アールヌーボーは、1890年から1910年にかけて最も人気があった国際的なスタイルの芸術、建築、応用芸術、特に装飾芸術です。19世紀の学術芸術への反応は、自然の形や構造、特に植物や花の曲線。

英語はフランスの名前のArt Nouveau（新しい芸術）を使用します。 スタイルは、ヨーロッパの多くの国々でほぼ同じ時期に現れたスタイルに関連していますが、同一ではありません。オーストリアでは、ウィーナーセクシュレーションの後でSecessionsstilとして知られています。 スペインのモダニズムで; カタロニア語モダニズムで; チェコ語でSecese; デンマークSkønvirkeまたはJugendstilで; ドイツのJugendstil、Art NouveauまたはReformstilで、 ハンガリー語でSzecesszió; イタリアのアールヌーボー、Stile LibertyまたはStile florealeで、 ノルウェーのJugendstilで; ポーランド語Secesja; スロバキア・セケシアでは、 ウクライナ語とロシア語でМодерн（現代）; スウェーデンとフィンランドのジュゲンドで

アールヌーヴォーは、建築、絵画、グラフィックアート、インテリアデザイン、ジュエリー、家具、テキスタイル、セラミックス、ガラスアート、金属工芸など幅広い芸術品を取り入れています。

1910年までに、アールヌーヴォーはすでにスタイルが外れていました。 それは最初にアールデコとその後モダニズムによって支配的なヨーロッパの建築様式と装飾様式に取り替えられました。

フランスのアールヌーボー
1900年の博覧会の後、アールヌーヴォーの首都はパリでした。 このスタイルの中で最も贅沢な住居は、ジュール・ラヴィロット（Jules Lavirotte）によって造られました。ジュール・ラビロットは、セラミックの彫刻の装飾でファサード全体を覆っていました。 最も魅力的な例は29 avenue Rapp（1901）のLavirotte Buildingです。 オフィスビルやデパートには、ステンドグラスのキュプソルとセラミック装飾で覆われた高い中庭がありました。 このスタイルは、Maxim’s of 3 rue Royale、リヨン駅Gare de Lyon（1900）のLe Train bleuなど、レストランやカフェで特に人気がありました。

ロレーヌにあるナンシーの街は、新しいスタイルのフランスの他の首都になりました。 1901年に、Écolede Nancyとも呼ばれるアライアンスの地方産業芸術が設立され、装飾芸術の上に絵画と彫刻を置く階層を騒がせました。 そこで働いた主なアーティストには、ガラスの花瓶とランプのクリエイターEmileGallé、ガラスデザインのDaumの兄弟、デザイナーのLouis Majorelleなどがあり、彼らは優雅な花と植物の形をした家具を作りました。 建築家Henri Sauvageは、1898年にVilla Majorelleと共に新しい建築様式をナンシーにもたらしました。

フランスのスタイルは、The Studio、Arts etIdées、Art etDécorationなどの新しい雑誌に広く伝播されました。写真とカラーリトグラフは世界中のデザイナーや裕福な顧客に知られています。

フランスでは、このスタイルは1900年に頂上に達し、その後1905年にフランスから事実上消えて急速に流行しました。アールヌーボーは熟練した高級職人を必要とする贅沢なスタイルで、生産された。 大量生産が可能な数少ないアールヌーボー製品の1つが香水瓶でしたが、今日もこのスタイルで製造され続けています。 Art NouveauはArt Deco（Artdéco）に引き継がれました。

ベルギー、オランダ、スイス
ベルギーはアールヌーボーの初期の中心地でした。最初のアールヌーボー様式の家、1893年のHôtelTassel、1894年のHôtelSolvayを設計したVictor Hortaの建築のおかげで大盛況でした。Hortaは出会い、仕事に強い影響を与えました若いヘクター・ギマードの 他の重要なデザイナーには、1893年にアールヌーボーの家を建てた建築家ポール・ハンカール、 建築家、家具デザイナーHenry van de Velde、デコレータGustave Serrurier-Bovy、グラフィック・アーティストFernand Khnopff。 ベルギーのデザイナーは、ベルギーのコンゴ出身の象牙の豊富な供給を利用しました。 フィリップ・ウォルファーズ（Philippe Wolfers）のような芸術家が石、金属、象牙を組み合わせた混合彫刻が人気を博しました。

