Questa mostra è un invito a identificare Frida, la pittrice, oltre la figura iconica, comprende il percorso che la porta a diventare rappresentante dell’arte messicana nel mondo.

Mi ritraggo
“Dipingo me stesso” è una frase completamente rivelatrice, non solo perché ci rimanda al lavoro dell’artista, ma al personaggio stesso, cioè a chi è ed era Frida Kahlo. La mostra mette in luce i tre generi pittorici sviluppati da Frida: ritratti, autoritratti e nature morte.

Se torniamo ai tempi della sua giovinezza, troviamo una giovane donna, che sembra essersi ripresa dal grave incidente che ha subito nel 1925. Posa non solo per suo padre, il fotografo Guillermo Kahlo, ma anche per lo spettatore. Da quel momento, vediamo un’intenzionalità che durerà fino ai suoi ultimi giorni: conoscere e godere dell’osservazione.

Intorno al 1945, all’età di 38 anni, Frida si conosceva alla perfezione: una donna adulta che aveva accumulato innumerevoli esperienze di vita, forse più di qualsiasi altra donna della sua età. La sua produzione artistica includeva un certo numero di famosi autoritratti, ma è in Autoritratto con piccola scimmia che la vediamo circondata da tutti gli elementi del suo mondo personale.

Non abbiamo bisogno di una corona per riconoscere la regina che ha visto in se stessa. Devi solo vedere il suo atteggiamento di serenità, sfidando lo spettatore, come apparirebbe spesso nei suoi autoritratti o nelle sue fotografie.

Albero della speranza, stai forte
La provenienza della collezione Frida Kahlo al Museo Dolores Olmedo non potrebbe essere spiegata senza la presenza dell’ingegnere Eduardo Morillo Safa, il principale collezionista di opere dell’artista durante la sua vita.

Alicia de Morillo Safa dovette vendere la collezione dopo la morte dell’ingegnere. I lavori furono inizialmente offerti a Diego Rivera, che non disponeva di risorse, e consigliò a Dolores Olmedo di acquistarli.

Morillo Safa aveva commissionato all’artista diversi ritratti di membri della sua famiglia, come quello di sua madre, Rosita Morillo, che era una figura materna per Frida.

Il tuo amico che ti ama …
L’amicizia è sempre stata di grande importanza per Frida. Fin da piccola, si è circondata di persone che amava e ha smesso di amare. Molte delle lettere scritte in gioventù rivelano quel bambino irrequieto che bramava l’affetto dei suoi amici; una ragazza audace che cercava la compagnia e l’accettazione di quelli della sua età e cercava di sfuggire al controllo familiare.

Autoritratto con berretto rosso (1932) ci ricorda “amico Frida” (l’amico-amante-fidanzata di Alejandro Gómez Arias). A quel punto, troviamo un’adolescente immersa in una letteratura mondiale, entusiasta di viaggiare, appassionata di un giovane amore che non sarebbe mai sbocciato come sperava, e allo stesso tempo, una donna che avrebbe scoperto la propria forza interiore.

Le prime tele di Frida erano ritratti dei suoi amici e dei vicini di Coyoacán o dell’Escuela Nacional Preparatoria. Tra questi c’era il ritratto di Alicia Galant, sul retro del quale scrisse quanto segue: La mia prima opera d’arte, Frida Kahlo, 1927.

Le persone che ha incontrato dopo il suo matrimonio con Diego Rivera sono anche rappresentate nella serie di ritratti, come Lady Cristina Hastings ed Eva Frederick, che ha incontrato negli Stati Uniti.

Appartenevano a una cerchia di donne che accompagnava artisti, intellettuali, critici, giornalisti, scienziati, magnati e assistenti che circondavano Rivera nel paese fino al nord.

Sono Disintegrazione
Uno degli aspetti più affascinanti del lavoro di Frida Kahlo è il suo simbolismo. Lo sviluppò nei suoi dipinti usando colori specifici e alcuni elementi di speciale significato per lei, e che aveva abbracciato nel corso degli anni, in base alle sue letture ed esperienze.

Frida ha rivisitato il binomio perfetto vita-morte dalla visione preispanica del mondo e lo ha catturato in molte delle sue tele, come quelle che ritraggono e rendono omaggio a Luther Burbank.

