Die von Ludwig XIII. Initiierte monarchische Zentralisierung setzte sich 1630 im politischen Bereich zunächst unter der Autorität von Richelieu, dann von Mazarin und Ludwig XIV. Durch. Es hat Konsequenzen im kulturellen Bereich mit der Gründung der Französischen Akademie im Jahre 1635 als anderer Akademien, die darauf abzielen, die Sprache zu kodifizieren und die Komposition der Werke zu regeln. Politische Autorität und kulturelle Autorität sollten jedoch nicht zu schnell assimiliert werden.

Klassiker kehrten zu der Idee zurück, dass Kunst auf Vernunft beruhen muss, die den Ausdruck von Emotionen kontrolliert. Aus diesem Grund suchten sie ein Gleichgewicht zwischen Gefühlen und Vernunft und versuchten so, eine universelle Repräsentation der Realität zu erreichen, ohne das zu beachten, was nur gelegentlich oder privat war.

Der Begründer der Poetik des Klassizismus ist der Franzose Francois Mahlerb (1555-1628), der die Reform der französischen Sprache und des französischen Verses durchführte und poetische Kanone entwickelte. Die führenden Vertreter des Klassizismus im Drama waren die Tragiker Cornel und Racine (1639–1699), deren Hauptthema der Kreativität der Konflikt zwischen öffentlicher Pflicht und persönlichen Leidenschaften war. Die „niedrigen“ Genres erreichten ebenfalls eine hohe Entwicklung – eine Fabel (J. Lafontaine), eine Satire (Boileau) und eine Komödie (Moliere 1622–1673).

Boileau wurde in ganz Europa als „Gesetzgeber von Parnassus“, dem größten Theoretiker des Klassizismus, berühmt, der seine Ansichten in der poetischen Abhandlung „Poetische Kunst“ zum Ausdruck brachte. Unter seinem Einfluss in Großbritannien standen die Dichter John Dryden und Alexander Pope, die die Hauptform der englischen Poesie Alexandrina bildeten. Für die englische Prosa der Ära des Klassizismus (Addison, Swift) ist auch die lateinisierte Syntax charakteristisch.

Aus ideologischer Sicht ist die große Frage des XVII. Jahrhunderts die religiöse Frage. Klassische Schriftsteller sind daher notwendigerweise von religiöser Kultur durchdrungen. Bestimmte Werke, wie Les Provinciales von Pascal oder das Werk von Bossuet, fallen sogar vollständig unter die Religion. Viele werden vom Jansenismus beeinflusst sein.

Der Klassizismus des 18. Jahrhunderts entwickelt sich unter dem Einfluss der Ideen der Aufklärung. Voltaires Werk (1694 – 1778) richtet sich gegen religiösen Fanatismus, absolutistische Unterdrückung, gefüllt mit dem Pathos der Freiheit. Das Ziel der Kreativität ist es, die Welt zum Besseren zu verändern und in Übereinstimmung mit den Gesetzen des Klassizismus der Gesellschaft selbst zu bauen. Vom Standpunkt des Klassizismus aus untersuchte der Engländer Samuel Johnson die zeitgenössische Literatur mit einem brillanten Kreis von Gleichgesinnten, darunter der Essayist Boswell, der Historiker Gibbon und der Schauspieler Garrick. Drei Einheiten sind charakteristisch für dramatische Werke: die Einheit der Zeit (die Handlung findet eines Tages statt), die Einheit des Ortes (an einem Ort) und die Einheit der Handlung (eine Handlung).

Es sind die Werke der Gelehrten, die die Theorien des klassischen Geschmacks durch Buchstaben, Abhandlungen und poetische Künste definieren. Vaugelas, Guez de Balzac und Dominique Bouhours legen daher Gesetze über den ordnungsgemäßen Gebrauch der Sprache fest. Jean Chapelain und der Abbé d’Aubignac definieren die Regeln des klassischen Theaters. Sie verbreiten diesen Geschmack an das weltliche Publikum der Salons, die sie besuchen. Literarische Kanons werden auch in nicht-theoretischen Werken, literarischen Werken oder Vorworten definiert, die sie rechtfertigen. Dies ist der Fall bei den größten Dramatikern: Molière, Racine und insbesondere Corneille, der in zahlreiche Streitereien verwickelt war und seine Meinungen zum Theaterschreiben in Die drei Reden über dramatische Kunst zusammenfasste. Es sollte jedoch beachtet werden, dass Dramatiker am häufigsten für eine Anpassung der Regeln plädieren, die sie selten auf den Brief anwenden.

