이 전시회는 상징적 인 인물을 넘어서 화가 프리다 (Frida)를 식별하여 그녀가 멕시코 예술을 세계로 대표하는 길을 이해하도록 초대합니다.

나 자신을 묘사
“나 자신을 그린다”는 우리가 작가의 작품을 언급 할뿐만 아니라 캐릭터 자신, 즉 프리다 칼로가 누구 였는지에 대한 표현이기 때문에 완전히 드러나는 문구이다. 전시회는 Frida가 개발 한 세 가지 그림 장르 인 인물 사진, 자화상 및 정물화를 강조합니다.

우리가 젊었을 때로 돌아 가면 1925 년에 겪었던 심각한 사고에서 회복 된 것처럼 보이는 젊은 아가씨를 발견 할 수 있습니다. 그녀는 아버지, 사진가 Guillermo Kahlo뿐만 아니라 시청자에게도 포즈를 취합니다. 그 순간부터 우리는 마지막 날까지 지속될 의도를 알고 있습니다.

Frida는 38 세의 나이 인 1945 년경에 자신의 나이를 알 수 없었습니다. 그녀의 예술 작품에는 유명한 자화상이 많이 포함되어 있지만, 작은 원숭이와 함께 자화상을 통해 개인 세계의 모든 요소로 둘러싸인 그녀를 볼 수 있습니다.

그녀가 본 여왕을 인정하기 위해 왕관이 필요하지 않습니다. 그녀는 종종 그녀의 자화상이나 사진에 나타나는 것처럼 관객에게 도전하는 평온의 태도를 볼 필요가 있습니다.

희망의 나무, 강하게 서라
Museo Dolores Olmedo에서 Frida Kahlo 컬렉션의 진위는 그녀의 일생 동안 예술가의 주요 수집가 인 Eduardo Morillo Safa 엔지니어 없이는 설명 할 수 없었습니다.

Alicia de Morillo Safa는 엔지니어가 사망 한 후 컬렉션을 판매해야했습니다. 이 작업은 처음에는 자원이 부족한 Diego Rivera에게 제공되었으며 Dolores Olmedo에게 구매를 권했습니다.

Morillo Safa는 아티스트에게 Frida의 어머니 인물 인 Rosita Morillo와 같은 가족 구성원의 여러 인물 사진을 의뢰했습니다.

널 사랑하는 너의 친구 …
Frida에게는 우정이 항상 매우 중요했습니다. 어린 나이부터, 그녀는 사랑하고 사랑을 멈춘 사람들로 자신을 둘러 쌌습니다. 그녀의 젊음으로 쓰여진 많은 편지들은 친구들의 애정을 갈망하는 불안한 아이를 보여줍니다. 회사를 찾고 그녀의 나이의 사람들을 받아들이고 가족 통제에서 벗어나려고 노력한 대담한 소녀.

Red Beret (1932)의 자화상은“pal Frida”(Alejandro Gómez Arias의 친구 여자 친구)를 상기시킵니다. 그때까지, 우리는 세계 문학에 몰두하고 여행에 대해 흥분하고, 그녀가 바라는 방식으로 결코 꽃을 피지 않을 어린 사랑에 대한 열정과 동시에 자신의 내면의 힘을 발견 할 여성을 발견합니다.

Frida의 초기 캔버스는 Coyoacán 또는 Escuela Nacional Preparatoria에서 그녀의 친구와 이웃의 초상화였습니다. 그중에는 Alicia Galant의 초상이 있었고 그 반대의 경우 그녀는 다음과 같이 썼다. 나의 첫 작품, Frida Kahlo, 1927.

그녀가 Diego Rivera와 결혼 한 후 만난 사람들은 미국에서 만난 Lady Cristina Hastings와 Eva Frederick과 같은 초상화 시리즈에도 묘사되어 있습니다.

그들은 북부에있는 리베라 주변의 예술가, 지식인, 비평가, 언론인, 과학자, 거인 및 조수를 동반 한 여성 집단에 속했다.

나는 붕해
Frida Kahlo의 작품에서 가장 매력적인 측면 중 하나는 상징입니다. 그녀는 자신의 그림에서 특별한 색과 특별한 의미를 지니고 있으며 독서와 경험을 바탕으로 수년 동안 포용 해왔다.

Frida는 스페인 이전의 세계관에서 완벽한 생명 사멸 이항을 다시 방문하여 루터 버 뱅크에 경의를 표하고 경의를 표하는 캔버스와 같은 여러 캔버스에 담았습니다.

이 작품에서 칼로의 상징은 지상 생활이 끝났을 때 남자의 영혼이 다른 영적 공간으로 갈 운명이라는 메소 아메리카 인의 믿음을 나타냅니다.

