Esta exposição é um convite para identificar Frida, a pintora, além da figura icônica, entender o caminho que a levou a se tornar a representante da arte mexicana no mundo.

Eu me retrato
“Eu me pinto” é uma frase completamente reveladora, não apenas porque nos remete ao trabalho da artista, mas à própria personagem, ou seja, quem Frida Kahlo é e foi. A exposição destaca os três gêneros pictóricos desenvolvidos por Frida: retratos, autorretratos e still life.

Se voltarmos ao tempo de sua juventude, encontramos uma jovem que parece ter se recuperado do grave acidente que sofreu em 1925. Ela posa não apenas para o pai, o fotógrafo Guillermo Kahlo, mas também para o espectador. A partir desse momento, vemos uma intencionalidade que durará até os últimos dias: conhecer e gostar de ser observada.

Por volta de 1945, aos 38 anos, Frida se conhecia com perfeição: uma mulher adulta que acumulou inúmeras experiências de vida, talvez mais do que qualquer outra mulher de sua idade. Sua produção artística incluiu vários auto-retratos famosos, mas é no Auto-Retrato com Macaco que a vemos cercada por todos os elementos de seu mundo pessoal.

Não precisamos de uma coroa para reconhecer a rainha que ela viu em si mesma. Você só precisa ver sua atitude de serenidade, desafiando o espectador, como ela costumava aparecer em seus auto-retratos ou fotografias.

Árvore da esperança, fique firme
A procedência da coleção Frida Kahlo no Museu Dolores Olmedo não pôde ser explicada sem a presença do engenheiro Eduardo Morillo Safa, o principal colecionador das obras da artista durante sua vida.

Alicia de Morillo Safa teve que vender a coleção após a morte do engenheiro. As obras foram inicialmente oferecidas a Diego Rivera, que carecia de recursos, aconselhou Dolores Olmedo a comprá-las.

Morillo Safa encomendou ao artista vários retratos de membros de sua família, como o de sua mãe, Rosita Morillo, que era uma figura materna de Frida.

Seu amigo que te ama …
A amizade sempre foi de grande importância para Frida. Desde tenra idade, ela se cercou de pessoas que amava e deixou de amar. Muitas das cartas escritas em sua juventude revelam aquela criança inquieta que ansiava pelo carinho de suas amigas; uma garota ousada que buscava a companhia e a aceitação das pessoas de sua idade e tentava escapar do controle da família.

O auto-retrato com boina vermelha (1932) nos lembra o “amigo Frida” (o amigo-namorada-amante de Alejandro Gómez Arias). Naquela época, encontramos uma adolescente imersa em uma literatura mundial, empolgada com a viagem, apaixonada por um jovem amor que nunca floresceria do jeito que ela esperava e, ao mesmo tempo, uma mulher que descobrisse sua própria força interior.

As primeiras telas de Frida eram retratos de suas amigas e vizinhas em Coyoacán ou na Escuela Nacional Preparatoria. Entre eles estava o Retrato de Alicia Galant, no verso do qual ela escreveu o seguinte: Minha primeira obra de arte, Frida Kahlo, 1927.

As pessoas que ela conheceu após o casamento com Diego Rivera também são retratadas na série de retratos, como Lady Cristina Hastings e Eva Frederick, que ela conheceu nos Estados Unidos.

Pertenciam a um círculo de mulheres que acompanhava artistas, intelectuais, críticos, jornalistas, cientistas, magnatas e assistentes que cercavam Rivera no país no norte.

Eu sou desintegração
Um dos aspectos mais fascinantes do trabalho de Frida Kahlo é o simbolismo. Ela o desenvolveu em suas pinturas usando cores específicas e certos elementos de significado especial para ela, e que ela abraçou ao longo dos anos, com base em suas leituras e experiências.

Frida revisitou o binômio perfeito entre morte e vida a partir da visão de mundo pré-hispânica e o capturou em várias de suas telas, como as que retratam e prestam homenagem a Luther Burbank.