Die Lehre der Gelehrten basiert in der Tat auf Regeln, die sich aus dem griechischen und dem lateinischen Modell ergeben. Wir haben damals La Poétique d ‚Aristote gelesen und wieder gelesen, dessen Interpretation die Quelle der meisten Regeln des klassischen Theaters ist. In der Poesie dient Horaces poetische Kunst als Referenz. Schließlich greifen klassische Autoren auf alte Modelle zurück, um ihre eigenen Werke zu schaffen. Sie sind jedoch keine reine Nachahmung. Die großen Autoren verwenden diese Modelle nur wieder, um moderne Werke daraus zu machen. Wenn also La Fontaine die Fabeln von Aesop und PhèdreI aufgreift, um eine moderne Version zu geben, deren soziale und politische Moral nur im Kontext des XVII. Jahrhunderts verstanden werden kann.

Überblick
Der Klassizismus ist ein spezifisches Genre der Philosophie, das sich in Literatur, Architektur, Kunst und Musik ausdrückt und antike griechische und römische Quellen sowie einen Schwerpunkt auf die Gesellschaft hat. Es wurde besonders im Neoklassizismus des Zeitalters der Aufklärung zum Ausdruck gebracht.

Der Klassizismus ist eine wiederkehrende Tendenz in der Spätantike und erlebte eine bedeutende Wiederbelebung der karolingischen und ottonischen Kunst. Es gab eine weitere, dauerhaftere Wiederbelebung in der italienischen Renaissance, als der Fall von Byzanz und der zunehmende Handel mit den islamischen Kulturen eine Flut von Wissen über und aus der Antike Europas brachten. Bis zu dieser Zeit war die Identifikation mit der Antike als eine kontinuierliche Geschichte der Christenheit seit der Bekehrung des römischen Kaisers Konstantin I. angesehen worden. Der Klassizismus der Renaissance führte eine Vielzahl von Elementen in die europäische Kultur ein, einschließlich der Anwendung von Mathematik und Empirismus in Kunst, Humanismus und Literatur und darstellender Realismus und Formalismus. Wichtig ist auch, dass der Polytheismus oder „Heidentum“ und das Nebeneinander von Antike und Moderne eingeführt wurden.

Der Klassizismus der Renaissance führte zu einem anderen Sinn für das, was im 16. und 17. Jahrhundert „klassisch“ war, und machte ihm Platz. In dieser Zeit nahm der Klassizismus offen strukturellere Obertöne von Ordnung, Vorhersehbarkeit, Verwendung von Geometrie und Gittern, die Bedeutung strenger Disziplin und Pädagogik sowie die Bildung von Kunst- und Musikschulen an. Der Hof Ludwigs XIV. Wurde als Zentrum dieser Form des Klassizismus angesehen, mit seinen Hinweisen auf die Götter des Olymp als symbolische Stütze für den Absolutismus, seiner Einhaltung des axiomatischen und deduktiven Denkens sowie seiner Liebe zur Ordnung und Vorhersehbarkeit.

Diese Periode suchte die Wiederbelebung klassischer Kunstformen, einschließlich des griechischen Dramas und der Musik. Die Oper in ihrer modernen europäischen Form hatte ihre Wurzeln in Versuchen, die Kombination von Singen und Tanzen mit Theater, das als griechische Norm angesehen wird, wiederherzustellen. Beispiele für diesen Appell an den Klassizismus waren Dante, Petrarch und Shakespeare in Poesie und Theater. Insbesondere das Tudor-Drama orientierte sich an klassischen Idealen und teilte die Werke in Tragödie und Komödie. Das Studium des Altgriechischen wurde als wesentlich für eine umfassende Ausbildung in den freien Künsten angesehen.

