아르 누보 (Art Nouveau)는 1890 년부터 1910 년 사이에 가장 인기있는 예술, 건축 및 응용 예술, 특히 장식 예술의 국제 스타일입니다. 19 세기의 학술적 예술에 대한 반응으로 자연의 형태와 구조, 특히 식물과 꽃의 곡선 라인입니다.

영어는 프랑스 이름 인 Art Nouveau (새 예술)를 사용합니다. 스타일은 유럽의 많은 국가에서 거의 동시에 등장하는 스타일과 관련이 있지만 동일하지는 않습니다. 오스트리아에서는 Wiener Secession 후에 Secessionsstil으로 알려져 있습니다. 스페인어로 Modernismo; 카탈로니아 어 모더니즘에서; 체코 어 Secese; 덴마크 Skønvirke 또는 Jugendstil에서; 독일어 Jugendstil, 아르 누보 또는 Reformstil; 헝가리 Szecesszió에서; 이탈리아어 아르 누보, Stile Liberty 또는 Stile floreale; 노르웨이 유겐트 스틸 (Norwegian Jugendstil) 폴란드어 Secesja; 슬로바키아어 Secesia; 우크라이나어와 러시아어로 Модерн (현대); 스웨덴과 핀란드 유겐트에서.

Art Nouveau는 건축, 회화, 그래픽 아트, 인테리어 디자인, 보석, 가구, 섬유, 도자기, 유리 예술 및 금속 작업을 포함하여 다양한 종류의 고급 장식 예술을 포괄합니다.

1910 년 아르누보는 이미 스타일을 벗어났습니다. 그것은 아르 데코 (Art Deco)와 모더니즘 (Modernism)이 지배적 인 유럽의 건축 양식과 장식 스타일로 대체되었습니다.

프랑스의 아르누보
아르누보의 수도 인 1900 년 박람회가 파리였습니다. 이 스타일의 가장 사치스러운 주거는 쥘 라비롯테 (Jules Lavirotte)에 의해 세워졌으며 세라믹 조각 장식으로 전면을 덮고 있습니다. 가장 주목할만한 예는 29 avenue Rapp (1901)에있는 Lavirotte Building입니다. 사무실 건물과 백화점에는 스테인드 글라스 큐폴라와 세라믹 장식으로 덮인 높은 안뜰이 있습니다. 이 스타일은 레스토랑과 카페에서 특히 인기가있었습니다. Maxim은 3 rue Royale에, Le Train bleu는 Gare de Lyon (1900)에 있습니다.

로렌에있는 낸시 (Nancy)시는 새로운 스타일의 다른 프랑스 수도가되었습니다. 1901 년에, 장식 예술의 위 그림 및 조각을 두는 위 계급 화나게하기에 바치는, École de Nancy로 알려지는 연립 지방 산업 d’ art는, 발견되었다. 그 곳에서 일하는 주요 예술가들은 유리 꽃병과 램프 제작자 Emile Gallé, 유리 디자인의 다음 형제, 그리고 우아한 꽃과 식물 모양의 가구를 만든 디자이너 Louis Majorelle을 포함합니다. 건축가 Henri Sauvage는 1898 년 Villa Majorelle과 함께 새로운 건축 스타일을 낸시에게 가져 왔습니다.

프랑스 스타일은 The Studio, Arts et Ides 및 Art et Décoration을 비롯한 새로운 잡지에서 널리 전파되었습니다. 사진 및 컬러 석판 인쇄로 전세계의 디자이너 및 부유 한 고객에게 스타일을 알리게되었습니다.

프랑스에서는 스타일이 1900 년에 정상에 올랐고 이후 1905 년 프랑스에서 사실상 사라지면서 패션에서 빠져 나갔다. Art Nouveau는 고급 스러움을 자아 내기 때문에 전문가와 고액급 장인이 필요했으며 쉽게 손쉽게 대량 판매 할 수 없었습니다. 생산. 대량 생산이 가능한 몇 안되는 아르누보 제품 중 하나는 향수병이었으며 오늘날에도 계속해서 스타일을 유지하고 있습니다. Art Nouveau는 Art Deco (Art déco)가 계승했습니다.

