Escultura barroca é a escultura associada ao estilo barroco do período entre o início do século XVII e meados do século XVIII. Na escultura barroca, grupos de figuras assumiram nova importância, e houve um movimento e energia dinâmicos das formas humanas – eles espiralaram em torno de um vórtice central vazio ou estenderam-se para o espaço circundante.

A escultura barroca costumava ter múltiplos ângulos de visão ideais e refletia uma continuação geral do renascimento, afastando-se do relevo para a escultura criada na rodada e projetada para ser colocada no meio de um grande espaço. Muito da escultura barroca adicionou elementos extra-esculturais, por exemplo, iluminação oculta ou fontes de água ou escultura e arquitetura fundidas para criar uma experiência transformadora para o espectador. Os artistas se viam na tradição clássica, mas admiravam a escultura helenística e mais tarde romana, em vez da dos períodos mais “clássicos”, como são vistos hoje.

A escultura barroca seguiu a escultura renascentista e maneirista e foi seguida pela escultura rococó e neoclássica. Roma foi o primeiro centro onde o estilo foi formado. O estilo se espalhou para o resto da Europa, e especialmente a França deu uma nova direção no final do século XVII. Eventualmente, espalhou-se além da Europa para as posses coloniais das potências européias, especialmente na América Latina e nas Filipinas.

A Reforma Protestante trouxe uma parada quase total à escultura religiosa em grande parte do norte da Europa, e, embora a escultura secular, especialmente para bustos de retratos e monumentos em túmulos, continuasse, a Idade de Ouro holandesa não tem nenhum componente escultural significativo fora da ourivesaria. Parcialmente em reação direta, a escultura era tão proeminente no catolicismo quanto no final da Idade Média. Estátuas de governantes e a nobreza se tornaram cada vez mais populares. No século 18, muitas esculturas continuaram em linhas barrocas – a Fonte de Trevi só foi concluída em 1762. O estilo rococó era mais adequado para obras menores.

Origens
O estilo barroco emergiu da escultura renascentista, que, com base na escultura grega e romana clássica, idealizou a forma humana. Isso foi modificado pelo maneirismo, quando o artista e estudioso Giorgio Vasari (1511-1574) instou os artistas a atribuir aos seus trabalhos um estilo único e pessoal. O maneirismo introduziu a idéia de esculturas com fortes contrastes; juventude e idade, beleza e feiura, homens e mulheres. O maneirismo também introduziu a figura serpentina, que se tornou uma das principais características da escultura barroca. Esse era o arranjo de figuras ou grupos de figuras em uma espiral ascendente, que dava leveza e movimento ao trabalho.

Michelangelo havia introduzido a figura serpentina em The Dying Slave (1513-1516) e Genius Victorious (1520-1525), mas esses trabalhos foram feitos para serem vistos de um único ponto de vista. No final do século XVI, a obra do escultor italiano Giambologna, A violação das mulheres sabinas (1581–1583). introduziu um novo elemento; este trabalho foi feito para ser visto não de um, mas de vários pontos de vista, e mudou de acordo com o ponto de vista. Isso se tornou uma característica muito comum na escultura barroca. O trabalho de Giambologna teve uma forte influência sobre os mestres da era barroca, particularmente Bernini.

Outra influência importante que levou ao estilo barroco foi a Igreja Católica, que buscava armas artísticas na batalha contra a ascensão do protestantismo. O Concílio de Trento (1545-1563) concedeu ao Papa maiores poderes para orientar a criação artística e expressou uma forte desaprovação às doutrinas do humanismo, que haviam sido centrais nas artes durante o Renascimento. Durante o pontificado de Paulo V (1605–1621), a igreja começou a desenvolver doutrinas artísticas para combater a Reformatação e encomendou novos artistas para executá-las.