Die Renaissance kehrte auch explizit zu Architekturmodellen und -techniken zurück, die mit der griechischen und römischen Antike verbunden sind, einschließlich des goldenen Rechtecks ​​als Schlüsselanteil für Gebäude, der klassischen Säulenordnungen sowie einer Vielzahl von Ornamenten und Details, die mit der griechischen und römischen Architektur verbunden sind. Sie begannen auch, plastische Künste wie Bronzeguss für Skulpturen wiederzubeleben und verwendeten den klassischen Naturalismus als Grundlage für Zeichnung, Malerei und Skulptur.

Das Zeitalter der Aufklärung identifizierte sich mit einer Vision der Antike, die, obwohl sie mit dem Klassizismus des vorigen Jahrhunderts fortfuhr, von der Physik von Sir Isaac Newton, den Verbesserungen in Maschinen und Maßen und einem Gefühl der Befreiung, das sie als solche betrachteten, erschüttert wurde in der griechischen Zivilisation präsent, insbesondere in ihren Kämpfen gegen das Persische Reich. Die reich verzierten, organischen und komplex integrierten Formen des Barock sollten einer Reihe von Bewegungen weichen, die sich ausdrücklich als „klassisch“ oder „neoklassisch“ betrachteten oder schnell als solche bezeichnet wurden. Zum Beispiel wurde das Gemälde von Jacques-Louis David als Versuch angesehen, zu formalem Gleichgewicht, Klarheit, Männlichkeit und Kraft in der Kunst zurückzukehren.

Das 19. Jahrhundert sah das klassische Zeitalter als Vorläufer des Akademismus, einschließlich Bewegungen wie Uniformitarismus in den Wissenschaften und die Schaffung strenger Kategorien in künstlerischen Bereichen. Verschiedene Bewegungen der Romantik sahen sich als klassische Revolten gegen eine vorherrschende Tendenz von Emotionalismus und Unregelmäßigkeiten, zum Beispiel die Präraffaeliten. Zu diesem Zeitpunkt war der Klassizismus alt genug, dass frühere klassische Bewegungen wiederbelebt wurden; Zum Beispiel wurde die Renaissance als Mittel gesehen, um das organische Mittelalter mit der geordneten Klassik zu verbinden. Das 19. Jahrhundert setzte viele klassische Programme in den Wissenschaften fort oder erweiterte sie, insbesondere das Newtonsche Programm, um die Bewegung von Energie zwischen Körpern durch Austausch von mechanischer und thermischer Energie zu berücksichtigen.

Das 20. Jahrhundert brachte eine Reihe von Veränderungen in den Künsten und Wissenschaften mit sich. Der Klassizismus wurde sowohl von jenen benutzt, die Transfigurationen in der politischen, wissenschaftlichen und sozialen Welt ablehnten oder als vorübergehend betrachteten, als auch von jenen, die die Veränderungen als Mittel nutzten, um das wahrgenommene Gewicht des 19. Jahrhunderts zu stürzen. So wurden beide Disziplinen vor dem 20. Jahrhundert als „klassische“ und moderne Bewegungen in der Kunst bezeichnet, die sich als auf Licht, Raum, spärliche Textur und formale Kohärenz ausgerichtet sahen.

In der heutigen Philosophie wird der Klassizismus als Begriff verwendet, insbesondere in Bezug auf apollonische über dionysische Impulse in Gesellschaft und Kunst; das ist eine Präferenz für Rationalität oder zumindest rational gesteuerte Katharsis gegenüber Emotionalismus.

Merkmale des Klassizismus
Der Klassizismus des XVII. Jahrhunderts beschränkt sich keineswegs auf eine Nachahmung der Alten. Ärzte und Literaten erfinden in der Tat eine Ästhetik, die auf ziemlich restriktiven Ordnungsprinzipien basiert und die moderne Kritik dazu veranlasst, Klassizismus und Respekt vor den Regeln zu assimilieren.