オランダでは、このスタイルはニュー・アート・クンストという新しいアートとして知られていました。 建築家には、より機能的で合理的なバリアントを設計したHendrik Petrus Berlage、Carel Adolph Lion Cachet、Theo Nieuwenhuis、Gerrit Willem Dijsselhofがより美しく装飾的なスタイルを設計しました。 家具のデザインは、オランダの東インド諸島（現代インドネシア）からのエキゾチックな森林の輸入に影響され、テキスタイルはバティックの設計と技術の影響を受けた。

有名なスイスのアーティストには、パリのキャバレーLe Chat noirの有名ポスターの創作者であり、スイスからパリに移り住んだグラフィックデザイナー、家具、デザイナーの彫刻家、彫刻家、デコレーター、EugèneGrassetが含まれます。タペストリー、セラミックス、ポスター。 パリでは、彼は学生がアウグスト・ジャコメッティとポール・ベートンを含むグエリン美術学校（エコール・ノルマル・デ・エンセンスメント・デ・デッサン）で教鞭を執りました。

英国のモダンスタイルとグラスゴー学校
アールヌーヴォーは、1880年代の芸術や工芸品の動きで、美術と装飾の芸術をより緊密に結びつけ、歴史的スタイルから機能や自然に触発されたデザインへと変わりました。 1883年に出版されたクリストファー・レン（Christopher Wren）市の教会でのエッセイの表紙のためのアーサー・マックムードのデザインが注目されています。

英国の他の重要なイノベーターには、グラフィックデザイナーのAubrey Beardsleyが含まれていました。その図面には、スタイルの最も顕著な特徴となった曲線が描かれていました。 1880年代の自由に流れる鍛鉄もまた、フラットな花のテキスタイルのデザインを採用することができました。そのほとんどは19世紀デザインのパターンに刺激を与えました。 スタイルに重要な場所を持つイギリスの他のグラフィックアーティストには、Walter CraneとCharles Ashbeeが含まれていました。

ロンドンのリバティーデパートは、織物用のカラフルなスタイルの花柄、マンチェスター（スコットランド出身の）Archibald Knoxのシルバー、ピューター、ジュエリーのデザインを通して、重要な役割を果たしました。 彼のジュエリーデザインは、歴史的なジュエリーデザインの伝統から完全に破棄されました。

アールヌーボーの建築と家具デザインにとって、イギリスの最も重要な中心は、グラスゴーであり、フランスのアールヌーボー、日本の芸術、象徴主義、ゴシック様式の復活に触発されたチャールズ・レニー・マッキントッシュとグラスゴーの学校があります。 1895年に始まったマッキントッシュは、ロンドン、ウィーン、トリノでの国際展覧会でデザインを発表しました。 彼のデザインは特にウィーンのセセッションスタイルに影響を与えました。 彼の建築作品には、グラスゴー・ヘラルド・ビルディング（1894年）とグラスゴー・スクール・オブ・アート（1897年）の図書館が含まれています。 彼はまた、著名な画家でデザイナーのマーガレット・マクドナルド・マッキントッシュ（Margaret Macdonald Mackintosh）と緊密に協力し、家具デザイナーやデコレータとしても大きな評判を確立しました。 彼らは一緒に、静かにカーブする花の装飾、特にスタイルの有名なシンボル、グラスゴーローズと幾何学的な直線を組み合わせた印象的なデザインを作り出しました。

Léon-Victor Solonは、MintonsのアートディレクターとしてArt Nouveauのセラミックスに重要な貢献をしました。 彼は、「分離主義者の陶器」（通常はウィーンの芸術運動にちなんで名付けられている）として販売されているプラ​​ークとチューブライニングの花瓶を専門としていました。 陶器とは別に、彼はLeek絹産業のための織物を設計し、1895年にSutherland拘束力を特許取得した製本機（LymeのNewcastleのGTBagguley）のための二重織物を設計した。

