Art Nouveau é um estilo internacional de arte, arquitetura e arte aplicada, especialmente as artes decorativas, que foi mais popular entre 1890 e 1910. Uma reação à arte acadêmica do século 19, foi inspirada por formas e estruturas naturais, particularmente a linhas curvas de plantas e flores.

Estilo decorativo do final do século XIX e do início do século XX que floresceu principalmente na Europa e nos EUA. Embora tenha influenciado a pintura e a escultura, suas principais manifestações foram na arquitetura e nas artes gráficas e decorativas, aspectos em que se concentra esta pesquisa. linhas sinuosas e assimétricas baseadas em formas orgânicas; num sentido mais amplo, abrange os padrões e ritmos geométricos e mais abstratos que foram desenvolvidos como parte da reação geral ao historicismo do século XIX. Há grandes variações no estilo de acordo com o local em que ele apareceu e os materiais que foram empregados.

O Art Nouveau é considerado um estilo de arte “total”, abrangendo arquitetura, arte gráfica, design de interiores e a maioria das artes decorativas, incluindo joias, móveis, têxteis, prata doméstica e outros utensílios e iluminação, bem como belas artes. A filosofia do estilo, a arte deve ser um estilo de vida Para muitos europeus abastados, foi possível viver em uma casa de inspiração Art Nouveau, com móveis art nouveau, talheres, tecidos, cerâmicas, incluindo louças, joias, cigarreiras, Artistas desejavam combinar artes plásticas e artes aplicadas, mesmo para objetos utilitários.

Forma e caráter
Embora a Art Nouveau tenha adquirido tendências distintamente localizadas à medida que sua distribuição geográfica aumentou, algumas características gerais são indicativas da forma. Uma descrição publicada na revista Pan de Cyclamen (1894), de Hermann Obrist, descreveu-a como “súbitas curvas violentas geradas pelo estalo de um chicote”, que se tornaram bem conhecidas durante a difusão inicial da Art Nouveau. Posteriormente, não apenas o trabalho tornou-se mais conhecido como The Whiplash, mas o termo “whiplash” é freqüentemente aplicado às curvas características empregadas pelos artistas da Art Nouveau. Esses motivos decorativos de “chicote”, formados por linhas dinâmicas, ondulantes e fluidas em um ritmo sincopado e forma assimétrica, são encontrados em toda a arquitetura, pintura, escultura e outras formas de design Art Nouveau.

As origens da Art Nouveau são encontradas na resistência do artista William Morris às composições desordenadas e às tendências de revitalização do século XIX e suas teorias que ajudaram a iniciar o movimento de artes e ofícios. No entanto, a capa de livro de Arthur Mackmurdo para Wren’s City Churches (1883), com seus padrões florais rítmicos, é frequentemente considerada a primeira realização da Art Nouveau. Mais ou menos ao mesmo tempo, a perspectiva plana e as cores fortes das estampas de blocos de madeira japonesas, especialmente as de Katsushika Hokusai, tiveram um forte efeito sobre a formulação da Art Nouveau. O japonismo que era popular na Europa durante as décadas de 1880 e 1890 foi particularmente influente em muitos artistas com suas formas orgânicas e referências ao mundo natural. Além de ser adotado por artistas como Emile Gallé e James Abbott McNeill Whistler, arte e design de inspiração japonesa foram defendidos pelos empresários Siegfried Bing e Arthur Lasenby Liberty em suas lojas em Paris e Londres, respectivamente.

Na arquitetura, hipérboles e parábolas em janelas, arcos e portas são comuns, e molduras decorativas “crescem” em formas derivadas de plantas. Como a maioria dos estilos de design, a Art Nouveau procurou harmonizar suas formas. O texto acima da entrada do metrô de Paris usa as qualidades do resto do trabalho de ferro na estrutura.

Art Nouveau em arquitetura e design de interiores evitava os estilos ecléticos de revitalização do século XIX. Apesar da Art Nouveau, os designers selecionaram e “modernizaram” alguns dos elementos mais abstratos do estilo rococó, como texturas chama e casca, eles também defenderam o uso de formas orgânicas muito estilizadas como fonte de inspiração, expandindo o repertório “natural” para use algas, gramíneas e insetos. As formas suavemente fundidas do estilo auricular do século XVII, melhor exemplificadas nos talheres holandeses, foram outra influência.

