Diese Ausstellung ist eine Einladung, Frida, die Malerin, über die Ikone hinaus zu identifizieren und den Weg zu verstehen, der sie dazu führte, die Repräsentantin der mexikanischen Kunst für die Welt zu werden.

Ich porträtiere mich
„Ich male mich selbst“ ist eine völlig aufschlussreiche Phrase, nicht nur, weil sie uns auf die Arbeit der Künstlerin verweist, sondern auch auf die Figur selbst, das heißt, wer Frida Kahlo ist und war. Die Ausstellung beleuchtet die drei von Frida entwickelten Bildgenres: Porträts, Selbstporträts und Stillleben.

Wenn wir in die Zeit ihrer Jugend zurückgehen, finden wir eine junge Frau, die sich von dem schweren Unfall von 1925 erholt zu haben scheint. Sie posiert nicht nur für ihren Vater, den Fotografen Guillermo Kahlo, sondern auch für den Betrachter. Von diesem Moment an sehen wir eine Intentionalität, die bis zu ihren letzten Tagen anhält: zu wissen und zu genießen, beobachtet zu werden.

Um 1945, im Alter von 38 Jahren, kannte sich Frida perfekt: eine erwachsene Frau, die unzählige Lebenserfahrungen gesammelt hatte, vielleicht mehr als jede andere Frau in ihrem Alter. Ihre künstlerische Produktion umfasste eine Reihe berühmter Selbstporträts, aber in Self-Portrait with Small Monkey sehen wir sie umgeben von allen Elementen ihrer persönlichen Welt.

Wir brauchen keine Krone, um die Königin zu erkennen, die sie in sich selbst gesehen hat. Sie müssen nur ihre Haltung der Gelassenheit sehen, die den Zuschauer herausfordert, wie sie so oft in ihren Selbstporträts oder Fotografien erscheint.

Baum der Hoffnung, steh stark
Die Herkunft der Frida Kahlo-Sammlung im Museo Dolores Olmedo konnte ohne die Anwesenheit des Ingenieurs Eduardo Morillo Safa, des führenden Sammlers der Werke der Künstlerin zu Lebzeiten, nicht erklärt werden.

Alicia de Morillo Safa musste die Sammlung nach dem Tod des Ingenieurs verkaufen. Die Werke wurden ursprünglich Diego Rivera angeboten, der Dolores Olmedo riet, sie zu kaufen.

Morillo Safa hatte dem Künstler mehrere Porträts von Mitgliedern seiner Familie in Auftrag gegeben, darunter das seiner Mutter Rosita Morillo, die eine Mutterfigur für Frida war.

Dein Kumpel, der dich liebt …
Freundschaft war für Frida immer von großer Bedeutung. Schon in jungen Jahren umgab sie sich mit Menschen, die sie liebte und die sie nicht mehr liebte. Viele der Briefe, die in ihrer Jugend geschrieben wurden, enthüllen das unruhige Kind, das sich nach der Zuneigung ihrer Freunde sehnte; ein mutiges Mädchen, das die Gesellschaft und Akzeptanz derer in ihrem Alter suchte und versuchte, der Familienkontrolle zu entkommen.

Das Selbstporträt mit Red Beret (1932) erinnert uns an „Kumpel Frida“ (den Freund-Freundin-Liebhaber von Alejandro Gómez Arias). Zu dieser Zeit finden wir ein junges Mädchen, das in eine Weltliteratur eingetaucht ist, aufgeregt über das Reisen, leidenschaftlich über eine junge Liebe, die niemals so erblühen würde, wie sie es sich erhofft hatte, und gleichzeitig eine Frau, die ihre eigene innere Stärke entdecken würde.

Fridas früheste Leinwände waren Porträts ihrer Freunde und Nachbarn in Coyoacán oder in der Escuela Nacional Preparatoria. Unter ihnen war das Porträt von Alicia Galant, auf dessen Rückseite sie folgendes schrieb: Mein erstes Kunstwerk, Frida Kahlo, 1927.