Características
Suas características gerais são:

Naturalismo, isto é, representação da natureza como ela é, sem idealizá-la.
Integração na arquitetura, que fornece uma intensidade dramática.
Esquemas composicionais livres de geometrismo e da proporção equilibrada típica da escultura do Renascimento Completo. A escultura barroca procura movimento; é projetada dinamicamente para o exterior, com complexas linhas de tensão, especialmente as helicoidais ou serpentinas, e multiplicidade de planos e pontos de vista. Essa instabilidade se manifesta na inquietação de personagens e cenas, na amplitude e magnificência das roupas, no contraste de texturas e superfícies, às vezes na inclusão de diferentes materiais, os quais produzem fortes efeitos visuais e de iluminação.
Representação do nu em estado puro, como ação congelada, realizada por meio de uma composição assimétrica, onde predominam formas diagonais e serpentinas, poses oblíquas e inclinadas, escorços e contornos difusos e intermitentes, que direcionam o trabalho ao espectador com grande expressividade.
Apesar da identificação do barroco com uma “arte da contra-reforma”, adequada ao sentimento de devoção popular, a escultura barroca, mesmo nos países católicos, possuía uma grande pluralidade de temas (religiosos, funerais, mitológicos, retratos, etc.). .)
A principal manifestação é a estatuária, utilizada na decoração de espaços internos e externos de edifícios, além de espaços abertos, tanto privados (jardins) quanto públicos (praças). As fontes eram do tipo escultural que se encaixavam muito bem com o estilo barroco. Particularmente na Espanha, as imagens e os retábulos tiveram um desenvolvimento extraordinário.

Escultura de Bernini e Barroco Romano
A figura dominante na escultura barroca foi Gian Lorenzo Bernini (1598-1680). Ele era filho de um escultor florentino, Pietro Bernini, que fora chamado a Roma pelo papa Paulo V. O jovem Bernini fez seus primeiros trabalhos solo aos quinze anos de idade e, em 1618–25, recebeu uma grande comissão de estátuas para villa do cardeal Scipion Borghese. Suas obras, altamente dramáticas, projetadas para serem vistas de múltiplas perspectivas e em espiral para cima, tiveram um imenso impacto na escultura européia. Ele continuou a dominar a escultura italiana através de suas obras sobre fontes romanas, o Baldequin de São Pedro e a tumba do Papa Alexandre VII dentro da Basílica de São Pedro, e seu conjunto de altares para a Igreja de Santa Maria della Vittoria, em Roma. Ele recebeu sua comissão final de escultura de fontes para a Fonte do Elefante (1665-1667), seguida de uma série de anjos para a Ponte Sant Angelo em Roma (1667-1669).

Bernini morreu em 1680, mas seu estilo influenciou escultores em toda a Europa, particularmente na França, Baviera, França e Áustria.

Maderno, Mochi e os outros escultores barrocos italianos
Comissões papais generosas fizeram de Roma um ímã para escultores na Itália e em toda a Europa. Eles decoraram igrejas, praças e, uma especialidade de Roma, as novas fontes populares criadas pela cidade pelos papas. Stefano Maderna (1576-1636), originalmente de Bissone na Lombardia, precedeu o trabalho de Bernini. Ele começou sua carreira fazendo cópias em tamanho reduzido de obras clássicas em bronze. Sua grande obra em larga escala foi uma estátua de Santa Cecília (1600, para a Igreja de Santa Cecília no Trastevere em Roma. O corpo da Santa está esticado, como se estivesse em um sarcófago, evocando uma sensação de pathos.

Outro importante escultor romano importante foi Francesco Mochi (1580-1654), nascido em Montevarchi, perto de Florença. Ele fez uma famosa estátua equestre de bronze de Alexander Farnese para a praça principal de Placência (1620-1625) e uma vívida estátua de Santa Verônica para a Basílica de São Pedro, tão ativa que ela parece estar prestes a saltar do nicho.

