Арт-нуво — это международный стиль искусства, архитектуры и прикладного искусства, особенно декоративное искусство, которое было наиболее популярным между 1890 и 1910 годами. Реакция на академическое искусство 19-го века была вдохновлена ​​естественными формами и структурами, в частности изогнутые линии растений и цветов.

На английском языке используется французское название Art Nouveau (новое искусство). Стиль связан, но не идентичен стилям, возникшим во многих странах Европы примерно в одно и то же время: в Австрии он известен как Secessionsstil после Wiener Secession; в испанском модернизме; в каталонском модернизме; на чешском языке; в датском Skønvirke или Jugendstil; на немецком языке «Югендстиль», «Модерн» или «Реформаль»; в венгерском Szecesszió; в итальянском стиле модерн, Stile Liberty или Stile floreale; в норвежском Югендстиле; на польском языке Secesja; в Словацкой Секезии; на украинском и русском языках Модерн (Современный); на шведском и финском языках Югенд.

Art Nouveau — это общий художественный стиль: он охватывает широкий спектр декоративно-прикладного искусства, включая архитектуру, живопись, графику, дизайн интерьера, украшения, мебель, текстиль, керамику, стекло и металлические работы.

К 1910 году ар-нуво уже не в стиле. Он был заменен как доминирующий европейский архитектурный и декоративный стиль сначала Art Deco, а затем модерном.

Модерн во Франции
После экспозиции 1900 года столицей ар-нуво был Париж. Самые экстравагантные резиденции в стиле были построены Жюлем Лавиротте, который полностью покрыл фасады керамической скульптурной отделкой. Наиболее ярким примером является здание Лавиротта, на 29 проспекте Рапп (1901). Офисные здания и универмаги отличались высокими внутренними дворами, покрытыми витражными куполами и керамической отделкой. Стиль был особенно популярен в ресторанах и кафе, в том числе Максим на 3-й улице Royale и Le Train bleu на Лионском вокзале (1900).

Город Нэнси в Лотарингии стал другой французской столицей нового стиля. В 1901 году был основан Альянс провинциальных индустрий d’art, также известный как École de Nancy, посвященный расстроению иерархии, которая ставит живопись и скульптуру над декоративным искусством. Крупнейшие художники, работающие там, включали в себя стеклянную вазу и изготовителей ламп Эмиль Галле, братьев Даумов в стеклянном дизайне и дизайнер Луи Мажорель, который создал мебель с изящными цветочными и растительными формами. Архитектор Анри Соваж привнес новый стиль архитектуры в Нэнси со своей Виллой Мажорель в 1898 году.

Французский стиль широко пропагандировался новыми журналами, в том числе Studio, Arts et Idées и Art et Décoration, чьи фотографии и цветные литографии сделали стиль известным дизайнерам и богатым клиентам по всему миру.

Во Франции стиль достиг своей вершины в 1900 году, а затем быстро выскользнул из моды, практически исчезнув из Франции к 1905 году. Арт-нуво был роскошным стилем, который требовал опытных и высокооплачиваемых мастеров и не мог быть легко или дешево массовым, производится. Одной из немногих продуктов в стиле модерн, которые можно было массово выпускать, была бутылка духов, и они продолжают выпускаться в современном стиле. В стиле ар-нуво сменил ар-деко (Art déco).

Бельгия, Нидерланды и Швейцария
Бельгия была ранним центром модерна, в основном благодаря архитектуре Виктора Орта, которая спроектировала первые дома в стиле модерн, отель Tassel в 1893 году и отель Solvay в 1894 году. Орта встретился и оказал сильное влияние на работу молодого Гектора Гимара. Другие важные дизайнеры включали архитектора Пола Хэнкара, который построил дом в стиле ар-нуво в 1893 году; архитектор и дизайнер мебели Генри ван де Вельде, декоратор Гюстав Серрюрье-Бови и художник-график Фернанн Хнопфф. Бельгийские дизайнеры воспользовались богатым предложением слоновой кости, импортированной из бельгийского Конго; смешанные скульптуры, сочетающие камень, металл и слоновую кость, такими художниками, как Филипп Вулферс, были популярны.

В Нидерландах стиль был известен как Nieuwe Kunst, New Art. Архитекторы включали Хендрика Петруса Берлажа, который разработал более функциональный, рациональный вариант, в то время как Карел Адольф Лев Каше, Тео Ньевенхюис и Геррит Виллем Дийселхоф разработали более живописный и декоративный стиль. На дизайн мебели повлиял импорт экзотических лесов из голландской Ост-Индии (современная Индонезия), в то время как текстиль находился под влиянием конструкций и методов батика.

