La centralisation monarchique initiée par Louis XIII s’affirme en 1630 dans le domaine politique sous l’autorité de Richelieu d’abord, puis Mazarin et Louis XIV. Elle a des conséquences dans le domaine culturel avec la création de l’Académie française en 1635 puis d’autres académies qui visent à codifier la langue et à réglementer la composition des œuvres. Cependant, l’autorité politique et l’autorité culturelle ne doivent pas être assimilées trop rapidement.

Les écrivains classiques sont revenus à l’idée que l’art doit être basé sur la raison, qui contrôle l’expression des émotions. Pour cette raison, ils ont cherché un équilibre entre les sentiments et la raison, cherchant ainsi à atteindre une représentation universelle de la réalité, sans tenir compte de ce qui était purement occasionnel ou privé.

Le fondateur de la poétique du classicisme est le Français François Mahlerb (1555-1628), qui a effectué la réforme de la langue et du vers français et développé des canons poétiques. Les principaux représentants du classicisme dans le théâtre étaient les tragédiens Cornel et Racine (1639-1699), dont le principal sujet de créativité était le conflit entre le devoir public et les passions personnelles. Les genres «bas» ont également atteint un développement élevé – une fable (J. Lafontaine), une satire (Boileau) et une comédie (Molière 1622-1673).

Boileau est devenu célèbre dans toute l’Europe en tant que «législateur du Parnasse», le plus grand théoricien du classicisme, qui a exprimé ses vues dans le traité poétique «Art poétique». Sous son influence au Royaume-Uni étaient les poètes John Dryden et Alexander Pope, qui ont fait la forme principale de la poésie anglaise Alexandrina. Pour la prose anglaise de l’ère du classicisme (Addison, Swift), la syntaxe latinisée est également caractéristique.

D’un point de vue idéologique, la grande question du xvii e siècle est la question religieuse. Les écrivains classiques sont donc nécessairement imprégnés de culture religieuse. Certaines œuvres, comme Les Provinciales de Pascal ou l’œuvre de Bossuet, relèvent même entièrement de la religion. Beaucoup seront influencés par le jansénisme.

Le classicisme du XVIIIe siècle se développe sous l’influence des idées des Lumières. L’œuvre de Voltaire (1694 – 1778) est dirigée contre le fanatisme religieux, l’oppression absolutiste, remplie du pathos de la liberté. Le but de la créativité est de changer le monde pour le mieux, de construire conformément aux lois du classicisme de la société elle-même. Du point de vue du classicisme, l’Anglais Samuel Johnson a sondé la littérature contemporaine avec un cercle brillant de personnes partageant les mêmes idées, dont l’essayiste Boswell, l’historien Gibbon et l’acteur Garrick. Trois unités sont caractéristiques des œuvres dramatiques: l’unité du temps (l’action se déroule un jour), l’unité du lieu (en un seul endroit) et l’unité de l’action (un scénario).

Ce sont les œuvres des savants qui définissent les théories du goût classique, à travers les lettres, les traités, les arts poétiques. Vaugelas, Guez de Balzac et Dominique Bouhours légifèrent ainsi sur le bon usage de la langue. Jean Chapelain et l’abbé d’Aubignac définissent les règles du théâtre classique. Ils ont diffusé ce goût au public banal des salons auxquels ils assistent. Les canons littéraires sont également définis dans des œuvres non théoriques, des œuvres littéraires ou des préfaces les justifiant. C’est le cas des plus grands dramaturges: Molière, Racine et surtout Corneille qui ont été impliqués dans de nombreuses querelles et ont résumé ses opinions sur l’écriture théâtrale dans Les Trois discours sur l’art dramatique. Il faut cependant noter que les dramaturges plaident le plus souvent pour une adaptation des règles qu’ils appliquent rarement à la lettre.