Relação com estilos e movimentos contemporâneos
Como um estilo de arte, o Art Nouveau tem afinidades com os estilos pré-rafaelitas e simbolistas, e artistas como Aubrey Beardsley, Alphonse Mucha, Edward Burne-Jones, Gustav Klimt e Jan Toorop podem ser classificados em mais de um desses estilos. Ao contrário da pintura simbolista, no entanto, a Art Nouveau tem uma aparência distinta; e, ao contrário do movimento de Artes e Ofícios orientado por artesãos, os artistas da Art Nouveau usavam prontamente novos materiais, superfícies usinadas e abstração a serviço do design puro.

Art Nouveau não evitou o uso de máquinas, como fez o movimento Arts and Crafts. Para a escultura, os principais materiais utilizados foram vidro e ferro forjado, resultando em qualidades esculturais, mesmo na arquitetura. Cerâmicas também foram empregadas na criação de edições de esculturas de artistas como Auguste Rodin.

A arquitetura Art Nouveau fez uso de muitas inovações tecnológicas do final do século 19, especialmente o uso de ferro exposto e grandes pedaços de vidro de formato irregular para a arquitetura. No início da Primeira Guerra Mundial, no entanto, a natureza estilizada do design Art Nouveau começou a ser abandonada em favor de um modernismo retilíneo mais racionalizado – considerado mais fiel à estética industrial mais simples que se tornou Art Deco.

Tendências Art Nouveau também foram absorvidas pelos estilos locais. Na Dinamarca, por exemplo, foi um aspecto de Skønvirke (“trabalho estético”), que se relaciona mais de perto com o estilo Arts and Crafts. Da mesma forma, os artistas adotaram muitos dos motivos florais e orgânicos da Art Nouveau no estilo Młoda Polska (“Young Poland”) na Polônia. Młoda Polska, no entanto, também incluía outros estilos artísticos e abrangia uma abordagem mais ampla da arte, literatura e estilo de vida.

As artes gráficas floresceram no período Art Nouveau, graças às novas tecnologias de impressão, particularmente a litografia de cores, que permitiu a produção em massa de pôsteres coloridos. A arte não estava mais confinada a galerias, museus e salões; podia ser encontrado nas paredes de Paris e nas revistas de arte ilustrada, que circulavam pela Europa e pelos Estados Unidos. O tema mais popular dos cartazes da Art Nouveau eram mulheres; mulheres simbolizando glamour, modernidade e beleza, muitas vezes cercadas por flores.

Na Grã-Bretanha, o principal artista gráfico no estilo Art Nouveau foi Aubrey Beardsley (1872-1898). Ele começou com ilustrações de livros gravados para Le Morte d’Arthur, em seguida, ilustrações em preto e branco para Salomé de Oscar Wilde (1893), que lhe trouxe fama. No mesmo ano, ele começou a gravar ilustrações e cartazes para a revista de arte The Studio, que ajudou a divulgar artistas europeus como Fernand Khnopff na Grã-Bretanha. As linhas curvas e intrincados padrões florais atraíram tanta atenção quanto o texto.

O artista franco-suíço Eugène Grasset (1845-1917) foi um dos primeiros criadores de pôsteres franceses da Art Nouveau. Ele ajudou a decorar o famoso cabaré Le Chat noir em 1885 e fez seus primeiros cartazes para as Fêtes de Paris. Ele fez um célebre cartaz de Sarah Bernhardt em 1890 e uma grande variedade de ilustrações de livros. Os artistas-designers Jules Chéret, Georges de Feure e o pintor Henri de Toulouse-Lautrec fizeram cartazes para teatros, cafés e cabarés de salões de dança de Paris. O artista tcheco Alphonse Mucha (1860–1939) chegou a Paris em 1888 e em 1895 fez um cartaz para a atriz Sarah Bernhardt na peça Gismonda de Victorien Sardou. O sucesso deste cartaz levou a um contrato para produzir pôsteres para mais seis peças. por Bernhardt. Nos quatro anos seguintes, ele também projetou cenários, fantasias e até jóias para a atriz. Com base no sucesso de seus cartazes de teatro, Mucha fez cartazes para uma variedade de produtos, desde cigarros e sabão a biscoitos de cerveja, todos com uma figura feminina idealizada com uma figura de ampulheta. Ele passou a projetar produtos, de jóias a caixas de biscoito, em seu estilo distinto.