Среди выдающихся швейцарских художников того времени были художник и графический художник Теофил Штайнлен, создатель знаменитого плаката для парижского кабаре Le Chat noir и художник, скульптор и декоратор Эжен Грассет, переехавший из Швейцарии в Париж, где он проектировал графику, мебель, гобелены, керамика и плакаты. В Париже он преподавал в художественной школе Guérin (École normale d’enseignement du dessin), где его ученики включали Аугусто Джакометти и Пола Бертона.

Современный стиль и школа Глазго в Великобритании
Ар-нуво уходит своими корнями в Великобританию, в художественное и ремесленное движение 1880-х годов, в котором содержится призыв к более тесному союзу между изобразительным искусством и декоративным искусством и отход от исторических стилей к проектам, вдохновленным функциями и природой. Один из примечательных ранних примеров Артура Макмурдо для обложки его эссе о городских церквях сэра Кристофера Рена, опубликованного в 1883 году.

Другие важные новаторы в Великобритании включали графических дизайнеров Обри Бердсли, чьи рисунки отличались изогнутыми линиями, которые стали самой узнаваемой особенностью стиля. можно было бы привести также свободно-кованое железо из 1880-х годов или некоторые плоские цветочные текстильные конструкции, большинство из которых были обязательными для моделей 19-го века. Другие британские художники-графики, которые занимали важное место в этом стиле, включали Уолтера Крена и Чарльза Эшби.

Универмаг Liberty в Лондоне сыграл важную роль благодаря своим красочным стилизованным цветочным орнаментам для текстиля и серебряным, оловянным и ювелирным рисункам Manxman (шотландского происхождения) Арчибальда Нокса. Его ювелирные конструкции в материалах и формах полностью отрывались от исторических традиций ювелирного дизайна.

Для архитектуры и дизайна мебели в стиле модерн самым важным центром в Британии был Глазго с творениями Чарльза Ренни Макинтоша и Школы Глазго, чья работа была вдохновлена ​​французским модерном, японским искусством, символизмом и готическим возрождением. Начиная с 1895 года Макинтош демонстрировал свои проекты на международных выставках в Лондоне, Вене и Турине; его проекты особенно повлияли на стиль сецессии в Вене. Его архитектурные творения включали здание Глазго-Геральд (1894) и библиотеку Школы искусств Глазго (1897). Он также основал главную репутацию дизайнера мебели и декоратора, тесно сотрудничая со своей женой Маргарет Макдональд Макинтош, выдающегося художника и дизайнера. Вместе они создали яркие рисунки, которые сочетали геометрические прямые линии с мягко изгибающимся цветочным декором, особенно знаменитым символом стиля «Глазго Роуз».

Леон-Виктор Солон, внес важный вклад в керамику в стиле модерн в качестве арт-директора в Минтоне. Он специализировался на бляшках и в трубчатых вазах, продаваемых как «сепаратистская посуда» (обычно называемая так называемым венским движением искусства). Помимо керамики, он разработал текстиль для шелковой промышленности Leek и удвоил для переплетчика (GTBagguley of Newcastle под Лаймом), который запатентовал Sutherland binding в 1895 году.

Здание Эдуарда Эверарда в Бристоле, построенное в 1900-01 годах для размещения печатных работ Эдварда Эверарда, имеет фасад в стиле ар-нуво. На рисунках изображены Йоханнес Гутенберг и Уильям Моррис, оба выдающиеся в области печати. Крылатая фигура символизирует «Дух Света», а фигура с лампой и зеркалом символизирует свет и истину.

Югендстиль в Германии
Немецкое искусство модерна широко известно своим немецким именем Югендстиль. Название взято из художественного журнала Die Jugend, который был опубликован в Мюнхене и который поддерживал новое художественное движение. Он был основан в 1896 году Георгом Хиртом (Херт оставался редактором до своей смерти в 1916 году, и журнал продолжал публиковаться до 1940 года). Журнал сыграл важную роль в продвижении стиля в Германии. В результате его название было принято как самый распространенный термин на немецком языке для стиля: Jugendstil («молодежный стиль»). Хотя в начале 20-го века это слово применялось только к двумерным образцам графики, особенно к формам органической типографии и графического дизайна, которые находились в и под влиянием немецких журналов, таких как Jugend, Pan и Simplicissimus, сейчас применительно к более общим проявлениям изобразительного искусства в стиле модерн в Германии, Нидерландах, странах Балтии и странах Северной Европы. Двумя основными центрами для искусства Югендстиля в Германии были Мюнхен и Дармштадт (Mathildenhöhe).