L’enseignement des savants est en effet basé sur des règles tirées des modèles grec et latin. Nous avons lu et relu à cette époque La Poétique d’Aristote, dont l’interprétation est à l’origine de la plupart des règles du théâtre classique. En poésie, l’art poétique d’Horace sert de référence. Enfin, les auteurs classiques s’inspirent de modèles anciens pour créer leurs propres œuvres. Cependant, ils ne sont pas une pure imitation. Les grands auteurs ne réutilisent ces modèles que pour en faire des œuvres modernes. Ainsi, si La Fontaine reprend les fables d’Ésope et de Phèdre pour donner une version moderne dont la morale sociale et politique ne peut être comprise que dans le contexte du xvii e siècle.

Aperçu
Le classicisme est un genre spécifique de philosophie, s’exprimant dans la littérature, l’architecture, l’art et la musique, qui a des sources grecques et romaines antiques et met l’accent sur la société. Elle s’est exprimée en particulier dans le néoclassicisme du siècle des Lumières.

Le classicisme est une tendance récurrente à la fin de la période antique, et a connu un renouveau majeur dans l’art carolingien et ottonien. Il y a eu un autre renouveau, plus durable, dans la renaissance italienne lorsque la chute de Byzance et l’augmentation du commerce avec les cultures islamiques ont apporté un flot de connaissances sur et depuis l’Antiquité de l’Europe. Jusqu’à cette époque, l’identification à l’Antiquité avait été considérée comme une histoire continue de la chrétienté depuis la conversion de l’empereur romain Constantin I. Le classicisme de la Renaissance a introduit une foule d’éléments dans la culture européenne, y compris l’application des mathématiques et de l’empirisme à l’art, l’humanisme, la littérature et le réalisme dépeignant et le formalisme. Surtout, il a également introduit le polythéisme, ou «paganisme», et la juxtaposition de l’ancien et du moderne.

Le classicisme de la Renaissance a conduit à, et a cédé la place à, un sens différent de ce qui était « classique » aux XVIe et XVIIe siècles. Dans cette période, le classicisme a pris des tonalités plus ouvertement structurelles d’ordre, de prévisibilité, d’utilisation de la géométrie et des grilles, l’importance d’une discipline et d’une pédagogie rigoureuses, ainsi que la formation d’écoles d’art et de musique. La cour de Louis XIV était considérée comme le centre de cette forme de classicisme, avec ses références aux dieux de l’Olympe comme support symbolique de l’absolutisme, son adhésion au raisonnement axiomatique et déductif, et son amour de l’ordre et de la prévisibilité.

Cette période a cherché la renaissance des formes d’art classiques, y compris le théâtre et la musique grecs. L’opéra, dans sa forme européenne moderne, a ses racines dans les tentatives de recréer la combinaison du chant et de la danse avec le théâtre considéré comme la norme grecque. Des exemples de cet appel au classicisme ont inclus Dante, Pétrarque et Shakespeare dans la poésie et le théâtre. Le drame Tudor, en particulier, s’est inspiré des idéaux classiques et a divisé les œuvres en tragédie et en comédie. L’étude du grec ancien est devenue considérée comme essentielle pour une éducation complète dans les arts libéraux.

La Renaissance est également explicitement revenue aux modèles et techniques architecturaux associés à l’antiquité grecque et romaine, y compris le rectangle d’or en tant que proportion clé pour les bâtiments, les ordres classiques de colonnes, ainsi qu’une multitude d’ornements et de détails associés à l’architecture grecque et romaine. Ils ont également commencé à relancer les arts plastiques tels que la fonte de bronze pour la sculpture, et ont utilisé le naturalisme classique comme fondement du dessin, de la peinture et de la sculpture.

