L’art nouveau est un style international d’art, d’architecture et d’arts appliqués, surtout les arts décoratifs, qui fut le plus populaire entre 1890 et 1910. Réagissant à l’art académique du XIXe siècle, il s’inspire des formes et structures naturelles, notamment lignes courbes de plantes et de fleurs.

L’anglais utilise le nom français Art Nouveau (nouvel art). Le style est lié à, mais pas identique à, les styles qui ont émergé dans de nombreux pays en Europe à peu près au même moment: en Autriche, il est connu comme Secessionsstil après Wiener Secession; dans le modernisme espagnol; dans le modernisme catalan; en tchèque Secese; en danois Skønvirke ou Jugendstil; en allemand Jugendstil, Art Nouveau ou Reformstil; en hongrois Szecesszió; dans l’Art Nouveau italien, Stile Liberty ou Stile floreale; dans le Jugendstil norvégien; en polonais Secesja; en Secesia slovaque; en ukrainien et russe Модерн (moderne); en Jugend suédois et finlandais.

L’art nouveau est un art total: il englobe une vaste gamme d’arts décoratifs et d’art, y compris l’architecture, la peinture, l’art graphique, le design d’intérieur, la joaillerie, le mobilier, le textile, la céramique et le travail du métal.

En 1910, l’Art Nouveau était déjà démodé. Il a été remplacé comme le style architectural et décoratif européen dominant d’abord par Art Déco, puis par le modernisme.

Art Nouveau en France
Après l’Exposition de 1900, la capitale de l’Art Nouveau était Paris. Les résidences les plus extravagantes du style ont été construites par Jules Lavirotte, qui a entièrement recouvert les façades d’une décoration sculpturale en céramique. L’exemple le plus flamboyant est le bâtiment Lavirotte, 29 avenue Rapp (1901). Les immeubles de bureaux et les grands magasins comportaient de hautes cours couvertes de coupoles en vitrail et de décorations en céramique. Le style était particulièrement populaire dans les restaurants et les cafés, dont Maxim’s au 3 rue Royale, et Le Train bleu à la gare de Lyon (1900).

La ville de Nancy en Lorraine est devenue l’autre capitale française du nouveau style. En 1901, l’Alliance provinciale des industries d’art, aussi connue sous le nom d’École de Nancy, a été fondée, vouée à bouleverser la hiérarchie qui place la peinture et la sculpture au-dessus des arts décoratifs. Les principaux artistes qui y travaillent sont Emile Gallé, créateur de lampes en verre et de lampes, les frères Daum en design de verre, et le designer Louis Majorelle, qui crée des meubles aux formes gracieuses et végétales. L’architecte Henri Sauvage apporta le nouveau style architectural à Nancy avec sa Villa Majorelle en 1898.

Le style français a été largement propagé par de nouveaux magazines, notamment Le Studio, Arts et Idées et Art et Décoration, dont les photographies et les lithographies en couleurs ont fait connaître le style aux designers et aux clients fortunés du monde entier.

En France, le style atteignit son sommet en 1900, puis disparut rapidement de la mode, disparaissant pratiquement de la France en 1905. L’Art Nouveau était un style de luxe, qui nécessitait des artisans experts et bien payés et ne pouvait être facilement ou à peu de frais. produit. L’un des rares produits Art nouveau pouvant être produits en série était la bouteille de parfum, qui continue à être fabriquée dans le style actuel. L’Art Nouveau a été remplacé par Art Déco (Art déco).

Belgique, Pays-Bas et Suisse
La Belgique a été un des premiers centres de l’Art Nouveau, en grande partie grâce à l’architecture de Victor Horta, qui a conçu les premières maisons Art Nouveau, l’Hôtel Tassel en 1893 et ​​l’Hôtel Solvay en 1894. Horta a rencontré et a influencé le travail du jeune Hector Guimard. D’autres concepteurs importants ont inclus l’architecte Paul Hankar, qui a construit une maison d’Art Nouveau en 1893; l’architecte et designer de meubles Henry van de Velde, le décorateur Gustave Serrurier-Bovy et le graphiste Fernand Khnopff. Les designers belges ont profité d’un abondant stock d’ivoire importé du Congo belge; Les sculptures mixtes, combinant la pierre, le métal et l’ivoire, par des artistes tels que Philippe Wolfers, étaient populaires.