O simbolismo de Kahlo nessas obras refere-se à crença mesoamericana de que, no final da vida terrena, as almas dos homens estão destinadas a ir para outro espaço espiritual.

Esse mesmo simbolismo é transmitido em O falecido Dimas Rosas, uma peça na qual ela descreve um dos filhos do casal que trabalhava para Rivera e Kahlo, e cuja morte deve ter sido muito dolorosa, não apenas para a família, mas para a própria Frida .

A fertilidade tornou-se outro símbolo em sua pintura, às vezes combinada com elementos eróticos-sexuais, como em A flor da vida, onde vida e morte estão novamente entrelaçadas.

Ela entendeu que possuía o poder de dar vida ou morte à sua expressão máxima em My Nurse and I. Aqui vemos Frida se alimentando, retratada com uma dupla personalidade: Frida-bebê e Frida-babá.

Ela aparece como uma pequena criatura desamparada – como costumava se sentir – alimentada e cuidada sozinha. Em outras palavras, a forte Frida forneceu apoio e meios de subsistência a uma Frida fraca.

Em todas essas pinturas, referências ao simbolismo, cultura e história mexicanas aparecem por toda parte. Eles vieram da educação que ela recebeu em sua casa de família, na escola, em suas caminhadas pelas ruas e mercados da cidade. Talvez seja isso que os torna mais acessíveis e atraentes para o espectador, muito mais do que a intencionalidade dos pintores que faziam parte do movimento artístico conhecido como Escola Mexicana de Pintura. Artisticamente, Frida cresceu como indivíduo, sem pertencer a nenhuma escola; ela criou seu próprio estilo e, portanto, tornou-se eterna e eternamente moderna.

Se ao menos eu tivesse suas carícias em cima de mim …
Frida Kahlo não apenas cativou o espectador através de sua pintura. Essa sensualidade nunca foi visível em seus autorretratos, mas sempre esteve presente em sua vida, sem dúvida. Em suas pinturas, por exemplo, o tema do nu aparece em uma dúzia de obras, geralmente associadas ao seu próprio corpo. No entanto, esses nus são tudo menos sensuais.

O mesmo se aplica a nus de outras pessoas, como Ady Weber, que era prima, prima, uma jovem adolescente cujo corpo ainda não havia atingido a maturidade feminina.

Outro é o nu de Eva Frederick, que mostra uma mulher adulta, sua amiga americana, que olha serenamente para o espectador.

Eu queria afogar minhas mágoas em bebidas …
A dor era constantemente refletida em seus autorretratos, às vezes como consequência do acidente, outras por várias razões, como sua incapacidade de ter filhos, seus abortos e até as infidelidades infinitas de Diego Rivera.

Um dos auto-retratos mais emblemáticos é A Coluna Quebrada. Foi pintado logo após Frida fazer uma cirurgia na coluna. A operação a deixou acamada e “confinada” em um espartilho de metal que ajudaria a aliviar seu desconforto físico.

Juntamente com a angústia física, estava sua angústia emocional, causada pelas ausências e pela falta de respeito de Diego. A máscara (da loucura) é uma pintura associada a uma dessas infidelidades.

Vestida como uma Tehuana, com joias e elegante, Frida se esconde atrás de uma máscara de papelão, uma das muitas peças de arte folclórica que ela coleciona. A dor dela é óbvia, mas não a vemos. . . pois é a máscara que chora.

Ninguém nunca saberá o quanto eu amo Diego
Sem dúvida, seu casamento com Diego Rivera foi um dos eventos mais cruciais de sua vida, não apenas pessoalmente, mas também artisticamente, pois contribuiu para o desenvolvimento de sua pintura.

Rivera foi o maior amor de Frida; cartas, poemas e retratos atestam isso, incluindo os autorretratos duplos que ela executou, meio Frida, meio Diego e, ao mesmo tempo, reunidos em um: Diego e eu.