The Age of Enlightenment s’identifie à une vision de l’antiquité qui, tout en continuant avec le classicisme du siècle précédent, est ébranlée par la physique de Sir Isaac Newton, les améliorations de la machinerie et de la mesure, et un sentiment de libération qu’ils considèrent comme étant présente dans la civilisation grecque, en particulier dans ses luttes contre l’Empire perse. Les formes ornées, organiques et complexes du baroque devaient céder la place à une série de mouvements qui se considéraient expressément comme « classiques » ou « néoclassiques », ou seraient rapidement étiquetés comme tels. Par exemple, la peinture de Jacques-Louis David était considérée comme une tentative de revenir à l’équilibre formel, à la clarté, à la virilité et à la vigueur de l’art.

Le XIXe siècle a vu l’âge classique comme le précurseur de l’académisme, y compris des mouvements tels que l’uniformitarisme dans les sciences et la création de catégories rigoureuses dans les domaines artistiques. Divers mouvements de la période romantique se voyaient comme des révoltes classiques contre une tendance dominante d’émotivité et d’irrégularité, par exemple les préraphaélites. À ce stade, le classicisme était assez vieux pour que les mouvements classiques précédents reçoivent des renaissances; par exemple, la Renaissance était considérée comme un moyen de combiner le médiéval organique avec le classique ordonné. Le XIXe siècle a poursuivi ou étendu de nombreux programmes classiques dans le domaine des sciences, notamment le programme newtonien pour rendre compte du mouvement de l’énergie entre les corps par l’échange d’énergie mécanique et thermique.

Le XXe siècle a vu un certain nombre de changements dans les arts et les sciences. Le classicisme a été utilisé à la fois par ceux qui rejetaient ou considéraient comme temporaires les transfigurations dans le monde politique, scientifique et social et par ceux qui embrassaient les changements comme un moyen de renverser le poids perçu du XIXe siècle. Ainsi, les deux disciplines d’avant le XXe siècle ont été qualifiées de mouvements artistiques «classiques» et modernes qui se considéraient comme alignés sur la lumière, l’espace, la rareté de la texture et la cohérence formelle.

Dans la philosophie actuelle, le classicisme est utilisé comme un terme particulièrement en relation avec Apollonian sur les impulsions dionysiaques dans la société et l’art; c’est une préférence pour la rationalité, ou du moins la catharsis guidée rationnellement, plutôt que l’émotivité.

Caractéristiques du classicisme
Le classicisme du XVIIIe siècle est loin de se limiter à une imitation des Anciens. Les médecins et les littéraires inventent en effet une esthétique basée sur des principes d’ordre assez restrictifs qui amèneront la critique moderne à assimiler le classicisme et le respect des règles.

L’écriture classique prétend être basée sur la raison. On y a parfois vu l’influence du rationalisme de Descartes, mais c’est plutôt un intérêt pour la lucidité et l’analyse. Les héros et héroïnes classiques ne sont généralement pas rationnels, mais leurs passions, souvent violentes, sont analysées par écrit ce qui les rend intelligibles. Le classicisme est donc davantage influencé par le désir de soumettre le déraisonnable à l’ordre de la raison que par un véritable rationalisme qui inspirera plus tard les philosophes des Lumières.

En créant une forme d’ordre, les écrivains classiques recherchent le naturel. Donner l’impression d’une parfaite adéquation entre la forme et le contenu grâce à une écriture fluide est en effet l’idéal du style classique. À cet égard, le classicisme entre effectivement en tension avec ce qui était le style baroque. Charles Sorel écrit ainsi: « Leur langage naturel qui semble simple aux esprits communs est plus difficile à observer que ces langues enflées que la plupart du monde fait tant d’estime ». Cette recherche d’une forme de simplicité par écrit fera l’admiration de nombreux auteurs du xx e siècle tels que Valéry, Gide, Camus ou Ponge.

Pour donner une impression de naturel, il est surtout important de ne pas choquer le lecteur. La probabilité de règles et de décorum joue donc un rôle majeur au xvii e siècle.