Outros notáveis ​​escultores barrocos italianos incluíram Alessandro Algardi (1598-1654), cuja primeira grande comissão foi a tumba do papa Leão XI no Vaticano. Ele era considerado um rival de Bernini, embora seu trabalho fosse semelhante em estilo. Suas outras grandes obras incluíram um grande baixo-relevo esculpido do lendário encontro entre o Papa Leão I e Átila, o Huno (1646-1653), no qual o papa convenceu Átila a não atacar Roma

François Duquesnoy (1597-1643), nascido na Flandres, foi outra figura importante do barroco italiano. Ele era amigo do pintor Poussin e era especialmente conhecido por sua estátua de Santa Susana em Santa Maria de Loreto, em Roma, e sua estátua de Santo André (1629-1633), no Vaticano. Ele foi nomeado escultor real de Luís XIII da França, mas morreu em 1643 durante a viagem de Roma a Paris.

Os principais escultores do período tardio incluíram Niccolo Salvi (1697-1751), cuja obra mais famosa foi o design da Fonte de Trevi (1732-1751). A fonte também continha obras alegóricas de outros proeminentes escultores barrocos italianos, incluindo Filippo della Valle Pietro Bracci e Giovanni Grossi. A fonte, em toda a sua grandeza e exuberância, representava o ato final do estilo barroco italiano.

França
A maior parte da escultura barroca francesa pretendia glorificar não a Igreja, mas o monarca francês, Luís XIV da França, e seu sucessor, Luís XV. Grande parte foi produzida pelos escultores da nova Academia Real de Pintura e Escultura, fundada em 1648 e posteriormente supervisionada de perto por Jean-Baptiste Colbert, ministro das Finanças do rei. Escultores franceses trabalharam em conjunto com pintores, arquitetos e paisagistas como André Le Notre para criar os efeitos esculturais encontrados no Palácio de Versalhes e seus jardins, outras residências reais e estátuas de novas praças criadas em Paris e outros Cidades francesas. Colbert também estabeleceu a Academia Francesa em Roma para que escultores e pintores franceses pudessem estudar modelos clássicos.

No início do período barroco, os escultores franceses foram amplamente influenciados pelos pintores da Flandres e da Holanda. particularmente o maneirismo de Giambologna, em vez de esculpir a Itália. Esses artistas incluíram Germain Pilon (1525-1590); Jean Varin (1604-1672) e Jacques Sarrazin (1592-1660). O próprio Bernini, no auge de sua fama, veio a Paris em 1665 para apresentar seu próprio plano para o Louvre a Luís XIV. O rei não gostou de Bernini ou de seu trabalho, e o plano foi rejeitado, embora Bernini tenha produzido um belo busto de Luís XIV, agora em exibição no Palácio de Versalhes.

Os melhores escultores franceses foram contratados para fazer estátuas para os jardins das fontes do Palácio de Versalhes e outras residências reais. Entre eles estavam Pierre Puget, Jacques Sarazin, François Girardon, Jean-Baptiste Tuby, Antoine Coysevox e Edme Bouchardon. Guillaume Coustou criou um grupo particularmente bom de cavalos para os jardins do Château de Marly.

Nos últimos anos da era barroca, Jean Baptiste Lemoyne (1704-1778), diretor da Academia Francesa de Roma, foi considerado o melhor escultor rococó, embora sua fama tenha sido ofuscada por seu aluno Jean-Antoine Houdon, que liderou o transição da escultura francesa do barroco para o classicismo.

Holanda e Bélgica
Depois de romper com a Espanha, as Províncias Unidas predominantemente calvinistas da Holanda produziram um escultor de renome internacional; Hendrick de Keyser (1565-1621). Ele também foi o arquiteto-chefe de Amsterdã e criador das principais igrejas e monumentos. Sua obra mais famosa de escultura é a tumba de Guilherme, o Silencioso (1614-1622), no Nieuwe Kerk, em Delft. O túmulo foi esculpido em mármore, originalmente preto, mas agora branco, com estátuas de bronze representando William, o Silencioso, a glória a seus pés e as quatro virtudes cardeais nos cantos. Como a igreja era calvinista, as figuras femininas das Cardeais Virtudes estavam completamente vestidas da cabeça aos pés.