Edward Everardの印刷物を収容するために1900 – 01年に建設されたブリストルのEdward Everardの建物には、アールヌーボーのファサードがあります。 描かれた数字は、印刷分野で著名なヨハネス・グーテンベルクとウィリアム・モリスのものです。 翼のある図形は「光の精神」を表し、ランプと鏡を持つ姿は光と真実を表しています。

ドイツのジュゲンドスタイル
ドイツのアールヌーヴォーは、そのドイツ名であるユジェンドスタイルによってよく知られています。 この名前は、ミュンヘンで出版され、新しい芸術的な動きを支持した芸術ジャーナルであるDie Jugendから引用されています。 それは1896年にGeorg Hirthによって創設されました（Hirthは1916年に死ぬまで編集者として残り、1940年まで出版され続けました）。 この雑誌はドイツのスタイルを促進するのに役立った。 その結果、その名前はスタイルの最も一般的なドイツ語の用語として採用されました：ユージンステイル（「ユーススタイル」）。 20世紀初頭、グラフィックアートの2次元の例、特にJugend、Pan、Simplicissimusのようなドイツの雑誌に見られる影響を受けた有機的なタイポグラフィーやグラフィックデザインのような2次元の例にしか適用されていませんでしたが、ドイツ、オランダ、バルト諸国、北欧諸国のアールヌーボー視覚芸術のより一般的な表現に適用されます。 ドイツのジュゲンドスタイル芸術の2つの主要な中心は、ミュンヘンとダルムシュタット（Mathildenhöhe）でした。

ミュンヘンで出版されたSimplicissimusとベルリンで出版されたパンの2つの他のジャーナルは、ユジェンドゥティルの重要な支持者であることが判明しました。 雑誌はJugendstilの視覚的イディオム、特にグラフィカルな特質を広めるために重要でした。 Jugendstilアートにはさまざまな方法があり、個々のアーティストによって適用され、硬い線や曲線を使用しています。 方法は古典からロマンチックまでの範囲です。 Jugendstilの特徴の1つは、使われているタイポグラフィーであり、文字と画像の組み合わせは間違いありません。 この組み合わせは、小説、広告、展示ポスターの表紙に使われました。 デザイナーはしばしばイメージと調和して機能するユニークなディスプレイの書体を使用しました。

Die JugendとPanの両方に関連する最も有名なドイツのアーティストの1人はOtto Eckmannでした。 彼の好きな動物は白鳥でした。そのような影響は、ドイツの動きの中で、白鳥がジュゲンドチルのための光線として役立つようになったことになります。

このスタイルで最も著名なドイツのデザイナーの1人は、家具、陶器、およびその他の装飾品を、アールデコに向けた冷静で幾何学的なスタイルで作ったRichard Riemerschmidでした。

オーストリアのウィーン分離
ウィーンは、1897年4月にグスタフ・クリムト、コロマン・モーザー、ヨーゼフ・ホフマン、ジョセフ・マリア・オルブリッチ、マックスを含むグループのアーティストによって設立されたアート運動であるウィーン・セクションと呼ばれる、アール・ヌーヴォーの独特の変種の中心になったKurzweil、Otto Wagnerなどがあります。 画家クリムトがグループの社長になった。 彼らは、公式の芸術家組合であるウィーン・クンストラーハウス（ViennaKünstlerhaus）によって表現された歴史主義への保守的な方向に反対した。 Secessionはすべてのメディアで彼らの作品を宣伝するために雑誌Ver Sacrumを設立しました。 セクセッション・スタイルは、隣国のドイツのジュゲンドチルよりも女性的で、重くなく、ナショナリズム的ではなかった。 建築家ジョセフ・オルブリッチ（Joseph Olbrich）は、新しいスタイルのドーム型セセッションの建物をデザインしました。このスタイルは、グスタフクリムトや他のセセッションのアーティストの絵画のショーケースになりました。 ウィーン分離の建築様式は、都市をはるかに超える影響を与えました。 スタイルの建物は、帝国の他の主要都市にも登場しました。 最も有名な例の一つは、1905年から1111年にブリュッセルでヨセフ・ホフマンが建てたストクレット宮殿です。 インテリアは、グスタフクリムトの著名な絵画を含む、セセッションスタイルで全面的に装飾されています。

