikationen in Giottos Werk. Er hat die Praxis des Malens aus der Natur vorangetrieben. Seine Bilder zeigen ein Verständnis der Anatomie, der Verkürzung, der linearen Perspektive, des Lichts und des Faltenwurfs. Unter seinen Werken sind die aus Eden vertriebenen Figuren von Adam und Eva, die an der Seite des Bogens in die Kapelle gemalt wurden, für ihre realistische Darstellung der menschlichen Form und der menschlichen Emotion bekannt. Sie kontrastieren mit den sanften und hübschen Figuren, die Masolino auf der gegenüberliegenden Seite von Adam und Eva gemalt hat, als sie die verbotene Frucht empfingen. Das Gemälde der Brancacci-Kapelle blieb unvollständig, als Masaccio am 26. Juli starb. Die Arbeit wurde später von Filippino Lippi beendet. Masaccios Arbeit wurde zu einer Quelle der Inspiration für viele spätere Maler, darunter Leonardo da Vinci und Michelangelo.

Entwicklung der linearen Perspektive
In der ersten Hälfte des 15. Jahrhunderts war die Verwirklichung der Wirkung des realistischen Raums in einem Gemälde durch den Einsatz der linearen Perspektive ein Hauptanliegen vieler Maler, ebenso wie der Architekten Brunelleschi und Alberti, die beide über das Thema theoretisierten. Es ist bekannt, dass Brunelleschi einige sorgfältige Studien über die Piazza und das achteckige Baptisterium vor der Kathedrale von Florenz durchgeführt hat. Man vermutet, dass er Masaccio bei der Erschaffung seiner berühmten Trompe-l’Oeil-Nische rund um die Heilige Dreifaltigkeit in Santa Maria Novella geholfen hat.

Laut Vasari war Paolo Uccello so besessen von der Perspektive, dass er an kaum etwas anderes dachte und in vielen Gemälden damit experimentierte. Die bekanntesten waren die drei Bilder von Battle of San Romano, die zerbrochene Waffen auf dem Boden und Felder auf den fernen Hügeln verwenden um einen Eindruck der Perspektive zu geben.

In den 1450er Jahren zeigte Piero della Francesca in Bildern wie der Geißelung Christi seine Beherrschung der linearen Perspektive und auch der Lichtwissenschaft. Ein anderes Gemälde existiert, ein Stadtbild, von einem unbekannten Künstler, vielleicht Piero della Francesca, der die Art von Experiment zeigt, das Brunelleschi gemacht hat. Von dieser Zeit an wurde die lineare Perspektive verstanden und regelmäßig angewandt, wie Perugino in seinem Christus, der Petrus in der Sixtinischen Kapelle die Schlüssel gab.

Verständnis von Licht
Giotto benutzte die Tonalität, um eine Form zu schaffen. Taddeo Gaddi zeigte in seiner nächtlichen Szene in der Baroncelli-Kapelle, wie man mit Licht Licht schöpfen kann. Paolo Uccello, hundert Jahre später, experimentierte mit der dramatischen Wirkung des Lichts in einigen seiner fast monochromen Fresken. Er hat einige davon in terra verde oder „grüne Erde“ gemacht und seine Kompositionen mit zinnoberroten Noten belebt. Am bekanntesten ist sein Reiterporträt von John Hawkwood an der Wand der Kathedrale von Florenz. Sowohl hier als auch auf den vier Köpfen der Propheten, die er um das innere Zifferblatt in der Kathedrale malte, verwendete er stark kontrastierende Töne, was nahelegte, dass jede Figur von einer natürlichen Lichtquelle beleuchtet wurde, als ob die Quelle ein echtes Fenster in der Kathedrale wäre .

Piero della Francesca führte seine Lichtstudie weiter. In der Flagellation zeigt er, wie Licht von seinem Ursprung her proportional verbreitet wird. Es gibt zwei Lichtquellen in diesem Bild, eines innerhalb eines Gebäudes und das andere extern. Obwohl das Licht selbst unsichtbar ist, kann die Position der internen Quelle mit mathematischer Sicherheit berechnet werden. Leonardo da Vinci sollte Pieros Lichtarbeit voranbringen.

Die Madonna
Die Jungfrau Maria, die von der katholischen Kirche weltweit verehrt wird, wurde besonders in Florenz erwähnt, wo es ein wunderbares Bild von ihr auf einer Säule auf dem Maismarkt gab und wo sowohl die Kathedrale von „Unsere Liebe Frau der Blumen“ als auch der große Dominikaner Die Kirche Santa Maria Novella wurde ihr zu Ehren benannt.