Em Viena, o designer mais prolífico de gráficos e cartazes foi Koloman Moser (1868-1918), que participou ativamente do movimento da Secessão com Gustav Klimt e Josef Hoffmann, e fez ilustrações e capas para a revista do movimento, Ver Sacrum, como bem como pinturas, móveis e decoração.

Pintura
A pintura era outro importante domínio da Art Nouveau, embora a maioria dos pintores de Art Nouveau também estivesse associada a outros movimentos artísticos, particularmente os nabis na França e os simbolistas na França e na Áustria. Em 1892, Siegfried Bing organizou uma exposição em Paris com sete pintores, incluindo Pierre Bonnard, Édouard Vuillard, Félix Vallotton e Maurice Denis; e sua Maison de l’Art Nouveau exibiu pinturas de Georges Seurat, Paul Signac e Henri de Toulouse-Lautrec. Eugène Grasset, Koloman Moser e Gustav Klimt moviam-se confortavelmente na vanguarda e na Art Nouveau. Na Bélgica, Fernand Khnopff trabalhou em pintura e design gráfico. Pinturas de Gustav Klimt eram parte integrante do esquema decorativo de Josef Hoffmann para o Palais Stoclet. Um tema comum dos pintores simbolistas e art nouveau do período foi a representação estilizada das mulheres. Um assunto popular foi a dançarina americana Loie Fuller, retratada por pintores e cartazistas franceses e austríacos.

Arte em vidro
A arte do vidro era um meio no qual a Art Nouveau encontrava formas novas e variadas de expressão. Uma intensa quantidade de experimentos, particularmente na França, continuou a encontrar novos efeitos de transparência e opacidade: na gravação de cameo, dupla camada e gravação com ácido, uma técnica que permitia a produção em série. A cidade de Nancy tornou-se um importante centro para a indústria de vidro francesa, e as oficinas de Emile Gallé e do estúdio Daum, lideradas por Auguste e Antonin Daum, foram localizadas lá. Eles trabalharam com muitos designers notáveis, incluindo Ernest Bussière, Henri Bergé e Amalric Walter. Eles desenvolveram um novo método de incrustação de vidro, pressionando fragmentos de diferentes cores de vidro para a peça inacabada. Eles freqüentemente colaboravam com o designer de móveis Louis Majorelle, cuja casa e oficinas estavam em Nancy. Outra característica da Art Nouveau era o uso de vitrais com aquele estilo de temas florais em salões residenciais, particularmente nas casas Art Nouveau em Nancy. Muitos foram o trabalho de Jacques Gruber, que fez janelas para a Villa Majorelle e outras casas.

Na Bélgica, a empresa líder era a fábrica de vidro de Val Saint Lambert, que criava vasos em formas orgânicas e florais, muitos deles projetados por Philippe Wolfers. Wolfers foi particularmente conhecido por criar obras de vidro simbolista, muitas vezes com decoração de metal em anexo. Na Boêmia, então uma região do Império Austro-Húngaro conhecida pela fabricação de cristais, as empresas Lobmeyr e Loetz-Witwe também experimentaram novas técnicas de coloração, produzindo cores mais vivas e mais ricas. Na Alemanha, a experimentação foi conduzida por Karl Köpping, que usou vidro soprado para criar óculos extremamente delicados na forma de flores; tão delicado que poucos sobrevivem hoje.

Em Viena, os desenhos de vidro do movimento da Secessão eram muito mais geométricos do que os da França ou da Bélgica; Otto Prutscher foi o designer de vidro mais rigoroso do movimento.

Na Grã-Bretanha, vários designs de vitrais florais foram criados por Margaret Macdonald Mackintosh para a exposição arquitetônica chamada “A Casa de um Art Lover”.

Nos Estados Unidos, Louis Comfort Tiffany e seus designers tornaram-se particularmente famosos por suas lâmpadas, cujos tons de vidro usavam temas florais comuns intricadamente reunidos. As lâmpadas Tiffany ganharam popularidade após a Exposição Mundial da Colômbia em Chicago em 1893, onde Tiffany exibiu suas lâmpadas em uma capela bizantina. Tiffany experimentou extensivamente com os processos de coloração de vidro, patenteando em 1894 o processo Favrile glass, que usava óxidos metálicos para colorir o interior do vidro derretido, dando-lhe um efeito iridescente. Suas oficinas produziram várias séries diferentes da lâmpada Tiffany em diferentes desenhos florais, juntamente com vitrais, telas, vasos e uma variedade de objetos decorativos. Suas obras foram importadas pela primeira vez para a Alemanha, depois para a França por Siegfried Bing, e então se tornaram uma das sensações decorativas da Exposição de 1900. Uma rival americana da Tiffany, a Steuben Glass, foi fundada em 1903 em Corning, Nova York, por Frederick Carder, que, como a Tiffany, usou o processo Fevrile para criar superfícies com cores iridescentes. Outro notável artista de vidro americano foi John La Farge, que criou intricados e coloridos vitrais em temas religiosos e puramente decorativos.