クリムトはセセッションの画家の中で最も有名になり、しばしば美術絵画と装飾絵画との境界線を消した。 Koloman Moserはこのスタイルで非常に多彩なアーティストでした。 雑誌のイラストレーション、建築、銀器、セラミックス、磁器、テキスタイル、ステンドグラスの窓、家具などの作品。 彼はしばしばホフマンとクリムトとのコラボレーションで働いた。 3人は一緒にインテリア、家具、さらにはブリュッセルのストクレット宮殿で着用する衣服を作った。 1903年、彼とホフマンは、家具、カーペット、織物、装飾品のデザイナーや職人のためのトレーニングスクールとワークショップであるウィーナーヴェルクシュテットを創設しました。

中央ヨーロッパにおける分離
ウィーンのオーストリア・ハンガリー帝国に支配された中欧の首都では、アールヌーボーの国家形態が急速に現れ、歴史的または民俗的要素を取り入れていることが多い。 ブダペスト（ハンガリー）のÖdönFaragóの家具デザインは、伝統的な人気建築、オリエンタル建築、国際的なアールヌーヴォーを非常に美しい様式で組み合わせています。 ハンガリーのデザイナーの一人であるパー​​ル・ホルティ（PálHorti）は、より洗練された機能的なスタイルを持っていました。オークと黒檀と真ちゅうの繊細な彫刻が施されています。

チェコ共和国のプラハには、1908年に建てられたホテル・セントラルやジュビリーシナゴーグなど、アール・ヌーヴォー建築の著名なコレクションがあります。

アールヌーボーと全国的な建築要素を組み合わせたスタイルは、ハンガリーのアールヌーボーの影響を受けたスロバキアの建築家DušanJurkovičにとっても典型的でした。 彼の最も独創的な作品は、スロバキアのスカリカの文化館（1905年）、チェコ共和国のルハチョヴィツェ（1901-1903年）のスパの建物、ガリシア（現在のポーランド）のNowyŻmigród近くの35の戦争墓地、レムコ（Rusyn）民俗芸術と木工（1915-1917）。 スロバキアのセション建築のもう一つの例は、ブラチスラヴァの聖エリザベス教会（リトルブルー教会）です。

イタリアのStile Liberty
イタリアの「Stile Liberty」は、英国の百貨店であるリバティー（Liberty）からその名をとった。 著名なイタリアのデザイナーにはガリレオ・チーニが含まれ、その陶器はマジョリカのパターンとアールヌーボーの両方からインスピレーションを受けています。 彼は後で画家と風光明媚なデザイナーとして知られていた。 彼は2つのプッチーニのオペラGianni SchicchiとTurandotのセットをデザインしました。

パレルモのTeatro Massimoは、建築家Ernesto Basileによる、スタイルと建築様式のイタリアの変種で、アールヌーボーとクラシックな要素を組み合わせたものです。

イタリアのアールヌーボー家具デザインで最も重要な人物は、建築家であり彫刻家の息子で、有名な自動車デザイナーの弟であるカルロ・ブガッティでした。 彼はミラノのブレラアカデミー、その後パリのアカデミー・デ・ボザールで学びました。 彼の作品は銀器、織物、陶磁器、楽器などのエキゾティズムと偏心によって特徴付けられていましたが、革新的な家具デザインのために最もよく記憶されています。 彼の家具はしばしば鍵穴のデザインを特色とし、羊皮紙やシルク、骨や象牙のインレイなど、異例の覆いがありました。 カタツムリやコブラの後にコピーされた驚くべき有機的な形をしていることもあります。