Frührenaissance-Malerei in anderen Teilen Italiens

Andrea Mantegna in Padua und Mantua
Einer der einflussreichsten Maler Norditaliens war Andrea Mantegna aus Padua, der das Glück hatte, in seiner Jugendzeit zu der Zeit zu sein, in der der große Florentiner Bildhauer Donatello dort arbeitete. Donatello schuf die enorme Reiterbronze, die erste seit dem Römischen Reich, des Condotiero Gattemelata, noch sichtbar auf seinem Sockel auf dem Platz vor der Basilika von Sant’Antonio. Er arbeitete auch am Hochaltar und schuf eine Reihe von Bronzetafeln, in denen er eine bemerkenswerte Tiefenillusion erreichte, mit einer Perspektive in den architektonischen Einstellungen und einer scheinbaren Rundung der menschlichen Form, die alle in einem sehr flachen Relief erschien.

Cosmè Tura in Ferrara
Während Mantegna für die Gonzaga in Mantua arbeitete, wurde ein ganz anderer Maler eingesetzt, um ein noch ehrgeizigeres Projekt für die Familie Este in Ferrara zu entwerfen. Cosmè Turas Gemälde ist sehr eigenwillig, sowohl seltsam gotisch als auch klassizistisch zugleich. Tura stellt klassische Figuren wie Heilige dar, umgibt sie mit leuchtenden Symbolmotiven surrealer Perfektion und kleidet sie in Gewänder, die aus kunstvoll gefaltetem und emailliertem Kupfer zu bestehen scheinen.

Antonello da Messina
Im Jahre 1442 wurde Alfons V. von Aragón Herrscher von Neapel, brachte eine Sammlung flämischer Gemälde mit und gründete eine humanistische Akademie. Der Maler Antonello da Messina scheint Zugriff auf die Sammlung des Königs gehabt zu haben, die möglicherweise die Werke von Jan van Eyck enthalten hat. Er scheint der flämischen Malerei früher als die Florentiner ausgesetzt gewesen zu sein, um schnell das Potential von Öl als Medium erkannt zu haben und dann in nichts anderem gemalt zu haben. Er führte die Technik mit ihm nach Venedig, wo er bald von Giovanni Bellini übernommen wurde und zum bevorzugten Medium der Seerepublik wurde, wo die Freskenkunst nie ein großer Erfolg war.

Hochrenaissance

Patronat und Humanismus
In Florenz, im späten 15. Jahrhundert, wurden die meisten Kunstwerke, auch solche, die als Dekoration für Kirchen angefertigt wurden, im Allgemeinen von privaten Mäzenen in Auftrag gegeben und bezahlt. Ein großer Teil des Patronats kam von der Medici-Familie oder von jenen, die eng mit ihnen verbunden waren oder mit ihnen verwandt waren, wie die Sassetti, die Ruccellai und die Tornabuoni.

Flämischer Einfluss
Ab etwa 1450, mit der Ankunft des flämischen Malers Rogier van der Weyden in Italien und möglicherweise früher, wurden die Künstler in das Medium der Ölfarbe eingeführt. Während sich sowohl Tempera als auch Fresko für die Darstellung von Mustern eigneten, stellten beide keine erfolgreiche Möglichkeit dar, natürliche Texturen realistisch darzustellen. Das hochflexible Medium aus Ölen, das undurchsichtig oder durchsichtig gemacht werden konnte, und die für Tage nach dem Ablegen verändert und ergänzt werden konnten, eröffnete italienischen Künstlern eine neue Welt der Möglichkeiten.

Päpstliche Kommission
1477 ersetzte Papst Sixtus IV. Die verfallene alte Kapelle im Vatikan, in der viele der päpstlichen Gottesdienste abgehalten wurden. Das Innere der neuen Kapelle, die zu seinen Ehren die Sixtinische Kapelle genannt wird, scheint von Anfang an so geplant zu sein, dass zwischen den Pilastern auf der mittleren Ebene eine Reihe von 16 großen Fresken mit einer Reihe von gemalten Porträts von Päpsten über ihnen steht.

Leonardo da Vinci
Leonardo wird aufgrund seiner Interessen und der außerordentlichen Begabung, die er in so vielen verschiedenen Bereichen bewiesen hat, als der archetypische „Renaissancemann“ betrachtet. Aber vor allem als Maler wurde er in seiner Zeit bewundert, und als Maler griff er auf das Wissen zurück, das er aus all seinen anderen Interessen zog.

Michelangelo
Im Jahr 1508 gelang es Papst Julius II., Den Bildhauer Michelangelo dazu zu bewegen, das dekorative Schema der Sixtinischen Kapelle fortzusetzen. Die Decke der Sixtinischen Kapelle war so gebaut, dass zwölf abfallende Zinnen das Gewölbe abstützten und ideale Flächen für die Bemalung der Zwölf Apostel bildeten. Michelangelo, der den Forderungen des Papstes mit wenig Gnade nachgegeben hatte, entwickelte bald ein völlig anderes Schema, das sowohl in der Gestaltung als auch in der Ikonographie viel komplizierter war. Der Umfang der Arbeit, die er mit Ausnahme der manuellen Assistenz einhändig ausübte, war titanisch und dauerte fast fünf Jahre.

