Cette exposition est une invitation à identifier Frida, la peintre, au-delà de la figure emblématique, comprend le chemin qui l’a amenée à devenir la représentante de l’art mexicain dans le monde.

Je me représente
« Je me peins » est une phrase tout à fait révélatrice, non seulement parce qu’elle nous renvoie au travail de l’artiste, mais au personnage elle-même, c’est-à-dire qui est et était Frida Kahlo. L’exposition met en lumière les trois genres picturaux développés par Frida: portraits, autoportraits et natures mortes.

Si l’on remonte à l’époque de sa jeunesse, on retrouve une jeune femme, qui semble se remettre du grave accident qu’elle a subi en 1925. Elle pose non seulement pour son père, le photographe Guillermo Kahlo, mais aussi pour le spectateur. A partir de ce moment, nous voyons une intentionnalité qui durera jusqu’à ses derniers jours: connaître et apprécier d’être observé.

Vers 1945, à l’âge de 38 ans, Frida se connaît à la perfection: une femme adulte qui a accumulé d’innombrables expériences de vie, peut-être plus que toute autre femme de son âge. Sa production artistique comprend un certain nombre d’autoportraits célèbres, mais c’est dans Autoportrait avec petit singe que nous la voyons entourée de tous les éléments de son monde personnel.

Nous n’avons pas besoin d’une couronne pour reconnaître la reine qu’elle a vue en elle-même. Il suffit de voir son attitude de sérénité, défiant le spectateur, comme elle apparaîtrait si souvent dans ses autoportraits ou photographies.

Arbre d’espoir, tenez-vous fort
La provenance de la collection Frida Kahlo au Museo Dolores Olmedo ne pouvait être expliquée sans la présence de l’ingénieur Eduardo Morillo Safa, le principal collectionneur des œuvres de l’artiste de son vivant.

Alicia de Morillo Safa a dû vendre la collection après la mort de l’ingénieur. Les travaux ont été initialement proposés à Diego Rivera, qui manquant de ressources, a conseillé à Dolores Olmedo de les acheter.

Morillo Safa avait commandé à l’artiste plusieurs portraits de membres de sa famille, comme celui de sa mère, Rosita Morillo, qui était une figure mère de Frida.

Votre copain qui vous aime …
L’amitié a toujours été d’une grande importance pour Frida. Dès son jeune âge, elle s’est entourée de personnes qu’elle aimait et a cessé d’aimer. Beaucoup de lettres écrites dans sa jeunesse révèlent ce gamin agité qui implorait l’affection de ses amis; une fille audacieuse qui cherchait la compagnie et l’acceptation de ceux de son âge et tentait d’échapper au contrôle familial.

Autoportrait au béret rouge (1932) rappelle le «pal Frida» (l’ami-petite amie-amant d’Alejandro Gómez Arias). À ce moment-là, nous trouvons une adolescente immergée dans une littérature mondiale, passionnée par les voyages, passionnée par un jeune amour qui ne s’épanouira jamais comme elle l’espérait, et en même temps, une femme qui découvrirait sa propre force intérieure.

Les premières toiles de Frida étaient des portraits de ses amis et voisins à Coyoacán ou à l’Escuela Nacional Preparatoria. Parmi eux se trouvait le Portrait d’Alicia Galant, au verso duquel elle a écrit ce qui suit: Ma première œuvre d’art, Frida Kahlo, 1927.

Les personnes qu’elle a rencontrées après son mariage avec Diego Rivera sont également représentées dans la série de portraits, comme Lady Cristina Hastings et Eva Frederick, qu’elle a rencontrées aux États-Unis.

Ils appartenaient à un cercle de femmes qui accompagnaient artistes, intellectuels, critiques, journalistes, scientifiques, magnats et assistants autour de Rivera dans le pays du Nord.

Je suis la désintégration
Un des aspects les plus fascinants du travail de Frida Kahlo est son symbolisme. Elle l’a développée dans ses peintures en utilisant des couleurs spécifiques et certains éléments d’une importance particulière pour elle, et qu’elle avait embrassées au fil des ans, sur la base de ses lectures et de ses expériences.

Frida a revisité le binôme vie-mort parfait de la vision du monde préhispanique et l’a capturé dans plusieurs de ses toiles, telles que celles qui dépeignent et rendent hommage à Luther Burbank.