벨기에, 네덜란드, 스위스
벨기에는 아르누보의 초기 중심이었습니다. 주로 빅토르 호르 타 (Victor Horta)의 건축 덕분에 처음 아르 누누 (Art Nouveau)의 집, 1893 년의 호텔 타셀 (Hôtel Tassel), 1894 년의 호텔 솔베이 (Hôtel Solvay)를 설계했습니다. 호타는 만났고 작품에 강한 영향을주었습니다 젊은 헥터 가이 마드. 다른 중요한 디자이너들은 1893 년에 아르 누보 (Art Nouveau)의 집을 지은 건축가 폴 한카 (Paul Hankar) 건축가이자 가구 디자이너 인 Henry van de Velde, 장식가 Gustave Serrurier-Bovy, 그래픽 아티스트 Fernand Khnopff. 벨기에 디자이너들은 벨기에 콩고에서 수입 한 상아의 풍부한 공급을 이용했다. 필립 울퍼 (Philippe Wolfers)와 같은 예술가들이 돌, 금속, 아이보리를 결합한 혼합 조각품이 인기가있었습니다.

네덜란드에서는 Nieuwe Kunst, New Art로 알려져 있습니다. 건축가는 Carel Adolph Lion Cachet, Theo Nieuwenhuis 및 Gerrit Willem Dijsselhof가보다 아름답고 장식적인 스타일을 설계하면서 더 기능적이고 합리적인 변형을 설계 한 Hendrik Petrus Berlage를 포함 시켰습니다. 가구 디자인은 네덜란드 동인도 (현대 인도네시아)의 이국적인 숲의 수입에 영향을 받았고 섬유는 바틱의 디자인과 기법의 영향을 받았습니다.

유명한 스위스 작가들은 화가이자 그래픽 아티스트 인 테오필레스 스타 인 렌 (Téophile Steinlen), 파리 카바레 르 no 누아 (Le Chat noir)의 유명한 포스터 제작자, 조각가이자 장식가 ​​인 유진 잔디 (Eugène Grasset), 스위스에서 파리로 옮겨 그래픽, 가구, 태피스 트리, 도자기 및 포스터. 파리에서 그는 Guérin 예술 학교 (École normale d’ enseignement du dessin)에서 가르쳤다. 그의 학생들은 Augusto Giacometti와 Paul Berthon을 포함했다.

영국의 모던 스타일과 글래스고 학교
아르누보는 1880 년대의 예술과 공예 운동에서 영국에 뿌리를두고 있습니다. 미술과 장식 예술 사이의 긴밀한 결합과 역사적인 스타일에서 기능과 자연에서 영감을 얻은 디자인으로의 휴식을 요구했습니다. Arthur Mackmurdo는 1883 년에 출판 된 크리스토퍼 렌 (Christopher Wren) 경의 도시 교회에 대한 에세이 표지를 디자인 한 주목할만한 초기 사례 중 하나입니다.

브리튼에있는 다른 중요한 혁신자는 그래픽 디자이너 인 Aubrey Beardsley가 그의 스타일의 가장 눈에 띄는 특징이 된 곡선을 그렸습니다. 1880 년대부터 자유롭게 흐르는 단철도 채택 할 수 있었고, 일부는 평평한 꽃 무늬 섬유 디자인이었으며, 대부분은 19 세기 디자인의 패턴에 자극을 주었다. 이 스타일에서 중요한 위치를 차지한 영국의 다른 그래픽 아티스트로는 Walter Crane과 Charles Ashbee가 있습니다.

런던에있는 Liberty 백화점은 화려한 스타일의 꽃 무늬 플로랄 디자인과 Manxman (스코틀랜드 출신의) Archibald Knox의 실버, 땜 납 및 보석 디자인을 통해 중요한 역할을 수행했습니다. 재료와 형태의 보석 디자인은 보석 디자인의 역사적 전통에서 완전히 벗어났습니다.