Два других журнала Simplicissimus, опубликованные в Мюнхене, и Пан, опубликованные в Берлине, оказались важными сторонниками Югендстиля. Журналы были важны для распространения визуальной идиомы Jugendstil, особенно графических качеств. Искусство Jugendstil включает в себя множество различных методов, применяемых различными индивидуальными художниками, и особенности использования жестких линий, а также извилистые кривые. Методы варьируются от классического до романтического. Одна особенность Jugendstil — используемая типография, комбинация букв и изображений которой безошибочна. Комбинация использовалась для обложек романов, рекламных объявлений и плакатов выставки. Дизайнеры часто использовали уникальные экранные шрифты, которые гармонично работали с изображением.

Одним из самых известных немецких художников, связанным с Die Jugend и Pan, был Отто Экманн. Его любимым животным был лебедь, и таково было его влияние в немецком движении, которое лебедь стал служить лейтмотивом для Югендстиля.

Одним из самых выдающихся немецких дизайнеров в этом стиле был Ричард Римершмид, который делал мебель, керамику и другие декоративные предметы в трезвом геометрическом стиле, который указывал на Ар-деко.

Венское отделение в Австрии
Вена стала центром особого варианта модерна, который стал известен как Венское сецессионное искусство, основанное в апреле 1897 года группой художников, в которую вошли Густав Климт, Коломан Мозер, Йозеф Хоффманн, Джозеф Мария Ольбрих, Макс Курцвейл и Отто Вагнер. Президент Климт стал президентом группы. Они возражали против консервативной ориентации на историзм, выраженной Венским Кюнстлерхаусом, официальным союзом художников. Secession основал журнал Ver Sacrum, чтобы продвигать свои работы во всех средствах массовой информации. Стиль Сецессии был особенно женским, менее тяжелым и менее националистическим, чем Югендстиль в соседней Германии. Архитектор Джозеф Ольбрих разработал куполообразное здание Сецессион в новом стиле, которое стало витриной для картин Густава Климта и других художников Сецессии. Архитектурный стиль Венского сецессиона имел влияние далеко за пределы города. Здания в стиле появились в других крупных городах Империи и за ее пределами; одним из самых известных примеров является дворец Стокле, построенный Йозефом Хоффманом в Брюсселе в 1905-11 годах. Интерьер полностью оформлен в стиле Сецессион, в том числе заметные картины Густава Климта.

Климт стал самым известным из художников Сецессии, часто стирая границу между изобразительным искусством и декоративной живописью. Коломан Мозер был очень разносторонним художником в стиле; его работы, в том числе журнальные иллюстрации, архитектура, серебро, керамика, фарфор, текстиль, витражи, мебель и многое другое. Он часто работал в сотрудничестве с Хоффманом и Климтом; три вместе создали интерьеры, обстановка и даже одежду, которую можно было носить в дворце Стокле в Брюсселе. В 1903 году он и Хоффман основали Wiener Werkstätte, учебную школу и мастерскую для дизайнеров и мастеров мебели, ковров, текстиля и декоративных предметов.

Сецессион в Центральной Европе
В столицах Центральной Европы, затем управляемых Австро-Венгерской Империей в Вене, национальные формы ар-нуво быстро появляются и часто приобретают исторические или фольклорные элементы. Дизайнеры мебели Ödön Faragó в Будапеште (Венгрия) объединили традиционную народную архитектуру, восточную архитектуру и международный стиль модерна в очень живописном стиле. Еще один венгерский дизайнер Pál Horti обладал гораздо более трезвым и функциональным стилем, выполненным из дуба с тонкой чертой черного дерева и латуни.

Прага, в Чешской Республике, имеет заметную коллекцию архитектуры в стиле модерн, в том числе Центральную гостиницу и Юбилейную синагогу, построенную в 1908 году.

Стиль сочетания ар-нуво и национальных архитектурных элементов был характерен также для словацкого архитектора Душана Юрковича, который находился под влиянием венгерского модерна. Его самыми оригинальными работами являются Дом культуры в Скалике в Словакии (1905), здания спа-центра в Лугачовицах в Чехии (1901-1903) и 35 военных кладбищ в районе Новы-Мигрод в Галиции (сейчас Польша), большинство из которых в значительной степени подвержены влиянию местных Лемко (Русинь) народное искусство и столярные изделия (1915-1917). Другим примером архитектуры Сецессии в Словакии является церковь Святой Елисаветы (Маленькая Синяя Церковь) в Братиславе.

