Art Nouveau é um estilo internacional de arte, arquitetura e arte aplicada, especialmente as artes decorativas, que foi mais popular entre 1890 e 1910. Uma reação à arte acadêmica do século 19, foi inspirada por formas e estruturas naturais, particularmente a linhas curvas de plantas e flores.
Inglês usa o nome francês Art Nouveau (nova arte). O estilo está relacionado, mas não idêntico, a estilos que surgiram em muitos países da Europa mais ou menos na mesma época: na Áustria é conhecido como Secessionsstil após Wiener Secession; em modernismo espanhol; em Catalão Modernismo; em tcheco Secese; em dinamarquês Skønvirke ou Jugendstil; em alemão Jugendstil, Art Nouveau ou Reformstil; em húngaro Szecesszió; em italiano Art Nouveau, Stile Liberty ou Stile floreale; em norueguês Jugendstil; em polonês Secesja; na Eslováquia Secesia; em ucraniano e russo Модерн (Modern); em sueco e finlandês Jugend.
Art Nouveau é um estilo de arte total: ela abrange uma ampla gama de artes finas e decorativas, incluindo arquitetura, pintura, arte gráfica, design de interiores, joalheria, móveis, têxteis, cerâmica, arte em vidro e metalurgia.
Em 1910, a Art Nouveau já estava fora de moda. Foi substituído como o estilo arquitetônico e decorativo europeu dominante primeiro pela Art Deco e depois pelo Modernismo.
Art Nouveau na França
Após a exposição de 1900, a capital da Art Nouveau era Paris. As residências mais extravagantes do estilo foram construídas por Jules Lavirotte, que cobriu inteiramente as fachadas com decoração escultural em cerâmica. O exemplo mais extravagante é o Edifício Lavirotte, em 29 avenue Rapp (1901). Prédios de escritórios e lojas de departamentos exibiam pátios altos cobertos com cúpulas de vitrais e decoração de cerâmica. O estilo era particularmente popular em restaurantes e cafés, incluindo o Maxim’s na 3 rue Royale e o Le Train bleu na Gare de Lyon (1900).
A cidade de Nancy, na Lorena, tornou-se a outra capital francesa do novo estilo. Em 1901, foi fundada a Aliança Provinciale des industries d’art, também conhecida como École de Nancy, dedicada a perturbar a hierarquia que coloca a pintura e a escultura acima das artes decorativas. Os principais artistas que trabalhavam lá incluíam os criadores de vasos de vidro e lâmpadas Emile Gallé, os irmãos Daum em design de vidro, e o designer Louis Majorelle, que criava móveis com formas florais e vegetais graciosas. O arquiteto Henri Sauvage trouxe o novo estilo arquitetônico para Nancy com sua Villa Majorelle em 1898.
O estilo francês foi amplamente propagado por novas revistas, incluindo O Estúdio, Artes e Idéias e Arte e Decoração, cujas fotografias e litografias coloridas tornaram o estilo conhecido para designers e clientes ricos em todo o mundo.
Na França, o estilo chegou ao topo em 1900, e depois saiu rapidamente da moda, virtualmente desaparecendo da França em 1905. O estilo Art Nouveau era de luxo, o que exigia artesãos especializados e altamente remunerados e não podia ser fácil ou barato em massa. produzido. Um dos poucos produtos Art Nouveau que poderiam ser produzidos em massa era o frasco de perfume, e estes continuam a ser fabricados no estilo atual. O Art Nouveau foi sucedido por Art Deco (Art déco).
Bélgica, Holanda e Suíça
A Bélgica foi um dos primeiros centros da Art Nouveau, graças em grande parte à arquitetura de Victor Horta, que projetou as primeiras casas Art Nouveau, o Hôtel Tassel em 1893 e o Hôtel Solvay em 1894. Horta conheceu e teve uma forte influência na obra do jovem Hector Guimard. Outros designers importantes incluíram o arquiteto Paul Hankar, que construiu uma casa em estilo Art Nouveau em 1893; o arquiteto e designer de móveis Henry van de Velde, o decorador Gustave Serrurier-Bovy e o artista gráfico Fernand Khnopff. Os designers belgas aproveitaram o abundante suprimento de marfim importado do Congo Belga; esculturas mistas, combinando pedra, metal e marfim, por artistas como Philippe Wolfers, eram populares.