아르누보 건축과 가구 디자인을 위해 영국에서 가장 중요한 센터는 글라스 고우 (Charles Rennie Mackintosh)와 글래스고 학교 (Glasgow School)의 작품으로 프랑스 아르누보, 일본 미술, 상징주의 및 고딕 양식의 부흥에서 영감을 얻었습니다. 1895 년에 시작하여 런던, 비엔나 및 토리노에서 개최 된 국제 박람회에서 디자인을 선보였습니다. 그의 디자인은 비엔나의 탈퇴 스타일에 특히 영향을 미쳤다. 그의 건축물에는 글래스고 헤럴드 빌딩 (1894)과 글래스고 예술 학교 (1897)의 도서관이 포함되어 있습니다. 그는 또한 그의 아내 인 유명한 화가이자 디자이너 인 Margaret Macdonald Mackintosh와 긴밀히 협력하면서 가구 디자이너 및 장식가로서의 명성을 쌓았습니다. 함께 그들은 기하학적 인 직선과 부드럽게 휘어지는 꽃 장식, 특히 스타일의 유명한 상징 인 글래스고우 로즈 (Glasgow Rose)를 결합한 인상적인 디자인을 만들었습니다. ”

레옹 – 빅터 솔론 (Léon-Victor Solon)은 민토네 (Mintons)의 아트 디렉터로 아르누보 도자기에 중요한 공헌을했습니다. 그는 “분리 주의자 용품”(일반적으로 비엔나 미술 운동의 이름을 따서 명명 한)으로 판매되는 판자와 튜브로 장식 한 꽃병을 전문적으로 다루었습니다. 도자기와는 별개로 그는 부추 실크 산업을위한 직물과 1895 년 Sutherland 구속력을 특허 한 제본기 (Lyme의 Newcastle의 G.T.Bagguley)에 대한 이중 자루를 디자인했습니다.

Edward Everard의 인쇄물을 수장하기 위해 1900-01 년에 건축 된 Bristol의 Edward Everard 건물에는 아르누보 외관이 있습니다. 묘사 된 수치는 인쇄 분야에서 두각을 나타내는 요하네스 구텐베르크 (Johannes Gutenberg)와 윌리엄 모리스 (William Morris)입니다. 날개 달린 인물은 “빛의 영”을 상징하는 반면, 램프와 거울을 들고있는 인물은 빛과 진리를 상징합니다.

독일의 유겐트 스틸
독일 아르누보는 일반적으로 독일 이름 인 유겐트 스틸 (Jugendstil)로 알려져 있습니다. 그 이름은 뮌헨에서 출판되었고 새로운 예술적 운동을지지하는 예술 저널 Die Jugend에서 가져온 것입니다. 그것은 1896 년 Georg Hirth에 의해 설립되었습니다 (Hirth은 1916 년 사망 할 때까지 편집자로 남았으며 잡지는 1940 년까지 계속 발행되었습니다). 이 잡지는 독일의 스타일 홍보에 큰 역할을했습니다. 결과적으로 그 이름은 스타일에 대한 가장 일반적인 독일어 용어로 채택되었습니다 : Jugendstil ( “청소년 스타일”). 20 세기 초반에이 단어는 그래픽 아트의 2 차원적인 예, 특히 유겐트 (Yugend), 팬 (Pan), 심플리시 시무스 (Simplicissimus)와 같은 독일 잡지에서 발견되고 영향을받은 유기적 타이포그래피 및 그래픽 디자인의 형식에만 적용되었지만 지금은 독일, 네덜란드, 발틱 주 및 북유럽 국가에서 아르누보 시각 예술의보다 일반적인 표현에 적용됩니다. 독일 유 틀텐 스틸 미술의 두 가지 주요 센터는 뮌헨과 다름슈타트 (Mathildenhöhe)였습니다.

베를린에서 출판 된 두 개의 다른 저널 Simplicissimus, Munich과 Pan은 Jugendstil의 중요한 지지자임을 입증했습니다. 잡지는 Jugendstil의 시각적 관용구, 특히 그래픽 품질을 전파하는 데 중요했습니다. Jugendstil 예술은 다양한 개별적인 예술가들에 의해 적용되는 다양한 방법들을 포함하고 있으며 경선 (hard line)뿐만 아니라 굴곡 진 곡선 (sinuous curve)의 사용을 특징으로합니다. 방법은 고전에서 낭만적 인 것까지 다양합니다. Jugendstil의 한 가지 특징은 글자와 이미지의 조합이 틀림없는 타이포그래피입니다. 이 조합은 소설, 광고 및 전시 포스터 표지에 사용되었습니다. 디자이너는 종종 이미지와 조화롭게 작동하는 독특한 디스플레이 서체를 사용했습니다.