Il simbolismo di Kahlo in queste opere si riferisce alla convinzione mesoamericana che alla fine della vita terrena, le anime degli uomini sono destinate ad andare in un altro spazio spirituale.

Lo stesso simbolismo è espresso in The Deceased Dimas Rosas, un pezzo in cui raffigura uno dei figli della coppia che ha lavorato per Rivera e Kahlo, e la cui morte deve essere stata molto dolorosa, non solo per la famiglia, ma per Frida stessa .

La fertilità è diventata un altro simbolo nella sua pittura, a volte combinata con elementi erotici-sessuali, come in Il fiore della vita, dove vita e morte si intrecciano di nuovo.

Ha preso l’idea di possedere il potere di dare la vita o la morte alla sua massima espressione in My Nurse e I. Qui vediamo Frida che si nutre, raffigurata con una doppia personalità: Frida-baby e Frida-tata.

Appare come una piccola creatura indifesa, come spesso sentiva, nutrita e curata da sola. In altre parole, il forte Frida ha fornito supporto e sostentamento a un Frida debole.

In tutti questi dipinti compaiono riferimenti al simbolismo, alla cultura e alla storia messicani. Venivano dall’istruzione che aveva ricevuto nella sua casa di famiglia, a scuola, durante i suoi viaggi per le strade e i mercati della città. Forse è questo ciò che li rende più accessibili e attraenti per lo spettatore, molto più dell’intenzionalità dei pittori che facevano parte del movimento artistico noto come la Scuola messicana di pittura. Artisticamente, Frida è cresciuta come individuo, senza appartenere a nessuna scuola; ha creato il suo stile e quindi è diventata sia senza tempo che eternamente moderna.

Se solo avessi avuto le sue carezze su di me …
Frida Kahlo non ha solo affascinato lo spettatore attraverso la sua pittura. Quella sensualità non era mai visibile nei suoi autoritratti, ma era sempre presente nella sua vita, senza dubbio. Nei suoi dipinti, ad esempio, il soggetto del nudo appare in una dozzina di opere, generalmente associate al suo stesso corpo. Tuttavia, questi nudi sono tutt’altro che sensuali.

Lo stesso vale per i nudi di altre persone, come Ady Weber, che era suo cugino, suo cugino, un giovane adolescente il cui corpo non aveva ancora raggiunto la maturità femminile.

Un altro è il nudo di Eva Frederick, che raffigura una donna adulta, la sua amica americana, che guarda serenamente lo spettatore.

Volevo affogare i miei dolori nel liquore …
Il dolore si rifletteva costantemente nei suoi autoritratti, a volte come conseguenza dell’incidente, altre volte per una serie di ragioni, come l’incapacità di avere figli, i suoi aborti spontanei e persino le infinite infedeltà di Diego Rivera.

Uno degli autoritratti più emblematici è The Broken Column. Fu dipinto poco dopo che Frida ebbe un intervento chirurgico alla colonna vertebrale. L’operazione la lasciò costretta a letto e “confinata” in un corsetto di metallo che avrebbe aiutato ad alleviare il suo disagio fisico.

Insieme all’angoscia fisica c’era la sua angoscia emotiva, causata dalle assenze di Diego e dal furfante. La maschera (della follia) è un dipinto associato a una di queste infedeltà.

Vestito da tehuana, ingioiellato ed elegante, Frida si nasconde dietro una maschera di cartone, una delle tante opere d’arte popolare che ha collezionato. Il suo dolore è evidente, ma non lo vediamo. . . perché è la maschera che piange.

Nessuno saprà mai quanto amo Diego
Senza dubbio, il suo matrimonio con Diego Rivera è stato uno degli eventi più cruciali della sua vita, non solo personalmente, ma anche artisticamente, poiché ha contribuito allo sviluppo della sua pittura.

Rivera era il più grande amore di Frida; lettere, poesie e ritratti lo attestano, inclusi i doppi autoritratti che ha eseguito, metà Frida, metà Diego e allo stesso tempo riuniti in uno: Diego e I.