As porções do sul da Holanda, que permaneceram em grande parte católicas, produziram um estilo barroco mais elaborado mais próximo do de Roma. O escultor mais proeminente foi Artus Quellinus, o Velho, membro de uma família de escultores e pintores famosos e filho de outro escultor, Erasmus Quellinus. Ele se estabeleceu em Antuérpia em 1639. Ele se aproximou de Rubens, e seu trabalho aplicou muitos dos princípios das composições de Rubens à escultura.

Outro importante escultor barroco belga foi Hendrik Frans Verbrugghen (1654-1724), que esculpiu esculturas muito elaboradas, cheias de cenas bíblicas, flora e fauna, alegorias e símbolos para os bonecos cerimoniais das catedrais e igrejas em Bruxelas, Louvain, Antuérpia, Mechelen, e outras cidades.

Inglaterra
As primeiras esculturas barrocas na Inglaterra foram influenciadas por um afluxo de refugiados das Guerras Religiosas no continente. Um dos primeiros escultores ingleses a adotar o estilo foi Nicholas Stone (também conhecido como Nicholas Stone, o Velho) (1586-1652). Ele aprendeu com outro escultor inglês, Isaak James, e depois em 1601 com o famoso escultor holandês Hendrick de Keyser, que havia se refugiado na Inglaterra. Stone voltou para a Holanda com De Keyser, casou-se com sua filha e trabalhou em seu estúdio na Holanda até voltar para a Inglaterra em 1613. Stone adaptou o estilo barroco de monumentos fúnebres, pelo qual De Keyser era conhecido, particularmente no túmulo de Lady Elizabeth Carey (1617-18) e o túmulo de Sir William Curle (1617). Como os escultores holandeses, ele também adaptou o uso de mármore preto e branco contrastante nos monumentos fúnebres, cortinas cuidadosamente detalhadas e fez caretas e mãos com um notável naturalismo e realismo. Ao mesmo tempo em que trabalhou como escultor, ele também colaborou como arquiteto com Inigo Jones.

Outra figura importante na escultura barroca inglesa foi Louis François Roubiliac (1707-1767). Roubiliac nasceu na França, trabalhou no estúdio de Nicolas Coustou em Paris e em 1730 ganhou o grande prêmio da Academia Francesa por uma escultura em relevo bíblico. Ele viajou para a Inglaterra, casou-se com um protestante e decidiu que ele e sua família estariam mais seguros na Inglaterra. Na Inglaterra, ele descobriu por acaso um pacote de notas, que retornou ao proprietário. O proprietário era Edward Walpole, filho natural do primeiro-ministro, que ajudou a apresentar Roubilac a clientes aristocráticos. Suas obras mais famosas incluíam um busto do compositor Handel, feito durante a vida de Handel para o patrono dos Vauxhall Gardens; e o túmulo de Joseph e Lady Elizabeth Nightengale (1760). Lady Elizabeth morreu tragicamente de um parto falso provocado por um raio em 1731, e o monumento fúnebre capturou com grande realismo o pathos de sua morte. Suas esculturas e bustos retratavam seus súditos como eram; eles estavam vestidos com roupas comuns e recebiam posturas e expressões naturais, sem pretensões de heroísmo.

Alemanha e o Império Habsburgo
O movimento barroco floresceu especialmente no final do século XVII e início do século XVIII na Alemanha e nos estados do Império Habsburgo governados a partir de Viena. Um grande número de igrejas e estátuas foram destruídas pelos iconoclastas protestantes durante a Reforma e as Guerras da Religião, e um grande número de novas obras foi feito para substituí-las. Muitos dos novos trabalhos expressavam temas triunfais; Hércules matando um leão, São Miguel matando um dragão e outros assuntos que representavam o triunfo da igreja católica sobre os protestantes.