Die Jugend와 Pan과 관련된 가장 유명한 독일 예술가 중 한 명은 Otto Eckmann입니다. 그의 가장 좋아하는 동물은 백조 였고, 백조가 유겐트 스틸을위한 우주 비행사로 봉사하게 된 것은 독일 운동에 대한 그의 영향이었다.

이 스타일의 가장 유명한 독일 디자이너 중 한 명인 Richard Riemerschmid가 가구, 도자기 및 기타 장식용 물체를 아트 데코를 향해 지적한 차분하고 기하학적 인 스타일로 만들었습니다.

오스트리아 비엔나 탈퇴
비엔나는 1897 년 4 월에 구스타프 클림트, 콜롬 모저, 조셉 호프만, 조셉 마리아 올 브리 크, 맥스 등 예술가 그룹이 창안 한 비엔나 탈퇴로 알려진 아트 누보의 독특한 변종의 중심이되었습니다. 커즈와일 (Kurzweil), 오토 와그너 (Otto Wagner) 화가 클림트 (Klimt)가이 그룹의 사장이되었습니다. 그들은 예술가들의 공식 노조 인 Vienna Künstlerhaus가 표현한 역사주의에 대한 보수 주의적 지향에 반대했다. Secession은 모든 미디어에서 자신의 작품을 홍보하는 잡지 Ver Sacrum을 설립했습니다. 분리주의 작풍은 인근 독일에있는 Jugendstil보다는 더 여성적이고,보다 적게 무겁고 민족주의 적이었다. 건축가 Joseph Olbrich는 Gustav Klimt와 다른 Secession 아티스트들의 그림을위한 쇼케이스가 된 새로운 스타일의 돔형 Secession 건물을 디자인했습니다. 비엔나 탈퇴의 건축 양식은 도시를 훨씬 넘어 영향을 미쳤다. 스타일의 건물은 제국의 다른 주요 도시와 그 이후에 나타났습니다. 가장 유명한 사례 중 하나는 1905-11 년 브뤼셀에서 조셉 호프만 (Josef Hoffmann)이 건축 한 스토 클 팰리스 (Stoclet Palace)입니다. 인테리어는 구스타브 클림트 (Gustav Klimt)의 주목할만한 그림을 포함하여 탈퇴 스타일로 전체적으로 장식되어 있습니다.

클림트는 탈퇴의 화가 중 가장 잘 알려졌으며 종종 미술 회화와 장식 회화의 경계를 지워 버렸다. Koloman Moser는이 스타일에서 매우 다재 다능 한 예술가였습니다. 잡지 삽화, 건축술,은 제품, 도자기, 도자기, 직물, 스테인드 글라스 창문, 가구 등을 포함한 그의 작품. 그는 종종 호프만 (Hoffmann)과 클림트 (Klimt)와 협력하여 일했습니다. 세 사람은 함께 인테리어와 가구, 브뤼셀의 스토 클 팰리스에서 입을 옷을 만들었습니다. 1903 년 Hoffmann은 디자이너, 가구, 카페트, 직물 및 장식품의 장인을위한 교육 학교 및 워크샵 인 Wiener Werkstätte를 설립했습니다.

중부 유럽의 탈퇴
비엔나의 오스트리아 – 헝가리 제국에 의해 통치 된 중부 유럽의 수도에서 아르 누보 (Art Nouveau)의 국가 형태는 빠르게 나타나고 종종 역사적 또는 민속적 요소를 취합니다. 헝가리의 부다페스트 (Budapest)에있는 Ödön Faragó의 가구 디자인은 전통 건축 양식, 동양 건축 양식 및 국제적인 아르누보 양식을 매우 그림 같은 방식으로 결합했습니다. 헝가리의 또 다른 디자이너 인 Pál Horti는 훨씬 세련되고 기능적인 스타일을 지니고 있으며, 흑단과 놋쇠의 섬세한 자국이있는 참나무로 만들어졌습니다.

체코의 프라하에는 1908 년에 지어진 Hotel Central과 Jubilee Synagogue 등 아르누보 건축물이 많이 있습니다.

