바로크 조각은 17 세기 초와 18 세기 중반의 바로크 양식과 관련된 조각입니다. 바로크 조각에서는 인물 그룹이 새로운 중요성을 가정했으며, 인간 형태의 역동적 인 움직임과 에너지가있었습니다. 이들은 빈 중앙 소용돌이 주위로 나선형으로 둘러싸이거나 주변 공간으로 바깥쪽으로 닿았습니다.

바로크 조각은 종종 이상적인 시야각이 여러 개였으며, 르네상스의 일반적인 연속이 구호에서 원형으로 만들어진 조각으로 옮겨져 넓은 공간 한가운데에 배치되도록 설계되었습니다. 많은 바로크 조각에는 숨겨진 조각, 분수 등의 조각 요소 또는 융합 조각과 건축물이 추가되어 시청자에게 혁신적인 경험을 선사했습니다. 예술가들은 자신을 고전 전통과 동일하게 보았지만 오늘날 볼 수있는 “고전적인”시대의 시대보다는 헬레니즘과 그 이후의 로마 조각에 감탄했습니다.

바로크 조각은 르네상스와 매너 니스트 조각을 따르고 로코코와 신고전주의 조각에 의해 성공했습니다. 로마는 스타일이 형성된 최초의 중심지였습니다. 이 스타일은 유럽의 다른 지역으로 퍼졌으며 특히 프랑스는 17 세기 후반에 새로운 방향을 제시했습니다. 결국 유럽을 넘어 특히 라틴 아메리카와 필리핀에서 유럽 세력의 식민지 소유까지 퍼졌다.

개신교 종교 개혁은 북유럽의 많은 지역에서 종교적인 조각품을 거의 완전히 중단 시켰으며, 특히 초상화 흉상과 무덤 기념비를위한 세속적 인 조각품이 계속되었지만 네덜란드 황금 시대는 금세공을 제외하고는 중요한 조각 적 구성 요소가 없었습니다. 직접 반응에서 조각은 중세 후기와 마찬가지로 천주교에서 두드러졌습니다. 통치자와 귀족의 동상이 점점 대중화되었습니다. 18 세기에는 많은 조각이 바로크 양식으로 계속 이어졌습니다. 트레비 분수는 1762 년에 완성되었습니다. 로코코 스타일은 작은 작품에 더 적합했습니다.

태생
바로크 양식은 고전 그리스어와 로마 조각을 바탕으로 인간의 형태를 이상화 한 르네상스 조각에서 나왔습니다. 예술가이자 학자 조르지오 바사리 (Giorgio Vasari) (1511-1574)가 예술가들에게 그들의 작품에 독특하고 개인적인 스타일을 주라고 촉구했을 때, 이것은 매너리즘에 의해 수정되었다. 매너리즘은 강한 대조를 특징으로하는 조각에 대한 아이디어를 소개했습니다. 젊음과 나이, 아름다움과 추함, 남자와 여자. 매너리즘은 또한 바로크 조각의 주요 특징이 된 그림 세르 펜티 나를 소개했습니다. 이것은 그림이나 그림 그룹을 오름차순으로 배열하여 작업에 가벼움과 움직임을 부여했습니다.

미켈란젤로는 죽어가는 노예 (1513 ~ 1516)와 천재 승리 (1520 ~ 1525)에서 뱀 모양의 그림을 소개했지만이 작품들은 한 가지 관점에서 볼 수있었습니다. 16 세기 후반 이탈리아 조각가 Giambologna, Sabine Women의 강간 (1581 ~ 1583)의 작품. 새로운 요소를 소개; 이 작품은 하나가 아니라 여러 관점에서 볼 수 있도록 만들어졌으며 관점에 따라 바뀌 었습니다. 이것은 바로크 조각에서 매우 일반적인 특징이되었습니다. Giambologna의 작업은 바로크 시대의 주인, 특히 베르니니에 강한 영향을 미쳤습니다.