スペインのモダニズム、ポルトガルのアルテ・ノヴァ
スペインでは、バルセロナに登場した、カタロニア語のモダニズムという非常にオリジナリティーのある異形が登場しました。 その最も有名な作家はアントニ・ガウディでした。ガウディは、アールヌーボーの花と有機の形をグエルタウの非常に斬新な方法で使っていました（1886）。 1903年頃のカサ・バトリョ（1904-1906）とカサ・ミラ（1906-1908）のデザインは、アールヌーボーの文体的要素に最も密接に関連しています。 しかし、SagradaFamíliaのような有名な建築物は現代化するアールヌーボーの傾向を復興主義的なネオ・ゴシックとは対照的です。 ガウディの支配的な存在に加えて、LluísDomènechi Montanerは、Castell dels Tres Dragons（1888）、Palau de laMúsicaCatalana、Casa Lleo Morera（1905）などの建物でバルセロナでアールヌーボーを使用していました。 もう一つの主要な近代主義者は、CasaMartíとそのQuatre Gatsカフェ、Casimir Casaramona繊維工場（現在はCaixaFòrum美術館）、Casa Macaya、Casa Amatller、Palau delBaróde Quadras（CasaÁsiaのための住宅）を設計したJosep Puig i Cadafalchでした。 2013年まで10年）とCasa de les Punxes（「ハウスオブスパイク」）。 サン・ジョアン・デスピ（1913-1926）、タラゴナ（1918年と1926年）の近くのいくつかの教会、バルセロナの断続的なカサ・プラネル（1924年）の住居を持つジョセップ・マリア・ジュールも有名です。 バルセロナを拠点に活動していた他の主要建築家の中には、Terrassa（Vapor Aymerich、Amat i Jover、カタルーニャ科学技術博物館、カタルーニャ美術館、カタルーニャ美術館）に壮大な繊維工場を持つLluísMuncunill i Parellada同じ都市にあるマシア・フリーシャと呼ばれる「農家」/小邸宅。 とCesar Martinell i Brunetは、カタルーニャ南部と中央部に住宅街のワイン醸造所を持つ素晴らしい “ワイン大聖堂”を併設しています。 カタルーニャで米国に移住する前に働いたバレンシアの建築家は、ラファエル・グアスタビノ（Rafael Guastavino）でした。 彼には、Castellar de n’HugにあるAsland Cement Factoryがあります。

カタルーニャの家具デザイナーGaspar Homar（1870-1953）は、アントニ・ガウディの影響を受け、しばしば寄せ木細工とモザイクを家具に組み合わせました。 PortoとAveiroのポルトガルでは、フランスのモデルをベースにしたArt Nouveau（Arte nova）の例が登場しました。著名な例はXavier Esteves（1906）がデザインしたPortoのLivraria Lello書店です。

北欧諸国のジュゲンドチル
アールヌーヴォーは北欧諸国では一般的によく知られていましたが、通常はユジェンドスタイルとして知られていましたが、しばしば各国のロマンチックスタイルと組み合わせられました。 ノルウェーでは、アールヌーボーは、バイキング民俗芸術や工芸品に触発されたリバイバルに関連していました。 著名なデザイナーには、伝統的なバイキングとケルトの柄の椅子をデザインしたLars Kisarvikと、古代のViking船の装飾的なドラゴンヘッドエンブレム、ポスター、絵画、グラフィックスなどをデザインしたGerhard Muntheが含まれています。 その他の例としては、スキエン教会（1887-1894）、クリスチャニア（ファストボリ教会）（オスロ）（1900-1903）などがあります。

フィンランドでは、有名なアメリカの近代建築家エーロ・サーリネン（Eero Saarinen）の父、エリエル・サーリネン（Eliel Saarinen）が設計したヘルシンキ中央駅があります。 スタイルとしては、フィンランド国立劇場、カリオ教会、フィンランド国立博物館、タンペレ大聖堂などがあります。 ノルウェーのアールヌーボーの非常に精巧な家具とは対照的に、フィンランドのアールデコは非常にシンプルで機能的でしたが、Eliel Saarinen（1907-1908）がデザインした椅子のように機能的でした。