Arte em metal
O teórico arquitetônico do século XIX, Viollet-le-Duc, defendia mostrar, em vez de esconder as estruturas de ferro dos prédios modernos, mas os arquitetos Victor Horta e Hector Guimard da Art Nouveau foram um passo adiante: acrescentaram a decoração de ferro em curvas inspiradas em florais e vegetais. forma tanto no interior como no exterior dos seus edifícios. Eles tomaram a forma de grades de escadas no interior, luminárias e outros detalhes no interior, e varandas e outros ornamentos no exterior. Estas tornaram-se algumas das características mais distintivas da arquitetura Art Nouveau. O uso de decoração de metal em formas vegetais logo também apareceu em prataria, lâmpadas e outros itens decorativos.

Nos Estados Unidos, o designer George Grant Elmslie fez desenhos de ferro fundido extremamente intrincados para as balaustradas e outras decorações de interiores dos edifícios do arquiteto de Chicago Louis Sullivan.

Enquanto os designers franceses e americanos usavam formas florais e vegetais, Joseph Maria Olbrich e os outros artistas da Secession desenhavam bules e outros objetos de metal em um estilo mais geométrico e sóbrio.

Joalheria
A Art Nouveau é caracterizada por formas e linhas suaves e curvas, e geralmente apresenta desenhos naturais como flores, pássaros e outros animais. O corpo feminino é um tema popular e é apresentado em uma variedade de peças de joalheria, especialmente camafeus. Freqüentemente incluía colares longos feitos de pérolas ou correntes de prata esterlina pontuadas por contas de vidro ou terminando em um pingente de prata ou ouro, muitas vezes projetado como um ornamento para guardar uma única jóia facetada de ametista, peridoto ou citrino.

O período Art Nouveau trouxe uma notável revolução estilística à indústria de joias, liderada em grande parte pelas grandes empresas de Paris. Nos dois séculos anteriores, a ênfase na joalheria fina estava criando cenários dramáticos para os diamantes. Durante o reinado da Art Nouveau, os diamantes geralmente desempenhavam um papel de apoio. Os joalheiros experimentaram uma grande variedade de outras pedras, incluindo ágata, granada, pedra-da-lua, água-marinha e outras pedras semipreciosas, e com uma grande variedade de novas técnicas, entre outras esmaltagem, e novos materiais, incluindo chifre, vidro moldado e marfim.

Os primeiros joalheiros de Paris no estilo Art Nouveau incluíam Louis Aucoc, cuja empresa de joias da família datava de 1821. O designer mais famoso do período da Art Nouveau, René Lalique, serviu seu aprendizado no estúdio Aucoc de 1874 a 1876. Lalique se tornou um centro figura de jóias e vidro Art Nouveau, usando a natureza, de libélulas a gramíneas, como seu modelo. Artistas de fora do mundo tradicional de joalharia, como Paul Follot, mais conhecido como designer de mobiliário, experimentaram designs de joalharia. Outros notáveis ​​designers franceses de joalharia Art Nouveau incluíam Jules Brateau e Georges Henry. Nos Estados Unidos, o designer mais famoso foi Louis Comfort Tiffany, cujo trabalho foi exibido na loja de Siegfried Bing e também na Exposição de Paris de 1900.

Na Grã-Bretanha, a figura mais proeminente foi o designer da Liberty & Co. Archibald Knox, que fez uma variedade de peças em Art Nouveau, incluindo fivelas de cinto de prata. CR Ashbee projetado pingentes nas formas de pavões. O versátil designer de Glasgow Charles Rennie Mackintosh também fez joias, usando símbolos celtas tradicionais. Na Alemanha, o centro de jóias Jugendstil era a cidade de Pforzheim, onde a maioria das empresas alemãs, incluindo Theodor Fahrner, estava localizada. Eles rapidamente produziram obras para atender à demanda pelo novo estilo.