L’influenza artistica di Rivera si riflette nel lavoro di Kahlo, in alcuni dei temi su cui il muralista stava lavorando in quegli anni: i bambini messicani. Da quegli anni è la sua Little Virginia, un ritratto con combinazioni di colori vivaci e le stesse caratteristiche contrastanti tipiche dell’arte popolare messicana.

Un dettaglio interessante è sul retro del ritratto di Virginia, dove si può vedere, a testa in giù, lo schizzo per autoritratto con aeroplano. Il dipinto basato su questo schizzo è stato messo all’asta nel 2000, battendo tre record importanti: il prezzo più alto in un’asta per un’opera latinoamericana; essere un dipinto della pittrice più ricercata al mondo; e l’opera più costosa di qualsiasi artista messicano fino a quel momento.

Lunga vita
Negli anni ’50, Kahlo dipingeva costantemente nature morte; il terzo genere artistico più importante nella sua pittura, dopo autoritratti e ritratti.

Tutti gli elementi visti in precedenza nei suoi autoritratti sono ancora qui: i pezzi pre-ispanici che ci ricordano Diego Rivera; i pappagalli, che altre volte la circondavano, ora sono appollaiati sul frutto; i nastri, che usava per accompagnare le dediche nei suoi ritratti e negli autoritratti, sono sostituiti da piccole bandiere messicane attaccate al frutto, ma con la stessa intenzionalità di affetto di prima.

Una noce di cocco piange e la frutta “sanguina” invece del suo corpo. La sessualità che ha trasmesso nei suoi dipinti in altre occasioni ora diventa ancora più evidente, meno velata, nel frutto maturo tagliato per rivelare la loro carne succulenta, in un invito diretto al piacere.

L’ultima natura morta che Frida Kahlo dipinse nel 1954 fu Long Live Life. È una tela con angurie disposte in una composizione semplice e bella. Il titolo è significativo; potrebbe riferirsi alla vita che l’artista desiderava continuare a vivere, a continuare a dipingere.

Curiosamente, alla fine della sua vita, Diego Rivera ha anche dipinto, come suo ultimo lavoro, una natura morta intitolata The Watermelons. Destino, coincidenza? Forse.

Ogni (Tick Tock) è un secondo di passaggio della vita …
Intorno al 1938 in Messico, Frida conobbe André Breton, poeta francese, critico d’arte e leader del movimento surrealista, che sosteneva un mondo illogico, subconscio, metafisico e onirico nel mondo logico, consapevole e fisico.

Disegni come The Dream o Oneiric Self-Portrait e Fantasy ci ricordano perché, per Breton, Kahlo era un pittore surrealista. Riguardo a questo disegno, Frida ha dichiarato: Il surrealismo è la magica sorpresa di trovare un leone nell’armadio dove volevi prendere una maglietta

La tragedia è la cosa più ridicola che ha “Man”
Dall’arte popolare, Frida Kahlo ha estratto uno degli elementi più tipici dei suoi dipinti: il piccolo formato e l’uso di fogli di metallo come superficie pittorica. La prima volta che ha usato una di queste lastre di metallo è stata nel 1932 per il dipinto “Henry Ford Hospital”.

Durante il periodo successivo al suo aborto, l’artista produsse una litografia Frida e l’aborto. Sono sopravvissute solo tre delle dodici copie di questa litografia, poiché ha distrutto tutte le altre. Sul margine sinistro ha scritto in inglese: quelle prove non sono buone; non male considerando la tua esperienza. Lavora sodo e otterrai risultati migliori.

Un altro dipinto, anche su piccola scala, è A Few Small Nips del 1935. Questo lavoro è nato da due situazioni della vita di Frida Kahlo: da un lato, la relazione di Diego Rivera con sua sorella Cristina intorno al 1934, di cui presto scoprì, e dall’altro, il suo evidente senso dell’umorismo nero: incapace di rendere il suo dolore, si concentrò sulla sfortuna di un’altra donna.

Senza speranza del 1945, sebbene non dipinto su metallo, conserva le caratteristiche del piccolo formato impiegato nelle altre opere e allude alle diete da ingrasso a cui fu sottoposta, perché la sua mancanza di appetito aveva portato a una grave perdita di peso.

