A centralização monárquica iniciada por Luís XIII se afirmou em 1630 no domínio político sob a autoridade de Richelieu primeiro, depois Mazarin e Luís XIV. Tem conseqüências no campo cultural com a criação da Academia Francesa em 1635 e depois de outras Academias que visam codificar o idioma e regular a composição dos trabalhos. No entanto, a autoridade política e a autoridade cultural não devem ser rapidamente assimiladas.

Os escritores classicistas voltaram à idéia de que a arte deve se basear na razão, que controla a expressão das emoções. Por esse motivo, buscavam um equilíbrio entre sentimentos e razão, buscando assim uma representação universal da realidade, desconsiderando o que era puramente ocasional ou privado.

O fundador da poética do classicismo é o francês François Mahlerb (1555-1628), que realizou a reforma da língua e versos franceses e desenvolveu cânones poéticos. Os principais representantes do classicismo no teatro foram os trágicos Cornel e Racine (1639-1699), cujo principal assunto de criatividade era o conflito entre dever público e paixões pessoais. Os gêneros “baixos” também alcançaram alto desenvolvimento – uma fábula (J. Lafontaine), sátira (Boileau) e comédia (Moliere 1622-1673).

Boileau tornou-se famoso em toda a Europa como o “legislador de Parnassus”, o maior teórico do classicismo, que expressou suas opiniões no tratado poético “Arte poética”. Sob sua influência no Reino Unido, estavam os poetas John Dryden e Alexander Pope, que fizeram a principal forma da poesia inglesa Alexandrina. Para a prosa inglesa da era do classicismo (Addison, Swift), a sintaxe latinizada também é característica.

Do ponto de vista ideológico, a grande questão do século xvii é a questão religiosa. Os escritores clássicos são, portanto, necessariamente imersos na cultura religiosa. Certas obras, como Les Provinciales, de Pascal, ou a obra de Bossuet, chegam mesmo inteiramente à religião. Muitos serão influenciados pelo jansenismo.

O classicismo do século XVIII se desenvolve sob a influência das idéias do Iluminismo. O trabalho de Voltaire (1694 – 1778) é dirigido contra o fanatismo religioso, a opressão absolutista, cheia do pathos da liberdade. O objetivo da criatividade é mudar o mundo para melhor, construindo de acordo com as leis do classicismo da própria sociedade. Do ponto de vista do classicismo, o inglês Samuel Johnson pesquisou a literatura contemporânea com um círculo brilhante de pessoas afins, incluindo o ensaísta Boswell, o historiador Gibbon e o ator Garrick. Três unidades são características de obras dramáticas: a unidade do tempo (a ação ocorre um dia), a unidade do lugar (em um lugar) e a unidade da ação (uma história).

São os trabalhos dos eruditos que definem as teorias do gosto clássico, através de cartas, tratados, artes poéticas. Vaugelas, Guez de Balzac e Dominique Bouhours, portanto, legislam sobre o uso adequado da linguagem. Jean Chapelain e o Abbé d’Aubignac definem as regras do teatro clássico. Eles espalham esse gosto para o público mundano dos salões que frequentam. Cânones literários também são definidos em obras não-teóricas, obras literárias ou prefácios que os justifiquem. É o caso dos maiores dramaturgos: Molière, Racine e especialmente Corneille, que se envolveram em inúmeras brigas e resumiram suas opiniões sobre a produção teatral em Os Três Discursos sobre Arte Dramática. Deve-se notar, no entanto, que os dramaturgos costumam argumentar por uma adaptação das regras que eles raramente aplicam à carta.

O ensino dos eruditos é, de fato, baseado em regras extraídas dos modelos grego e latino. Na época, lemos e relemos La Poétique d’Aristote, cuja interpretação é a fonte da maioria das regras do teatro clássico. Na poesia, a arte poética de Horácio serve como referência. Finalmente, os autores clássicos recorrem a modelos antigos para criar suas próprias obras. No entanto, eles não são pura imitação. Os grandes autores apenas reutilizam esses modelos para fazer obras modernas deles. Assim, se La Fontaine retomar as fábulas de Esopo e de PhèdreIs para fornecer uma versão moderna da qual a moralidade social e política só possa ser entendida no contexto do século xvii.

Visão geral
O classicismo é um gênero específico de filosofia, que se expressa na literatura, arquitetura, arte e música, que tem fontes gregas e romanas antigas e ênfase na sociedade. Foi particularmente expresso no Neoclassicismo da Era do Iluminismo.