Die Menschen, die sie nach ihrer Heirat mit Diego Rivera kennengelernt hat, sind auch in der Porträtserie abgebildet, wie Lady Cristina Hastings und Eva Frederick, die sie in den USA kennengelernt hat.

Sie gehörten einem Kreis von Frauen an, die Künstler, Intellektuelle, Kritiker, Journalisten, Wissenschaftler, Magnaten und Assistenten rund um Rivera im Norden des Landes begleiteten.

Ich bin Zerfall
Einer der faszinierendsten Aspekte von Frida Kahlos Werk ist seine Symbolik. Sie entwickelte es in ihren Gemälden, indem sie bestimmte Farben und bestimmte Elemente verwendete, die für sie von besonderer Bedeutung waren und die sie im Laufe der Jahre aufgrund ihrer Lesungen und Erfahrungen angenommen hatte.

Frida hat das perfekte Binomial von Leben und Tod aus der vorspanischen Weltanschauung überarbeitet und es in mehreren ihrer Leinwände festgehalten, beispielsweise in denen, die Luther Burbank darstellen und huldigen.

Kahlos Symbolik in diesen Werken bezieht sich auf den mesoamerikanischen Glauben, dass die Seelen der Menschen am Ende des irdischen Lebens dazu bestimmt sind, in einen anderen spirituellen Raum zu gehen.

Dieselbe Symbolik wird in The Deceased Dimas Rosas vermittelt, einem Stück, in dem sie eines der Kinder des Paares darstellt, das für Rivera und Kahlo gearbeitet hat und dessen Tod nicht nur für die Familie, sondern auch für Frida selbst sehr schmerzhaft gewesen sein muss .

Fruchtbarkeit wurde ein weiteres Symbol in ihrer Malerei, manchmal kombiniert mit erotisch-sexuellen Elementen, wie in Die Blume des Lebens, wo Leben und Tod wieder miteinander verflochten sind.

Sie kam auf die Idee, dass sie die Macht besaß, Leben oder Tod in My Nurse and I maximal zum Ausdruck zu bringen. Hier sehen wir, wie Frida sich selbst ernährt, dargestellt mit einer doppelten Persönlichkeit: Frida-Baby und Frida-Nanny.

Sie erscheint als kleine hilflose Kreatur – wie sie sich oft fühlte -, die von sich selbst gefüttert und gepflegt wird. Mit anderen Worten, die starke Frida bot einer schwachen Frida Unterstützung und Lebensunterhalt.

In all diesen Gemälden finden sich überall Hinweise auf mexikanische Symbolik, Kultur und Geschichte. Sie stammten aus der Ausbildung, die sie in ihrem Familienheim in der Schule auf ihren Streifzügen durch die Straßen und Marktplätze der Stadt erhalten hatte. Vielleicht ist es das, was sie für den Betrachter zugänglicher und ansprechender macht, viel mehr als die Intentionalität der Maler, die Teil der Kunstbewegung waren, die als mexikanische Malschule bekannt ist. Künstlerisch wuchs Frida als Individuum, ohne einer Schule anzugehören; Sie kreierte ihren eigenen Stil und wurde daher zeitlos und ewig modern.

Wenn ich nur seine Liebkosungen auf mich hätte …
Frida Kahlo faszinierte den Betrachter nicht nur durch ihr Gemälde. Diese Sinnlichkeit war in ihren Selbstporträts nie sichtbar, aber ohne Zweifel immer in ihrem Leben präsent. In ihren Gemälden zum Beispiel erscheint das Thema Akt in einem Dutzend Werken, die im Allgemeinen mit ihrem eigenen Körper verbunden sind. Diese Akte sind jedoch alles andere als sinnlich.

Gleiches gilt für Akte anderer Menschen wie Ady Webers, die ihre Cousine war, ihre Cousine, ein junger Teenager, dessen Körper die weibliche Reife noch nicht erreicht hatte.