Le symbolisme de Kahlo dans ces œuvres fait référence à la croyance méso-américaine qu’à la fin de la vie terrestre, les âmes des hommes sont destinées à aller dans un autre espace spirituel.

Ce même symbolisme est véhiculé dans The Deceased Dimas Rosas, une pièce dans laquelle elle représente l’un des enfants du couple qui a travaillé pour Rivera et Kahlo, et dont la mort a dû être très douloureuse, non seulement pour la famille, mais pour Frida elle-même. .

La fertilité est devenue un autre symbole dans sa peinture, parfois associée à des éléments érotiques et sexuels, comme dans La Fleur de vie, où la vie et la mort sont à nouveau entrelacées.

Elle a pris l’idée qu’elle possédait le pouvoir de donner vie ou mort à son expression maximale dans My Nurse and I. Ici, nous voyons Frida se nourrir, représentée avec une double personnalité: Frida-baby et Frida-nanny.

Elle apparaît comme une petite créature impuissante – comme elle le sentait souvent – nourrie et soignée par elle-même. En d’autres termes, la forte Frida a fourni un soutien et des moyens de subsistance à une Frida faible.

Dans toutes ces peintures, des références au symbolisme, à la culture et à l’histoire mexicains apparaissent partout. Ils venaient de l’éducation qu’elle avait reçue chez elle, à l’école, lors de ses escapades dans les rues et les marchés de la ville. C’est peut-être ce qui les rend plus accessibles et attrayants pour le spectateur, bien plus que l’intentionnalité des peintres qui faisaient partie du mouvement artistique connu sous le nom de l’école mexicaine de peinture. Artistiquement, Frida a grandi en tant qu’individu, sans appartenir à aucune école; elle a créé son propre style et par conséquent, elle est devenue à la fois intemporelle et éternellement moderne.

Si seulement j’avais mes caresses sur moi …
Frida Kahlo n’a pas seulement captivé le spectateur à travers sa peinture. Cette sensualité n’a jamais été visible dans ses autoportraits, mais elle a toujours été présente dans sa vie, sans aucun doute. Dans ses peintures, par exemple, le sujet du nu apparaît dans une douzaine d’œuvres, généralement associées à son propre corps. Cependant, ces nus sont tout sauf sensuels.

La même chose s’applique aux nus d’autres personnes, comme Ady Weber, qui était son cousin, son cousin, un jeune adolescent dont le corps n’avait pas encore atteint la maturité féminine.

Un autre est le nu d’Eva Frederick, qui représente une femme adulte, son amie américaine, qui regarde sereinement le spectateur.

Je voulais noyer mes douleurs dans l’alcool …
La douleur se reflétait constamment dans ses autoportraits, parfois à la suite de l’accident, d’autres fois pour diverses raisons, telles que son incapacité à avoir des enfants, ses fausses couches et même les infidélités sans fin de Diego Rivera.

L’un des autoportraits les plus emblématiques est The Broken Column. Il a été peint peu de temps après la chirurgie de la colonne vertébrale. L’opération l’a laissée clouée au lit et «confinée» dans un corset en métal qui l’aiderait à soulager son inconfort physique.

Parallèlement à la détresse physique était son angoisse émotionnelle, causée par les absences et le philandering de Diego. Le masque (de la folie) est une peinture associée à l’une de ces infidélités.

Habillée en tehuana, ornée de bijoux et élégante, Frida se cache derrière un masque en carton, l’une des nombreuses pièces d’art populaire qu’elle a collectionnées. Sa douleur est évidente, mais nous ne la voyons pas. . . car c’est le masque qui pleure.

Personne ne saura jamais combien j’aime Diego
Sans aucun doute, son mariage avec Diego Rivera a été l’un des événements les plus cruciaux de sa vie, non seulement personnellement, mais aussi sur le plan artistique, car il a contribué au développement de sa peinture.

Rivera était le plus grand amour de Frida; des lettres, des poèmes et des portraits en témoignent, y compris les doubles autoportraits qu’elle a exécutés, moitié Frida, moitié Diego et en même temps réunis en un seul: Diego et moi.

