Эта выставка представляет собой приглашение опознать Фриду, художника, за пределами культовой фигуры, понять путь, по которому она стала представителем мексиканского искусства в мире.
Я изображаю себя
«Я рисую себя» — это совершенно разоблачающая фраза не только потому, что она относится к творчеству художника, но и к самому персонажу, то есть к тому, кем и была Фрида Кало. На выставке представлены три живописных жанра, разработанные Фридой: портреты, автопортреты и натюрморты.
Если мы вернемся ко времени ее юности, мы найдем молодую женщину, которая, похоже, оправилась от серьезного несчастного случая, в котором она пострадала в 1925 году. Она позирует не только для своего отца, фотографа Гильермо Кало, но и для зрителя. С этого момента мы видим интенциональность, которая продлится до ее последних дней: знание и наслаждение наблюдением.
Около 1945 года, в возрасте 38 лет, Фрида знала себя до совершенства: взрослая женщина, накопившая бесчисленные жизненные переживания, возможно, больше, чем любая другая женщина ее возраста. Ее художественное произведение включало в себя ряд известных автопортретов, но именно в «Автопортрете с маленькой обезьяной» мы видим ее в окружении всех элементов ее личного мира.
Нам не нужна корона, чтобы узнать королеву, которую она видела в себе. Вам просто нужно увидеть ее безмятежное отношение, бросающее вызов зрителю, поскольку она так часто появлялась на своих автопортретах или фотографиях.
Древо Надежды, Стой Сильный
Происхождение коллекции Фриды Кало в Музее Долорес Олмедо невозможно объяснить без присутствия инженера Эдуардо Морильо Сафа, ведущего коллекционера работ художника при ее жизни.
Алисия де Морильо Сафа должна была продать коллекцию после смерти инженера. Первоначально работы были предложены Диего Ривере, который из-за нехватки ресурсов посоветовал Долорес Олмедо купить их.
Морилло Сафа заказал художнику несколько портретов членов его семьи, таких как портрет его матери Розиты Морилло, которая была материнской фигурой для Фриды.
Твой приятель, который любит тебя …
Дружба всегда имела большое значение для Фриды. С юных лет она окружала себя людьми, которых любила и перестала любить. Многие из писем, написанных в ее юности, рассказывают о том беспокойном ребенке, который жаждал любви ее друзей; смелая девушка, которая искала компанию и принимала людей своего возраста и пыталась вырваться из-под контроля семьи.
Автопортрет с красным беретом (1932) напоминает нам «приятеля Фриду» (подруга-любовница Алехандро Гомеса Ария). К тому времени мы обнаруживаем, что девочка-подросток погружена в мировую литературу, взволнована путешествием, увлечена молодой любовью, которая никогда не расцветет, как она надеялась, и в то же время женщиной, которая обнаружит свою собственную внутреннюю силу.
Самыми ранними полотнами Фриды были портреты ее друзей и соседей в Койоакане или в Национальной ассамблее Escuela. Среди них был Портрет Алисии Галант, на обороте которого она написала следующее: «Моя первая работа, Фрида Кало, 1927».
Люди, с которыми она познакомилась после свадьбы с Диего Риверой, также изображены в серии портретов, такие как леди Кристина Гастингс и Ева Фредерик, с которыми она познакомилась в Соединенных Штатах.
Они принадлежали к кругу женщин, которые сопровождали художников, интеллектуалов, критиков, журналистов, ученых, магнатов и помощников, окружавших Риверу на севере страны.
Я Разрушение
Одним из самых интересных аспектов работы Фриды Кало является ее символика. Она развивала это в своих картинах, используя определенные цвета и определенные элементы, имеющие особое значение для нее, и которые она обнимала годами, основываясь на своих чтениях и опыте.
Фрида вернулась к идеальному биному жизни и смерти из доиспанского мировоззрения и запечатлела его на нескольких своих полотнах, таких как те, которые изображают и воздают должное Лютеру Бербанку.
Символика Кало в этих работах относится к мезоамериканской вере в то, что в конце земной жизни человеческим душам суждено отправиться в другое духовное пространство.
Та же самая символика передана в «Умершем Димасе Росасе», в котором она изображает одного из детей пары, работавшей на Риверу и Кало, и смерть которой, должно быть, была очень болезненной не только для семьи, но и для самой Фриды. ,
Плодородие стало еще одним символом в ее живописи, порой в сочетании с эротически-сексуальными элементами, как в «Цветке жизни», где жизнь и смерть снова переплетаются.
Она взяла идею, что она обладала способностью дать жизнь или смерть максимальному выражению в «Моей медсестре» и «Я». Здесь мы видим, как Фрида питается, изображенная с двойной личностью: Фрида-бэби и Фрида-няня.
Она выглядит как маленькое беспомощное существо — как она часто чувствовала — кормила и заботилась сама. Другими словами, сильная Фрида обеспечивала поддержку и средства к существованию слабой Фриде.