Raphael
Mit Leonardo da Vinci und Michelangelo ist Raffaels Name gleichbedeutend mit der Hochrenaissance, obwohl er um 18 Jahre jünger als Michelangelo und um fast 30 Jahre Leonardo war. Man kann nicht von ihm behaupten, dass er den Stand der Malerei als seine beiden berühmten Zeitgenossen erheblich vorangebracht hat hat getan. Seine Arbeit war vielmehr der Höhepunkt aller Entwicklungen der Hochrenaissance.

Hochrenaissance-Malerei in Venedig

Giovanni Bellini
Giovanni Bellini war der genaue Zeitgenosse seines Bruders Gentile, seines Schwagers Mantegna und Antonello da Messina. Er arbeitete den größten Teil seines Lebens im Studio seines Bruders und war stark vom Stil Mantegnas beeinflusst. Er scheint jedoch kein eigenständig signiertes Gemälde produziert zu haben, bis er Ende 50 war. In den letzten 30 Jahren seines Lebens war er sowohl außerordentlich produktiv als auch einflussreich und wurde von Giorgione und Tizian geleitet. Bellini, wie sein viel jüngerer Zeitgenosse Raphael, produzierte zahlreiche kleine Madonnen in satten, leuchtenden Farben, gewöhnlich von intensiverer Tonalität als sein florentinisches Pendant. Diese Madonnen vermehrten sich, wie sie von anderen Mitgliedern des großen Bellini-Studios reproduziert wurden, ein winziges Bild, Die Beschneidung Christi, das in vier oder fünf fast identischen Versionen existiert.

Giorgione und Tizian
Während sich der Stil von Giorgiones Gemälde eindeutig auf den seines vermeintlichen Meisters Giovanni Bellini bezieht, macht ihn sein Gegenstand zu einem der originellsten und abstrusesten Künstler der Renaissance. Eines seiner Gemälde, eine Landschaft, bekannt als der Sturm, mit einer halbnackten Frau, die ein Baby, einen bekleideten Mann, einige klassische Säulen und einen Blitzstrahl füttert, repräsentiert vielleicht Adam und Eva in ihren Post-Eden-Tagen oder vielleicht Es tut nicht. Ein anderes Gemälde, das ihm zugeschrieben wird und traditionell als „Die drei Philosophen“ bekannt ist, könnte die Magier darstellen, die ihre Reise auf der Suche nach dem jungen Jesus planen, aber auch das ist nicht sicher.

Einfluss der italienischen Renaissance-Malerei
Das Leben von Michelangelo und Tizian reicht bis in die zweite Hälfte des 16. Jahrhunderts. Beide sahen ihre Stile und die von Leonardo, Mantegna, Giovanni Bellini, Antonello da Messina und Raffael von späteren Malern zu einem disparaten Stil, bekannt als Manierismus, umgestalten und bewegten sich stetig auf die große Ausgießung von Imagination und malerischer Virtuosität der Barockzeit zu.

Der Künstler, der die Tendenzen in Tizians großen figurativen Kompositionen am meisten ausdehnte, ist Tintoretto, obwohl seine persönliche Art so war, dass er nur neun Tage als Tizians Lehrling dauerte. Rembrandts Kenntnis der Werke Tizians und Raffaels zeigt sich in seinen Porträts. Die direkten Einflüsse von Leonardo und Raffael auf ihre eigenen Schüler sollten Generationen von Künstlern wie Poussin und Schulen klassischer Maler des 18. und 19. Jahrhunderts beeinflussen. Antonello da Messinas Werk hatte direkten Einfluss auf Albrecht Dürer und Martin Schongauer und durch dessen Kupferstiche zahllose Künstler, darunter die deutschen, holländischen und englischen Schulen der Glasmalereien bis in das frühe 20. Jahrhundert.

Michelangelos Decke der Sixtinischen Kapelle und später das Jüngste Gericht hatten direkten Einfluss auf die figurativen Kompositionen zuerst von Raffael und seinen Schülern und dann fast jedem nachfolgenden Maler des 16. Jahrhunderts, der nach neuen und interessanten Wegen zur Darstellung der menschlichen Form suchte. Es ist möglich, seinen Stil der figurativen Komposition durch Andrea del Sarto, Pontormo, Bronzino, Parmigianino, Veronese, el Greco, Carracci, Caravaggio, Rubens, Poussin und Tiepolo zu den klassischen und romantischen Maler des 19. Jahrhunderts wie Jacques-Louis David und Delacroix.

Unter dem Einfluss der italienischen Renaissancemalerei wurden viele moderne Akademien der Kunst, wie die Königliche Akademie, gegründet, und es war speziell die Sammlung der Werke der italienischen Renaissance, die einige der bekanntesten Kunstsammlungen der Welt, wie die Nationalgalerie, beherbergt Gallery, London, wurden gegründet.