아르 누보 (Art Nouveau)와 국가 건축 요소를 결합한 스타일은 헝가리 아르누보 (Hungarian Art Nouveau)의 영향을받은 슬로바키아 건축가 듀샨 주르 코비 치 (Dušan Jurkovič)에게도 전형적이었습니다. 그의 가장 독창적 인 작품은 슬로바키아의 Skalica Cultural House (1905), 체코의 Luhačovice (1901-1903)의 온천 건물, Galicia의 Nowy Żmigród 근처의 35 개 전쟁 묘지이며, 대부분은 지역의 영향을 많이 받았다. Lemko (Rusyn) 민속 예술 및 목공 (1915-1917). 슬로바키아의 탈퇴 구조의 또 다른 예는 브라 티 슬라바에있는 성 엘리자베스 교회 (The Little Blue Church)입니다.

이탈리아의 자유 자유
이탈리아의 Stile Liberty는 영국의 백화점 인 리버티 (Liberty)라는 이름에서 유래되었습니다. 주목할만한 이탈리아 디자이너로는 갈릴레오 치니 (Galileo Chini)가 있으며, 도일은 마졸리카 패턴과 아르누보에 의해 영감을 받았습니다. 그는 나중에 화가이자 경치가 좋은 디자이너로 알려져있었습니다. 그는 두 개의 푸치니 오페라 Gianni Schicchi와 Turandot를위한 세트를 디자인했습니다.

건축가 에르네스토 바 실레 (Ernesto Basile)가 팔레르모의 마테모 (Teatro Massimo)는 아르누보와 클래식 요소를 결합한 스타일, 건축 스타일의 이탈리아 변형의 예입니다.

이탈리아 아르누보 가구 디자인에서 가장 중요한 인물은 건축가이자 조각가의 아들 인 카를로 부 가티 (Carlo Bugatti)와 유명한 자동차 디자이너의 형제였습니다. 그는 Milanese Academy of Brera에서 공부했으며, 나중에 파리의 Académie des Beaux-Arts에서 공부했습니다. 그의 작품은은 제품, 직물, 도자기 및 악기를 포함한 이국적 문화와 이별에 의해 특징 지어졌지만 혁신적인 가구 디자인으로 가장 잘 기억됩니다. 1888 년 밀라노 미술제에서 처음 나타났습니다. 그의 가구는 종종 열쇠 구멍 디자인을 특징으로하고, 양피지와 실크, 그리고 뼈와 아이보리 상감을 포함 해 특이한 겉옷을 가졌습니다. 또한 때로는 달팽이와 코브라를 따라 복제 한 놀라운 유기적 인 형태를 가졌습니다.

스페인의 모더니즘, 포르투갈의 아르테 노바
스페인에서는 카탈로니아 어 Modernisme 스타일의 매우 독창적 인 변형이 바르셀로나에 나타났습니다. 가장 유명한 제작자는 Antoni Gaudi 였는데, Art Nouveau의 꽃과 유기물을 팔라우 구엘 (1886)에서 아주 새로운 방식으로 사용했습니다. 1903 년경의 카사 바트 요 (1904-1906)와 카사 밀라 (1906-1908)의 디자인은 아르 누보의 문체 요소와 가장 밀접하게 관련되어 있습니다. 그러나 사그라 다 파밀리아 (Sagrada Família)와 같은 유명한 건축물은 현대화 된 아르누보 풍의 경향을 부흥 운동가 인 네오 고딕 (Neo-Gothic)과 대조합니다. Gaudi의 지배적 인 존재 외에도, Lluís Domènech i Montaner는 Castell dels Tres Dragons (1888), Palau de la Música Catalana 및 Casa Lleó Morera (1905)와 같은 건물에서 바르셀로나의 아르누보를 사용했습니다. 또 다른 주요 모더니스트는 Casa Martí와 그 Quatre Gats 카페, Casimir Casaramona 섬유 공장 (현재 CaixaForum 미술관), Casa Macaya, Casa Amatller, Palau del Baró de Quadras (주택가 Casa Àsia)를 디자인 한 Josep Puig i Cadafalch입니다. 2013 년까지 10 년) 및 Casa de les Punxes ( “스파이크 하우스”). 또한 호셉 마리아 주졸 (Josep Maria Jujol)은 산 조안 데스 피 (1913-1926), 타라 고나 (1918 년과 1926 년) 근처의 여러 교회, 바르셀로나의 꾸불 꾸불 한 카사 플라넬 (1924 년) 등이 있습니다. 바르셀로나 이외의 몇몇 주요 건축가들은 Terrassa (Vapor Aymerich, Amat i Jover, 현재 Catalonia 과학 기술 박물관 – Museu de la Ciència de Catalàya de Tecnica de Catalunya)에 장엄한 섬유 공장을 가지고있는 Lluís Muncunill i Parellada였습니다. 그리고 동일한 도시에있는 Masia Freixa이라고 칭한 “농가”또는 작은 영주 저택; 그리고 세르 마틴 엘 브루 네 (Cèsar Martinell i Brunet)는 카탈로니아 남부와 중부 전역의 주택 마을 협동 포도주 양조장을 자랑하는 “와인 대성당”을 자랑합니다. 카탈로니아에서 미국으로 이민하기 전에 일한 발렌시아 건축가는 라파엘 구스타비노 (Rafael Guastavino)였습니다. 그에게 귀속되는 것은 Castellar de n’Hug의 Asland Cement Factory이며, 다른 건물들도 마찬가지입니다.