A influência artística de Rivera se reflete no trabalho de Kahlo, em alguns dos assuntos em que o muralista trabalhava naqueles anos: crianças mexicanas. Daqueles anos é sua pequena Virgínia, um retrato com combinações de cores vivas e as mesmas características conflitantes típicas da arte folclórica mexicana.

Um detalhe interessante está na parte de trás do retrato da Virgínia, onde se pode ver, de cabeça para baixo, o esboço para o auto-retrato com avião. A pintura baseada neste esboço foi leiloada em 2000, quebrando três recordes principais: o preço mais alto em um leilão para uma obra latino-americana; ser uma pintura da pintora mais procurada do mundo; e o trabalho mais caro de qualquer artista mexicano até então.

Vida longa da vida
Nos anos 50, Kahlo estava constantemente pintando naturezas-mortas; o terceiro gênero artístico mais importante em sua pintura, depois de auto-retratos e retratos.

Todos os elementos vistos anteriormente em seus autorretratos ainda estão aqui: as peças pré-hispânicas que nos lembram Diego Rivera; os papagaios que outras vezes a cercavam agora estão empoleirados na fruta; as fitas, que ela usava para acompanhar as dedicatórias em seus retratos e autorretratos, são substituídas por pequenas bandeiras mexicanas presas na fruta, mas com a mesma intencionalidade de carinho de antes.

Um coco chora e a fruta “sangra” em vez de seu corpo. A sexualidade que ela transmitia em suas pinturas em outras ocasiões agora se torna ainda mais evidente, menos velada, nos frutos maduros abertos para revelar sua carne suculenta, em um convite direto ao prazer.

A última natureza morta que Frida Kahlo pintou em 1954 foi Long Live Life. É uma tela com melancias dispostas em uma bela composição simples. O título é significativo; pode se referir à vida que o artista desejava continuar vivendo, continuar pintando.

Curiosamente, no final de sua vida, Diego Rivera também pintou, como seu trabalho final, uma natureza morta intitulada The Watermelons. Destino, coincidência? Possivelmente.

Cada (Tick Tock) é um segundo passageiro da vida …
Por volta de 1938, no México, Frida conheceu André Breton, poeta francês, crítico de arte e líder do movimento surrealista, que defendia um mundo ilógico, subconsciente, metafísico e onírico sobre o mundo lógico, consciente e físico.

Desenhos como O sonho ou Auto-retrato onírico e Fantasia nos lembram porque, para Breton, Kahlo era um pintor surrealista. Com relação a esse desenho, Frida disse: O surrealismo é a surpresa mágica de encontrar um leão no guarda-roupa onde você quer pegar uma camisa

A tragédia é a coisa mais ridícula que o “homem” tem
Da arte folclórica, Frida Kahlo extraiu um dos elementos mais típicos de suas pinturas: o pequeno formato e o uso de chapas de metal como superfície de pintura. A primeira vez que ela usou uma dessas chapas foi em 1932 para a pintura “Henry Ford Hospital”.

Durante o período após o aborto, a artista produziu uma litografia Frida e o aborto. Apenas três das doze cópias que ela fez desta litografia sobreviveram, pois ela destruiu todas as outras. Na margem esquerda, ela escreveu em inglês: essas provas não são boas; não é ruim, considerando a sua experiência. Trabalhe duro e você obterá melhores resultados.

Outra pintura, também em pequena escala, é A Little Small Nips of 1935. Este trabalho surgiu de duas situações na vida de Frida Kahlo: por um lado, o caso de Diego Rivera com sua irmã Cristina por volta de 1934, sobre o qual ela logo descobriu: por outro, seu evidente senso de humor negro: incapaz de expressar sua própria dor, concentrou-se no infortúnio de outra mulher.

Without Hope, de 1945, embora não pintado em metal, mantém as características do pequeno formato empregado nas outras obras e alude às dietas de engorda às quais foi submetida, porque sua falta de apetite levou a uma grave perda de peso.