리사와 칼로에서 일한 부부의 자녀 중 한 명을 묘사하고 가족뿐만 아니라 프리다 자신에게도 죽음이 매우 고통스러워했던 부부의 죽음을 묘사 한 ‘고인 디 마스 로사 스’에서도 같은 상징이 전해진다. .

불임은 삶과 죽음이 다시 얽혀있는 생명의 꽃과 같이 에로틱 한 성적인 요소와 결합 된 그녀의 그림에서 또 다른 상징이되었습니다.

그녀는 My Nurse와 I에서 최대한의 표현으로 생명이나 죽음을 줄 수있는 힘을 가졌다는 생각을 가졌습니다. 여기에서 Frida는 Frida-baby와 Frida-nanny라는 두 가지 성격으로 묘사 된 자신을 먹이는 것을 볼 수 있습니다.

그녀는 자주 느끼는 것처럼 무력한 작은 생물처럼 보이고 스스로 돌보아주었습니다. 다시 말해, 강한 Frida는 약한 Frida에 대한 지원과 생계를 제공했습니다.

이 모든 그림에서 멕시코 상징, 문화 및 역사에 대한 언급이 도처에 나타납니다. 그들은 그녀가 가족의 집에서, 학교에서, 도시의 거리와 시장을 통해 그녀의 소풍에서받은 교육에서 나왔습니다. 아마도 그것은 멕시코 회화 학교로 알려진 예술 운동의 일부였던 화가의 의도보다 훨씬 더 접근하기 쉽고 시청자에게 호소력이있는 것입니다. 예술적으로 Frida는 학교에 속하지 않고 개인으로 성장했습니다. 그녀는 자신의 스타일을 만들어서 영원한 영원한 현대가되었습니다.

내가 그의 애무를 내게 만 간다면
Frida Kahlo는 그녀의 그림을 통해 시청자를 사로 잡을뿐 아니라 그 관능 성은 그녀의 자화상에서 결코 보이지 않았지만, 의심의 여지없이 그녀의 삶에는 항상 존재했습니다. 예를 들어, 그녀의 그림에서 누드의 주제는 일반적으로 자신의 몸과 관련된 12 가지 작품에 나타납니다. 그러나 이러한 누드는 관능적이지 않습니다.

그녀의 사촌 인 Ady Weber ‘s, 사촌, 신체가 아직 여성의 성숙기에 도달하지 않은 어린 십대 인 다른 사람들의 누드에도 마찬가지입니다.

다른 하나는 에바 프레 더릭 (Eva Frederick)의 누드이며, 성인 여성, 그녀의 미국인 친구, 관중을 조용히 바라본다.

나는 술에 내 슬픔을 익히고 싶었다 …
고통은 때때로 사고의 결과로, 때로는 자녀를 가질 수 없거나, 유산, 심지어 Diego Rivera의 끝없는 불충실과 같은 여러 가지 이유로 자화상에 반영되었습니다.

가장 상징적 인 자화상 중 하나는 The Broken Column입니다. Frida가 척추 수술을 한 직후에 그렸습니다. 수술로 인해 그녀는 신체적 불편 함을 완화시키는 데 도움이되는 금속 코르셋에 잠자리에 들었다.

육체적 인 고통과 함께 그녀의 감정적 고통은 Diego의 부재와 애매함으로 인해 발생했습니다. (광기의 가면)은이 불충실 중 하나와 관련된 그림입니다.

보석으로 장식 한 우아하고 Tehuana로 옷을 입은 Frida는 그녀가 수집 한 많은 민속 예술 중 하나 인 골판지 마스크 뒤에 숨어 있습니다. 그녀의 고통은 분명하지만 우리는 그것을 보지 못합니다. . . 그것이 울리는 마스크이기 때문입니다.

아무도 내가 디에고를 얼마나 사랑하는지 알지 못할 것이다
의심의 여지없이 Diego Rivera와의 결혼은 그녀의 그림의 발전에 기여한 개인적으로뿐만 아니라 예술적으로도 인생에서 가장 중요한 사건 중 하나였습니다.

리베라는 프리다의 가장 큰 사랑이었습니다. 그녀가 집행 한 이중 자화상, 프리다 반, 디에고 반을 포함하여 동시에 편지와시, 초상화가이를 증명합니다 : 디에고와 나.

Rivera의 예술적 영향은 Kahlo의 작품에 반영되어 있습니다. 멕시코 벽화는 그 당시 벽화 학자가 작업했던 일부 주제에 있습니다. 그 시절부터 그녀의 리틀 버지니아는 밝은 색상과 멕시코 민속 예술의 전형적인 충돌 특성이 조합 된 초상화입니다.