Na Holanda, o estilo era conhecido como Nieuwe Kunst, a nova arte. Os arquitetos incluíram Hendrik Petrus Berlage, que projetou uma variante racional mais funcional, enquanto Carel Adolph Lion Cachet, Theo Nieuwenhuis e Gerrit Willem Dijsselhof projetaram um estilo mais pitoresco e decorativo. O design de mobiliário foi influenciado pela importação de madeiras exóticas das Índias Orientais Holandesas (a moderna Indonésia), enquanto os têxteis foram influenciados pelos desenhos e técnicas de batik.
Entre os artistas suíços proeminentes do período estavam o pintor e artista gráfico Théophile Steinlen, criador do famoso cartaz do cabaré de Paris Le Chat noir, e o artista, escultor e decorador Eugène Grasset, que se mudou da Suíça para Paris, onde desenhou gráficos, móveis, tapeçarias, cerâmicas e cartazes. Em Paris, lecionou na escola de arte Guérin (École normale denseignement du dessin), onde seus alunos incluíam Augusto Giacometti e Paul Berthon.
Estilo Moderno e Escola de Glasgow na Grã-Bretanha
A Art Nouveau teve suas raízes na Grã-Bretanha, no movimento de artes e ofícios da década de 1880, que pedia uma união mais estreita entre artes plásticas e artes decorativas e uma ruptura dos estilos históricos com desenhos inspirados em função e natureza. Um notável exemplo inicial do projeto de Arthur Mackmurdo para a capa de seu ensaio sobre as igrejas da cidade de Sir Christopher Wren, publicado em 1883.
Outros inovadores importantes na Grã-Bretanha incluíram os designers gráficos Aubrey Beardsley cujos desenhos apresentavam as linhas curvas que se tornaram a característica mais reconhecível do estilo. o ferro forjado de fluxo livre da década de 1880 também poderia ser aduzido, ou alguns desenhos de tecidos florais planos, a maioria dos quais devia algum ímpeto a padrões de design do século XIX. Outros artistas gráficos britânicos que tiveram um lugar importante no estilo incluem Walter Crane e Charles Ashbee.
A loja de departamentos Liberty, em Londres, desempenhou um papel importante, através de seus desenhos florais coloridos e estilizados para tecidos, e dos designs de prata, estanho e jóias de Manxman (de descendência escocesa) Archibald Knox. Seus designs de joias em materiais e formas romperam inteiramente com as tradições históricas do design de joias.
Para a arquitetura Art Nouveau e design de móveis, o centro mais importante da Grã-Bretanha foi Glasgow, com as criações de Charles Rennie Mackintosh e da Glasgow School, cujo trabalho foi inspirado no Art Nouveau francês, arte japonesa, simbolismo e renascimento gótico. A partir de 1895, Mackintosh exibiu seus projetos em exposições internacionais em Londres, Viena e Turim; Seus projetos influenciaram particularmente o estilo da Secessão em Viena. Suas criações arquitetônicas incluíam o Glasgow Herald Building (1894) e a biblioteca da Glasgow School of Art (1897). Ele também estabeleceu uma grande reputação como designer de móveis e decorador, trabalhando em estreita colaboração com sua esposa, Margaret Macdonald Mackintosh, um proeminente pintor e designer. Juntos, criaram desenhos marcantes que combinavam linhas retas geométricas com uma decoração floral em curva suave, particularmente um famoso símbolo do estilo, o Glasgow Rose “.
Léon-Victor Solon, fez uma importante contribuição para a cerâmica Art Nouveau como diretor de arte da Mintons. Ele se especializou em placas e em vasos revestidos de tubos comercializados como “produtos secessionistas” (geralmente descritos como tendo o nome do movimento de arte vienense). Além da cerâmica, ele projetou têxteis para a indústria de seda Leek e dobrou para um encadernador (GTBagguley of Newcastle under Lyme), que patenteou a encadernação Sutherland em 1895.