La vraisemblance est ce qui peut sembler vrai. Le but n’est pas de représenter la vérité, mais de respecter les cadres de ce que le public de l’époque considérait comme possible. Boileau a pu dire dans son art poétique que «le vrai peut parfois ne pas être probable». Ce qui est susceptible de correspondre aux opinions du public en termes d’éthique, de relations sociales, de niveau de langage utilisé, etc. La plus grande critique qui a été faite au Cid est de proposer une fin improbable, car la morale ne peut accepter qu’une fille épouse le meurtrier de son père même si le fait est historique.

L’importance de la plausibilité est liée à l’importance de la morale dans la littérature classique. Les œuvres classiques se sont en effet fixé pour objectif de « réformer » le public en le faisant réfléchir sur ses propres passions. Selon Chapelain, le public ne peut être touché que par ce qu’il peut croire et la littérature ne peut aider les hommes à s’améliorer que si elle les touche. Car l’idéal artistique du classicisme s’accompagne d’un idéal moral incarné dans la figure théorique de l’honnête homme. Cette expression résume toutes les qualités que l’on peut attendre d’un courtisan: politesse, culture, humilité, raison, tempérance, respect des règles, capacité à s’adapter à son entourage.

Théâtre
Au cours de la première moitié du XVIIIe siècle, on apprécie les tragi-comédies à l’intrigue romantique et aux décors complexes 7. Au cours du siècle, notamment sous l’influence des théoriciens, les intrigues se sont simplifiées et les décors ont été dépouillés pour conduire à ce qu’on appelle aujourd’hui le théâtre classique. L’abbé d’Aubignac joue un rôle important, car dans La Pratique du théâtre 8 en 1657, il analyse le théâtre antique et le théâtre contemporain et dessine des principes qui constituent les bases du théâtre classique. Cette réflexion sur le théâtre a été nourrie tout au long du siècle par des érudits et des dramaturges. Boileau dans son art poétique en 1674 ne fera que reprendre et résumer en vers efficaces les règles déjà appliquées.

Les règles du théâtre classique
C’est la règle de vraisemblance, expliquée plus haut, qui est à l’origine de toutes les règles du théâtre classique.
«Qu’en un jour, qu’en un seul endroit, un seul fait accompli / Maintenez jusqu’à la fin du théâtre rempli.  »

Ces deux lignes de Boileau résument la fameuse règle des trois unités: l’action doit se dérouler en vingt-quatre heures (unité de temps), en un seul lieu (unité de lieu) et ne doit être constituée que d’un seul complot (unité d’action) . Ces règles ont deux objectifs principaux. D’une part, il s’agit de rendre plausible l’action théâtrale, car les décors n’ont pas besoin de changer et l’action se déroule dans un temps qui pourrait être le temps de la représentation. En revanche l’action est plus facile à suivre, car les tracés compliqués mêlant plusieurs personnages sont proscrits au profit de tracés linéaires centrés sur peu de personnages. Ces règles ont conduit à une forme d’internalisation des actions. En effet, la parole s’est développée au détriment du spectaculaire et les pièces classiques laissent beaucoup de place à l’expression des sentiments et à l’analyse psychologique.

La règle de la décence n’oblige à représenter sur scène que ce qui ne choquera pas le public. Nous excluons la violence physique, mais aussi l’intimité physique. Les scènes violentes doivent donc être racontées par un personnage. Certaines exceptions sont restées célèbres comme la mort de Phèdre et Dom Juan dans les pièces éponymes de Racine et Molière ainsi que la folie du personnage d’Oreste dans Andromaque.

Des exemples de dramaturges classiques sont Pierre Corneille, Jean Racine et Molière. Dans la période du romantisme, Shakespeare, qui ne se conformait à aucune des règles classiques, est devenu le centre de l’argumentation française sur eux, dans laquelle les romantiques ont finalement triomphé; Victor Hugo a été parmi les premiers dramaturges français à briser ces conventions.