O classicismo é uma tendência recorrente no período da antiguidade tardia e teve um grande renascimento na arte carolíngia e otoniana. Houve outro renascimento mais duradouro no renascimento italiano, quando a queda de Bizâncio e o crescente comércio com as culturas islâmicas trouxeram uma enxurrada de conhecimentos sobre e da antiguidade da Europa. Até aquele momento, a identificação com a antiguidade era vista como uma história contínua da cristandade a partir da conversão do imperador romano Constantino I. O classicismo renascentista introduziu uma série de elementos na cultura européia, incluindo a aplicação da matemática e do empirismo na arte, humanismo e literatura. realismo representativo e formalismo. Importante, também introduziu o politeísmo, ou “paganismo”, e a justaposição do antigo e do moderno.

O classicismo do Renascimento levou a, e deu lugar a, um sentido diferente do que era “clássico” nos séculos XVI e XVII. Nesse período, o classicismo assumiu conotações mais estritamente estruturais de ordem, previsibilidade, uso de geometria e grades, importância de rigorosa disciplina e pedagogia, além da formação de escolas de arte e música. A corte de Luís XIV era vista como o centro dessa forma de classicismo, com suas referências aos deuses do Olimpo como um suporte simbólico ao absolutismo, sua adesão ao raciocínio axiomático e dedutivo e seu amor à ordem e previsibilidade.

Este período buscou o renascimento das formas de arte clássica, incluindo drama e música gregos. A ópera, em sua forma européia moderna, teve suas raízes nas tentativas de recriar a combinação de canto e dança com o teatro, considerado a norma grega. Exemplos desse apelo ao classicismo incluem Dante, Petrarch e Shakespeare na poesia e no teatro. O drama de Tudor, em particular, modelou-se a partir dos ideais clássicos e dividiu as obras em Tragédia e Comédia. Estudar o grego antigo tornou-se considerado essencial para uma educação abrangente nas artes liberais.

O Renascimento também voltou explicitamente aos modelos e técnicas arquitetônicos associados à antiguidade grega e romana, incluindo o retângulo dourado como uma proporção fundamental para edifícios, as ordens clássicas das colunas, além de uma série de ornamentos e detalhes associados à arquitetura grega e romana. Eles também começaram a reviver artes plásticas, como a fundição de bronze para escultura, e usaram o naturalismo clássico como base do desenho, pintura e escultura.

A Era do Iluminismo identificou-se com uma visão da antiguidade que, embora continuasse com o classicismo do século anterior, foi abalada pela física de Sir Isaac Newton, pelas melhorias em máquinas e medições e por um sentimento de libertação que eles viam como sendo presente na civilização grega, particularmente em suas lutas contra o Império Persa. As formas ornamentadas, orgânicas e complexamente integradas do barroco deveriam dar lugar a uma série de movimentos que se consideravam expressamente “clássicos” ou “neoclássicos”, ou seriam rapidamente rotulados como tal. Por exemplo, a pintura de Jacques-Louis David foi vista como uma tentativa de retornar ao equilíbrio formal, clareza, masculinidade e vigor na arte.

O século XIX viu a era clássica como precursora do academismo, incluindo movimentos como o uniformitarismo nas ciências e a criação de categorias rigorosas nos campos artísticos. Vários movimentos do período romântico se viam como revoltas clássicas contra uma tendência predominante de emocionalismo e irregularidade, por exemplo os pré-rafaelitas. A essa altura, o classicismo já era velho o suficiente para que movimentos clássicos anteriores recebessem avivamentos; por exemplo, o Renascimento era visto como um meio de combinar o medieval orgânico com o clássico ordenado. O século XIX continuou ou ampliou muitos programas clássicos nas ciências, principalmente o programa newtoniano para explicar o movimento de energia entre os corpos por meio da troca de energia mecânica e térmica.

O século XX viu várias mudanças nas artes e nas ciências. O classicismo foi usado tanto por aqueles que rejeitaram ou viam temporariamente as transfigurações no mundo político, científico e social, quanto por aqueles que adotaram as mudanças como um meio de derrubar o peso percebido do século XIX. Assim, ambas as disciplinas pré-século 20 foram rotuladas como movimentos “clássicos” e modernos na arte, que se viam alinhados com luz, espaço, escassez de textura e coerência formal.