바로크 양식으로 이어지는 또 다른 중요한 영향은 가톨릭 교회였으며, 개신교의 부상과의 전쟁에서 예술 무기를 찾고있었습니다. 트렌트 공의회 (1545 ~ 1563)는 교황에게 예술적 창조를 이끌 수있는 더 큰 힘을 주었고 르네상스 시절 예술의 중심이었던 인본주의 교리에 대한 강한 비 승인을 표명했다. 바울 V (1605 ~ 1621)가 성립되는 동안 교회는 종교 개혁에 맞서기 위해 예술 교리를 개발하기 시작했으며 새로운 예술가들에게 그러한 교리를 수행하도록 의뢰했습니다.

형질
일반적인 특성은 다음과 같습니다.

자연주의, 즉 자연을 이상화하지 않고 자연 그대로 표현합니다.
아키텍처에 통합되어 극적인 강도를 제공합니다.
전체적인 르네상스 조각의 전형적인 기하학과 균형 잡힌 비율이없는 구성 체계. 바로크 조각은 움직임을 찾는다. 복잡한 장력 선, 특히 나선형 또는 구불 구불 한 선과 여러 평면 및 관점으로 동적으로 바깥쪽으로 투영됩니다. 이 불안정성은 질감과 표면의 대조, 때로는 다른 재료를 포함 할 때 강한 조명과 시각적 효과를 생성하는 성격과 장면의 불안 함, 옷의 넓고 장엄함에서 나타납니다.
대각선과 뱀 모양이 우세하고, 비스듬하고 비스듬한 포즈, 단축 및 확산 및 간헐적 인 윤곽을 갖는 비대칭 구성을 통해 순수한 행동으로 누드를 얼어 붙은 행동으로 표현합니다. 표현력.
바로크 양식이 대중의 헌신의 느낌에 적합한 “반대 개혁의 예술”로 식별 되었음에도 불구하고, 가톨릭 국가에서도 바로크 양식의 조각품에는 종교, 장례식, 신화, 인물 등 여러 가지 주제가있었습니다. .)
주요 증상은 건물의 내부 및 외부 공간뿐만 아니라 개인 (정원) 및 공공 (평방) 모두의 열린 공간 장식에 사용되는 법정입니다. 분수대는 바로크 양식에 잘 맞는 조각 유형이었습니다. 특히 스페인에서는 이미지와 제단이 특별하게 발전했습니다.

베르니니와 로마 바로크 조각
바로크 조각에서 지배적 인 인물은 지안 로렌조 베르니니 (Gian Lorenzo Bernini, 1598 ~ 1680)였다. 그는 교황 바오로 5 세에 의해 로마로 불려 간 피렌체 조각가 피에트로 베르니니 (Pietro Bernini)의 아들이었다. 젊은 베르니니 (Bernini)는 15 세에 첫 솔로 작품을 만들었고 1618 ~ 25 년에 동상의 주요 임무를 받았다. 추기경 보르 게세 빌라. 극도로 극적으로 그의 작품은 여러 관점에서 볼 수 있도록 설계되었으며 위쪽으로 나선형으로 움직여 유럽 조각에 엄청난 영향을 미쳤습니다. 그는 로마 분수, 성 베드로의 발 데킨, 성 베드로 대성당 내 교황 알렉산더 7 세의 무덤, 로마의 산타 마리아 마리아 델라 비토리아 교회에 대한 그의 제단 앙상블에 대한 그의 작품을 통해 이탈리아 조각을 계속 지배했습니다. 그는 코끼리의 분수 (1665–1667)에 대한 최종 분수 조각위원회를 받았으며, 로마의 산트 안젤로 다리 (1667–69)를위한 일련의 천사들이 이어졌다.

베르니니는 1680 년에 사망했지만 그의 스타일은 유럽, 특히 프랑스, ​​바바리아, 프랑스 및 오스트리아의 조각가들에게 영향을 미쳤다.

Maderno, Mochi 및 기타 이탈리아 바로크 조각가
교황청의 관대 한위원회는 로마를 이탈리아와 유럽 전역의 조각가들에게 자석으로 만들었다. 그들은 교황에 의해 도시 주변에 만들어진 인기있는 새로운 분수대 인 교회, 광장 및 로마 특산품을 장식했습니다. 원래 Lombardy의 Bissone 출신 인 Stefano Maderna (1576-1636)는 베르니니의 작품보다 앞서있었습니다. 그는 청동으로 된 고전 작품의 축소 사본을 만들기 위해 경력을 시작했습니다. 그의 주요 대규모 작품은 성 세 실레 동상 (1600 년 로마의 트라 스테 베레에있는 성 세실리아 교회를위한 것입니다) 성자의 몸은 마치 석관에있는 것처럼 팽팽 해져서 팽팽한 느낌을 불러 일으 킵니다.