흥미로운 세부 사항은 버지니아의 초상화 뒷면에 있으며 비행기와 함께 자화상 스케치를 거꾸로 볼 수 있습니다. 이 스케치를 바탕으로 한 그림은 2000 년에 경매되었으며 3 가지 주요 기록을 breaking습니다. 라틴 아메리카 작품 경매에서 최고 가격; 세계에서 가장 인기가 높은 여성 화가의 그림; 그 당시까지 멕시코 예술가들이 가장 비싼 작품이었습니다.

장수명
1950 년대에 Kahlo는 계속해서 정물을 그렸습니다. 자화상과 인물 사진에 이어 그녀의 그림에서 세 번째로 중요한 예술 장르.

그녀의 자화상에서 이전에 본 모든 요소는 여전히 여기 있습니다 : Diego Rivera를 우리를 생각 나게하는 히스패닉 전 조각들; 다른 때에 그녀를 둘러싼 앵무새는 이제 과일에 자리 잡고 있습니다. 그녀가 초상화와 자화상에서 헌신에 동봉했던 리본은 과일에 붙어있는 작은 멕시코 국기로 대체되었지만 이전과 같은 애정의 의도가 있습니다.

코코넛은 울고 과일은 몸 대신에 피를 흘린다. 그녀가 다른 경우에 그녀의 그림에서 전한 성욕은 이제 쾌락에 대한 직접적인 권유로, 즙이 많은 육즙을 드러내 기 위해 잘 익은 과일 컷에서 더욱 분명 해지고, 가려지지 않습니다.

Frida Kahlo가 1954 년에 그린 마지막 정물은 장수명이었습니다. 단순한 아름다운 구성으로 수박을 담은 캔버스입니다. 제목이 중요합니다. 예술가가 계속 살면서 그림을 계속 그리기를 갈망했던 삶을 가리킬 수도 있습니다.

흥미롭게도, 그의 인생의 마지막에, 디에고 리베라는 그의 마지막 작품으로 아직도 수박이라는 정물을 그렸습니다. 운명, 우연의 일치? 혹시.

각각의 (진드기)는 삶의 두 번째 순간입니다 …
1938 년 멕시코에서 프리다는 프랑스의 시인이자 예술 평론가이자 초현실주의 운동의 지도자 인 안드레 브레튼을 만나 논리, 의식, 육체 세계의 비논리, 잠재 의식, 형이상학 적, 일리 닉 세계를 옹호했습니다.

The Dream 또는 Oneiric Self-Portrait 및 Fantasy와 같은 그림은 Breton에게 왜 Kahlo가 초현실주의 화가인지를 상기시킵니다. 이 그림과 관련하여 Frida는 다음과 같이 말했습니다. 초현실주의는 옷장에서 사자를 찾아서 셔츠를 들고 싶어하는 놀라운 마술입니다.

비극은“인간”이 가지고있는 가장 말도 안되는 일입니다
Frida Kahlo는 민속 예술에서 그녀의 그림의 가장 전형적인 요소 중 하나 인 작은 형식과 금속 표면을 그림 표면으로 사용하는 것을 추출했습니다. 그녀가이 금속판 중 하나를 처음 사용한 것은 1932 년에 “헨리 포드 병원 (Henry Ford Hospital)”을 그리는 데있었습니다.

낙태 후 기간 동안 작가는 석판화 프리다와 유산을 제작했습니다. 그녀가 석판화로 만든 열두 사본 중 세 장만이 살아 남았습니다. 왼쪽 여백에 그녀는 영어로 썼다 : 그 증거는 좋지 않다; 당신의 경험을 고려하면 나쁘지 않습니다. 열심히 노력하면 더 나은 결과를 얻을 수 있습니다.

또 다른 그림은 1935 년의 소수의 작은 ps입니다.이 작품은 Frida Kahlo의 삶에서 두 가지 상황에서 일어났습니다. 한편, Diego Rivera는 1934 년경 여동생 Cristina와의 관계에서 곧 알게되었습니다. 그리고 다른 한편으로는, 그녀의 명백한 검은 유머 감각 : 그녀 자신의 고통을 줄 수없고, 다른 여자의 불행에 초점을 맞췄습니다.

1945 년의 희망이 없다면, 금속에 페인트 칠은하지 않았지만 다른 작품에 사용 된 작은 형식의 특성을 유지하고 식욕 부족으로 인해 체중이 줄었기 때문에 그녀가 제출 한 살찐 음식을 암시합니다.