Vários escultores vieram da Holanda para participar da reconstrução. Eles incluíram Hubert Gerhard (1550-1622), de Amsterdã, um estudante de Giambologna, que foi contratado pelo banqueiro alemão Hans Fugger para fazer uma fonte monumental para seu castelo em Kirchheim. Esta foi a primeira fonte de estilo barroco italiano feita ao norte dos Alpes. Gerhard logo foi contratado para fazer uma fonte de estilo barroco italiano para a praça da cidade em Augsburg, e uma estátua de São Miguel matando um dragão pela residência do príncipe em Munique. Os escultores Hans Krumper (1570-1634), Hans Reichle (1570-1624) e o holandês Adrien de Vries (1545-1626) fizeram fontes e estátuas monumentais de bronze semelhantes, cheias de ação e drama, para fachadas de igrejas e praças da cidade na Baviera.

Um dos escultores alemães mais incomuns do barroco tardio foi Franz Xaver Messerschmidt, conhecido tanto pela escultura religiosa quanto por uma série de retratos esculpidos retratando expressões extremas.

Balthasar Permoser (1651-1732) passou 14 anos na Itália, de 1675 a 1689, antes de se tornar escultor da corte em Dresden. Ele trabalhou em Veneza, Roma e Florença, e trouxe o barroco italiano para Dresden, particularmente nos jardins e na decoração de interiores do Palácio Zwinger. Sua obra mais famosa foi uma escultura de A apoteose do príncipe Eugênio de Sabóia, o general que derrotou a invasão dos turcos otomanos. O príncipe é retratado com o pé em um turco derrotado e com os atributos de Hércules. Seu púlpito esculpido para a Hofkirche em Drsdsen é outra obra-prima da escultura barroca.

O teatro mais dramático para a escultura barroca na Alemanha foi a arquitetura da igreja. Retábulos particularmente complexos e altares altos. lotado de estátuas e subindo quase no teto, foram criados por Hans Riechle, Jorg Zurn, Hans Degler e outros artistas. A família Michael Zürn produziu várias gerações de escultores muito produtivos, fazendo figuras de madeira policromada ou dourada e estuque. Outros artistas que produzem retábulos notáveis ​​incluem Thomas Schwanthaler.

Em Viena, os últimos anos do século XVIII produziram algumas obras extraordinárias, que marcaram a transição do barroco para o rococó. Estes incluíram a Queda dos Anjos na Igreja de São Miguel em Viena, por Karl Georg Merville.

Espanha
O surgimento do estilo barroco na Espanha, como na Itália, foi em grande parte impulsionado pela Igreja Católica, que o usou durante a Contra-Reforma como uma arma poderosa contra os protestantes. A grande maioria das obras foi feita para túmulos, altares e capelas. Ao mesmo tempo, o século XVII foi um período de declínio econômico e isolamento político e cultural; poucos artistas espanhóis viajaram para o exterior e apenas um punhado de escultores do norte da Europa, principalmente o flamengo José de Arce, veio para a Espanha. Como resultado, o barroco espanhol se desenvolveu independentemente do resto da Europa e teve suas próprias características específicas.

A coroação do francês Filipe V, neto de Luís XIV, como rei da Espanha, e a estréia da dinastia Bourbon, no início do século XVIII, trouxeram uma mudança dramática na política cultural e no estilo. Posteriormente, as comissões das principais obras de arte foram controladas pelo rei, não pela igreja e pela Academia Real de Artes. como na França, determinou os assuntos, estilo e materiais. Este período continuou até cerca de 1770.

Um grande número de esculturas foi encomendado para retábulos, relicários e monumentos funerários nas igrejas, além de estátuas para procissões religiosas. Novos temas surgiram, particularmente trabalhos dedicados ao culto da Virgem Maria. O estilo, projetado para popular, inclinado ao realismo. Os materiais mais utilizados foram madeira, pintada frequentemente em cores diferentes. A partir de 1610, um elemento especificamente espanhol do realismo apareceu; os escultores deram às estátuas perucas de cabelo real, usaram peças de cristal para lágrimas, dentes de marfim real e cores de pele pintadas com realismo cuidadoso.