Aux Pays-Bas, le style était connu sous le nom de Nieuwe Kunst, le New Art. Les architectes ont inclus Hendrik Petrus Berlage, qui a conçu une variante plus fonctionnelle et rationnelle, tandis que Carel Adolph Lion Cachet, Théo Nieuwenhuis et Gerrit Willem Dijsselhof ont conçu un style plus pittoresque et décoratif. La conception des meubles a été influencée par l’importation de bois exotiques des Indes néerlandaises (Indonésie moderne), tandis que les textiles ont été influencés par les conceptions et les techniques du batik.

Le peintre et graphiste Théophile Steinlen, créateur de la célèbre affiche du cabaret parisien Le Chat noir, et l’artiste, sculpteur et décorateur Eugène Grasset, qui a déménagé de Suisse à Paris où il a dessiné graphisme, mobilier, tapisseries, céramiques et affiches. À Paris, il a enseigné à l’École normale d’art de Guérin, où ses étudiants ont inclus Augusto Giacometti et Paul Berthon.

Style moderne et école de Glasgow en Grande-Bretagne
L’Art Nouveau trouve ses racines en Grande-Bretagne, dans le mouvement des arts et de l’artisanat des années 1880, qui exigeait une union plus étroite entre les beaux-arts et les arts décoratifs et une rupture avec les styles historiques. Un premier exemple notable d’Arthur Mackmurdo pour la couverture de son essai sur les églises de la ville de Sir Christopher Wren, publié en 1883.

D’autres innovateurs importants en Grande-Bretagne ont inclus les concepteurs graphiques Aubrey Beardsley dont les dessins ont comporté les lignes incurvées qui sont devenues la caractéristique la plus reconnaissable du modèle. On pourrait également proposer du fer forgé à écoulement libre datant des années 1880, ou encore des motifs textiles floraux plats, dont la plupart devaient une certaine impulsion aux motifs du design du XIXe siècle. Parmi les autres artistes graphiques britanniques qui ont eu une place importante dans le style, citons Walter Crane et Charles Ashbee.

Le grand magasin Liberty à Londres a joué un rôle important, à travers ses motifs floraux stylisés colorés pour les textiles, et les créations en argent, étain et bijoux de Manxman (d’origine écossaise) Archibald Knox. Ses créations de bijoux dans les matériaux et les formes rompu entièrement avec les traditions historiques de la conception de bijoux.

Pour l’architecture et le mobilier de style Art nouveau, le centre le plus important de Grande-Bretagne fut Glasgow, avec les créations de Charles Rennie Mackintosh et de Glasgow School, inspirées par l’Art Nouveau français, l’art japonais, le symbolisme et le renouveau gothique. Commençant en 1895, Mackintosh a exposé ses conceptions aux expositions internationales à Londres, à Vienne, et à Turin; ses créations ont particulièrement influencé le style de la Sécession à Vienne. Ses créations architecturales comprennent le Glasgow Herald Building (1894) et la bibliothèque de la Glasgow School of Art (1897). Il a également acquis une grande réputation en tant que concepteur et décorateur de meubles, travaillant en étroite collaboration avec son épouse, Margaret Macdonald Mackintosh, un peintre et designer de renom. Ensemble, ils ont créé des designs saisissants qui combinent des lignes droites géométriques avec une décoration florale légèrement incurvée, en particulier un célèbre symbole du style, le Glasgow Rose « .

Léon-Victor Solon a apporté une contribution importante à la céramique Art Nouveau en tant que directeur artistique chez Mintons. Il se spécialise dans les plaques et dans les vases tubulaires commercialisés comme « articles sécessionnistes » (généralement décrits comme portant le nom du mouvement artistique viennois). Outre la céramique, il conçoit des textiles pour l’industrie de la soie de poireaux et des doublures pour un relieur (GTBagguley de Newcastle under Lyme), qui brevète la reliure Sutherland en 1895.