초기의 중요한 로마 조각가는 피렌체 근처의 몬테 바르 치에서 태어난 프란체스코 떡 (1580-1654)이었습니다. 그는 피아 첸차의 주요 광장 (1620 ~ 1625)에 알렉산더 파르네세 (Alexander Farnese)의 유명한 청동 승마 동상과 성 베드로 대성당을위한 생생한 세인트 베로니카 동상을 만들었습니다.

다른 주목할만한 이탈리아 바로크 조각가로는 알레산드로 알 가르 디 (Alessandro Algardi, 1598-1654)가 있었는데, 그의 첫 번째 주요 임무는 바티칸의 교황 레오 11 세의 무덤이었습니다. 그의 작품은 스타일이 비슷했지만 그는 베르니니의 라이벌로 간주되었습니다. 그의 다른 주요 작품으로는 교황 레오 1 세와 훈 아 틀라 (1646 ~ 1653) 사이의 전설적인 만남에 대한 대규모 조각 된 구호 활동이 있었는데, 교황은 아틸라가 로마를 공격하지 말라고 설득했다.

플랑드르에서 태어난 François Duquesnoy (1597–1643)는 이탈리아 바로크의 또 다른 중요한 인물이었습니다. 그는 화가 Poussin의 친구였으며 특히 로마의 산타 마리아 데로 레토 (Santa Maria de Loreto)의 성 수잔나 동상과 바티칸의 성 앤드류 (1629-1633) 동상으로 유명했습니다. 그는 프랑스 루이 13 세의 왕 조각가로 지명되었지만 1643 년 로마에서 파리로 여행하는 중에 사망했습니다.

후기의 주요 조각가로는 Niccolo Salvi (1697–1751)가 있었는데 그 중 가장 유명한 작품은 Trevi Fountain (1732–1751)의 디자인이었습니다. 분수대에는 Filippo della Valle Pietro Bracci 및 Giovanni Grossi를 비롯한 다른 유명한 이탈리아 바로크 조각가의 우화 작품도 포함되어 있습니다. 웅장하고 풍성한 분수는 이탈리아 바로크 스타일의 최종 행위를 나타냅니다.

프랑스
프랑스 바로크 조각의 주요 부분은 교회가 아니라 프랑스 군주, 프랑스의 루이 14 세 및 그의 후계자 루이 14 세를 영화 롭게하기위한 것이었다. 그 중 상당수는 1648 년에 설립 된 이후 왕립 재무 장관 장 밥 티스트 콜버트 (Jean-Baptiste Colbert)에 의해 감독 된 새로운 왕립 회화 및 조각 아카데미의 조각가들에 의해 제작되었습니다. 프랑스 조각가들은 화가, 건축가, 안드레 르 노트르 (André Le Notre)와 같은 조경 디자이너들과 긴밀히 협력하여 베르사유 궁전과 그 정원, 다른 왕실, 파리와 다른 지역에서 만들어진 새로운 도시 광장의 조각상에서 발견되는 조각 효과를 만들었습니다. 프랑스 도시. 콜버트는 또한 프랑스 조각가와 화가가 클래식 모델을 연구 할 수 있도록 로마에 프랑스 아카데미를 설립했습니다.

바로크 시대 초기에 프랑스 조각가들은 플랑드르와 네덜란드 화가들에게 큰 영향을 받았다. 특히 이탈리아를 조각하기보다는 Giambologna의 매너리즘. 이 예술가에는 Germain Pilon (1525–1590), Jean Varin (1604–1672) 및 Jacques Sarrazin (1592–1660)이 포함되었습니다. 그의 명성이 절정에 달한 베르니니 자신은 루이 14 세에 루브르 박물관에 대한 자신의 계획을 제시하기 위해 1665 년 파리에 왔습니다. 왕은 베르니니 나 그의 작품을 좋아하지 않았고, 계획은 거부되었지만 베르니니는 현재 베르사유 궁전에 전시 된 루이 14 세의 훌륭한 흉상을 만들어 냈다.