Havia duas importantes escolas de escultura espanhola no início do século XVI, a de Castela e a da Andaluzia. A ênfase na escola de Castela estava mais no sacrifício e no martírio, com um sofrimento vívido em abundância. A escola da Andaluzia geralmente usava ornamentos maiores e menos violência; o infante Cristo e a Virgem Maria eram assuntos mais frequentes do que em Castela. O primeiro centro do estilo castelhano foi Valladolid, onde o rei Filipe III da Espanha residia entre 1601 e 1606. O artista mais importante da escola castelhana inicial foi Gregorio Fernández (1576-1636). Seus primeiros trabalhos mostraram extraordinário realismo e naturalismo, mostrando todas as feridas. Sua Descida da Cruz em Valladolid, altamente detalhada e realista, foi feita para ser realizada em procissões. Seu sucesso permitiu-lhe criar uma grande oficina com muitos assistentes e realizar trabalhos em grande escala, principalmente o retábulo da Catedral de Plasencia, entre 1625 e 1632, considerado um dos pontos altos da arte espanhola no primeiro semestre. do século XVII.

O outro centro antigo da escultura barroca espanhola era a cidade de Sevilha, que havia sido grandemente enriquecida pela riqueza das colônias espanholas no Novo Mundo. O escultor mais importante da escola de Sevilha foi Juan Martínez Montañés (1568-1649), cujas obras retratavam equilíbrio e harmonia, com um mínimo de violência e sangue. Outro importante escultor de Sevilha foi Pedro Roldán (1624-1699), cuja principal obra foi o retábulo luxuoso que retratava a descida da Cruz de Cristo, feita para o Hospital de Caidad em Sevilha (1670-1672). A filha de Roldán, Luisa Roldán (1654–1704), também alcançou fama por seu trabalho e se tornou a primeira mulher nomeada escultora real na Espanha.

Outros notáveis ​​escultores barrocos espanhóis incluem Alonso Cano, de Granada, 1601–1634), que também era ativo como pintor e escultor, e cujas obras apresentavam um naturalismo idealizado. Seu aluno, Pedro de Mena (1628-1688), tornou-se um dos mais importantes escultores da escola de Sevilha, com suas estátuas delicadas e realistas em tamanho real dos santos.

O início do século XVIII viu a criação de várias obras de estilo barroco, incluindo o altar El Transparente, de Narciso Tomé, em Toledo, um altar enorme criado para que, à medida que a luz mude, pareça estar se movendo. Foi uma das raras obras na Espanha feita de bronze e mármore, em vez de madeira. Era a peça central de um enorme complexo de arte composto de escultura, pintura e arquitetura que ocupa o centro da catedral.

Com a chegada da dinastia Bourbon ao poder, o centro do mundo da arte mudou para Madri, a fonte das comissões reais. O isolamento da arte espanhola da arte do resto da Europa terminou, com a chegada de artistas franceses e italianos, convidados a decorar o palácio real. Ele também trouxe novas obras de arte inclinadas ao extremo, incluindo a torturada A Cabeça de São Paulo, de Juan Alonso Villabrille y Ron, além de obras mais delicadas, incluindo uma escultura de São Florentino de Francisco Salzillo.

O reinado de Carlos III da Espanha (1760-1788) trouxe um fim abrupto ao barroco espanhol e uma transição para o neoclassicismo. O rei decretou em 1777 que todas as esculturas de altar e retábulos tivessem que ser aprovadas com antecedência pela Academia Real de San Fernando, e que mármore e pedra, e não madeira, deveriam ser usados ​​sempre que possível na escultura.

América latina
O primeiro escultor e arquiteto barroco a trabalhar na América Latina foi Pedro de Noguera (1580-), nascido em Barcelona e aprendiz de Sevilha. Em 1619, mudou-se para o vice-reinado do Peru, onde, com Martín Alonso de Mesa, esculpiu as barracas de coral barroco da Basílica da Catedral de Lima (1619-).