O edifício Edward Everard, em Bristol, construído entre 1900 e 1901 para abrigar as obras de impressão de Edward Everard, apresenta uma fachada Art Nouveau. As figuras descritas são de Johannes Gutenberg e William Morris, ambos eminentes no campo da impressão. Uma figura alada simboliza o “Espírito da Luz”, enquanto uma figura segurando uma lâmpada e um espelho simboliza a luz e a verdade.
Jugendstil na Alemanha
A art nouveau alemã é comumente conhecida por seu nome em alemão, Jugendstil. O nome é retirado do jornal artístico Die Jugend, publicado em Munique e que abraçou o novo movimento artístico. Foi fundada em 1896 por Georg Hirth (Hirth permaneceu editor até sua morte em 1916, e a revista continuou a ser publicada até 1940). A revista foi fundamental na promoção do estilo na Alemanha. Como resultado, seu nome foi adotado como o termo mais comum em alemão para o estilo: Jugendstil (“estilo jovem”). Embora, no início do século XX, a palavra tenha sido aplicada apenas a exemplos bidimensionais das artes gráficas, especialmente as formas de tipografia orgânica e design gráfico encontradas e influenciadas por revistas alemãs como Jugend, Pan e Simplicissimus, agora é aplicada a manifestações mais gerais das artes visuais Art Nouveau na Alemanha, Países Baixos, Estados Bálticos e países nórdicos. Os dois principais centros de arte Jugendstil na Alemanha foram Munique e Darmstadt (Mathildenhöhe).
Dois outros jornais, Simplicissimus, publicado em Munique, e Pan, publicados em Berlim, provaram ser importantes defensores do Jugendstil. As revistas foram importantes para disseminar o idioma visual do Jugendstil, especialmente as qualidades gráficas. Jugendstil arte inclui uma variedade de métodos diferentes, aplicados pelos vários artistas individuais e apresenta o uso de linhas duras, bem como curvas sinuosas. Os métodos variam do clássico ao romântico. Uma característica do Jugendstil é a tipografia utilizada, cuja combinação de letras e imagens é inconfundível. A combinação foi usada para capas de romances, anúncios e cartazes de exibição. Os designers costumavam usar fontes de exibição exclusivas que funcionavam harmoniosamente com a imagem.
Um dos mais famosos artistas alemães associados a ambos, Die Jugend e Pan, foi Otto Eckmann. Seu animal favorito era o cisne, e tal era sua influência no movimento alemão de que o cisne passou a servir de leitmotif para o Jugendstil.
Um dos mais proeminentes designers alemães no estilo foi Richard Riemerschmid, que fez móveis, cerâmica e outros objetos decorativos em um estilo sóbrio e geométrico que apontava para a Art Deco.
Secessão de Viena na Áustria
Viena tornou-se o centro de uma variante distinta da Art Nouveau, que ficou conhecida como a Secessão de Viena, um movimento artístico fundado em abril de 1897 por um grupo de artistas que incluía Gustav Klimt, Koloman Moser, Josef Hoffmann e Joseph Maria Olbrich. Kurzweil e Otto Wagner. O pintor Klimt tornou-se o presidente do grupo. Eles se opuseram à orientação conservadora em relação ao historicismo expressa por Viena Künstlerhaus, a união oficial de artistas. A Secessão fundou uma revista, Ver Sacrum, para promover seus trabalhos em todas as mídias. O estilo da Secessão era notavelmente mais feminino, menos pesado e menos nacionalista que o Jugendstil na vizinha Alemanha. O arquiteto Joseph Olbrich projetou o edifício da Secessão em cúpula no novo estilo, que se tornou uma vitrine para as pinturas de Gustav Klimt e outros artistas da Secessão. O estilo arquitetônico da Secessão de Viena teve uma influência muito além da cidade. Edifícios no estilo apareceram nas outras grandes cidades do Império e além; Um dos exemplos mais famosos é o Palácio Stoclet construído por Josef Hoffmann em Bruxelas em 1905-1911. O interior é inteiramente decorado em estilo Secessão, incluindo pinturas notáveis de Gustav Klimt.