Ein anderer ist der Akt von Eva Frederick, der eine erwachsene Frau zeigt, ihre amerikanische Freundin, die den Zuschauer gelassen ansieht.

Ich wollte meine Sorgen in Alkohol ertränken …
Schmerz spiegelte sich ständig in ihren Selbstporträts wider, manchmal als Folge des Unfalls, manchmal aus verschiedenen Gründen, wie zum Beispiel ihrer Unfähigkeit, Kinder zu haben, ihren Fehlgeburten und sogar Diego Riveras endlosen Untreuen.

Eines der emblematischsten Selbstporträts ist The Broken Column. Es wurde kurz nach Fridas Wirbelsäulenoperation gemalt. Die Operation ließ sie bettlägerig und „eingesperrt“ in einem Metallkorsett zurück, das helfen würde, ihre körperlichen Beschwerden zu lindern.

Zusammen mit der körperlichen Belastung war ihre emotionale Angst, verursacht durch Diego’s Abwesenheit und Philandering. Die Maske (des Wahnsinns) ist ein Gemälde, das mit einer dieser Untreuen verbunden ist.

Frida ist als Tehuana verkleidet, mit Juwelen besetzt und elegant. Sie versteckt sich hinter einer Pappmaske, einem von vielen Kunstwerken, die sie gesammelt hat. Ihr Schmerz ist offensichtlich, aber wir sehen es nicht. . . denn es ist die Maske, die weint.

Niemand wird jemals wissen, wie sehr ich Diego liebe
Ohne Zweifel war ihre Ehe mit Diego Rivera eines der wichtigsten Ereignisse in ihrem Leben, nicht nur persönlich, sondern auch künstlerisch, da sie zur Entwicklung ihrer Malerei beitrug.

Rivera war Fridas größte Liebe; Briefe, Gedichte und Porträts zeugen davon, einschließlich der doppelten Selbstporträts, die sie ausgeführt hat, halb Frida, halb Diego und gleichzeitig in einem zusammengefasst: Diego und ich.

Riveras künstlerischer Einfluss spiegelt sich in Kahlos Arbeit wider, in einigen Themen, an denen der Wandmaler in jenen Jahren arbeitete: mexikanische Kinder. Aus diesen Jahren stammt ihr Little Virginia, ein Porträt mit Kombinationen aus leuchtenden Farben und denselben für die mexikanische Volkskunst typischen Zusammenstößen.

Ein interessantes Detail befindet sich auf der Rückseite des Porträts von Virginia, wo man die Skizze für das Selbstporträt mit dem Flugzeug verkehrt herum sehen kann. Das auf dieser Skizze basierende Gemälde wurde im Jahr 2000 versteigert und brach drei wichtige Rekorde: den höchsten Preis bei einer Auktion für ein lateinamerikanisches Werk; ein Gemälde der begehrtesten Malerin der Welt zu sein; und das teuerste Werk eines mexikanischen Künstlers bis zu dieser Zeit.

Es lebe das Leben
In den 1950er Jahren malte Kahlo ständig Stillleben; das drittwichtigste künstlerische Genre in ihrer Malerei nach Selbstporträts und Porträts.

Alle Elemente, die früher in ihren Selbstporträts zu sehen waren, sind immer noch hier: die vorspanischen Stücke, die uns an Diego Rivera erinnern; die Papageien, die sie zu anderen Zeiten umgaben, sitzen jetzt auf der Frucht; Die Bänder, mit denen sie die Widmungen in ihren Porträts und Selbstporträts begleitete, werden durch kleine mexikanische Flaggen ersetzt, die in die Frucht gesteckt sind, aber mit der gleichen Absicht der Zuneigung wie zuvor.

Eine Kokosnuss weint und die Frucht „blutet“ anstelle ihres Körpers. Die Sexualität, die sie bei anderen Gelegenheiten in ihren Gemälden vermittelte, wird jetzt noch deutlicher, weniger verschleiert, in den reifen Früchten, die aufgeschnitten wurden, um ihr saftiges Fleisch zu enthüllen, in einer direkten Einladung zum Vergnügen.