L’influence de ces règles françaises sur les auteurs dramatiques dans d’autres pays est discutable. Dans le théâtre anglais, des dramaturges de la Restauration tels que William Wycherly et William Congreve les auraient connus. William Shakespeare et ses contemporains n’ont pas suivi cette philosophie classiciste, notamment parce qu’ils n’étaient pas français et aussi parce qu’ils ont écrit plusieurs décennies avant leur création. Ceux des pièces de Shakespeare qui semblent montrer les unités, comme The Tempest, indiquent probablement une familiarité avec les modèles réels de l’antiquité classique.

La tragédie
La tragédie n’a pas existé au Moyen Âge français. Il renaît au xvi e siècle après avoir relu le vieux tragique. Il transforme tout au xvi e et xvii e siècle. Il évolue d’abord vers ce qu’on a appelé la tragicomédie en se nourrissant d’intrigues de plus en plus romantiques. Mais les érudits et les dramaturges défendent un retour à un modèle plus conforme aux canons anciens et il devient finalement le grand genre de l’ère classique. C’est pourquoi les règles énoncées ci-dessus s’appliquent principalement à la tragédie.

La tragédie est donc d’abord définie par son sujet et ses personnages. Une pièce tragique doit avoir un sujet mythique ou historique. Ses personnages sont des héros, des rois ou du moins des personnages de très haute noblesse. Le style adopté doit être conforme à la taille de ceux qui prononcent le texte. La plupart des tragédies sont écrites en alexandrin et respectent toujours un style élevé. Nous avons souvent assimilé la tragédie et une fin malheureuse. S’il est vrai que la majorité des tragédies se terminent mal, ce n’est pas un critère déterminant, car certaines tragédies se terminent bien.

Comme dans le théâtre antique, la tragédie a une fin morale. Elle doit permettre aux spectateurs de s’améliorer sur le plan moral en combattant certaines de leurs passions. Après Aristote, nous considérons que la tragédie doit inspirer «terreur et pitié» face au sort des héros écrasés par les conséquences de leurs erreurs. Ces deux sentiments doivent permettre aux spectateurs de se dissocier des passions qui ont poussé les héros à agir et donc à ne pas les reproduire eux-mêmes. De plus, les théoriciens classiques ont repris d’Aristote la notion de catharsis qui signifie grosso modo purge des passions. L’idée est qu’en voyant des personnages animés de passions violentes, les spectateurs réaliseront en quelque sorte leurs propres passions et s’en libéreront.

Le grand tragédien classique est Racine. Il écrit des tragédies où les héros sont condamnés à mort, enfermés dans un destin qui révèle l’absurdité de leur existence et ne peut que les conduire à la mort.
Corneille évolue au cours de sa carrière du baroque au classique. Ses tragédies donnent beaucoup plus de valeur au héros qui, bien que souvent condamné à une issue fatale, devient en fait un héros dans ses pièces. Corneille a pu proposer l’identification avec le héros comme un moyen possible de construire le spectateur.
De plus, des tragédies lyriques se sont développées à l’époque classique. Ce genre est notamment représenté par Philippe Quinault qui travaille en collaboration avec Jean-Baptiste Lully. Il conduira à la création de l’opéra français.

Comédie
La comédie de l’ère classique est très fortement dominée par la figure de Molière même si les auteurs de bandes dessinées étaient très nombreux. La comédie est beaucoup moins encadrée par des règles explicites que la tragédie car, considérée comme un genre mineur, elle n’intéresse guère les théoriciens. Nous n’avons pas la part de Poétique qu’Aristote aurait consacrée aux œuvres comiques.