O estilo barroco de escultura foi transportado para outras partes da América Latina por missionários espanhóis e portugueses no século XVIII, que encomendaram artistas locais. Foi usado principalmente em igrejas. A Escola Quito, no Equador, era um importante grupo de escultores barrocos. Entre os artistas de destaque da escola estavam Bernardo de Legarda e Caspicara.

Caspicara (1723-1796) foi um artista equatoriano que fez figuras elegantes e ornamentadas para exibição nas igrejas. Ele era uma figura central no que é conhecido como a Escola Quito.

Aleijadinho (1730 ou 1738 a 1814), era filho de um colono português e um escravo africano. Ele é notável por um grupo de estátuas monumentais de pedra-sabão de Santos (1800-1805) no Santuário de Bom Jesus de Matosinhos, em Congonhas, hoje Patrimônio Mundial da UNESCO. Ele também fez uma série de figuras de paixão em tamanho real, representando os eventos que levaram à crucificação de Cristo (1780-1790).

Escultura barroca em outros países
Na Holanda, a escultura tornou-se relevante, embora longe de pintar. No sul da Holanda (católicos pertencentes à monarquia hispânica – geralmente denominada “Flandres” -), onde predominavam as imagens religiosas destacando a construção dos púlpitos, estas eram cobertas com uma decoração cada vez maior que chegava ao século XVIII, para construir obras notáveis ​​em que a exibição escultural ocupa o centro do palco diante de sua função de peça de mobiliário litúrgica. Exemplo excelente é o púlpito da catedral de Bruxelas devido a Hendrik Frans Verbruggen. Entre os escultores a serem considerados, Jeroen Duquesnoy pode ser nomeado (Manneken Pis, seu filho François Duquesnoy (que trabalhou principalmente em Roma) e Lucas Faydherbe.

Na Holanda do Norte (predominantemente protestante, independente – geralmente denominada genericamente como “Holanda” -), onde o retrato se destacava, em bustos ou efígies de tumbas luxuosamente decoradas, Hendrik de Keyser e Rombout Verhuls trabalhavam. Artus Quellinus trabalhou em ambas as áreas.

Em Portugal, como na Espanha, predominaram os entalhes em madeira policromada com tema religioso. Fray Cipriano da Cruz e Antonio Ferreira se destacaram. Ferreira foi uma das renomadas barristas portuguesas do século XVIII que criou presépios monumentais compostos por figuras de terracota de pequeno formato.

No início do século XVIII, a riqueza proveniente das minas brasileiras favoreceu a chegada de artistas estrangeiros: Claude Laprade, de origem francesa, trabalhou em Coimbra e Lisboa, enquanto obras e artistas italianos foram trazidos para decorar o Palácio Nacional de Mafra. que introduziu os modelos do barroco desses países em Portugal. Mas foi no trabalho de escultura que foram produzidas as obras mais originais. O estilo barroco dos retábulos transbordava em sua área, cobrindo paredes e tetos de carpintaria dourada.

E também da mesma forma que a Espanha, Portugal exportou para suas colônias os modelos, técnicas e temas das diferentes artes. O maior escultor e arquiteto brasileiro de destaque, abrangendo o barroco e o rococó, foi Aleijadinho.

Na Polônia, naquela época, juntou-se ao Grão-Ducado da Lituânia, a tradição da escultura funerária renascentista foi mantida, que gradualmente se adaptou ao gosto barroco. Na ornamentação das igrejas, a decoração em estuque, bem como os retábulos das esculturas policromadas com vestimentas de ouro, foram difundidos.

Foi na segunda metade do século XVIII, quando a escola de escultura de Lviv foi desenvolvida em Galitzia, a mais marcante do período em que é possível observar semelhanças com a escultura bávara ou austríaca. Escultores como Sebastián Fesinger, de ascendência alemã, ou Antoni Osiński, produziam imagens em composições dinâmicas com panos plissados ​​de aparência metálica altamente marcados. Sua figura principal era Johann Georg Pinsel. Em seu trabalho preservado, juntamente com as características comuns à escola, observa-se uma forte carga dramática e uma expressividade muito pronunciada.