Klassisches Schreiben behauptet, auf Vernunft zu beruhen. Wir haben dort manchmal den Einfluss von Descartes ‚Rationalismus gesehen, aber es ist eher ein Interesse an Klarheit und Analyse. Klassische Helden und Heldinnen sind im Allgemeinen nicht rational, aber ihre Leidenschaften, oft gewalttätig, werden durch Schreiben analysiert, was sie verständlich macht. Der Klassizismus wird daher mehr von dem Wunsch beeinflusst, das Unvernünftige der Ordnung der Vernunft zu unterwerfen, als von einem wirklichen Rationalismus, der später die Philosophen der Aufklärung inspirieren würde.

Durch die Schaffung einer Ordnungsform suchen klassische Schriftsteller das Natürliche. Den Eindruck einer perfekten Übereinstimmung von Form und Inhalt dank einer fließenden Schrift zu erwecken, ist in der Tat das Ideal des klassischen Stils. In dieser Hinsicht gerät der Klassizismus effektiv in Spannung mit dem Barockstil. Charles Sorel schreibt so: „Ihre natürliche Sprache, die dem allgemeinen Verstand einfach erscheint, ist schwieriger zu beobachten als diese geschwollenen Sprachen, die der Großteil der Welt so sehr schätzt.“ Diese Suche nach einer Form der Einfachheit beim Schreiben wird die Bewunderung vieler Autoren des xx. Jahrhunderts wie Valery, Gide, Camus oder Ponge hervorrufen.

Um den Eindruck von Natürlichkeit zu erwecken, ist es vor allem wichtig, den Leser nicht zu schockieren. Daher spielt die Wahrscheinlichkeit von Regeln und Anstand im xvii. Jahrhundert eine große Rolle.

Wahrscheinlichkeit ist das, was wahr erscheinen mag. Das Ziel ist nicht, die Wahrheit darzustellen, sondern die Rahmenbedingungen zu respektieren, die die damalige Öffentlichkeit für möglich hielt. Boileau konnte in seiner Poetischen Kunst sagen, dass „das Wahre manchmal nicht wahrscheinlich ist“. Was wahrscheinlich den Meinungen der Öffentlichkeit in Bezug auf Ethik, soziale Beziehungen, Sprachniveau usw. entspricht. Die größte Kritik, die an der Cid geäußert wurde, ist, ein unwahrscheinliches Ende vorzuschlagen, weil die Moral nicht akzeptieren kann, dass ein Mädchen heiratet den Mörder ihres Vaters, auch wenn die Tatsache historisch ist.

Die Bedeutung der Plausibilität hängt mit der Bedeutung der Moral in der klassischen Literatur zusammen. Klassische Werke haben sich in der Tat zum Ziel gesetzt, die Öffentlichkeit zu „reformieren“, indem sie über ihre eigenen Leidenschaften nachdenken. Laut Chapelain kann die Öffentlichkeit nur von dem berührt werden, was sie glauben kann, und Literatur kann Männern nur helfen, sich zu verbessern, wenn sie sie berührt. Denn das künstlerische Ideal des Klassizismus wird von einem moralischen Ideal begleitet, das in der theoretischen Figur des ehrlichen Mannes verkörpert ist. Dieser Ausdruck fasst alle Eigenschaften zusammen, die man von einem Höfling erwarten kann: Höflichkeit, Kultur, Demut, Vernunft, Mäßigkeit, Respekt vor den Regeln, Fähigkeit, sich an die Menschen um ihn herum anzupassen.

Theater
In der ersten Hälfte des xvii. Jahrhunderts schätzen wir die Tragikomödien zu romantischen Handlungen und komplexen Dekorationen. 7. Im Laufe des Jahrhunderts, insbesondere unter dem Einfluss von Theoretikern, wurden die Intrigen vereinfacht und die Sets auf Blei reduziert zu dem, was heute klassisches Theater genannt wird. Der Abbé d’Aubignac spielt eine wichtige Rolle, denn er analysiert 1657 in La Pratique du théâtre 8 das antike Theater und das zeitgenössische Theater und zeichnet Prinzipien, die die Grundlagen des klassischen Theaters bilden. Diese Reflexion über das Theater wurde im Laufe des Jahrhunderts von Gelehrten und Dramatikern gespeist. Boileau wird in seiner poetischen Kunst von 1674 nur die bereits angewandten Regeln für wirksame Verse wieder aufnehmen und zusammenfassen.