Nos dias atuais, o classicismo da filosofia é usado como um termo particularmente em relação aos impulsos apolíneo sobre dionisíaco na sociedade e na arte; essa é uma preferência pela racionalidade, ou pelo menos a catarse racionalmente guiada, ao emocionalismo.

Características do classicismo
O classicismo do século xvii está longe de ser limitado a uma imitação dos antigos. De fato, médicos e literatos inventam uma estética baseada em princípios de ordem bastante restritivos, que levarão as críticas modernas a assimilar o classicismo e o respeito pelas regras.

A escrita clássica afirma ser baseada na razão. Às vezes, vimos a influência do racionalismo de Descartes lá, mas é um interesse pela lucidez e análise. Heróis e heroínas clássicas geralmente não são racionais, mas suas paixões, muitas vezes violentas, são analisadas por escrito, o que as torna inteligíveis. O classicismo é, portanto, mais influenciado pelo desejo de sujeitar o irracional à ordem da razão do que por um racionalismo real que mais tarde inspiraria os filósofos do Iluminismo.

Ao criar uma forma de ordem, os escritores clássicos procuram o natural. Dar a impressão de uma combinação perfeita entre forma e conteúdo, graças a uma escrita fluida, é realmente o ideal do estilo clássico. A esse respeito, o classicismo efetivamente entra em tensão com o que era o estilo barroco. Charles Sorel escreve assim: “Sua linguagem natural, que parece simples para as mentes comuns, é mais difícil de observar do que essas linguagens inchadas que a maioria do mundo estima tanto”. Essa busca por uma forma de simplicidade na escrita fará a admiração de muitos autores do século xx, como Valery, Gide, Camus ou Ponge.

Para dar a impressão de naturalidade, é sobretudo importante não chocar o leitor. Portanto, a probabilidade de regras e decoro desempenha um papel importante no século xvii.

Probabilidade é o que pode parecer verdadeiro. O objetivo não é representar a verdade, mas respeitar as estruturas do que o público da época considerava possível. Boileau foi capaz de dizer em sua arte poética que “o verdadeiro às vezes pode não ser provável”. O que provavelmente corresponderá às opiniões do público em termos de ética, relações sociais, nível de linguagem utilizado etc. A maior crítica que foi feita ao Cid é propor um fim improvável, porque a moralidade não pode aceitar que uma garota casa com o assassino de seu pai, mesmo que o fato seja histórico.

A importância da plausibilidade está ligada à importância da moralidade na literatura clássica. De fato, as obras clássicas estabelecem o objetivo de “reformar” o público, fazendo com que reflitam sobre suas próprias paixões. Segundo Chapelain, o público só pode ser tocado pelo que pode acreditar e a literatura só pode ajudar os homens a melhorar se eles os tocarem. Pois o ideal artístico do classicismo é acompanhado por um ideal moral incorporado na figura teórica do homem honesto. Essa expressão resume todas as qualidades que se pode esperar de um cortesão: polidez, cultura, humildade, razão, temperança, respeito pelas regras, capacidade de se adaptar às pessoas à sua volta.

Teatro
Durante a primeira metade do século xvii, apreciamos as tragédias da trama romântica e decorações complexas 7. Ao longo do século, principalmente sob a influência de teóricos, as intrigas foram simplificadas e os cenários foram despojados para liderar ao que hoje é chamado de teatro clássico. O Abbé d’Aubignac desempenha um papel importante, porque em La Pratique du théâtre 8, em 1657, analisa o teatro antigo e o teatro contemporâneo e traça princípios que constituem as bases do teatro clássico. Essa reflexão sobre o teatro foi alimentada ao longo do século por estudiosos e dramaturgos. Boileau em sua Poetic Art, em 1674, somente retomará e resumirá em versículos eficazes as regras já aplicadas.