ロシアの芸術の世界
非常にカラフルなアールヌーボーのロシア語版は、モスクワとサンクトペテルブルクで1898年にロシアの芸術家アレクサンドル・ベノワと「Мирискусства」（翻訳：Mir Iskusstva）（「The World of Art」） LéonBakst、および編集長Sergei Diaghilevが含まれます。 この雑誌は、Mikhail Vrubel、Konstantin Somov、Isaac Levitan、イラストレーターIvan Bilibinなどロシアの主要アーティストの展覧会を開催しました。 アートスタイルの世界では、フランスのアールヌーボーの植物や花の形の使用が少なくなりました。 それはロシアの民間伝承や童話の鮮やかな色彩とエキゾチックなデザインに大きく依存していました。 「アートの世界」の最も影響力のある貢献は、Diaghilevが新しいバレエ団であるBallets Russes（Diaghilevを先頭に、BakstとBenoisによって設計された衣装とセット）の創作でした。 新しいバレエ団は1909年にパリで初演され、毎年1913年まで演奏されました。ベノワとバクストがデザインしたエキゾチックでカラフルな作品は、フランスの美術とデザインに大きな影響を与えました。 パリの雑誌「L’Illustration」、「La Vie parisienne」、「Gazette du bon ton」では、衣装とセットのデザインが再現され、パリではロシアスタイルが「Bakst」として知られるようになりました。 同社は第一次世界大戦の勃発、その後1917年のロシア革命によってパリで孤立し、皮肉なことにロシアでは決して演奏されなかった。

モスクワとサンクトペテルブルグには、革命以前の数年間にいくつかの著名なアールヌーボー様式の建物が建設されています。 特にモスクワのHotel Metropolは、美しいデザイナーMikhail Vrubelによるファサードの陶器の壁画「Dream of Princess」を特徴としています。 サンクト・ペテルブルク（1904年）のVitebsk鉄道駅

米国のティファニースタイル
米国では、ルイコンフォートティファニーの会社がアメリカンアールヌーボーの中心的な役割を果たしました。 1848年に生まれ、ニューヨークの国立デザインアカデミーで学び、24歳でガラス作業を始め、父親が始めた家族経営に入り、1885年には精巧なガラスに専念した独自の企業を立ち上げ、新しいその着色のための技術。 1893年、彼はガラスの花瓶とボウルを作って、より元の形と色を可能にする新しいテクニックを開発し、装飾用窓ガラスを試し始めました。 ガラスのレイヤーが印刷され、大理石と重ね合わされ、豊かで豊かな色彩を生み出しました。1895年には、ジークフリード・ビンのアール・ヌーボーのギャラリーで新しい作品が紹介され、ヨーロッパの新しい顧客になりました。 1902年に父親が死亡した後、彼はティファニーの企業全体を引き継いだが、依然として多くの時間をガラス美術品の設計と製造に費やした。 トーマスエジソンの要請を受けて、彼は青銅と鉄の構造で、またはモザイクで装飾された多色のガラスの色合いを持つ電球を、ジュエリーの世話をして作られた多数のシリーズとエディションで製作し始めました。 デザイナーと職人のチームが各製品に取り組んだ。 特にティファニーランプはアールヌーボーのアイコンの1つとなりましたが、ティファニーの職人（および職人）は特別な窓、花瓶、その他のガラスの芸術をデザインし、製作しました。 ティファニーのガラスは1900年のパリの博覧会でも大きな成功を収めました。 彼のステンドグラスの窓は魂の飛行と呼ばれ、金メダルを獲得しました。

アメリカンアールヌーボーのもう1人の重要な人物は建築家ルイスサリバン（Louis Sullivan）でした。これはアメリカの最初の鉄製高層ビルの建築家として知られています。 シカゴで開催された1893年の世界コロンビア博覧会では、有名なホワイトシティの新古典派建築で最も有名でした。彼は、輸送ビルへの壮大なアールヌーボーの入り口をデザインしました。 コロンビア博覧会もティファニーの重要な場所でした。 彼が設計した礼拝堂が芸術産業館に展示されました。 ティファニー礼拝堂は、ニューヨークにあるティファニーの家の窓の1つとともに、現在、フロリダ州ウィンターパークのチャールズ・ホスマー・モールスアメリカ美術館に展示されています。