Le bâtiment Edward Everard à Bristol, construit en 1900-01 pour abriter l’imprimerie d’Edward Everard, présente une façade Art Nouveau. Les figures représentées sont de Johannes Gutenberg et William Morris, tous deux éminents dans le domaine de l’imprimerie. Une figure ailée symbolise «l’esprit de la lumière», tandis qu’une figure tenant une lampe et un miroir symbolise la lumière et la vérité.

Jugendstil en Allemagne
L’art nouveau allemand est communément connu sous son nom allemand, Jugendstil. Le nom est tiré du journal artistique Die Jugend, qui a été publié à Munich et qui a épousé le nouveau mouvement artistique. Il a été fondé en 1896 par Georg Hirth (Hirth est resté éditeur jusqu’à sa mort en 1916, et le magazine a continué à être publié jusqu’en 1940). Le magazine a joué un rôle dans la promotion du style en Allemagne. En conséquence, son nom a été adopté comme le terme allemand le plus commun pour le style: Jugendstil (« style de jeunesse »). Bien que, au début du 20ème siècle, le mot a été appliqué uniquement à des exemples bidimensionnels des arts graphiques, en particulier les formes de la typographie organique et le graphisme trouvé et influencé par les magazines allemands comme Jugend, Pan et Simplicissimus, il est maintenant appliqué à des manifestations plus générales des arts visuels Art Nouveau en Allemagne, aux Pays-Bas, dans les États baltes et dans les pays nordiques. Les deux centres principaux de l’art du Jugendstil en Allemagne étaient Munich et Darmstadt (Mathildenhöhe).

Deux autres journaux, Simplicissimus, publié à Munich, et Pan, publié à Berlin, se sont révélés être d’importants partisans du Jugendstil. Les magazines étaient importants pour diffuser l’idiome visuel de Jugendstil, en particulier les qualités graphiques. Art Jugendstil comprend une variété de méthodes différentes, appliquées par les différents artistes individuels et caractéristiques de l’utilisation de lignes dures ainsi que des courbes sinueuses. Les méthodes vont du classique au romantique. Une caractéristique de Jugendstil est la typographie utilisée, dont la combinaison de lettres et d’images est indubitable. La combinaison a été utilisée pour des couvertures de romans, des publicités et des affiches d’exposition. Les concepteurs ont souvent utilisé des polices de caractères d’affichage uniques qui fonctionnaient harmonieusement avec l’image.

Otto Eckmann est l’un des artistes allemands les plus célèbres associés à Die Jugend et Pan. Son animal préféré était le cygne, et telle était son influence dans le mouvement allemand que le cygne est venu pour servir de leitmotiv pour le Jugendstil.

Richard Riemerschmid, l’un des concepteurs allemands les plus en vue, a fabriqué des meubles, de la poterie et d’autres objets décoratifs dans un style sobre et géométrique qui pointe vers l’art déco.

Sécession de Vienne en Autriche
Vienne devint le centre d’une variante distincte de l’Art Nouveau, connue sous le nom de Sécession viennoise, un mouvement artistique fondé en avril 1897 par un groupe d’artistes comprenant Gustav Klimt, Koloman Moser, Josef Hoffmann, Joseph Maria Olbrich, Max Kurzweil et Otto Wagner. Le peintre Klimt est devenu le président du groupe. Ils se sont opposés à l’orientation conservatrice vers l’historicisme exprimée par Vienne Künstlerhaus, l’union officielle des artistes. La Sécession a fondé un magazine, Ver Sacrum, pour promouvoir leurs œuvres dans tous les médias. Le style Sécession était notamment plus féminin, moins lourd et moins nationaliste que le Jugendstil en Allemagne voisine. L’architecte Joseph Olbrich a conçu le bâtiment Sécession en dôme dans le nouveau style, qui est devenu une vitrine pour les peintures de Gustav Klimt et d’autres artistes de la Sécession. Le style architectural de la Sécession viennoise a eu une influence bien au-delà de la ville. Les bâtiments dans le style sont apparus dans les autres grandes villes de l’Empire et au-delà; l’un des exemples les plus célèbres est le palais de Stoclet construit par Josef Hoffmann à Bruxelles en 1905-11. L’intérieur est entièrement décoré dans le style Sécession, y compris des peintures remarquables de Gustav Klimt.