As regras do teatro clássico
É a regra da probabilidade, explicada acima, que está na origem de todas as regras do teatro clássico.
“Que em um dia, em um só lugar, apenas um fato realizado / Espere até o final, o teatro encheu. ”

Essas duas linhas de Boileau resumem a famosa regra de três unidades: a ação deve ocorrer em vinte e quatro horas (unidade de tempo), em um único local (unidade de local) e deve consistir apenas em uma única parcela (unidade de ação) . Essas regras têm dois propósitos principais. Por um lado, é uma questão de tornar plausível a ação teatral, porque os conjuntos não precisam mudar e a ação ocorre em um momento que pode ser o tempo da representação. Por outro lado, a ação é mais fácil de seguir, porque os gráficos complicados que misturam muitos caracteres são proscritos em favor de gráficos lineares centrados em poucos caracteres. Essas regras levaram a uma forma de internalização de ações. De fato, a fala se desenvolveu às custas das peças espetaculares e clássicas, dando muito espaço para a expressão de sentimentos e análises psicológicas.

A regra da decência obriga a representar em cena apenas o que não vai chocar o público. Excluímos a violência física, mas também a intimidade física. As cenas violentas devem, portanto, ser contadas por um personagem. Algumas exceções permaneceram famosas, como a morte de Phèdre e Dom Juan nas peças homônimas de Racine e Molière, bem como a loucura do personagem de Oreste em Andromaque.

Exemplos de dramaturgos classicistas são Pierre Corneille, Jean Racine e Molière. No período do romantismo, Shakespeare, que não se enquadrava em nenhuma das regras clássicas, tornou-se o foco da discussão francesa sobre eles, na qual os românticos finalmente triunfaram; Victor Hugo foi um dos primeiros dramaturgos franceses a quebrar essas convenções.

A influência dessas regras francesas nos dramaturgos de outras nações é discutível. No teatro inglês, dramaturgos da Restauração, como William Wycherly e William Congreve, os teriam conhecido. William Shakespeare e seus contemporâneos não seguiram essa filosofia classicista, em particular porque não eram franceses e também porque escreveram várias décadas antes de seu estabelecimento. Aquelas das peças de Shakespeare que parecem exibir as unidades, como The Tempest, provavelmente indicam uma familiaridade com modelos reais da antiguidade clássica.

Tragédia
A tragédia não existiu durante a Idade Média francesa. Renasceu no século xvi depois de reler o velho trágico. Ele transforma tudo no século xvi e xvii. Primeiro, ele evolui para o que foi chamado de tragicomédia, alimentando-se de intrigas cada vez mais românticas. Mas eruditos e dramaturgos defendem o retorno a um modelo mais compatível com os cânones antigos e, finalmente, ele se torna o grande gênero da era clássica. É por isso que as regras estabelecidas acima se aplicam principalmente à tragédia.

A tragédia é, portanto, definida pela primeira vez por seu sujeito e seus personagens. Uma peça trágica deve ter um assunto mítico ou histórico. Seus personagens são heróis, reis ou pelo menos personagens de muito alta nobreza. O estilo adotado deve estar de acordo com a altura de quem pronuncia o texto. A maioria das tragédias são escritas em alexandrino e sempre respeitam um estilo alto. Com frequência, assimilamos a tragédia e um fim infeliz. Embora seja verdade que a maioria das tragédias termina mal, esse não é um critério definidor, pois algumas tragédias terminam bem.

Como no teatro antigo, a tragédia tem um fim moral. Deve permitir que os espectadores melhorem em um nível moral, combatendo algumas de suas paixões. Seguindo Aristóteles, consideramos que a tragédia deve inspirar “terror e piedade” diante do destino dos heróis esmagados pelas consequências de seus erros. Esses dois sentimentos devem permitir que os espectadores se dissociem das paixões que levaram os heróis a agir e, portanto, não os reproduzam. Além disso, os teóricos clássicos adotaram de Aristóteles a noção de catarse, que significa aproximadamente a eliminação de paixões. A ideia é que, ao ver personagens animados por paixões violentas, os espectadores de alguma forma cumpram suas próprias paixões e se libertem delas.

O grande trágico clássico é Racine. Ele escreve tragédias em que os heróis são condenados pela fatalidade, presos em um destino que revela o absurdo de sua existência e só pode levá-los à morte.
Corneille evolui durante sua carreira do barroco para o clássico. Suas tragédias dão muito mais valor ao herói que, embora muitas vezes condenado a um resultado fatal, na verdade se torna um herói em suas peças. Corneille foi capaz de propor a identificação com o herói como uma maneira possível de construir o espectador.
Além disso, tragédias líricas se desenvolveram na era clássica. Esse gênero é representado principalmente por Philippe Quinault, que trabalha em colaboração com Jean-Baptiste Lully. Isso levará à criação da ópera francesa.