Cependant, un auteur comme Molière tente de donner une forme de noblesse à la comédie et s’inspire des règles du théâtre classique. Si l’unité d’action est rarement respectée, l’unité de lieu et de temps est bien souvent respectée. Surtout, à la suite de Corneille, il travaille la comédie intrigue inspirée des comédies latines de Térence et Plaute. Il s’inspire donc des Anciens. Mais il s’éloigne également de la farce pour contribuer au développement de nouvelles comédies. Ils sont basés sur des intrigues complexes et peuvent être joués en trois ou cinq actes. Leurs personnages ne peuvent certes pas appartenir à la grande noblesse, mais ils appartiennent souvent à la bourgeoisie ou à la noblesse inférieure. Par conséquent, si la langue est de registre commun et parfois même familière, le style n’est pas nécessairement très bas. Certaines comédies sont même écrites en alexandrine. Molière utilise les effets comiques assez grossiers hérités de la farce et de la commedia dell’arte (bastonnade, incompréhension, etc.), mais ses comédies sont à la recherche d’un équilibre qui n’est pas sans rapport avec le bon goût. classique.

La dimension morale présente dans la tragédie se retrouve également dans la comédie. Les comédies se moquent des défauts des hommes. Les spectateurs devraient ainsi pouvoir s’éloigner des défauts représentés en riant de la ridicule des personnages. Lorsque Molière a ridiculisé l’hypocrisie des faux dévots à Tartuffe, il espérait lutter contre cette hypocrisie. La célèbre formule «castigat ridendo mores» est d’origine incertaine, mais elle a été reprise par Molière. Il exprime une idée développée par Horace dans son art poétique et résume ce désir d’utiliser le rire comme vecteur d’enseignement. Le théâtre de Molière est à la fois classique et baroque.

romain
Le roman est considéré comme un genre très mineur à cette époque. La plupart d’entre eux sont publiés de manière anonyme, car une personnalité quelque peu réfléchie pourrait difficilement admettre être l’auteur de romans. La première partie du siècle a été caractérisée par des romans très longs et très complexes. À l’âge classique, ces romans se transforment en nouvelles. L’intrigue est considérablement simplifiée. Ils s’appuient sur un contexte historique assez récent alors que les romans baroques préféraient l’Antiquité.

Saint-Réal écrivit en 1672 Don Carlos, la première « nouvelle » qui raconte l’histoire de Don Carlos d’Espagne, fils de Philippe II d’Espagne. Madame de La Fayette situera l’action de La Princesse de Clèves, chef-d’œuvre du genre, à la Cour d’Henri II de France, approximativement à la même époque. Ce roman représente d’ailleurs bien les ambiguïtés du classicisme, car il s’écarte des romans sentimentaux par son volume modeste et la sobriété de son écriture, mais il reprend certains traits de la préciosité de la peinture des sentiments. Madame de La Fayette était en effet très précieuse et son souci n’était pas de s’opposer du tout à une période qui l’aurait précédée.

Poésie en général
Le xvii ème est un siècle de ferment littéraire, et il montre revivre tous les genres anciens. En effet, au XVIe siècle (période dite baroque), un certain «chauvinisme culturel» avait conduit les poètes à utiliser des formes médiévales (rondeaux, triplés, madrigaux, chants, sonnets), en réaction contre le recours systématique aux genres anciens . Le xvii e siècle, lui, verra apparaître des odes (genre déjà utilisées par Ronsard), comme celle de la prise de Namur de Boileau, ou celles, moins connues, du Port Royal des Champs par Racine. On voit des épigrammes renaître, comme celles de Martialor d’Ovide, les épîtres ou les satires du style d’Horace (notamment de Boileau). Nous assistons également à la renaissance de l’épopée de type homérique ou virgilienne. Mais ce genre n’a pas réussi. Il faut voir notamment la Pucelle de Chapelain, décriée par Racine et Boileau. Seul le Lutin de Boileau, épopée satirique, nous reste familier. Jean Pierre Collinet, lorsqu’il établit des éditions des œuvres de Boileau et Perrault, rappelle que le xvii e siècle est, malgré les apparences, un siècle sans poésie et que seuls La Fontaine ou Racine échapperaient à cette règle.