Das letzte Stillleben, das Frida Kahlo 1954 malte, war Long Live Life. Es ist eine Leinwand mit Wassermelonen, die in einer einfachen, schönen Komposition angeordnet sind. Der Titel ist bedeutend; es könnte sich auf das Leben beziehen, nach dem sich der Künstler sehnte, weiterzuleben und weiter zu malen.

Seltsamerweise malte Diego Rivera am Ende seines Lebens als letztes Werk auch ein Stillleben mit dem Titel The Watermelons. Schicksal, Zufall? Vielleicht.

Jeder (Tick Tock) ist eine vorübergehende Sekunde des Lebens …
Um 1938 traf Frida in Mexiko André Breton, französischen Dichter, Kunstkritiker und Führer der surrealistischen Bewegung, die eine unlogische, unbewusste, metaphysische und oneirische Welt über die logische, bewusste und physische Welt vertrat.

Zeichnungen wie The Dream oder Oneiric Self-Portrait und Fantasy erinnern uns daran, warum Kahlo für Breton ein surrealistischer Maler war. Zu dieser Zeichnung sagte Frida: Surrealismus ist die magische Überraschung, einen Löwen in der Garderobe zu finden, in der man sich ein Hemd schnappen wollte

Die Tragödie ist die lächerlichste Sache, die der „Mensch“ hat
Aus der Volkskunst extrahierte Frida Kahlo eines der typischsten Elemente ihrer Gemälde: das kleine Format und die Verwendung von Metallblechen als Malfläche. Das erste Mal, dass sie eines dieser Bleche verwendete, war 1932 für das Gemälde „Henry Ford Hospital“.

In der Zeit nach ihrer Abtreibung produzierte die Künstlerin eine Lithographie Frida and the Miscarriage. Nur drei der zwölf Kopien, die sie von dieser Lithographie angefertigt hatte, blieben erhalten, denn sie zerstörte alle anderen. Am linken Rand schrieb sie auf Englisch: Diese Beweise sind nicht gut; nicht schlecht angesichts Ihrer Erfahrung. Arbeiten Sie hart und Sie werden bessere Ergebnisse erzielen.

Ein weiteres Gemälde, ebenfalls in kleinem Maßstab, ist A Few Small Nips von 1935. Diese Arbeit entstand aus zwei Situationen in Frida Kahlos Leben: Einerseits Diego Riveras Affäre mit ihrer Schwester Cristina um 1934, von der sie bald erfuhr, und auf der anderen Seite ihr offensichtlicher Sinn für schwarzen Humor: Sie konnte ihren eigenen Schmerz nicht wiedergeben und konzentrierte sich auf das Unglück einer anderen Frau.

Ohne Hoffnung von 1945, obwohl nicht auf Metall gemalt, behält die Eigenschaften des kleinen Formats bei, das in den anderen Werken verwendet wurde, und spielt auf die Mastdiäten an, denen sie unterworfen war, weil ihr Appetitlosigkeit zu schwerem Gewichtsverlust geführt hatte.

Aber wo beginnt diese Geschichte? Woher kommt die Malerin Frida Kahlo? Sie erklärt es in einem Text von 1947:

Ich begann zu malen (…) aus der Langeweile, ein Jahr lang bettlägerig zu sein, nach einem Unfall, bei dem ich mir die Wirbelsäule, den Fuß und andere Knochen gebrochen hatte. Ich war damals sechzehn und wollte unbedingt Medizin studieren. Aber die Kollision zwischen einem Coyoacán-Bus und einer Straßenbahn von Tlalpan machte dem ein Ende (…).

Es ist paradox, dass sie in ihrem Tagebuch geschrieben hat: „Tragödie ist das Lächerlichste, was der Mensch hat.“ Wenn es ein tragisches Leben gibt, dann genau das von Frida Kahlo: Polio im Alter von sechs Jahren, ein Unfall im Alter von 18 Jahren (mit schweren Verletzungen der Wirbelsäule, die sie ihr ganzes Leben lang plagen würden), mehrere Fehlgeburten, Brandwunden von der rechte Fuß im Alter von 42 Jahren und schließlich die Amputation desselben Fußes im Alter von 46 Jahren. Wenn dies keine Tragödie ist, was dann?