На всех этих картинах встречаются ссылки на мексиканский символизм, культуру и историю. Они пришли от образования, которое она получила в своем семейном доме, в школе, на прогулках по улицам города и на торговых площадках. Возможно, именно это делает их более доступными и привлекательными для зрителя, гораздо больше, чем преднамеренность художников, которые были частью художественного движения, известного как мексиканская школа живописи. Художественно, Фрида росла как личность, не принадлежа ни к какой школе; она создала свой собственный стиль и поэтому стала одновременно вечной и вечно современной.
Если бы у меня были его ласки на мне …
Фрида Кало не только очаровала зрителя своей картиной. Эта чувственность никогда не была видна в ее автопортретах, но она всегда присутствовала в ее жизни, без сомнения. Например, в ее картинах тема обнаженной фигуры появляется в дюжине работ, обычно связанных с ее собственным телом. Тем не менее, эти ню не чувственные.
То же самое относится и к обнаженным людям, таким как Ади Вебер, которая была ее двоюродной сестрой, ее двоюродной сестрой, молодым подростком, чье тело еще не достигло женской зрелости.
Другой — обнаженная Ева Фредерик, на которой изображена взрослая женщина, ее американская подруга, которая спокойно смотрит на зрителя.
Я хотел утопить мои печали в ликере …
Боль постоянно отражалась в ее автопортретах, иногда в результате несчастного случая, иногда по разным причинам, например, из-за ее неспособности иметь детей, ее выкидышей и даже бесконечной измены Диего Риверы.
Один из самых символичных автопортретов — «Сломанная колонна». Она была написана вскоре после того, как Фриде сделали операцию на позвоночнике. Операция оставила ее прикованной к постели и «заключенной» в металлический корсет, который помог бы облегчить ее физический дискомфорт.
Наряду с физическим стрессом у нее возникли душевные страдания, вызванные отсутствием Диего и фальсификацией. Маска (безумия) — это картина, связанная с одной из этих неверностей.
Одетая как теуана, украшенная драгоценностями и элегантная, Фрида прячется за картонной маской, одним из многих произведений народного искусства, которые она собрала. Ее боль очевидна, но мы ее не видим. , , потому что это плачущая маска.
Никто никогда не узнает, как сильно я люблю Диего
Без сомнения, ее брак с Диего Риверой был одним из самых важных событий в ее жизни, не только лично, но и художественно, поскольку это способствовало развитию ее живописи.
Ривера была величайшей любовью Фриды; это подтверждают письма, стихи и портреты, в том числе двойные автопортреты, которые она исполнила: наполовину Фрида, наполовину Диего и в то же время объединенные в одно: Диего и я.
Художественное влияние Риверы отражено в работах Кало, в некоторых предметах, над которыми работал монументалист в те годы: мексиканские дети. С тех лет ее Маленькая Вирджиния, портрет с сочетанием ярких цветов и тех же самых характерных черт, характерных для мексиканского народного искусства.
Интересная деталь находится на обратной стороне портрета Вирджинии, где можно увидеть перевернутый эскиз для автопортрета с самолетом. Картина, основанная на этом эскизе, была выставлена на аукцион в 2000 году, побив три основных рекорда: самая высокая цена на аукционе для латиноамериканской работы; быть картиной самой востребованной женщины-живописца в мире; и самая дорогая работа любого мексиканского художника до того времени.
Да здравствует жизнь
В 1950-х годах Кало постоянно рисовал натюрморты; третий по значимости художественный жанр в ее живописи, после автопортретов и портретов.
Все элементы, увиденные ранее в ее автопортретах, все еще здесь: доиспанские произведения, напоминающие нам о Диего Ривере; попугаи, которые в другие времена окружали ее, теперь сидят на фруктах; ленты, которые она использовала, чтобы сопровождать посвящения в ее портретах и автопортретах, заменены маленькими мексиканскими флагами, вставленными в плод, но с той же преднамеренностью привязанности, что и раньше.
Кокос плачет, и фрукты «кровоточат» вместо ее тела. Сексуальность, которую она передавала в своих картинах в других случаях, теперь становится еще более очевидной, менее завуалированной, в разрезе спелых фруктов, раскрывающих их сочную плоть, в прямом приглашении к удовольствию.
Последним натюрмортом, который Фрида Кало написала в 1954 году, была Long Live Life. Это холст с арбузами в простой красивой композиции. Название является значительным; это может относиться к жизни, которой художник жаждал продолжать жить, продолжать рисовать.
Любопытно, что в конце своей жизни Диего Ривера в качестве своей последней работы также написал натюрморт под названием «Арбузы». Судьба, совпадение? Может быть.
Каждый (Tick Tock) — проходящая секунда жизни …
Примерно в 1938 году в Мексике Фрида познакомилась с Андре Бретоном, французским поэтом, искусствоведом и лидером сюрреалистического движения, которое защищало нелогичный, подсознательный, метафизический и онерический мир над логическим, сознательным и физическим миром.
Рисунки, такие как «Сон» или «Oneiric Автопортрет» и «Фэнтези», напоминают нам, почему для Бретона Кало был художником-сюрреалистом. Относительно этого рисунка Фрида сказала: сюрреализм — это волшебный сюрприз, когда вы нашли льва в гардеробе, где вы хотели взять рубашку
Трагедия — самое смешное, что есть у «человека»
Из народного творчества Фрида Кало извлекла один из наиболее характерных элементов своих картин: маленький формат и использование металлических листов в качестве поверхности для живописи. Впервые она использовала один из этих металлических листов в 1932 году для картины «Больница Генри Форда».