Klimt se tornou o mais conhecido dos pintores da Secessão, muitas vezes apagando a fronteira entre pintura de arte e pintura decorativa. Koloman Moser era um artista extremamente versátil no estilo; seu trabalho inclui ilustrações de revistas, arquitetura, prataria, cerâmica, porcelana, têxteis, vitrais, móveis e muito mais. Ele freqüentemente trabalhou em colaboração com Hoffmann e Klimt; os três juntos criaram os interiores, mobiliário e até mesmo roupas para serem usados no Palácio Stoclet em Bruxelas. Em 1903, ele e Hoffmann fundaram a Wiener Werkstätte, uma escola de treinamento e oficina para designers e artesãos de móveis, tapetes, tecidos e objetos de decoração.
Secessão na Europa Central
Nas capitais da Europa Central, então governadas pelo Império Austro-Húngaro em Viena, as formas nacionais da Art Nouveau são rápidas em aparecer, e muitas vezes assumiram elementos históricos ou folclóricos. O design dos móveis de Ödön Faragó em Budapeste (Hungria) combinou a arquitetura popular tradicional, a arquitetura oriental e a arte internacional Nouveau em um estilo altamente pitoresco. Pál Horti, outro designer húngaro, tinha um estilo muito mais sóbrio e funcional, feito de carvalho com traços delicados de ébano e latão.
Praga, na República Tcheca, possui uma notável coleção de arquitetura Art Nouveau, incluindo o Hotel Central e a Sinagoga do Jubileu, construída em 1908.
O estilo de combinar Art Nouveau e elementos arquitetônicos nacionais era típico também do arquiteto eslovaco Dušan Jurkovič, que estava sob a influência da Art Nouveau húngara. Suas obras mais originais são a Casa Cultural em Skalica na Eslováquia (1905), prédios de spa em Luhačovice na República Tcheca (1901-1903) e 35 cemitérios de guerra perto de Nowy Żmigród na Galícia (agora Polônia), a maioria deles fortemente influenciada por locais Arte folclórica de Lemko (Rusyn) e carpintaria (1915-1917). Outro exemplo da arquitetura da Secessão na Eslováquia é a Igreja de Santa Isabel (a pequena igreja azul) em Bratislava.
Stile Liberty na Itália
O Stile Liberty da Itália recebeu esse nome da loja de departamentos britânica Liberty, cujos tecidos coloridos eram particularmente populares na Itália. Entre os designers italianos destacados estavam Galileo Chini, cujas cerâmicas foram inspiradas tanto por padrões de majólica quanto por Art Nouveau. Mais tarde, ele foi conhecido como pintor e designer cênico; ele projetou os cenários para duas óperas de Puccini, Gianni Schicchi e Turandot.
O Teatro Massimo em Palermo, do arquiteto Ernesto Basile, é um exemplo da variante italiana do estilo, estilo arquitetônico, que combina elementos artísticos e clássicos.
A figura mais importante do design italiano de móveis de estilo Art Nouveau foi Carlo Bugatti, filho de um arquiteto e escultor e irmão do famoso designer de automóveis. Ele estudou na Academia Milanesa de Brera, e mais tarde na Académie des Beaux-Arts em Paris. Seu trabalho foi distinguido por seu exotismo e excentricidade, incluindo prataria, têxteis, cerâmica e instrumentos musicais, mas ele é mais lembrado por seus projetos de móveis inovadores, mostrado pela primeira vez em 1888 na Feira de Belas Artes de Milão. Sua mobília freqüentemente apresentava um design de buraco de fechadura, e tinha invólucros incomuns, incluindo pergaminho e seda, e incrustações de osso e marfim. Por vezes também tinha formas orgânicas surpreendentes, copiadas após caracóis e cobras.