Klimt est devenu le plus connu des peintres de la Sécession, effaçant souvent la frontière entre la peinture d’art et la peinture décorative. Koloman Moser était un artiste extrêmement polyvalent dans le style; Son travail comprend des illustrations de magazines, de l’architecture, de l’argenterie, de la céramique, de la porcelaine, des textiles, des vitraux, des meubles, et plus encore. Il travaillait souvent en collaboration avec Hoffmann et Klimt; les trois ensemble ont créé les intérieurs, l’ameublement et même les vêtements à porter au Palais Stoclet à Bruxelles. En 1903, lui et Hoffmann fondent la Wiener Werkstätte, une école de formation et un atelier pour les concepteurs et les artisans de meubles, de tapis, de textiles et d’objets décoratifs.

Sécession en Europe centrale
Dans les capitales de l’Europe centrale, alors dominées par l’Empire austro-hongrois à Vienne, les formes nationales de l’Art nouveau apparaissent rapidement et prennent souvent des éléments historiques ou folkloriques. Les conceptions de meubles d’Ödön Faragó à Budapest (Hongrie) combinent l’architecture traditionnelle populaire, l’architecture orientale et l’Art Nouveau international dans un style très pittoresque. Pál Horti, un autre designer hongrois, avait un style beaucoup plus sobre et fonctionnel, en chêne avec de délicates traceries d’ébène et de laiton.

Prague, en République tchèque, possède une remarquable collection d’architecture Art Nouveau, y compris l’Hôtel Central et la Synagogue Jubilee, construite en 1908.

Le style de combinaison de l’Art Nouveau et des éléments architecturaux nationaux était typique aussi pour l’architecte slovaque Dušan Jurkovič qui était sous l’influence de l’Art nouveau hongrois. Ses œuvres les plus originales sont la Maison de la culture de Skalica en Slovaquie (1905), les thermes de Luhačovice en République tchèque (1901-1903) et 35 cimetières de guerre près de Nowy Żmigród en Galice (aujourd’hui la Pologne), la plupart influencés Lemko (Rusyn) art populaire et menuiserie (1915-1917). Un autre exemple de l’architecture de la Sécession en Slovaquie est l’église de Sainte Elisabeth (La petite église bleue) à Bratislava.

Stile Liberty en Italie
Le Stile Liberty d’Italie tire son nom du grand magasin britannique Liberty, dont les textiles colorés sont particulièrement populaires en Italie. Les designers italiens notables inclus Galileo Chini, dont les céramiques ont été inspirées à la fois par des motifs de majolique et de l’Art Nouveau. Il a plus tard été connu comme un peintre et un scénographe; il a conçu les décors de deux opéras de Puccini, Gianni Schicchi et Turandot.

Le Teatro Massimo de Palerme, de l’architecte Ernesto Basile, est un exemple de la variante italienne du style, style architectural, qui combinait l’Art Nouveau et les éléments classiques.

Carlo Bugatti, le fils d’un architecte et sculpteur, frère du célèbre designer automobile, figure le plus important dans le design des meubles Art nouveau italiens. Il a étudié à l’Académie milanaise de Brera et plus tard à l’Académie des Beaux-Arts de Paris. Son travail se distinguait par son exotisme et son excentricité, notamment l’argenterie, les textiles, la céramique et les instruments de musique, mais on se souvient surtout de ses créations de meubles innovantes, présentées en premier lieu à la foire des beaux-arts de Milan en 1888. Ses meubles présentaient souvent un design en forme de trou de serrure, et avaient des revêtements inhabituels, y compris du parchemin et de la soie, et des incrustations d’os et d’ivoire. Il a également parfois eu des formes organiques surprenantes, copiées après des escargots et des cobras.