Стиль Свободы в Италии
Итальянская Stile Liberty получила свое название от британского универмага Liberty, красочные ткани которого были особенно популярны в Италии. Известными итальянскими дизайнерами были Галилео Чини, чья керамика была вдохновлена ​​как майолическими узорами, так и модерна. Позднее он был известен как художник и живописный дизайнер; он разработал наборы для двух опер Пуччини Джанни Скиччи и Турандот.

Театр Массимо в Палермо, архитектор Эрнесто Базиле, является примером итальянского варианта стиля, архитектурного стиля, сочетающего в себе модерн и классические элементы.

Самой важной фигурой в итальянском дизайне мебели в стиле модерн был Карло Бугатти, сын архитектора и скульптора, и брат знаменитого автомобильного дизайнера. Он учился в Миланской академии Бреры, а затем в Академии ди-Бо-искусств в Париже. Его работа отличалась экзотикой и эксцентричностью, включала серебро, текстиль, керамику и музыкальные инструменты, но его лучше всего помнят за его инновационные мебельные конструкции, показанные на ярмарке изобразительных искусств Милана 1888 года. Его мебель часто отличалась дизайном замочной скважины и имела необычные покрытия, в том числе пергамент и шелк, а также инкрустации кости и слоновой кости. У этого также иногда были удивительные органические формы, скопированные после улиток и кобр.

Модернизм в Испании, Arte Nova в Португалии
В Испании в Барселоне появился очень оригинальный вариант стиля Catalan Modernisme. Его самым известным создателем был Антони Гауди, который использовал цветочные и органические формы в стиле модерн в совершенно новом стиле в Палау Гуэлле (1886). Его проекты примерно с 1903 года, Дом Бальо (1904-1906) и Каса Мила (1906-1908), наиболее тесно связаны с стилистическими элементами модерна. Тем не менее, знаменитые структуры, такие как Sagrada Família, характерно контрастируют с модернистскими тенденциями в стиле модерн с возрожденной неоготикой. Помимо доминирующего присутствия Гауди, Lluís Domènech i Montaner также использовал Art Nouveau в Барселоне в таких зданиях, как Castell dels Tres Dragons (1888), Palau de la Música Catalana и Casa Lleó Morera (1905). Другой крупной модернисткой был Josep Puig i Cadafalch, который разработал Casa Martí и его кафе Quatre Gats, текстильную фабрику Casimir Casaramona (ныне художественный музей CaixaFrum), Casa Macaya, Casa Amatller, Палау дель-Баро-де-Quadras (жилье Casa iaia для 10 лет до 2013 года) и Casa de les Punxes («Дом шипов»). Также известен Хосеп Мария Юйол, с домами в Сан-Жоан-Деспи (1913-1926), несколькими церквями около Таррагоны (1918 и 1926) и извилистой Casa Planells (1924) в Барселоне. Несколько других крупных архитекторов, работающих за пределами Барселоны, были Lluís Muncunill i Parellada с великолепной текстильной фабрикой в ​​Террассе (Vapor Aymerich, Amat i Jover, ныне Музей науки и техники Каталонии — Музей искусств и искусства Каталонии) и «фермерский дом» / небольшой усадебный дом под названием Масиа Фрейкса в том же городе; и Cèsar Martinell i Brunet, с его впечатляющими «винными соборами», жилыми городскими кооперативными винодельнями по всей Южной и Центральной Каталонии. Валанский архитектор, который работал в Каталонии перед эмиграцией в Штаты, был Рафаэль Гуаставино. Приписывается ему Асландская цементная фабрика в Кастельяр де н’Хуг, среди других зданий.

Каталонский дизайнер мебели Гаспар Хомар (1870-1953) под влиянием Антони Гауди, часто сочетающий в себе маркетри и мозаики с его мебелью. Примеры стиля модерн (Arte nova), основанные в основном на французской модели, появились в Португалии в Порту и Авейро. Примечательным примером является книжный магазин «Livraria Lello» в Порто, разработанный Ксавье Эстевом (1906).

Югендстиль в скандинавских странах
Ар-нуво был популярен в скандинавских странах, где его обычно называли Югендстилем, и его часто сочетали с Национальным романтическим стилем каждой страны. В Норвегии ар-нуво было связано с возрождением, вдохновленным народным искусством и ремеслами викингов. Известные дизайнеры включали Ларса Кисарвика, который проектировал стулья с традиционными викинговскими и кельтскими узорами, и Герхард Мунте, который разработал стул со стилизованной эмблемой драконьего головы с древних кораблей викингов, а также множество разнообразных плакатов, картин и графики. Другие примеры включают церковь Скиен (1887-1894) и церковь Фагерборг в Кристиании (Осло) (1900-1903).