Modernismo em Espanha, Arte Nova em Portugal
Na Espanha, uma variante altamente original do estilo, Catalan Modernisme, apareceu em Barcelona. Seu criador mais famoso foi Antoni Gaudi, que usou as formas florais e orgânicas do Art Nouveau de uma maneira muito inovadora em Palau Güell (1886). Seus projetos de cerca de 1903, a Casa Batlló (1904-1906) e Casa Milà (1906-1908), estão mais intimamente relacionados com os elementos estilísticos da Art Nouveau. No entanto, estruturas famosas como a Sagrada Família caracteristicamente contrastam as tendências modernistas da Art Nouveau com o neo-gótico revivalista. Além da presença dominante de Gaudí, Lluís Domènech i Montaner também usou Art Nouveau em Barcelona em edifícios como o Castell dels Tres Dragons (1888), o Palau de la Música Catalana e a Casa Lleó Morera (1905). Outro grande modernista foi Josep Puig i Cadafalch, que projetou a Casa Martí e seu café Quatre Gats, a fábrica têxtil Casimir Casaramona (agora o museu de arte CaixaFòrum), a Casa Macaya, a Casa Amatller, o Palau del Baró de Quadras. 10 anos até 2013) e a Casa de les Punxes (“Casa dos Picos”). Igualmente conhecida é Josep Maria Jujol, com casas em Sant Joan Despí (1913-1926), várias igrejas perto de Tarragona (1918 e 1926) e a sinuosa Casa Planells (1924) em Barcelona. Alguns outros grandes arquitetos trabalhando fora de Barcelona foram Lluís Muncunill i Parellada, com uma magnífica fábrica têxtil em Terrassa (Vapor Aymerich, Amat i Jover, agora Museu de Ciência e Tecnologia da Catalunha – Museu da Ciência e Tecnologia da Catalunha). e uma casa de fazenda / pequena casa senhorial chamada Masia Freixa na mesma cidade; e Cèsar Martinell i Brunet, com suas espetaculares “catedrais de vinho”, abrigando vinícolas cooperativas da cidade no sul e no centro da Catalunha. Um arquiteto valenciano que trabalhou na Catalunha antes de emigrar para os Estados foi Rafael Guastavino. Atribuído a ele é a Fábrica de Cimento Asland em Castellar de n’Hug, entre outros edifícios.
O designer de móveis catalão Gaspar Homar (1870-1953), influenciado por Antoni Gaudi, muitas vezes combinando marchetaria e mosaicos com seus móveis. Exemplos de Art Nouveau (Arte nova), baseados em grande parte no modelo francês, apareceram em Portugal no Porto e em Aveiro. Um exemplo notável é a Livraria Lello no Porto, desenhada por Xavier Esteves (1906).
Jugendstil nos países nórdicos
Art Nouveau era popular nos países nórdicos, onde era geralmente conhecido como Jugendstil, e foi muitas vezes combinada com o estilo romântico nacional de cada país. Na Noruega, a Art Nouveau estava ligada a um renascimento inspirado na arte popular e artesanato Viking. Designers notáveis incluíram Lars Kisarvik, que projetou cadeiras com padrões Viking e Celtic tradicionais, e Gerhard Munthe, que projetou uma cadeira com um emblema de cabeça de dragão estilizado de navios Viking antigos, bem como uma grande variedade de cartazes, pinturas e gráficos. Outros exemplos incluem a Igreja Skien (1887-1894) e a Igreja de Fagerborg em Kristiania (Oslo) (1900-1903).
Na Finlândia, bons exemplos são a estação ferroviária central de Helsinque, projetada por Eliel Saarinen, pai do famoso arquiteto modernista americano Eero Saarinen. Exemplos do estilo incluem o Teatro Nacional da Finlândia, a Igreja Kallio, o Museu Nacional da Finlândia e a Catedral de Tampere. Em contraste com a mobília muito elaborada do Art Nouveau norueguês, o Art Deco finlandês era extremamente simples e funcional, como nas cadeiras projetadas por Eliel Saarinen (1907-1908).