Modernisme en Espagne, Arte Nova au Portugal
En Espagne, une variante très originale du style, Catalan Modernisme, est apparue à Barcelone. Son créateur le plus célèbre était Antoni Gaudi, qui a utilisé de manière très originale les formes florales et organiques de l’Art nouveau au Palau Güell (1886). Ses créations d’environ 1903, la Casa Batlló (1904-1906) et Casa Milà (1906-1908), sont les plus étroitement liées aux éléments stylistiques de l’Art Nouveau. Cependant, les structures célèbres telles que la Sagrada Família contrastent avec la modernité des tendances Art Nouveau avec le style néo-gothique revivaliste. Outre la présence dominante de Gaudí, Lluís Domènech i Montaner a également utilisé l’Art Nouveau à Barcelone dans des bâtiments tels que le Castell dels Tres Dragons (1888), le Palau de la Música Catalana et la Casa Lleó Morera (1905). Josep Puig i Cadafalch a également conçu la Casa Martí et son café Quatre Gats, l’usine textile Casimir Casaramona (aujourd’hui le musée d’art CaixaFòrum), la Casa Macaya, la Casa Amatller, le Palau del Baró de Quadras (logement Casa Àsia pour 10 ans jusqu’en 2013) et la Casa de les Punxes. Josep Maria Jujol est également connue, avec des maisons à Sant Joan Despí (1913-1926), plusieurs églises près de Tarragone (1918 et 1926) et la sinueuse Casa Planells (1924) à Barcelone. Quelques autres grands architectes travaillant à l’extérieur de Barcelone étaient Lluís Muncunill et Parellada, avec une magnifique usine de textiles à Terrassa (Vapor Aymerich, Amat i Jover, aujourd’hui Musée des Sciences et de la Technologie de Catalogne – Museu de la Ciència de la Catalunya) et une « ferme » / petit manoir appelé Masia Freixa dans la même ville; et Cèsar Martinell i Brunet, avec ses spectaculaires «cathédrales du vin», qui abritent des caves coopératives de la ville dans le sud et le centre de la Catalogne. Un architecte valencien qui a travaillé en Catalogne avant d’émigrer aux États-Unis était Rafael Guastavino. On lui attribue la Cimenterie d’Asland à Castellar de n’Hug, entre autres bâtiments.

Le créateur de mobilier catalan Gaspar Homar (1870-1953), influencé par Antoni Gaudi, combinant souvent la marqueterie et les mosaïques avec son mobilier. Des exemples de l’Art nouveau (Arte nova), largement basé sur le modèle français, sont apparus au Portugal à Porto et Aveiro. Un exemple notable est la librairie «Livraria Lello» de Porto, conçue par Xavier Esteves (1906).

Jugendstil dans les pays nordiques
L’Art nouveau était populaire dans les pays nordiques, où il était généralement connu sous le nom de Jugendstil, et était souvent combiné avec le style romantique national de chaque pays. En Norvège, l’Art nouveau était lié à un renouveau inspiré de l’art populaire viking et de l’artisanat. Lars Kisarvik, qui conçoit des chaises aux motifs traditionnels viking et celtiques, et Gerhard Munthe, qui conçoit une chaise avec un emblème de tête de dragon stylisé provenant d’anciens navires vikings, ainsi qu’une grande variété d’affiches, de peintures et de graphiques. D’autres exemples incluent l’église de Skien (1887-1894) et l’église de Fagerborg à Kristiania (Oslo) (1900-1903).

En Finlande, de bons exemples sont la gare centrale d’Helsinki, conçue par Eliel Saarinen, père du célèbre architecte moderniste américain Eero Saarinen. Les exemples du style incluent le théâtre national finlandais, l’église de Kallio, le musée national finlandais, et la cathédrale de Tampere. Contrairement aux meubles très élaborés de l’Art nouveau norvégien, l’Art déco finlandais était extrêmement simple et fonctionnel, comme sur les chaises conçues par Eliel Saarinen (1907-1908).