Arquitetura
A arquitetura Art Nouveau foi uma reação contra os estilos ecléticos que dominaram a arquitetura européia na segunda metade do século XIX. Foi expresso através da decoração. Os edifícios foram cobertos com ornamentos em formas curvas, baseados em flores, plantas ou animais: borboletas, pavões, cisnes, íris, ciclames, orquídeas e nenúfares. As fachadas eram assimétricas e muitas vezes decoradas com azulejos de cerâmica policromada. A decoração geralmente sugeria movimento; não havia distinção entre a estrutura e o ornamento.

O estilo apareceu pela primeira vez no Hôtel Tassel de Bruxelas (1894) e no Hôtel Solvay (1900) de Victor Horta. O Hôtel Tassel recebeu a visita de Hector Guimard, que usou o mesmo estilo em sua primeira grande obra, o Castel Béranger (1897-98). Em todas essas casas, os arquitetos também projetaram os móveis e a decoração de interiores, até as maçanetas e carpetes. Em 1899, com base na fama do Castel Béranger, Guimard recebeu uma comissão para projetar as entradas das estações do novo metrô de Paris, inaugurado em 1900. Embora poucos dos originais tenham sobrevivido, Estes se tornaram o símbolo do movimento Art Nouveau. em Paris.

Em Paris, o estilo arquitetônico também foi uma reação às normas rígidas impostas às fachadas de edifícios por Georges-Eugène Haussmann, prefeito de Paris sob Napoleão III. Janelas de arco foram finalmente permitidas em 1903, e os arquitetos Art Nouveau foram para o extremo oposto, mais notavelmente nas casas de Jules Lavirotte, que eram essencialmente grandes obras de escultura, completamente cobertas de decoração. Um importante bairro de casas Art Nouveau apareceu na cidade francesa de Nancy, em torno da Villa Majorelle (1901 a 1902), a residência do designer de móveis Louis Majorelle. Foi projetado por Henri Sauvage como uma vitrine para os projetos de móveis de Majorelle.

O estilo arquitetônico se espalhou da Bélgica e da França para a Alemanha, Suíça, Itália, Espanha e o resto da Europa, assumindo um nome e caráter diferentes em cada país. Atingiu o seu pico em 1910 e, no início da Primeira Guerra Mundial, estava praticamente terminado. Um novo estilo, Art Deco, tomou o seu lugar.

Mobília
Design de mobiliário no período Art Nouveau estava intimamente associado com a arquitetura dos edifícios, os arquitetos muitas vezes projetaram os móveis, tapetes, luminárias, maçanetas e outros detalhes decorativos. A mobília também era muitas vezes complexa e cara; um acabamento fino, geralmente polido ou envernizado, era considerado essencial, e os desenhos continentais eram geralmente muito complexos, com formas curvas que eram caras de fazer. Ele também tinha a desvantagem de que o dono da casa não podia trocar os móveis ou adicionar peças em um estilo diferente sem interromper todo o efeito da sala. Por essa razão, quando a arquitetura Art Nouveau saiu de moda, o estilo dos móveis também desapareceu.

Na França, o centro de design e fabricação de móveis ficava em Nancy, onde dois grandes designers, Émile Gallé e Louis Majorelle, tinham seus estúdios e oficinas, e onde a Alliance des industries d’art (mais tarde chamada Escola de Nancy) foi fundada. em 2001. Ambos os designers baseiam-se na sua estrutura e ornamentação em formas retiradas da natureza, incluindo flores e insetos, como a libélula, um motivo popular no design Art Nouveau. Gallé era particularmente conhecido por seu uso de marchetaria em relevo, na forma de paisagens ou temas poéticos. Majorelle era conhecido pelo uso de madeiras exóticas e caras, e por prender o bronze esculpido em temas vegetais a seus móveis. Ambos os designers usaram máquinas para as primeiras fases de fabricação, mas todas as peças foram finalizadas à mão. Outros notáveis ​​designers de móveis da Escola de Nancy incluem Eugène Vallin e Émile André; ambos eram arquitetos de treinamento e ambos projetavam móveis que se assemelhavam aos móveis de designers belgas como Horta e Van de Velde, que tinham menos decoração e seguiam mais de perto as plantas e flores curvas. Outros notáveis ​​designers franceses incluíam Henri Bellery-Desfontaines, que se inspirou nos estilos neogóticos de Viollet-le-Duc; e Georges de Feure, Eugène Gaillard e Édouard Colonna, que trabalharam juntos com o negociante de arte Siegfried Bing para revitalizar a indústria moveleira francesa com novos temas. Seu trabalho era conhecido por “naturalismo abstrato”, sua unidade de linhas retas e curvas e sua influência rococó. A mobília de Feure no pavilhão Bing ganhou uma medalha de ouro na Exposição de Paris de 1900. O desenhista francês mais incomum e pitoresco foi François-Rupert Carabin, um escultor de treinamento, cujos móveis apresentavam formas femininas nuas esculpidas e animais simbólicos, particularmente gatos, que combinavam elementos Art Nouveau com Simbolismo. Outros influentes designers de móveis de Paris foram Charles Plumet e Alexandre Charpentier. De muitas maneiras, o antigo vocabulário e as técnicas clássicas da mobília rococó francesa do século XVIII foram reinterpretados em um novo estilo.