Comédia
A comédia da era clássica é fortemente dominada pela figura de Molière, mesmo que os autores de quadrinhos sejam muito numerosos. A comédia é muito menos enquadrada por regras explícitas do que pela tragédia, porque, considerada um gênero menor, dificilmente interessa aos teóricos. Não temos a parte da poética que Aristóteles teria dedicado às obras de quadrinhos.

No entanto, um autor como Molière tenta dar uma forma de nobreza à comédia e é inspirado pelas regras do teatro clássico. Se a unidade de ação raramente é respeitada, a unidade de lugar e tempo é muitas vezes respeitada. Acima de tudo, seguindo Corneille, ele trabalha a intrigante comédia inspirada nas comédias latinas de Térence e Plaute. É, portanto, inspirado pelos antigos. Mas também se afasta da farsa para contribuir com o desenvolvimento de novas comédias. Eles são baseados em enredos complexos e podem ser tocados em três ou cinco atos. Seus personagens certamente não podem pertencer à grande nobreza, mas freqüentemente pertencem à burguesia ou à nobreza inferior. Portanto, se a linguagem é de registro comum e às vezes até familiar, o estilo não é necessariamente muito baixo. Algumas comédias são escritas em Alexandrine. Molière usa os efeitos cômicos bastante grosseiros herdados da farsa e da commedia dell’arte (caning, mal-entendidos etc.), mas suas comédias estão em busca de um equilíbrio que não está relacionado ao bom gosto. clássico.

A dimensão moral presente na tragédia também é encontrada na comédia. As comédias tiram sarro das falhas dos homens. Os espectadores devem, portanto, ser capazes de se afastar dos defeitos representados rindo do ridículo dos personagens. Quando Molière ridicularizou a hipocrisia de falsos devotos em Tartuffe, ele esperava lutar contra essa hipocrisia. A famosa fórmula “castigat ridendo mores” é de origem incerta, mas foi adotada por Molière. Expressa uma idéia desenvolvida por Horace em sua arte poética e resume esse desejo de usar o riso como vetor de instrução. O teatro de Molière é clássico e barroco.

romano
O romance é considerado um gênero muito menor no momento. A maioria deles é publicada anonimamente, porque uma personalidade um tanto considerada dificilmente poderia admitir ser o autor de romances. A primeira parte do século foi caracterizada por romances muito longos e muito complexos. Na era clássica, esses romances são transformados em contos. A intriga é simplificada consideravelmente. Eles se baseiam em um contexto histórico bastante recente, enquanto os romances barrocos preferiam a Antiguidade.

Saint-Réal escreveu em 1672 Don Carlos, o primeiro “conto” que conta a história de Don Carlos da Espanha, filho de Filipe II da Espanha. Madame de La Fayette situará a ação de The Princess of Cleves, uma obra-prima do gênero, na corte de Henrique II da França, aproximadamente ao mesmo tempo. Além disso, esse romance representa bem as ambiguidades do classicismo, porque parte dos romances sentimentais por seu volume modesto e pela sobriedade de seus escritos, mas retoma certas características da preciosidade na pintura de sentimentos. Madame de La Fayette era realmente muito preciosa e sua preocupação não era se opor a um período que a precederia.

Poesia em geral
O século xvii é um século de fermentação literária e mostra reviver todos os gêneros antigos. De fato, no século XVI (o chamado período barroco), um certo “chauvinismo cultural” levou os poetas a usar formas medievais (rondeaux, trigêmeos, madrigais, canções, sonetos), em reação ao recurso sistemático aos gêneros antigos . O século xvii, ele, verá odes aparentes (do tipo já usado por Ronsard), assim como nas capturas de Namur de Boileau, ou naquelas, menos conhecidas, em Port Royal des Champs de Racine. Vemos epigramas renascidos, como os de Martialor de Ovídio, as epístolas ou as sátiras do estilo de Horácio (em particular por Boileau). Também estamos testemunhando o renascimento do épico homérico ou virgiliano. Mas esse gênero não teve sucesso. Você deve ver em particular a Dama de Chapelain, criticada por Racine e Boileau. Somente o Lutin de Boileau, um épico satírico, permanece familiar para nós. Jean Pierre Collinet, quando estabeleceu edições das obras de Boileau e Perrault, destacou que o século xvii é, apesar das aparências, um século sem poesia e que apenas La Fontaine ou Racine escapariam dessa regra.