최고의 프랑스 조각가들은 베르사유 궁전의 분수 정원과 다른 왕실의 동상을 만들기 위해 참여했습니다. 여기에는 Pierre Puget, Jacques Sarazin, François Girardon, Jean-Baptiste Tuby, Antoine Coysevox 및 Edme Bouchardon이 포함됩니다. Guillaume Coustou는 Château de Marly의 정원을 위해 특별히 훌륭한 말 그룹을 만들었습니다.

바로크 시대 말 로마의 프랑스 아카데미 소장 인 장 밥 티스트 레 모인 (1704 ~ 1778)은 최고의 로코코 조각가로 여겨졌지만 그의 명성은 그의 장학생 인 장안 투안 호우 돈 (Jean-Antoine Houdon)에 의해 일식이되었다. 바로크에서 고전주의로 프랑스 조각의 전환.

네덜란드와 벨기에
스페인에서 흔드는 후 네덜란드의 캘빈주의 유나이티드 주들은 국제적인 명성을 가진 한 조각가를 만들었다. 헨드릭 드 키저 (1565–1621). 그는 또한 암스테르담의 수석 건축가이자 주요 교회와 기념물의 창시자였습니다. 그의 가장 유명한 조각 작품은 델프트의 니 우웨 커크에있는 윌리엄 침묵 (1614-1622)의 무덤입니다. 무덤은 대리석으로 조각되었으며 원래는 검은 색이지만 현재는 흰색입니다. 조용히 윌리엄을 나타내는 청동상, 그의 발에는 영광, 구석에는 4 개의 미덕 미덕이 있습니다. 교회가 칼빈 주의자 였기 때문에 미덕 추기경의 여성 인물은 머리에서 발로 완전히 옷을 입었습니다.

카톨릭으로 남아 있던 네덜란드의 남부 지역은 로마의 스타일에 더 가까운 더 정교한 바로크 양식을 만들어 냈습니다. 가장 유명한 조각가는 Artus Quellinus the Elder, 유명한 조각가와 화가의 가족, 다른 조각가 Erasmus Quellinus의 아들이었습니다. 그는 1639 년 앤트워프에 정착했다. 루벤스와 가까워지면서 루벤스 작곡의 많은 원리를 조각에 적용했다.

또 다른 중요한 벨기에 바로크 조각가는 Hendrik Frans Verbrugghen (1654–1724)이었는데, 그는 매우 정교한 조각품, 성서적 장면, 동식물, 기념 인형에 대한 상징과 상징으로 가득한 브뤼셀, Louvain, 앤트워프, Mechelen, 그리고 다른 도시들.

영국
영국의 초기 바로크 조각은 대륙 전쟁으로 인한 난민 유입으로 영향을 받았다. 이 스타일을 채택한 최초의 영국 조각가 중 하나는 Nicholas Stone (나이든 Nicholas Stone이라고도 함) (1586–1652)입니다. 그는 다른 영어 조각가 인 Isaak James와 1601 년에 영국에서 성역을 취한 유명한 네덜란드 조각가 Hendrick de Keyser와 함께 염려했습니다. Stone은 de Keyser와 함께 네덜란드로 돌아 왔고, 딸과 결혼했으며, 1613 년 영국으로 돌아올 때까지 Holland의 스튜디오에서 일했습니다. Stone은 Barkey의 장례식 기념물을 개조했습니다. 특히 Keyser의 무덤에서 De Keyser가 알려졌습니다. 엘리자베스 캐리 (1617 ~ 18)와 윌리엄 컬 (Sir William Curle) (1617)의 무덤. 네덜란드 조각가들과 마찬가지로 장례식 기념비, 조심스럽게 상세한 휘장에서 대조적 인 검은 색과 흰색 대리석의 사용을 조정하고 놀라운 자연주의와 사실주의로 얼굴과 손을 만들었습니다. 그는 조각가로 일하면서 동시에 Inigo Jones와 함께 건축가로 일했습니다.