Ma da dove inizia questa storia? Da dove viene la pittrice Frida Kahlo? Lo spiega in un testo del 1947:

Ho iniziato a dipingere (…) dalla pura noia di essere costretto a letto per un anno, dopo un incidente in cui mi sono fratturato la colonna vertebrale, il piede e altre ossa. Avevo sedici anni e mi piaceva molto studiare medicina. Ma la collisione tra un autobus Coyoacán e un tram Tlalpan ha posto fine a questo (…).

È paradossale che nel suo Diario abbia scritto: “La tragedia è la cosa più ridicola che l ‘” uomo “ha”. Se c’è una vita tragica, è proprio quella di Frida Kahlo: la poliomielite all’età di sei anni, un incidente a 18 anni (con gravi lesioni alla colonna vertebrale che la affliggerebbe per tutta la vita), diversi aborti spontanei, cancrena di il piede destro all’età di 42 anni e, infine, l’amputazione di quello stesso piede all’età di 46 anni. Se questa non è tragedia, che cos’è?

Museo Dolores Olmedo
Il Museo Dolores Olmedo Patiño si trova a Xochimilco, nel sud di Città del Messico, in Messico. Prende il nome dal collezionista Dolores Olmedo Patiño e si concentra principalmente sulla diffusione del lavoro di Diego Rivera e Frida Kahlo, protegge una collezione di circa 3000 pezzi, che vengono periodicamente ruotati per essere esposti. La collezione del museo comprende circa 600 pezzi preispanici provenienti da culture mesoamericane, come gli Olmec, i Mixtec, gli Zapotec, i Totonac, i Maya, gli Aztechi e quelli che si stabilirono nella regione del Messico occidentale. Ha l’ulteriore attrattiva dei spaventosi e xoloitzcuintles che attraversano i loro cortili.

Il Museo Dolores Olmedo è ospitato in una struttura in pietra sconnessa, originariamente risalente al XVI secolo, precedentemente noto come Hacienda La Noria. Donando la sua collezione d’arte al popolo messicano, Dolores Olmedo Pati F1o (1908-2002) creò un insieme coerente, in cui i tesori delle belle arti furono incorporati nella costruzione coloniale aggiunta durante il diciassettesimo secolo, circondato da giardini lussureggianti, ombreggiati singolarmente Specie di piante messicane e abitata da splendidi animali come i magici pavoni – apparentemente confusa dai gioielli viventi e dagli enigmatici cani senza peli di Xoloiztcuintle, una razza precolombiana unica nel suo genere da ammirare e calda al tatto.

Il museo ha 139 opere di Diego Rivera e 25 opere di Frida Kahlo, che lo rende la più grande collezione in Messico delle opere di entrambi. Ha anche 43 creazioni di Angelina Beloff, alcune di Pablo O’Higgins, arte popolare messicana e oltre 600 pezzi di arte preispanica. Le principali correnti del museo sono: cubismo, postimpressionismo, primitivismo, simbolismo, surrealismo, realismo magico e realismo sociale.

Da quando il museo ha aperto le sue porte al pubblico nel settembre del 1994, il suo più grande tesoro è la sua pittura. Le più importanti collezioni al mondo di opere di Diego Rivera e Frida Kahlo sono ospitate qui in modo permanente e sono adorate dalle legioni di visitatori che accorrono per ammirarle. C’è anche una raccolta di xilografie e illustrazioni di libri della pittrice russo-francese Angelina Beloff, compagna di Rivera durante i suoi primi anni come pittrice in erba in Europa.

Inoltre, una mostra privilegiata di oltre novecento pezzi archeologici fornisce interesse e contrasto, oltre a uno scorcio dell’estetica di un numero tra le diverse antiche culture del Messico. Figure in legno dorato del periodo coloniale creano un altro contrasto. E come prova dell’imperativo creativo sempre vibrante del Messico, una collezione di arte popolare presenta i capolavori in gran parte anonimi di ceramica, legno, latta, lacca, cartapesta e rame, che l’artigiano del villaggio ha prodotto per generazioni e che ancora servono come utensili e strumenti, nonché le offerte cerimoniali, della loro vita quotidiana.