В период после ее аборта художница произвела литографию «Фрида и выкидыш». Только три из двенадцати копий этой литографии, которые она сделала, сохранились, потому что она уничтожила все остальные. На левом поле она написала по-английски: «Эти доказательства не хороши; неплохо, учитывая ваш опыт. Работайте усердно, и вы получите лучшие результаты.
Другая картина, также небольшого масштаба, — «Несколько маленьких зазубрин» 1935 года. Эта работа возникла из двух ситуаций в жизни Фриды Кало: с одной стороны, роман Диего Риверы со своей сестрой Кристиной около 1934 года, о котором она вскоре узнала, и с другой стороны, ее очевидное чувство черного юмора: неспособная передать свою собственную боль, она сосредоточилась на несчастье другой женщины.
Без Надежды 1945 года, хотя она и не нарисована на металле, сохраняет характеристики небольшого формата, использованного в других работах, и ссылается на откорма, на которые она была направлена, потому что ее отсутствие аппетита привело к серьезной потере веса.
Но где начинается эта история? Откуда родом художник Фрида Кало? Она объясняет это в тексте 1947 года:
Я начал рисовать (…) от скуки от того, что был прикован к постели в течение года, после несчастного случая, когда я сломал позвоночник, ногу и другие кости. Мне было тогда шестнадцать, и я очень увлекался изучением медицины. Но столкновение между автобусом Coyoacán и трамваем Tlalpan положило этому конец (…).
Парадоксально, что в своем «Дневнике» она написала: «Трагедия — самая нелепая вещь, которую имеет« человек »». Если есть трагическая жизнь, то это точно жизнь Фриды Кало: полиомиелит в возрасте шести лет, несчастный случай в 18 лет (с тяжелыми травмами позвоночника, которые будут мучить ее на протяжении всей жизни), несколько выкидышей, гангрена правая нога в возрасте 42 лет и, наконец, ампутация той же ступни в возрасте 46 лет. Если это не трагедия, то что же?
Музей Долорес Олмедо
Музей Долорес Олмедо Патиньо находится в Сочимилько, на юге Мехико, Мексика. Он назван в честь коллекционера Долорес Олмедо Патиньо и ориентирован в основном на распространение работ Диего Риверы и Фриды Кало, защищает коллекцию из примерно 3000 произведений, которые периодически поворачиваются для показа. Коллекция музея включает в себя около 600 доиспанских произведений из мезоамериканских культур, таких как ольмеки, микстеки, сапотеки, тотонак, майя, ацтеки и те, кто поселился в регионе Западной Мексики. У этого есть дополнительная привлекательность frightfuland xoloitzcuintles, которые идут через их внутренние дворы.
Музей Долорес Олмедо расположен в каменном сооружении, построенном в шестнадцатом веке, ранее известном как Гасиенда Ла Нория. Пожертвовав свою коллекцию произведений искусства народу Мексики, Долорес Олмедо Пати F1o (1908-2002) создала единое целое, где сокровища изобразительного искусства были включены в колониальное строительство, добавленное в семнадцатом веке, в окружении пышных садов, затененных единичными Мексиканские виды растений, в которых обитают великолепные животные, такие как волшебные павлины — по-видимому, изготовленные из живых драгоценных камней и загадочных безволосых собак ксолоизтукунтл, доколумбовой породы, уникальной для созерцания и теплой на ощупь.
В музее хранятся 139 работ Диего Риверы и 25 работ Фриды Кало, что делает его крупнейшей в Мексике коллекцией произведений обоих. В нем также 43 работы Анджелины Белофф, несколько работ Пабло О’Хиггинса, мексиканское народное искусство и более 600 произведений доиспанского искусства. Основные направления в музее: кубизм, постимпрессионизм, примитивизм, символизм, сюрреализм, магический реализм и социальный реализм.
Так как музей открыл свои двери для публики в сентябре 1994 года, его величайшим сокровищем является его живопись. Самые важные в мире коллекции произведений Диего Риверы и Фриды Кало постоянно находятся здесь и обожаются легионами посетителей, которые стекаются, чтобы полюбоваться ими. Существует также коллекция ксилографий и книжных иллюстраций русско-французской художницы Анжелины Белофф, спутницы Риверы в первые годы его работы в Европе.
Кроме того, привилегированная экспозиция из более чем девятисот археологических экспонатов обеспечивает интерес и контраст, а также дает представление об эстетике ряда различных древних культур Мексики. Позолоченные деревянные фигуры колониального периода создают еще один контраст. И как свидетельство постоянно меняющегося творческого императива Мексики, коллекция народного искусства представляет в основном анонимные шедевры из керамики, дерева, олова, лака, папье-маше и меди, которые деревенские мастера производили в течение нескольких поколений и которые до сих пор служат утварь и инвентарь, а также церемониальные подношения их повседневной жизни.