영어 바로크 조각의 또 다른 중요한 인물은 Louis François Roubiliac (1707–1767)입니다. Roubiliac는 프랑스에서 태어나 파리의 Nicolas Coustou 스튜디오에서 일했으며 1730 년에 프랑스 아카데미에서 성서적 구호 조각상을 수상했습니다. 그는 영국을 여행하고 개신교와 결혼했으며 영국에서 더 안전 할 것이라고 결정했습니다. 영국에서 그는 우연히 지폐 한 통을 발견하여 주인에게 돌려 주었다. 주인은 루 빌락을 귀족 후원자에게 소개하는 데 도움을 준 총리의 자연 아들 인 에드워드 월폴이었다. 그의 가장 유명한 작품으로는 복셀 가든의 후원자 인 핸델의 생애 동안 만들어진 작곡가 핸델의 흉상이 있었다. 그리고 조셉과 엘리자베스 나이트 렝 게일의 무덤 (1760). 엘리자베스 여사는 1731 년에 뇌졸중에 의해 유발 된 거짓 출산으로 비극적으로 죽었고, 장례식 기념물은 그녀의 죽음의 길을 큰 사실주의로 포착했습니다. 그의 조각과 흉상은 그의 주제를 그대로 묘사했다. 그들은 평상복을 입고 영웅주의의 의도없이 자연스러운 자세와 표현을 받았다.

독일과 합스부르크 제국
바로크 운동은 특히 17 세기 말과 18 세기 초 독일에서 번성했으며 합스부르크 제국은 비엔나에서 통치했다. 종교 개혁과 종교 전쟁에서 개신교의 아이콘 파괴자들에 의해 수많은 교회와 동상들이 파괴되었으며, 그것들을 대체하기 위해 많은 새로운 작품들이 만들어졌습니다. 많은 새로운 작품들이 승리의 주제를 표현했다. 헤라클레스는 사자를 죽이고, 세인트 마이클은 용을 죽이고, 다른 개신교도들은 개신교에 대한 가톨릭 교회의 승리를 상징했습니다.

네덜란드에서 많은 조각가들이 재건에 참여했습니다. 여기에는 독일 은행가 한스 푸거 (Hans Fugger)가 키르히 하임 (Kirchheim)에있는 기념비적 인 분수를 만들도록 위임받은 지암 볼로냐의 학생 인 암스테르담의 허버트 게르하르트 (Hubert Gerhard, 1550-1622)도 포함되었습니다. 이것은 알프스 북쪽에서 만들어진 최초의 이탈리아 바로크 양식의 분수였습니다. 게르하르트는 곧 아우 크스 부르크의 마을 광장을위한 이탈리아-바로크 스타일의 분수와 뮌헨에있는 왕자의 거주지를 위해 용을 죽이는 성 미카엘 동상을 만들도록 위임 받았다. 조각가 Hans Krumper (1570–1634), Hans Reichle (1570–1624) 및 네덜란드 태생의 Adrien de Vries (1545–1626)는 유사한 기념비적 인 청동 분수와 동상을 만들었습니다. 바이에른에서.

바로크 말기에 가장 특이한 독일 조각가 중 한 사람은 종교적 조각과 극단적 인 표현을 묘사 한 일련의 조각 초상화로 유명한 Franz Xaver Messerschmidt였습니다.

Balthasar Permoser (1651 ~ 1732)는 1675 년에서 1689 년까지 이탈리아에서 14 년 동안 드레스덴에서 법정 조각가가되었다. 그는 베니스, 로마, 피렌체에서 일했으며 이탈리아 바로크를 드레스덴, 특히 정원과 츠 빙거 궁전의 실내 장식으로 가져 왔습니다. 그의 가장 유명한 작품은 오스만 투르크의 침략을 물리 친 장군 사보이의 유진 왕자 (Apotheosis)의 조각이었다. 왕자는 패배 한 터크의 발과 헤라클레스의 특성으로 묘사됩니다. Drsdsen에서 Hofkirche를 위해 그의 조각 된 강단은 바로크 조각의 또 다른 걸작입니다.