Na Bélgica, os arquitetos pioneiros do movimento Art Nouveau, Victor Horta e Henry van de Velde, projetaram móveis para suas casas, usando linhas curvas vigorosas e um mínimo de decoração. O designer belga Gustave Serrurier-Bovy adicionou mais decoração, aplicando tiras de latão em formas curvas. Na Holanda, onde o estilo se chamava Nieuwe Kunst ou New Art, HP Berlag, Lion Cachet e Theodor Nieuwenhuis seguiam um rumo diferente, o do movimento inglês Arts and Crafts, com formas racionais mais geométricas.

Na Grã-Bretanha, os móveis de Charles Rennie Mackintosh eram puramente Artes e Ofícios, com austero e geométrico, com longas linhas retas e ângulos retos e um mínimo de decoração. Desenhos continentais eram muito mais elaborados, muitas vezes usando formas curvas, tanto nas formas básicas da peça, quanto em motivos decorativos aplicados. Na Alemanha, os móveis de Peter Behrens e Jugendstil eram em grande parte racionalistas, com linhas retas geométricas e alguma decoração ligada à superfície. Seu objetivo era exatamente o oposto da Art Nouveau francesa; simplicidade de estrutura e simplicidade de materiais, para móveis que poderiam ser baratos e facilmente fabricados em massa. O mesmo aconteceu com os móveis dos designers da Wiener Werkstätte em Viena, liderados por Otto Wagner, Josef Hoffmann, Josef Maria Olbrich e Koloman Moser. A mobília era geométrica e tinha um mínimo de decoração, embora em estilo seguisse frequentemente precedentes históricos nacionais, particularmente o estilo Biedemeier.

Design de mobiliário italiano e espanhol saiu em sua própria direção. Carlo Bugatti na Itália projetou a extraordinária cadeira de caracol, madeira coberta com pergaminho pintado e cobre, para a Exposição Internacional de Turim de 1902. Na Espanha, seguindo a liderança de Antoni Gaudi e Modernismo, o designer de móveis Gaspar Homar projetou obras inspiradas por formas naturais com toques de estilos históricos catalães.

Nos Estados Unidos, o design de móveis foi mais frequentemente inspirado pelo movimento Arts and Crafts, ou por modelos americanos históricos, do que pela Art Nouveau. Um designer que apresentou os temas da Art Nouveau foi Charles Rohlfs em Buffalo, Nova York, cujos desenhos de móveis de carvalho branco americano foram influenciados por motivos de arte celta e gótica, com toques de Art Nouveau no acabamento de metal aplicado às peças.

Cerâmica
A última parte do século XIX viu muitas inovações tecnológicas na fabricação de cerâmica, particularmente o desenvolvimento de porcelanas de alta temperatura (grande feu) com esmaltes cristalizados e foscos. Ao mesmo tempo, várias técnicas perdidas, como o esmalte oxblood, foram redescobertas. As cerâmicas Art Nouveau também foram influenciadas pelas tradicionais e modernas cerâmicas japonesas e chinesas, cujos motivos vegetais e florais combinavam bem com o estilo Art Nouveau. Na França, os artistas também redescobriram os métodos grés tradicionais e os reinventaram com novos motivos. A cerâmica também encontrou um novo uso importante na arquitetura: os arquitetos Art Nouveau, Jules Lavirotte e Hector Guimard entre eles, começaram a decorar as fachadas de prédios com ladrilhos de cerâmica, muitos deles feitos pela empresa Alexandre Bigot, dando a eles uma Art Nouveau distinta. olhar escultural. Na cerâmica Art Nouveau rapidamente mudou-se para o domínio da escultura e arquitetura.