Catalan 가구 디자이너 Gaspar Homar (1870-1953)는 종종 Antoni Gaudi의 영향을받으며 상감 세공과 모자이크를 가구와 결합합니다. 포르토 (Paris)와 아베 이로 (Aveiro)의 포르투갈에서는 아르누보 (Arte nova)의 사례가 프랑스 모델을 중심으로 등장했으며, 주목할만한 사례로는 사비에르 에스테 베스 (1906)가 디자인 한 포르토의 ‘Livraria Lello’서점이 있습니다.

북유럽 국가의 유겐트 스틸 (Jugendstil)
아르누보는 북유럽 국가에서 인기가 있었으며, 일반적으로 유겐트 스틸 (Jugendstil)로 알려져 있었으며 종종 각 국가의 국가 낭만주의 스타일과 결합되었습니다. 노르웨이에서는 아르 누보 (Art Nouveau)와 바이킹 민속 예술 (Viking folk art and crafts)에서 영감을 얻은 리바이벌이 연결되었습니다. 주목할만한 디자이너로는 전통적인 바이킹과 셀틱 패턴으로 의자를 설계 한 라스 키사 비크 (Lars Kisarvik)와 고대 바이킹 배에서 양식 용 드래곤 헤드 엠블럼을 비롯하여 다양한 포스터, 그림 및 그래픽을 사용하여 의자를 디자인 한 게르하르트 문세 (Gerhard Munthe)가 있습니다. 다른 예로는 Skien Church (1887-1894)와 Kristiania의 Fagerborg Church (Oslo) (1900-1903)가 있습니다.

핀란드에서는 좋은 미국 모더니스트 건축가 인 Eero Saarinen의 아버지 인 Eliel Saarinen이 디자인 한 Helsinki Central 기차역이 좋은 예입니다. 스타일의 예로는 핀란드 국립 극장, 칼리 오 교회, 핀란드 국립 박물관 및 탐 페레 성당이 있습니다. Norwegian Art Nouveau의 매우 정교한 가구와 달리 핀란드의 Art Deco는 Eliel Saarinen (1907-1908)이 디자인 한 의자처럼 매우 단순하고 기능적이었습니다.