독일에서 바로크 양식의 가장 극적인 극장은 교회 건축이었습니다. 특히 복잡한 유물과 높은 제단. Hans Riechle, Jorg Zurn, Hans Degler 및 기타 예술가들에 의해 동상으로 붐비고 천장이 거의 상승했습니다. 마이클 ür (Michael Zürn) 가족은 여러 세대의 매우 생산적인 조각가를 생산하여 다색 또는 금색의 목재와 치장 벽토를 만들었습니다. 놀라운 레블을 생산하는 다른 아티스트로는 Thomas Schwanthaler가 있습니다.

비엔나에서 18 세기 후반에는 바로크에서 로코코로의 전환을 나타내는 특별한 작품이 제작되었습니다. 여기에는 Karl Georg Merville의 비엔나에있는 Saint Michael ‘s Church에있는 천사들의 추락이 포함되었습니다.

스페인
이탈리아에서와 같이 스페인에서 바로크 양식의 출현은 주로 카톨릭 교회에 의해 주도되었으며, 이는 카톨릭 교회가 반개혁 동안 개신교에 대한 강력한 무기로 사용했습니다. 대부분의 작품은 무덤, 제단 및 예배당을 위해 만들어졌습니다. 동시에 17 세기는 경제 쇠퇴와 정치적, 문화적 고립의시기였습니다. 몇몇 스페인 예술가들은 해외 여행을했으며, 소수의 북유럽 조각가들, 특히 Flemish 예술가 José de Arce만이 스페인에 왔습니다. 결과적으로 스페인 바로크는 다른 유럽 국가와 독립적으로 발전했으며 고유 한 특성을 가지고있었습니다.

프랑스 왕 필리프 5 세의 손자 인 프랑스 필립 5 세의 왕관과 18 세기 초의 데뷔 버번 왕조는 문화 정책과 스타일에 극적인 변화를 가져 왔습니다. 그 후, 주요 예술 작품에 대한 수수료는 교회가 아닌 왕과 왕립 예술 아카데미에 의해 통제되었습니다. 프랑스에서와 같이 주제, 스타일 및 자료를 결정했습니다. 이 기간은 약 1770 년까지 계속되었습니다.

종교 행렬에 대한 법정뿐만 아니라 교회의 유적, 종교 및 장례식 기념물을 위해 수많은 조각품이 의뢰되었습니다. 새로운 주제, 특히 성모 마리아 숭배에 전념하는 작품이 등장했습니다. 대중적으로 디자인 된 스타일은 사실주의를 향한 경향이 있습니다. 가장 일반적으로 사용되는 재료는 목재로 다른 색상으로 자주 칠해졌습니다. 1610 년경부터 스페인의 사실주의 요소가 등장했다. 조각가들은 조각상들에게 진짜 모발의 가발을, 눈물 방울에는 크리스탈 조각, 진짜 상아의 이빨, 그리고 세심한 사실주의로 그려진 피부색을 주었다.

16 세기 초 스페인 카스티야와 안달루시아의 두 가지 중요한 스페인 조각 학교가있었습니다. 카스티야 학교의 강조는 희생과 순교에 더 초점을 두 었으며, 생생한 생생한 고통이있었습니다. 안달루시아 학교는 일반적으로 더 큰 장식과 적은 폭력을 사용했습니다. 영아 그리스도와 성모 마리아는 카스티야에서보다 더 자주 주제에 속했다. 카스티야 스타일의 첫 번째 중심은 바야돌리드 였는데, 스페인의 필립 3 세는 1601-1606 년에 거주했다. 초기 카스티야 학교의 가장 중요한 예술가는 Gregorio Fernández (1576-1636)였습니다. 그의 초기 작품은 모든 상처를 보여주는 놀라운 사실주의와 자연주의를 보여 주었다. 바야돌리드의 십자가에서 내려 오는 그의 자세는 매우 상세하고 현실적이며 행렬로 옮겨졌다. 그의 성공으로 그는 많은 조수들과 함께 큰 워크샵을 만들었고, 매우 큰 규모의 작품, 특히 상반기 스페인 예술의 가장 높은 지점 중 하나로 여겨지는 1625-32 사이에 만들어진 Plasencia 대성당의 안정판을 만들 수있었습니다. 17 세기.