L’influence artistique de Rivera se reflète dans le travail de Kahlo, dans certains des sujets sur lesquels le muraliste travaillait à l’époque: les enfants mexicains. De ces années est sa petite Virginie, un portrait avec des combinaisons de couleurs vives et les mêmes caractéristiques conflictuelles typiques de l’art populaire mexicain.

Un détail intéressant se trouve au dos du portrait de Virginie, où l’on peut voir, à l’envers, le croquis de l’autoportrait avec avion. Le tableau basé sur ce croquis a été vendu aux enchères en 2000, battant trois records majeurs: le prix le plus élevé aux enchères pour une œuvre latino-américaine; être une peinture de la femme peintre la plus recherchée au monde; et l’œuvre la plus chère de tout artiste mexicain jusqu’à cette époque.

Longue vie
Dans les années 1950, Kahlo peignait constamment des natures mortes; le troisième genre artistique le plus important de sa peinture, après les autoportraits et les portraits.

Tous les éléments vus précédemment dans ses autoportraits sont toujours là: les pièces préhispaniques qui nous rappellent Diego Rivera; les perroquets qui, à d’autres moments, l’entouraient, sont maintenant perchés sur le fruit; les rubans, qu’elle a utilisés pour accompagner les dédicaces dans ses portraits et autoportraits, sont remplacés par de petits drapeaux mexicains collés dans le fruit, mais avec la même intentionnalité d’affection qu’auparavant.

Une noix de coco pleure et le fruit «saigne» à la place de son corps. La sexualité qu’elle a véhiculée dans ses tableaux à d’autres occasions devient maintenant encore plus évidente, moins voilée, dans les fruits mûrs coupés pour révéler leur chair succulente, dans une invitation directe au plaisir.

La dernière nature morte que Frida Kahlo a peinte en 1954 a été Longue vie. C’est une toile avec des pastèques disposées dans une belle composition simple. Le titre est significatif; cela pourrait renvoyer à la vie que l’artiste aspirait à continuer à vivre, à continuer à peindre.

Curieusement, à la fin de sa vie, Diego Rivera a également peint, comme son œuvre finale, une nature morte intitulée The Watermelons. Destin, coïncidence? Peut-être.

Chacun (Tick Tock) est une seconde de vie qui passe …
Vers 1938 au Mexique, Frida a rencontré André Breton, poète français, critique d’art et leader du mouvement surréaliste, qui préconisait un monde illogique, subconscient, métaphysique et onirique au-dessus du monde logique, conscient et physique.

Des dessins comme The Dream ou Oneiric Self-Portrait and Fantasy nous rappellent pourquoi pour Breton, Kahlo était un peintre surréaliste. À propos de ce dessin, Frida a déclaré: Le surréalisme est la surprise magique de trouver un lion dans la garde-robe où vous vouliez attraper une chemise

La tragédie est la chose la plus ridicule que «l’homme» ait
De l’art populaire, Frida Kahlo a extrait l’un des éléments les plus typiques de ses peintures: le petit format et l’utilisation de feuilles de métal comme surface de peinture. La première fois qu’elle a utilisé une de ces tôles, c’était en 1932 pour la peinture « Henry Ford Hospital ».

Pendant la période qui a suivi son avortement, l’artiste a produit une lithographie Frida et la fausse couche. Seuls trois des douze exemplaires qu’elle a faits de cette lithographie ont survécu, car elle a détruit tous les autres. Dans la marge de gauche, elle a écrit en anglais: Ces preuves ne sont pas bonnes; pas mal compte tenu de votre expérience. Travaillez dur et vous obtiendrez de meilleurs résultats.

Une autre peinture, également à petite échelle, est A Few Small Nips of 1935. Cette œuvre est née de deux situations dans la vie de Frida Kahlo: d’une part, l’affaire de Diego Rivera avec sa sœur Cristina vers 1934, dont elle a vite découvert l’existence, et de l’autre, son évident sens de l’humour noir: incapable de rendre sa propre douleur, elle se concentra sur le malheur d’une autre femme.

Sans espoir de 1945, bien que non peinte sur du métal, conserve les caractéristiques du petit format employé dans les autres œuvres et fait allusion aux régimes d’engraissement auxquels elle était soumise, car son manque d’appétit avait entraîné une perte de poids importante.