Mundo da arte na Rússia
Uma variação russa muito colorida de Art Nouveau apareceu em Moscou e São Petersburgo em 1898 com a publicação de uma nova revista de arte, “Мир искусства” (transliteração: Mir Iskusstva) (“O Mundo da Arte”), pelos artistas russos Alexandre Benois e Léon Bakst e o editor-chefe Sergei Diaghilev. A revista organizou exposições de importantes artistas russos, incluindo Mikhail Vrubel, Konstantin Somov, Isaac Levitan e o ilustrador de livros Ivan Bilibin. O estilo do Mundo da Arte fazia menos uso das formas vegetal e floral da Art Nouveau francesa; ela se baseou fortemente nas cores brilhantes e nos desenhos exóticos do folclore e dos contos de fadas russos. A contribuição mais influente do “World of Art” foi a criação, por Diaghilev, de uma nova companhia de balé, os Ballets Russes, encabeçados por Diaghilev, com figurinos e cenários desenhados por Bakst e Benois. A nova companhia de ballet estreou em Paris em 1909, e apresentou-se lá todos os anos até 1913. Os conjuntos exóticos e coloridos projetados por Benois e Bakst tiveram um grande impacto na arte e design franceses. O figurino e os figurinos foram reproduzidos nas principais revistas de Paris, L’Illustration, La Vie Parisienne e Gazette du bon ton, e o estilo russo ficou conhecido em Paris como à la Bakst. A empresa ficou em Paris primeiro pela eclosão da Primeira Guerra Mundial, e depois pela Revolução Russa em 1917, e ironicamente nunca se apresentou na Rússia.
Moscou e São Petersburgo têm vários prédios de estilo Art Nouveau construídos nos últimos anos antes da Revolução; notavelmente o Hotel Metropol em Moscou, que apresenta um mural de cerâmica na fachada, The Princess of Dreams, do designer cênico Mikhail Vrubel; e a estação ferroviária de Vitebsk em São Petersburgo (1904)
Tiffany Style nos Estados Unidos
Nos Estados Unidos, a firma de Louis Comfort Tiffany desempenhou um papel central na Art Nouveau americana. Nascido em 1848, estudou na National Academy of Design, em Nova York, começou a trabalhar com vidro aos 24 anos, ingressou no negócio de família iniciado por seu pai e, em 1885, montou sua própria empresa dedicada ao vidro fino e desenvolveu novas técnicas para a sua coloração. Em 1893, ele começou a fazer vasos de vidro e tigelas, desenvolvendo novas técnicas que permitiam formas e cores mais originais, e começou a experimentar vidro de janela decorativo. Camadas de vidro foram impressas, marmorizadas e sobrepostas, dando uma excepcional riqueza e variedade de cores Em 1895, suas novas obras foram apresentadas na galeria Art Nouveau de Siegfried Bing, dando-lhe uma nova clientela europeia. Após a morte de seu pai em 1902, ele assumiu todo o empreendimento da Tiffany, mas ainda dedicava grande parte de seu tempo a projetar e fabricar objetos de arte em vidro. A pedido de Thomas Edison, ele começou a fabricar lâmpadas elétricas com tonalidades de vidro multicoloridas em estruturas de bronze e ferro, ou decoradas com mosaicos, produzidas em inúmeras séries e edições, cada uma feita com o cuidado de uma peça de joalheria. Uma equipe de designers e artesãos trabalhou em cada produto. A lâmpada da Tiffany, em particular, tornou-se um dos ícones da Art Nouveau, mas os artesãos (e artesãs) da Tiffany projetaram e fizeram janelas, vasos e outras obras de arte extraordinárias. O copo de Tiffany também teve grande sucesso na 1900 Exposition Universelle em Paris; seu vitral chamado Voo das Almas ganhou uma medalha de ouro.
Outra figura importante na Art Nouveau americana foi o arquiteto Louis Sullivan, mais conhecido como o arquiteto de alguns dos primeiros arranha-céus de ferro americanos. Na Exposição Mundial Colombiana de 1893, em Chicago, mais famosa pela arquitetura neoclássica de sua renomada Cidade Branca, ele projetou uma entrada espetacular de Art Nouveau para o Edifício de Transporte. A Exposição Colombiana também foi um importante local para a Tiffany; uma capela que ele projetou foi mostrada no Pavilhão da Arte e Indústria. A Tiffany Chapel, juntamente com uma das janelas da casa da Tiffany em Nova York, estão agora em exibição no Museu Charles Hosmer Morse de Arte Americana, em Winter Park, Flórida.