Dolores Olmedo Museum
Das Dolores Olmedo Patiño Museum befindet sich in Xochimilco im Süden von Mexiko-Stadt, Mexiko. Es ist nach dem Sammler Dolores Olmedo Patiño benannt und konzentriert sich hauptsächlich auf die Verbreitung der Werke von Diego Rivera und Frida Kahlo. Es schützt eine Sammlung von ungefähr 3000 Stücken, die regelmäßig zur Ausstellung gedreht werden. Die Sammlung des Museums umfasst ungefähr 600 vorspanische Stücke aus mesoamerikanischen Kulturen wie die Olmeken, die Mixteken, die Zapoteken, die Totonaken, die Mayas, die Azteken und die in der Region Westmexiko angesiedelten. Es hat die zusätzliche Anziehungskraft der schrecklichen und xoloitzcuintles, die durch ihre Innenhöfe gehen.

Das Dolores Olmedo Museum befindet sich in einer weitläufigen Steinstruktur aus dem 16. Jahrhundert, die früher als Hacienda La Noria bekannt war. Durch die Spende ihrer Kunstsammlung an die Menschen in Mexiko schuf Dolores Olmedo Pati F1o (1908-2002) ein zusammenhängendes Ganzes, in dem Schätze der schönen Künste in den im 17. Jahrhundert hinzugefügten Kolonialbau einbezogen wurden, umgeben von üppigen Gärten, die von einzigartigen Schatten umgeben sind Mexikanische Pflanzenarten, die von wunderschönen Tieren wie den magischen Pfauen bewohnt werden – scheinbar verbunden mit lebenden Juwelen und den rätselhaften haarlosen Xoloiztcuintle-Hunden, einer präkolumbianischen Rasse, die einzigartig ist und sich warm anfühlt.

Das Museum verfügt über 139 Werke von Diego Rivera und 25 Werke von Frida Kahlo. Damit ist es die größte Sammlung der Werke beider Werke in Mexiko. Es hat auch 43 Kreationen von Angelina Beloff, mehrere von Pablo O’Higgins, mexikanische Volkskunst und mehr als 600 Stücke vorspanischer Kunst. Die Hauptströmungen im Museum sind: Kubismus, Postimpressionismus, Primitivismus, Symbolismus, Surrealismus, magischer Realismus und sozialer Realismus.

Seit das Museum im September 1994 seine Türen für die Öffentlichkeit geöffnet hat, ist sein größter Schatz seine Malerei. Die weltweit wichtigsten Sammlungen von Werken von Diego Rivera und Frida Kahlo sind hier dauerhaft untergebracht und werden von den Legionen von Besuchern verehrt, die sich versammeln, um sie zu bewundern. Es gibt auch eine Sammlung von Holzschnitten und Buchillustrationen der russisch-französischen Malerin Angelina Beloff, Riveras Begleiterin in seinen frühen Jahren als angehende Malerin in Europa.

Darüber hinaus bietet eine privilegierte Ausstellung von über neunhundert archäologischen Stücken Interesse und Kontrast sowie einen Einblick in die Ästhetik einer Reihe unter den verschiedenen antiken Kulturen Mexikos. Ein weiterer Kontrast bilden vergoldete Holzfiguren aus der Kolonialzeit. Und als Beweis für Mexikos immer lebendigen kreativen Imperativ präsentiert eine Sammlung populärer Kunst die weitgehend anonymen Meisterwerke aus Keramik, Holz, Zinn, Lack, Pappmaché und Kupfer, die der Dorfhandwerker seit Generationen herstellt und die immer noch als Utensilien und Geräte sowie die zeremoniellen Opfergaben ihres täglichen Lebens.