Mais où commence cette histoire? D’où vient Frida Kahlo la peintre? Elle l’explique dans un texte de 1947:

J’ai commencé à peindre (…) par l’ennui pur d’être alité pendant un an, après un accident dans lequel je me suis fracturé la colonne vertébrale, le pied et d’autres os. J’avais alors seize ans et j’aimais beaucoup étudier la médecine. Mais la collision entre un bus de Coyoacán et un tramway de Tlalpan a mis fin à cela (…).

Il est paradoxal que dans son journal, elle ait écrit: «La tragédie est la chose la plus ridicule que« l’homme »ait». S’il y a une vie qui a été tragique, c’est bien celle de Frida Kahlo: la polio à l’âge de six ans, un accident à 18 ans (avec de graves blessures à la colonne vertébrale qui la tourmenteraient toute sa vie), plusieurs fausses couches, une gangrène de le pied droit à 42 ans et enfin l’amputation de ce même pied à 46 ans. Si ce n’est pas une tragédie, alors qu’est-ce que c’est?

Musée Dolores Olmedo
Le musée Dolores Olmedo Patiño est situé à Xochimilco, au sud de Mexico, au Mexique. Il porte le nom du collectionneur Dolores Olmedo Patiño et se concentre principalement sur la diffusion des œuvres de Diego Rivera et Frida Kahlo, protège une collection d’environ 3000 pièces, qui sont périodiquement tournées pour être exposées. La collection du musée comprend environ 600 pièces préhispaniques de cultures méso-américaines, telles que les Olmèques, les Mixtèques, les Zapotèques, les Totonac, les Mayas, les Aztèques et celles installées dans la région de l’ouest du Mexique. Il a l’attraction supplémentaire des effrayants et des xoloitzcuintles qui traversent leurs cours.

Le musée Dolores Olmedo est logé dans une structure en pierre décousue, datant à l’origine du XVIe siècle, anciennement connue sous le nom de Hacienda La Noria. En faisant don de sa collection d’art au peuple mexicain, Dolores Olmedo Pati F1o (1908-2002) a créé un ensemble cohérent, où les trésors des beaux-arts ont été incorporés dans la construction coloniale ajoutée au cours du XVIIe siècle, entourés de jardins luxuriants, ombragés de façon singulière Espèces végétales mexicaines et habitées par de magnifiques animaux comme les paons magiques – apparemment confectionnés de bijoux vivants et d’énigmatiques chiens Xoloiztcuintle sans poils, une race précolombienne unique à voir et chaleureuse au toucher.

Le musée compte 139 œuvres de Diego Rivera et 25 œuvres de Frida Kahlo, ce qui en fait la plus grande collection au Mexique des œuvres des deux. Il compte également 43 créations d’Angelina Beloff, plusieurs de Pablo O’Higgins, de l’art populaire mexicain et plus de 600 pièces d’art préhispanique. Les principaux courants du musée sont: le cubisme, le post-impressionnisme, le primitivisme, le symbolisme, le surréalisme, le réalisme magique et le réalisme social.

Depuis que le musée a ouvert ses portes au public en septembre 1994, son plus grand trésor est sa peinture. Les collections d’œuvres les plus importantes au monde de Diego Rivera et Frida Kahlo y sont hébergées en permanence et sont adorées par les légions de visiteurs qui affluent pour les admirer. Il existe également une collection de gravures sur bois et d’illustrations de livres de la peintre russo-française Angelina Beloff, la compagne de Rivera pendant ses premières années en tant que peintre en herbe en Europe.

En outre, une exposition privilégiée de plus de neuf cents pièces archéologiques offre intérêt et contraste, ainsi qu’un aperçu de l’esthétique d’un certain nombre parmi les diverses cultures anciennes du Mexique. Les figures en bois doré de la période coloniale créent un autre contraste. Et comme preuve de l’impératif créatif toujours dynamique du Mexique, une collection d’art populaire présente les chefs-d’œuvre largement anonymes de la céramique, du bois, de l’étain, de la laque, du papier mâché et du cuivre, que l’artisan du village produit depuis des générations, et qui servent toujours de ustensiles et ustensiles, ainsi que les offrandes rituelles de leur vie quotidienne.