Monde de l’art en Russie
Une variante russe très colorée de l’Art nouveau est apparue à Moscou et à Saint-Pétersbourg en 1898 avec la publication d’un nouveau journal d’art, « Мир искусства » (translittération: Mir Iskusstva), par les artistes russes Alexandre Benois et Léon Bakst et le rédacteur en chef Sergei Diaghilev. Le magazine a organisé des expositions d’artistes russes de premier plan, dont Mikhail Vrubel, Konstantin Somov, Isaac Levitan et l’illustrateur de livres Ivan Bilibin. Le style World of Art fait moins appel aux formes végétales et florales de l’Art Nouveau français; il s’inspirait fortement des couleurs vives et des motifs exotiques du folklore russe et des contes de fées. La contribution la plus influente du «World of Art» fut la création par Diaghilev d’une nouvelle compagnie de ballet, les Ballets Russes, dirigée par Diaghilev, avec des costumes et des décors conçus par Bakst et Benois. La nouvelle compagnie de ballet a été créée à Paris en 1909 et y a joué tous les ans jusqu’en 1913. Les décors exotiques et colorés conçus par Benois et Bakst ont eu un impact majeur sur l’art et le design français. Le costume et les décors ont été reproduits dans les principaux magazines parisiens, L’Illustration, La Vie parisienne et Gazette du bon ton, et le style russe a été connu à Paris comme à la Bakst. La compagnie a été bloquée à Paris d’abord par le déclenchement de la Première Guerre mondiale, puis par la révolution russe en 1917, et ironiquement jamais joué en Russie.

Moscou et Saint-Pétersbourg ont plusieurs bâtiments Art nouveau importants construits dans les dernières années avant la Révolution; notamment l’hôtel Metropol à Moscou, qui présente une fresque en céramique sur la façade, The Princess of Dreams, du designer scénique Mikhail Vrubel; et la gare de Vitebsk à Saint-Pétersbourg (1904)

Tiffany Style aux États-Unis
Aux États-Unis, la firme Louis Comfort Tiffany joue un rôle central dans l’Art nouveau américain. Né en 1848, il étudie à la National Academy of Design de New York, commence à travailler le verre à l’âge de 24 ans, entre dans l’entreprise familiale fondée par son père et crée en 1885 sa propre entreprise consacrée au verre fin. techniques pour sa coloration. En 1893, il commence à fabriquer des vases et des bols en verre, développant de nouvelles techniques qui permettent des formes et des couleurs plus originales, et commence à expérimenter avec des vitrages décoratifs. Des couches de verre ont été imprimées, marbrées et superposées, donnant une richesse exceptionnelle et une variété de couleurs. En 1895, ses nouvelles œuvres ont été présentées dans la galerie Art Nouveau de Siegfried Bing, ce qui lui a donné une nouvelle clientèle européenne. Après la mort de son père en 1902, il prend en charge toute l’entreprise Tiffany, mais consacre encore une grande partie de son temps à la conception et à la fabrication d’objets d’art en verre. Sous l’impulsion de Thomas Edison, il commença à fabriquer des lampes électriques avec des nuances de verre multicolores dans des structures de bronze et de fer, ou décorées de mosaïques, produites dans de nombreuses séries et éditions, chacune réalisée avec le soin d’un bijou. Une équipe de designers et d’artisans a travaillé sur chaque produit. La lampe Tiffany en particulier est devenue l’une des icônes de l’Art Nouveau, mais les artisans (et les artisanes) de Tiffany ont conçu et fabriqué des fenêtres, des vases et d’autres objets en verre extraordinaires. Le verre de Tiffany eut aussi beaucoup de succès à l’Exposition Universelle de 1900 à Paris; son vitrail appelé le vol des âmes a remporté une médaille d’or.

Une autre figure importante de l’Art Nouveau américain a été l’architecte Louis Sullivan, mieux connu comme l’architecte de certains des premiers gratte-ciel américains à charpente de fer. À l’Exposition universelle de Chicago en 1893, la plus célèbre pour l’architecture néoclassique de sa célèbre ville blanche, il a conçu une spectaculaire entrée Art Nouveau au bâtiment des transports. L’exposition colombienne était aussi un lieu important pour Tiffany; une chapelle qu’il a conçue a été montrée au pavillon de l’art et de l’industrie. La chapelle Tiffany, ainsi que l’une des fenêtres de la maison de Tiffany à New York, sont maintenant exposées au Musée Charles Hosmer Morse de l’Art américain à Winter Park, en Floride.