스페인 바로크 조각의 또 다른 초기 중심은 세비야 도시로, 신세계의 풍부한 스페인 식민지에 의해 풍성해졌습니다. 초기 세비야 학교의 가장 중요한 조각가는 Juan Martínez Montañés (1568–1649)로 최소한의 폭력과 피의 균형과 조화를 묘사했습니다. 또 다른 중요한 세비야 조각가는 Pedro Roldán (1624–1699)이었는데, 그의 주요 작품은 세비야의 카이 다드 병원 (1670 ~ 72)을 위해 만들어진 그리스도의 십자가로부터 내려 오는 모습을 묘사 한 호화로운 잔상이었습니다. 롤란의 딸 루이사 롤란 (1654 ~ 1704)은 그녀의 작품으로 명성을 얻었으며 스페인에서 왕조 조각가로 임명 된 최초의 여성이되었습니다.

스페인의 유명한 바로크 조각가로는 화가와 조각가로 활동하고 있으며 이상화 된 자연주의를 특징으로하는 그레나다의 알론소 카노 1601-1634)가 있습니다. 그의 학생 인 Pedro de Mena (1628–1688)는 세비야 학교에서 가장 중요한 조각가 중 한 사람이었으며, 섬세하고 사실적인 크기의 성도 상을 가지고있었습니다.

18 세기 초에는 톨레도에있는 나르시 소 토메 (Narciso Tomé)의 El Transparente 제단, 빛의 변화에 ​​따라 빛의 변화에 ​​따라 움직이고있는 것처럼 보이는 화려한 제단을 포함한 호화로운 바로크 작품이 탄생했습니다. 스페인에서 나무가 아닌 청동과 대리석으로 만든 희귀 한 작품 중 하나였습니다. 그것은 대성당의 중심을 차지하는 조각, 회화 및 건축으로 구성된 거대한 예술 단지의 중심이었습니다.

부르봉 왕조가 권력을 잡으면 서 예술계의 중심은 왕실위원회의 원천 인 마드리드로 옮겨 갔다. 왕궁을 장식하도록 초대받은 프랑스와 이탈리아 예술가들이 도착하면서 나머지 유럽 예술과의 스페인 예술 격리는 끝났습니다. 그것은 또한 Juan Alonso Villabrille y Ron의 고문 된 Saint Paul의 머리와 Francisco Salzillo의 Saint Florentine 조각을 포함한 더 섬세한 작품을 포함하여 극도로 향한 새로운 예술 작품을 가져 왔습니다.

스페인의 찰스 3 세 (1760 ~ 1788)의 통치는 스페인 바로크에 갑작스런 종말을 가져 왔고 신고전주의로 전환했다. 왕은 1777 년에 모든 제단 조각품과 보관소는 산 페르난도 왕립 아카데미의 사전 승인을 받아야했으며, 조각품이 될 때마다 나무가 아닌 대리석과 돌을 사용해야한다고 결정했습니다.

라틴 아메리카
라틴 아메리카에서 가장 먼저 일한 바로크 조각가이자 건축가는 페드로 데 노 게라 (1580-)로 바르셀로나에서 태어나 세비야에서 숭배했습니다. 1619 년 그는 페루 Viceroyalty로 옮겼는데, Martín Alonso de Mesa와 함께 리마 대성당 대성당 (1619-)의 바로크 성가대를 조각했습니다.

바로크 양식의 조각품은 18 세기 스페인과 포르투갈 선교사들이 지역 예술가들을 의뢰하여 라틴 아메리카의 다른 지역으로 옮겨졌습니다. 주로 교회에서 사용되었습니다. 에콰도르의 키토 스쿨은 바로크 조각가들의 중요한 그룹이었습니다. 학교의 저명한 예술가는 Bernardo de Legarda와 Caspicara를 포함했습니다.

Caspicara (1723–1796)는 교회에 전시하기 위해 우아하고 화려한 인물을 만든 에콰도르 예술가였습니다. 그는 키토 스쿨 (Quito School)의 중심 인물이었습니다.