Die Regeln des klassischen Theaters
Es ist die oben erläuterte Wahrscheinlichkeitsregel, die den Ursprung aller Regeln des klassischen Theaters bildet.
„Das an einem Tag, das an einem Ort, nur eine vollendete Tatsache / Hold bis zum Ende füllte sich das Theater. „“

Diese beiden Zeilen von Boileau fassen die berühmte Regel von drei Einheiten zusammen: Die Aktion muss in vierundzwanzig Stunden (Zeiteinheit) an einem einzigen Ort (Einheit des Ortes) stattfinden und darf nur aus einer einzigen Handlung (Aktionseinheit) bestehen. . Diese Regeln haben zwei Hauptziele. Einerseits geht es darum, die Theateraktion plausibel zu machen, da sich die Sets nicht ändern müssen und die Aktion in einer Zeit stattfindet, die die Zeit der Darstellung sein könnte. Andererseits ist die Aktion einfacher zu verfolgen, da die komplizierten Diagramme, in denen viele Zeichen gemischt werden, zugunsten linearer Diagramme verboten sind, die sich auf wenige Zeichen konzentrieren. Diese Regeln haben zu einer Form der Internalisierung von Handlungen geführt. In der Tat hat sich die Sprache auf Kosten des Spektakulären entwickelt, und die klassischen Stücke bieten viel Raum für den Ausdruck von Gefühlen und psychologische Analysen.

Die Regel des Anstands verpflichtet, nur das vor Ort darzustellen, was die Öffentlichkeit nicht schockiert. Wir schließen körperliche Gewalt, aber auch körperliche Intimität aus. Die Gewaltszenen müssen daher von einem Charakter erzählt werden. Einige Ausnahmen sind berühmt geblieben, wie der Tod von Phèdre und Dom Juan in den gleichnamigen Stücken von Racine und Molière sowie der Wahnsinn des Charakters von Oreste in Andromaque.

Beispiele für klassizistische Dramatiker sind Pierre Corneille, Jean Racine und Molière. In der Zeit der Romantik wurde Shakespeare, der keiner der klassischen Regeln entsprach, zum Mittelpunkt der französischen Auseinandersetzung über sie, in der die Romantiker schließlich triumphierten. Victor Hugo war einer der ersten französischen Dramatiker, die diese Konventionen brachen.

Der Einfluss dieser französischen Regeln auf Dramatiker in anderen Ländern ist umstritten. Im englischen Theater wären Restaurierungs-Dramatiker wie William Wycherly und William Congreve mit ihnen vertraut gewesen. William Shakespeare und seine Zeitgenossen folgten dieser klassizistischen Philosophie nicht, insbesondere weil sie keine Franzosen waren und auch weil sie einige Jahrzehnte vor ihrer Gründung geschrieben hatten. Diejenigen von Shakespeares Stücken, die die Einheit zu zeigen scheinen, wie The Tempest, weisen wahrscheinlich auf eine Vertrautheit mit tatsächlichen Modellen aus der klassischen Antike hin.

Tragödie
Die Tragödie gab es im französischen Mittelalter nicht. Es wurde im xvi. Jahrhundert wiedergeboren, nachdem es das alte Tragische noch einmal gelesen hatte. Es verändert alles im xvi. Und xvii. Jahrhundert. Es entwickelt sich zunächst zu einer sogenannten Tragikomödie, indem es sich von zunehmend romantischen Intrigen ernährt. Aber Gelehrte und Dramatiker verteidigen eine Rückkehr zu einem Modell, das eher den alten Kanonen entspricht, und es wird letztendlich zum großen Genre der klassischen Ära. Aus diesem Grund gelten die oben genannten Regeln hauptsächlich für Tragödien.