В Финляндии хорошими примерами являются Центральный железнодорожный вокзал Хельсинки, спроектированный Элиэлем Саариненом, отцом известного американского модернистского архитектора Ээро Сааринен. Примеры стиля включают финский национальный театр, церковь Каллио, финский национальный музей и собор Тампере. В отличие от очень сложной мебели норвежского модерна финский арт-деко был чрезвычайно прост и функциональен, как и на стульях, спроектированных Элиэлем Саариненом (1907-1908).

Мир искусства в России
В 1898 году в Москве и Санкт-Петербурге появилась очень яркая русская вариация «модерн» с публикацией нового художественного журнала «Мир искусства» (транслитерация: «Мир искусства»), русских художников Александра Бенуа и Леона Бакста и главного редактора Сергея Дягилева. Журнал организовал выставки ведущих российских художников, в том числе Михаила Врубеля, Константина Сомова, Исаака Левитана и книжного иллюстратора Ивана Билибина. Стиль «Мир искусства» меньше использовал растительные и цветочные формы французского модерна; он в значительной степени опирался на яркие цвета и экзотические образцы русского фольклора и сказок. Самым влиятельным вкладом в «Мир искусства» было создание Дягилевым новой балетной труппы «Балеты Русские» во главе с Дягилевым с костюмами и нарядами, разработанными Бакстом и Бенуа. Новая балетная труппа, премьера которой состоялась в Париже в 1909 году, проводилась там каждый год до 1913 года. Экзотические и красочные наборы, разработанные Бенуа и Бакстом, оказали большое влияние на французское искусство и дизайн. Костюм и набор рисунков были воспроизведены в ведущих журналах Парижа, L’Illustration, La Vie parisienne и Gazette du bon ton, а русский стиль стал известен в Париже как la Bakst. Компания впервые оказалась в Париже в начале первой мировой войны, а затем русской революцией в 1917 году и по иронии судьбы никогда не выступала в России.

В Москве и Санкт-Петербурге есть несколько известных зданий в стиле модерн, построенных за последние годы до революции; в частности, отель «Метрополь» в Москве, в котором представлена ​​керамическая роспись на фасаде «Принцесса сновидений» живописного дизайнера Михаила Врубеля; и Витебский вокзал в Санкт-Петербурге (1904 г.)

Tiffany Style в США
В Соединенных Штатах фирма Louis Comfort Tiffany сыграла центральную роль в американском стиле модерн. Родился в 1848 году, он учился в Национальной академии дизайна в Нью-Йорке, начал работать со стеклом в возрасте 24 лет, вошел в семейный бизнес, начатый его отцом, а 1885 создал свое собственное предприятие, посвященное прекрасному стеклу, и разработал новые методы его окраски. В 1893 году он начал изготавливать стеклянные вазы и чаши, снова разрабатывая новые технологии, позволяющие создавать более оригинальные формы и окраску, и начал экспериментировать с декоративным стеклом. Слои стекла были напечатаны, украшены мрамором и наложены друг на друга, придавая исключительное богатство и разнообразие цветов. В 1895 году его новые работы были представлены в галерее в стиле модерн Зигфрида Бинга, давая ему новую европейскую клиентуру. После смерти отца в 1902 году он взял на себя все предприятие Tiffany, но все же посвятил большую часть своего времени разработке и производству предметов из стекла. По настоянию Томаса Эдисона он начал производить электрические лампы с разноцветными стеклянными оттенками в бронзовых и железобетонных конструкциях или украшенные мозаикой, выпущенные в многочисленных сериях и изданиях, каждый из которых выполнен с заботой о ювелирных изделиях. Команда дизайнеров и мастеров работала над каждым продуктом. Лампа Тиффани, в частности, стала одной из иконок в стиле модерн, но мастера Тиффани (и ремесленники) разработали и сделали необычные окна, вазы и другое искусство стекла. Стекло Тиффани также имело большой успех в 1900 Exposition Universelle в Париже; его витражное окно под названием «Полет душ» завоевало золотую медаль.

Еще одной важной фигурой в американском стиле модерн был архитектор Луи Салливан, наиболее известный как архитектор некоторых из первых американских небоскребов с железным каркасом. На всемирной Колумбийской выставке 1893 года в Чикаго, самой известной для неоклассической архитектуры своего знаменитого Белого города, он разработал захватывающий вход в здание в стиле модерн в Транспортное здание. Экспозиция в Колумбии была также важным местом для Тиффани; Часовня, которую он проектировал, была показана в Павильоне искусства и промышленности. Часовня Тиффани, наряду с одним из окон дома Тиффани в Нью-Йорке, теперь выставлена ​​в Музее американского искусства Чарльза Хосмера Морзе в Уинтер-Парке, штат Флорида.