Um dos pioneiros ceramistas franceses da Art Nouveau foi Ernest Chaplet, cuja carreira em cerâmica durou trinta anos. Ele começou a produzir grés influenciados por protótipos japoneses e chineses. Começando em 1886, ele trabalhou com o pintor Paul Gauguin em desenhos de grés com figuras aplicadas, várias alças, pintadas e parcialmente envidraçadas, e colaborou com os escultores Félix Bracquemond, Jules Dalou e Auguste Rodin. Seus trabalhos foram aclamados na Exposição de 1900.

As principais empresas nacionais de cerâmica ocuparam um lugar importante na Exposição de Paris de 1900: a Manufacture nationale de Sèvres, nos arredores de Paris; Nymphenburg, Meissen, Villeroy & Boch, na Alemanha, e Doulton, na Inglaterra. Outros importantes ceramistas franceses incluíam Taxile Doat, Pierre-Adrien Dalpayrat (fr), Edmond Lachenal, Albert Dammouse (fr) e Auguste Delaherche.

Na França, a cerâmica Art Nouveau às vezes cruzava a linha de escultura. A estatueta de porcelana Dancer with a Scarf de Agathon Léonard, feita para a Manufacture nationale de Sèvres, ganhou reconhecimento em ambas as categorias na 1900 Paris Exposition.

A fábrica Zsolnay em Pécs, Hungria, foi liderada por Miklós Zsolnay (1800-1880) e seu filho, Vilmos Zsolnay (1828–1900), com Tadé Sikorski (1852-1940), designer-chefe, para produzir cerâmica e outras cerâmicas em 1853. Em 1893, Zsolnay introduziu peças de porcelana feitas de eosina. Ele levou a fábrica ao reconhecimento mundial, demonstrando seus produtos inovadores em feiras mundiais e exposições internacionais, incluindo a Feira Mundial de 1873 em Viena e, em seguida, na Feira Mundial de 1878 em Paris, onde Zsolnay recebeu um Grand Prix. Decorações de construção resistentes ao frio de Zsolnay foram usadas em numerosos edifícios, especificamente durante o movimento Art Nouveau.

Têxteis e Papel de Parede
Têxteis e papéis de parede eram um veículo importante da Art Nouveau desde o início do estilo, e um elemento essencial do design de interiores Art Nouveau. Na Grã-Bretanha, os designs têxteis de William Morris ajudaram a lançar o Movimento de Artes e Ofícios e depois a Art Nouveau. Muitos projetos foram criados para a loja de departamentos Liberty em Londres, que popularizou o estilo em toda a Europa. Um desses designers foi o Silver Studio, que forneceu padrões florais estilizados e coloridos. Outros designs distintos vieram da Glasgow School e Margaret Macdonald Mackintosh. A escola de Glasgow introduziu vários motivos distintos, incluindo ovos estilizados, formas geométricas e a “Rosa de Glasgow”.

Na França, uma grande contribuição foi feita pelo designer Eugène Grasset, que em 1896 publicou La Plante e ses applications ornamentales, sugerindo desenhos Art Nouveau baseados em diferentes flores e plantas. Muitos modelos foram concebidos e produzidos para os principais fabricantes de têxteis franceses em Mulhouse, Lille e Lyon, através de workshops alemães e belgas. O estilista alemão Hermann Obrist especializou-se em padrões florais, particularmente o ciclâmen e o estilo “chicote” baseado em hastes de flores, que se tornou um dos principais motivos do estilo. O belga Henry van de Velde apresentou uma obra têxtil, La Veillée d’Anges, no Salon La Libre Esthéthique, em Bruxelas, inspirada no simbolismo de Paul Gauguin e dos Nabis. Na Holanda, os têxteis eram muitas vezes inspirados pelos padrões de batik das colônias holandesas nas Índias Orientais. A arte popular também inspirou a criação de tapeçarias, tapetes, bordados e tecidos na Europa Central e na Escandinávia, na obra de Gerhard Munthe e Frida Hansen, na Noruega. O projeto Cinco cisnes de Otto Eckmann apareceu em mais de cem versões diferentes. O designer húngaro Janos Vaszary combinou elementos Art Nouveau com temas folclóricos.