러시아의 예술 세계
러시아의 예술가 알렉산드르 베노아 (Alexandre Benois)와 러시아의 예술가 알렉산드르 베 누아 (Alexandre Benois)가 새롭게 저술 한 “Мир искусства”(음역 : Mir Iskusstva) ( “The World of Art”)와 1898 년에 상트 페테르부르크 Léon Bakst, 그리고 편집장 Sergei Diaghilev. 이 잡지는 Mikhail Vrubel, Konstantin Somov, Isaac Levitan 및 도서 삽화가 Ivan Bilibin을 비롯한 러시아의 유명한 예술가들의 전시회를 조직했습니다. 예술 스타일의 세계는 프랑스 아르누보의 식물성 및 꽃 모양을 거의 사용하지 않았습니다. 그것은 러시아의 민속과 동화의 밝은 색과 이국적인 디자인에 크게 끌렸다. “예술의 세계”의 가장 영향력있는 공헌은 Diaghilev가 새로운 발레 회사 인 Ballets Russes가 Bakst와 Benois가 디자인 한 의상과 세트로 Diaghilev가 창작 한 것입니다. 새로운 발레단은 1909 년 파리에서 초연되었으며 매년 1913 년까지 공연했습니다. Benois와 Bakst가 디자인 한 색다른 세트는 프랑스 예술과 디자인에 큰 영향을 미쳤습니다. 의상과 세트 디자인은 파리의 유명한 잡지, L’ Illustration, La Vie parisienne 및 Gazette du bon ton에서 재현되었으며, 러시아 스타일은 파리에서 à la Bakst로 알려지게되었습니다. 이 회사는 제 1 차 세계 대전의 발발로 인해 파리에서 좌초되었고, 1917 년에는 러시아 혁명에 의해 좌초되었으며, 러시아에서는 결코 역설적이지 않았습니다.

모스크바와 상트 페테르부르크에는 혁명 이전의 몇 년 사이에 건축 된 몇 안되는 아르누보 건물이 있습니다. 모스크바의 Hotel Metropol은 경이로운 디자이너 Mikhail Vrubel에 의해 façade, Dream of Princess의 세라믹 벽화가 특징입니다. 및 상트 페테르부르크 (1904)에있는 Vitebsk 철도역

미국의 티파니 스타일
미국에서는 Louis Comfort Tiffany의 회사가 American Art Nouveau에서 중심적인 역할을 담당했습니다. 1848 년에 태어났다. 뉴욕 국립 디자인 아카데미에서 공부하고 24 세에 유리를 다루기 시작했으며, 그의 아버지가 시작한 가족 사업에 뛰어 들었다. 1885 년에는 고급 유리에 헌신 한 자신의 사업을 세웠다. 그것의 착색을위한 기술. 1893 년에 그는 유리 화병과 그릇 만들기를 시작했으며, 원래의 모양과 채색을 가능하게하는 새로운 기술을 개발하고 장식용 유리창을 실험하기 시작했습니다. 1895 년에 지그 프 리드 빙 (Ciegfried Bing)의 아르누보 갤러리 (Art Nouveau gallery)에서 새로운 작품을 선보이면서 유럽의 새로운 고객을 확보하게되었습니다. 1902 년에 그의 아버지가 죽은 후에 그는 티파니 전체의 기업을 물려 받았다. 그러나 여전히 유리 예술 작품을 디자인하고 제조하는 데 많은 시간을 할애했다. 토마스 에디슨 (Thomas Edison)의 촉구하에 청동과 철 구조의 여러 가지 색의 유리 음영을 가진 전등을 제조하기 시작했으며 모자이크로 꾸며진 수많은 시리즈와 에디션으로 제작되었으며 각 보석은 보석으로 제작되었습니다. 디자이너와 공예가로 구성된 팀이 각 제품에 대해 작업했습니다. 특히 티파니 램프는 아르누보의 상징 중 하나가되었지만 티파니의 장인 (공예가)은 특별한 창문, 화병 및 기타 유리 예술을 디자인하고 만들었습니다. 티파니 (Tiffany)의 유리도 1900 년 파리의 박람회에서 큰 성공을 거두었습니다. 영혼의 비행 (Flight of Souls)이라는 스테인드 글라스 창에서 금메달을.습니다.

아메리칸 아르누보의 또 다른 중요한 인물은 건축가 루이 설리반 (Louis Sullivan)으로, 미국 최초의 철골 고층 건물의 건축가로 잘 알려져 있습니다. 1893 년 시카고에서 열린 콜럼버스 세계 박람회 (White ‘s City)의 신고전주의 풍 건축 양식으로 가장 유명했던 그는 수송 건물로의 화려한 아르누보 입구를 디자인했습니다. 콜럼버스 박람회는 또한 티파니에게 중요한 장소였습니다. 그가 디자인 한 예배당은 Art and Pavilion of Pavilion of Art and Industry에 전시되었습니다. 티파니 채플은 뉴욕에있는 티파니의 집 창문 중 하나와 함께 현재 플로리다 주 윈터 파크에있는 찰스 호머 모스 미술관에 전시되어 있습니다.