그러나이 이야기는 어디서 시작됩니까? 화가 Frida Kahlo는 어디에서 왔습니까? 그녀는 그것을 1947 년의 텍스트로 설명합니다 :

나는 척추, 발 및 다른 뼈에 골절이 발생한 사고로 1 년 동안 목숨을 잃은 깎아 지른듯한 지루함에서 페인트 (…)를 시작했습니다. 나는 열 여섯 살이었고 약을 공부하는 데 매우 열중했습니다. 그러나 코요 아칸 버스와 탈랄 판 (Tlalpan) 전차 사이의 충돌은 (…)로 끝났다.

그녀의 일기에서 그녀는“비극은‘사람이 가지고있는 것 중 가장 우스운 일이다’라고 쓴 역설적이다. 비극적 인 삶이 있다면, 프리다 칼로의 삶입니다. 6 세의 소아마비, 18 세의 사고 (척추에 심한 부상을 입어 평생 동안 그녀를 괴롭힐 것입니다), 여러 가지 유산, 괴저 42 세의 나이에 오른발, 마지막으로 46 세의 나이에 같은 발의 절단. 이것이 비극이 아닌 경우, 무엇입니까?

돌로레스 올 메도 박물관
Dolores Olmedo Patiño Museum은 멕시코 멕시코 시티 남쪽의 소 치밀 코에 위치하고 있습니다. 그것은 수집가 Dolores Olmedo Patiño의 이름을 따서 명명되었으며 주로 Diego Rivera와 Frida Kahlo의 작품 보급에 중점을두고 있으며 약 3000 조각을 수집하여 정기적으로 전시합니다. 박물관의 컬렉션에는 Olmec, Mixtec, Zapotec, Totonac, Mayan, Aztec 및 멕시코 서부 지역에 정착 한 Mesoamerican 문화권의 약 600 개의 스페인 전 조각이 포함되어 있습니다. 그것은 안뜰을 걷는 무시 무시한 xoloitzcuintles의 추가 매력이 있습니다.

돌로레스 올 메도 박물관은 원래 하시엔다 라 노리아 (Hacienda La Noria)로 알려진 16 세기부터 거슬러 올라가는 숫돌 구조로되어 있습니다. Dolores Olmedo Pati F1o (1908-2002)는 멕시코 인들에게 자신의 예술품을 기증함으로써 17 세기 동안 추가 된 식민지 건축에 예술의 보물이 통합되어 울창한 정원으로 둘러싸여 있으며, 그 자체가 그늘에 둘러싸여 있습니다. 멕시코의 식물 종이며 마법의 공작과 같은 화려한 동물들이 살고 있습니다. 마치 살아있는 보석과 수수께끼가없는 털이없는 Xoloiztcuintle 개, 촉감에 따뜻하고 독특한 프레 콜럼비아 품종입니다.

박물관에는 Diego Rivera의 139 작품과 Frida Kahlo의 25 작품이 있으며 멕시코에서 두 작품 중 가장 큰 컬렉션입니다. 또한 Angelina Beloff의 43 작품, 멕시코 민속 예술인 Pablo O’Higgins의 작품 및 600 개가 넘는 히스패닉 이전 예술 작품이 있습니다. 박물관의 주요 흐름은 입체파, 포스트 인상파, 원시주의, 상징주의, 초현실주의, 마법의 현실주의 및 사회적 현실주의입니다.

박물관은 1994 년 9 월 대중에게 문을 열었으므로 가장 큰 보물은 그림입니다. Diego Rivera와 Frida Kahlo의 세계에서 가장 중요한 작품 모음은 이곳에 영구적으로 보관되어 있으며 이들을 존경하기 위해 몰려든 무리의 방문객들이 숭배합니다. Rivera의 초기 동반자 인 Russo-French 화가 Angelina Beloff가 유럽에서 신진 화가로 일한 목 판화와 서적 삽화도 있습니다.

또한, 구백 개가 넘는 고고 학적 작품을 특권으로 전시하여 흥미와 대조를 제공 할뿐만 아니라 멕시코의 다양한 고대 문화 중에서도 수많은 미학을 엿볼 수 있습니다. 식민지 시대의 화려한 나무 인물은 또 다른 대조를 만듭니다. 그리고 멕시코의 역동적 인 창조적 명령의 증거로서, 인기있는 예술품 컬렉션은 마을 공예가가 몇 세대 동안 생산해 왔으며 여전히 그 역할을하는 세라믹, 목재, 깡통, 래커, 종이 뭉치 및 구리의 익명으로 유명한 걸작품을 소개합니다. 그들의 일상 생활을위한 예식뿐만 아니라기구와 도구들.