Mas onde essa história começa? De onde vem a pintora Frida Kahlo? Ela explica isso em um texto de 1947:

Comecei a pintar (…) com o tédio de ficar de cama por um ano, depois de um acidente em que fraturou minha coluna, meu pé e outros ossos. Eu tinha dezesseis anos na época e estava muito interessada em estudar medicina. Mas a colisão entre um ônibus de Coyoacán e um bonde de Tlalpan acabou com isso (…).

É paradoxal que em seu diário ela tenha escrito: “Tragédia é a coisa mais ridícula que ‘homem’ tem”. Se há uma vida trágica, é precisamente a de Frida Kahlo: poliomielite aos seis anos de idade, um acidente aos 18 anos (com ferimentos graves na coluna vertebral que a atormentariam ao longo da vida), vários abortos, gangrena de o pé direito aos 42 anos e, finalmente, a amputação desse mesmo pé aos 46 anos. Se isso não é tragédia, então o que é?

Museu Dolores Olmedo
O Museu Dolores Olmedo Patiño está localizado em Xochimilco, no sul da Cidade do México, México. É nomeado após o colecionador Dolores Olmedo Patiño e se concentra principalmente na divulgação do trabalho de Diego Rivera e Frida Kahlo, protege uma coleção de aproximadamente 3000 peças, que são periodicamente rotacionadas para exibição. A coleção do museu inclui aproximadamente 600 peças pré-hispânicas de culturas mesoamericanas, como os olmecas, os mixtecas, os zapotecas, os totonac, os maias, os astecas e os que se estabeleceram na região do oeste do México. Ele tem a atração adicional das terríveis e xoloitzcuintles que atravessam seus pátios.

O Museu Dolores Olmedo está alojado em uma estrutura de pedra, originalmente datada do século XVI, anteriormente conhecida como Hacienda La Noria. Ao doar sua coleção de arte para o povo do México, Dolores Olmedo Pati F1o (1908-2002) criou um todo coeso, onde tesouros das artes plásticas foram incorporados à construção colonial acrescentada durante o século XVII, cercada por jardins luxuriantes, sombreados por belos jardins. Espécies de plantas mexicanas e habitadas por lindos animais, como os pavões mágicos – aparentemente confeccionados com jóias vivas e os enigmáticos cães Xoloiztcuintle sem pêlos, uma raça pré-colombiana única de se ver e quente ao toque.

O museu tem 139 obras de Diego Rivera e 25 obras de Frida Kahlo, o que a torna a maior coleção no México das obras de ambas. Ele também tem 43 criações de Angelina Beloff, várias de Pablo O’Higgins, arte folclórica mexicana e mais de 600 peças de arte pré-hispânica. As principais correntes do museu são: cubismo, pós-impressionismo, primitivismo, simbolismo, surrealismo, realismo mágico e realismo social.

Desde que o museu abriu suas portas ao público em setembro de 1994, seu maior tesouro é a pintura. As coleções mais importantes do mundo de obras de Diego Rivera e Frida Kahlo ficam aqui permanentemente e são adoradas pelas legiões de visitantes que se reúnem para admirá-las. Há também uma coleção de xilogravuras e ilustrações de livros da pintora russo-francesa Angelina Beloff, companheira de Rivera durante seus primeiros anos como pintora em ascensão na Europa.

Além disso, uma exibição privilegiada de mais de novecentas peças arqueológicas oferece interesse e contraste, além de um vislumbre da estética de um número entre as diversas culturas antigas do México. Figuras de madeira dourada do período colonial criam outro contraste. E, como evidência do imperativo criativo sempre vibrante do México, uma coleção de arte popular apresenta obras de arte em grande parte anônimas de cerâmica, madeira, estanho, laca, papel machê e cobre, que os artesãos da vila produzem há gerações e que ainda servem como utensílios e instrumentos, bem como as ofertas cerimoniais, de suas vidas diárias.