Die Tragödie wird daher zunächst durch ihr Thema und ihre Charaktere definiert. Ein tragisches Stück muss ein mythisches oder historisches Thema haben. Seine Charaktere sind Helden, Könige oder zumindest Charaktere von sehr hohem Adel. Der verwendete Stil muss der Höhe derjenigen entsprechen, die den Text aussprechen. Die meisten Tragödien sind in alexandrinischer Sprache geschrieben und respektieren immer einen hohen Stil. Wir haben oft eine Tragödie und ein unglückliches Ende aufgenommen. Zwar endet die Mehrzahl der Tragödien schlecht, dies ist jedoch kein definierendes Kriterium, da einige Tragödien gut enden.

Wie im alten Theater hat die Tragödie ein moralisches Ende. Es muss den Zuschauern ermöglichen, sich auf moralischer Ebene zu verbessern, indem sie einige ihrer Leidenschaften bekämpfen. Nach Aristoteles sind wir der Ansicht, dass die Tragödie angesichts des Schicksals der Helden, die durch die Folgen ihrer Fehler niedergeschlagen wurden, „Terror und Mitleid“ hervorrufen muss. Diese beiden Gefühle müssen es den Zuschauern ermöglichen, sich von den Leidenschaften zu distanzieren, die die Helden zum Handeln veranlassten, und sie daher nicht selbst zu reproduzieren. Darüber hinaus haben klassische Theoretiker von Aristoteles den Begriff der Katharsis aufgegriffen, was in etwa bedeutet, Leidenschaften zu beseitigen. Die Idee ist, dass die Zuschauer durch das Sehen von Charakteren, die von gewalttätigen Leidenschaften belebt werden, irgendwie ihre eigenen Leidenschaften erfüllen und sich von ihnen befreien.

Der große klassische Tragiker ist Racine. Er schreibt Tragödien, in denen die Helden durch den Tod verurteilt werden und in ein Schicksal verwickelt sind, das die Absurdität ihrer Existenz offenbart und sie nur zum Tod führen kann.
Corneille entwickelt sich während seiner Karriere vom Barock zur Klassik. Seine Tragödien geben dem Helden viel mehr Wert, der, obwohl er oft zu einem tödlichen Ausgang verurteilt wird, tatsächlich ein Held in seinen Stücken wird. Corneille war in der Lage, sich mit dem Helden zu identifizieren, um den Zuschauer aufzubauen.
Darüber hinaus entwickelten sich in der klassischen Ära lyrische Tragödien. Dieses Genre wird insbesondere von Philippe Quinault vertreten, der in Zusammenarbeit mit Jean-Baptiste Lully arbeitet. Es wird zur Schaffung der französischen Oper führen.

Komödie
Die Komödie der Klassik wird sehr stark von der Figur des Molière dominiert, auch wenn die Comicautoren sehr zahlreich waren. Die Komödie ist viel weniger von expliziten Regeln geprägt als die Tragödie, da sie als Nebengenre kaum Theoretiker interessiert. Wir haben nicht den Teil der Poetik, den Aristoteles Comic-Werken gewidmet hätte.

Ein Autor wie Molière versucht jedoch, der Komödie eine Form des Adels zu verleihen, und lässt sich von den Regeln des klassischen Theaters inspirieren. Wenn die Einheit des Handelns selten respektiert wird, wird die Einheit von Ort und Zeit ziemlich oft respektiert. Vor allem nach Corneille arbeitet er an der Intrigenkomödie, die von den lateinischen Komödien von Térence und Plaute inspiriert ist. Es ist daher von den Alten inspiriert. Es entfernt sich aber auch von der Farce, um zur Entwicklung neuer Komödien beizutragen. Sie basieren auf komplexen Handlungen und können in drei oder fünf Akten gespielt werden. Ihre Charaktere können sicherlich nicht dem großen Adel angehören, aber sie gehören oft der Bourgeoisie oder dem niederen Adel an. Wenn die Sprache allgemein bekannt und manchmal sogar vertraut ist, ist der Stil daher nicht unbedingt sehr niedrig. Einige Komödien sind sogar in Alexandrine geschrieben. Molière verwendet die eher groben Comic-Effekte von Farce und Commedia dell’arte (Prügelstrafe, Missverständnisse usw.), aber seine Komödien sind auf der Suche nach einem Gleichgewicht, das nichts mit gutem Geschmack zu tun hat. klassisch.