Aleijadinho (1730 년 또는 1738 년에서 1814 년까지)는 포르투갈 식민지 주민이자 아프리카 노예였다. 그는 현재 유네스코 세계 문화 유산으로 지정된 콩고 나스의 Santuário de Bom Jesus de Matosinhos를위한 기념비적 인 성도들의 동상 (1800-1805)으로 유명합니다. 그는 그리스도의 십자가에 못 박히신 사건을 묘사하는 일련의 실물 크기의 열정 인물을 만들었습니다 (1780-90).

다른 나라의 바로크 조각
네덜란드에서는 그림과는 거리가 멀지 만 조각품이 적합 해졌습니다. 교황청의 건축을 강조하는 종교적 이미지가 우세한 남부 네덜란드 (일반적으로 “플랑드르 (Flanders)”라 불리는 스페인 군주국에 속하는 가톨릭 신자)에서, 이들은 XVIII 세기에 도착하여 건축을 위해 점점 증가하는 장식물로 덮여있었습니다. 조각 전시가 전례 가구로서의 기능 앞에 중심을 둔 주목할만한 작품. 헨드릭 프란스 베르 브루 겐 (Hendrik Frans Verbruggen)으로 인한 브뤼셀 대성당의 강단이 그 대표적인 예입니다. 고려해야 할 조각가들 가운데, Jeroen Duquesnoy (마네 켄 피스, 그의 아들 François Duquesnoy (로마에서 주로 일한 사람)와 Lucas Faydherbe)가 있습니다.

북부 네덜란드 (주로 개신교, 주로 일반적으로 “네덜란드”라고 함)에서 초상화가 눈에 띄는 곳에서 화려하게 장식 된 무덤의 흉상이나 능률에서 헨드릭 데 키서 (Hendrik de Keyser)와 롬 부트 베르 훌 (Rombout Verhuls)이 일했습니다. Artus Quellinus는 두 분야에서 모두 일했습니다.

스페인에서는 스페인과 마찬가지로 포르투갈에서는 종교적 주제를 가진 색채의 나무 조각이 우세했습니다. 프레이 치 프리 아노 다 크루즈와 안토니오 페레이라가 돋보였다. 페레이라는 18 세기의 유명한 포르투갈 바리 스타 중 한 명으로, 작은 테라코타 인물로 구성된 기념비적 인 출생 장면을 만들었습니다.

18 세기 초, 브라질 광산에서 나오는 부는 외국 예술가들의 도착을 선호했다. 프랑스 출신의 Claude Laprade는 코임브라와 리스본에서 일했으며 이탈리아 작품과 예술가들은 Mafra National Palace를 장식하기 위해 데려왔다. 포르투갈에서이 나라들의 바로크 모델을 소개했습니다. 그러나 가장 독창적 인 작품이 제작 된 것은 조각 작업이었습니다. 제단의 바로크 양식은 황금 목공 작업의 벽과 천장을 덮고 그 지역을 넘었습니다.

또한 스페인과 마찬가지로 포르투갈은 식민지에 다양한 예술의 모델, 기법 및 테마를 수출했습니다. 바로크와 로코코를 가로 지르는 가장 위대한 조각가이자 뛰어난 브라질 건축가는 Aleijadinho였습니다.

폴란드에서는 그 당시 리투아니아 대공국에 합류하여 르네상스 장례식의 전통이 유지되어 점차적으로 바로크 양식의 맛에 적응했습니다. 교회 장식에서 치장 벽토 장식과 황금빛 조끼가있는 단색 조각품의 제단이 널리 퍼졌습니다.

18 세기 후반에 리비 우의 조각 학교가 갈라 치아에서 개발되었으며, 바이에른이나 오스트리아 조각과의 유사성을 관찰 할 수있는 기간 중 가장 뛰어난시기였다. 독일 출신의 Sebastián Fesinger 또는 Antoni Osiński와 같은 조각가들은 금속성 주름 천으로 매우 역동적 인 이미지를 제작했습니다. 주요 인물은 Johann Georg Pinsel입니다. 그의 보존 작업에서 학교에 공통적 인 특성과 함께 강한 극적인 비난과 매우 뚜렷한 표현력이 관찰됩니다.