Die moralische Dimension der Tragödie findet sich auch in der Komödie. Komödien machen sich über Männerfehler lustig. Die Zuschauer sollten sich also von den Mängeln entfernen können, die durch das Lachen über die Lächerlichkeit der Charaktere dargestellt werden. Als Molière die Heuchelei falscher Anhänger in Tartuffe lächerlich machte, hoffte er, gegen diese Heuchelei kämpfen zu können. Die berühmte Formel „Castigat Ridendo Mores“ ist unsicheren Ursprungs, wurde aber von Molière aufgegriffen. Es drückt eine Idee aus, die Horace in seiner poetischen Kunst entwickelt hat, und fasst diesen Wunsch zusammen, das Lachen als Unterrichtsvektor zu verwenden. Molières Theater ist sowohl klassisch als auch barock.

römisch
Der Roman gilt derzeit als sehr untergeordnetes Genre. Die meisten von ihnen werden anonym veröffentlicht, da eine etwas überlegte Persönlichkeit kaum zugeben kann, Autor von Romanen zu sein. Die erste Hälfte des Jahrhunderts war geprägt von sehr langen und sehr komplexen Romanen. Im klassischen Zeitalter verwandeln sich diese Romane in Kurzgeschichten. Die Intrige wird erheblich vereinfacht. Sie stützen sich auf einen relativ jungen historischen Hintergrund, während die Barockromane die Antike bevorzugten.

Saint-Réal schrieb 1672 Don Carlos, die erste „Kurzgeschichte“, die die Geschichte von Don Carlos von Spanien, dem Sohn Philipps II. Von Spanien, erzählt. Madame de La Fayette wird ungefähr zur gleichen Zeit die Handlung von The Princess of Cleves, einem Meisterwerk des Genres, am Hofe Heinrichs II. Von Frankreich platzieren. Dieser Roman repräsentiert außerdem gut die Zweideutigkeiten des Klassizismus, weil er durch sein bescheidenes Volumen und die Nüchternheit seines Schreibens von sentimentalen Romanen abweicht, aber er nimmt wieder bestimmte Merkmale der Kostbarkeit in der Malerei von Gefühlen auf. Madame de La Fayette war in der Tat sehr wertvoll und es ging ihr nicht darum, sich einer Zeit zu widersetzen, die ihr vorausgegangen wäre.

Poesie im Allgemeinen
Das XVII. Ist ein Jahrhundert literarischer Gärung und zeigt, wie alle alten Genres noch einmal erlebt werden. Tatsächlich hatte ein bestimmter „kultureller Chauvinismus“ im 16. Jahrhundert (der sogenannten Barockzeit) dazu geführt, dass Dichter mittelalterliche Formen (Rondeaux, Drillinge, Madrigale, Lieder, Sonette) als Reaktion auf den systematischen Rückgriff auf alte Genres verwendeten . Im xvii. Jahrhundert wird er Oden sehen (Art, die bereits von Ronsard verwendet wurden), wie die am Fang von Namur de Boileau oder solche, die weniger bekannt sind, am Port Royal des Champs von Racine. Wir sehen wiedergeborene Epigramme wie die von Martialor of Ovid, die Briefe oder Satiren des Horaz-Stils (insbesondere von Boileau). Wir erleben auch die Wiederbelebung des homerischen oder virgilianischen Epos. Aber dieses Genre hat keinen Erfolg gehabt. Sie müssen insbesondere die Maid of Chapelain sehen, die von Racine und Boileau verurteilt wurde. Nur der Lutin de Boileau, ein satirisches Epos, ist uns noch bekannt. Jean Pierre Collinet wies bei der Erstellung von Ausgaben der Werke von Boileau und Perrault darauf hin, dass das xvii. Jahrhundert trotz des Auftretens ein Jahrhundert ohne Poesie ist und dass nur La Fontaine oder Racine dieser Regel entkommen würden.