La escultura barroca es la escultura asociada con el estilo barroco del período comprendido entre principios del siglo XVII y mediados del siglo XVIII. En la escultura barroca, los grupos de figuras asumieron una nueva importancia, y hubo un movimiento dinámico y energía de formas humanas: giraron en espiral alrededor de un vórtice central vacío, o se extendieron hacia el espacio circundante.
La escultura barroca a menudo tenía múltiples ángulos de visión ideales, y reflejaba una continuación general del movimiento renacentista lejos del relieve a la escultura creada en la ronda, y diseñada para colocarse en el medio de un gran espacio. Gran parte de la escultura barroca agregó elementos extra-escultóricos, por ejemplo, iluminación oculta o fuentes de agua, o escultura y arquitectura fusionadas para crear una experiencia transformadora para el espectador. Los artistas se veían a sí mismos como en la tradición clásica, pero admiraban la escultura helenística y posterior romana, en lugar de la de los períodos más «clásicos» como se ven hoy en día.
La escultura barroca siguió a la escultura renacentista y manierista y fue sucedido por la escultura rococó y neoclásica. Roma fue el primer centro donde se formó el estilo. El estilo se extendió al resto de Europa, y especialmente a Francia dio una nueva dirección a finales del siglo XVII. Finalmente se extendió más allá de Europa a las posesiones coloniales de las potencias europeas, especialmente en América Latina y Filipinas.
La Reforma Protestante había detenido casi por completo la escultura religiosa en gran parte del norte de Europa, y aunque la escultura secular, especialmente para bustos de retratos y monumentos de tumbas, continuó, la Edad de Oro holandesa no tiene un componente escultórico significativo fuera de la orfebrería. En parte como reacción directa, la escultura fue tan prominente en el catolicismo como a finales de la Edad Media. Las estatuas de gobernantes y la nobleza se hicieron cada vez más populares. En el siglo XVIII, mucha escultura continuó en líneas barrocas: la fuente de Trevi se completó solo en 1762. El estilo rococó se adaptaba mejor a obras más pequeñas.
Orígenes
El estilo barroco surgió de la escultura renacentista, que, basándose en la escultura clásica griega y romana, había idealizado la forma humana. Esto fue modificado por el manierismo, cuando el artista y erudito Giorgio Vasari (1511-1574) instó a los artistas a dar a sus obras un estilo único y personal. El manierismo introdujo la idea de esculturas con fuertes contrastes; juventud y edad, belleza y fealdad, hombres y mujeres. El manierismo también introdujo la figura serpentina, que se convirtió en una característica importante de la escultura barroca. Esta fue la disposición de figuras o grupos de figuras en una espiral ascendente, lo que dio ligereza y movimiento a la obra.
Miguel Ángel había introducido la figura serpentina en The Dying Slave (1513-1516) y Genius Victorious (1520-1525), pero estas obras debían verse desde un único punto de vista. A finales del siglo XVI, obra del escultor italiano Giambologna, La violación de las sabinas (1581-1583). introdujo un nuevo elemento; Este trabajo estaba destinado a ser visto no desde uno, sino desde varios puntos de vista, y cambiado según el punto de vista. Esto se convirtió en una característica muy común en la escultura barroca. El trabajo de Giambologna tuvo una fuerte influencia en los maestros de la era barroca, particularmente en Bernini.
Otra influencia importante que condujo al estilo barroco fue la Iglesia Católica, que buscaba armas artísticas en la batalla contra el surgimiento del protestantismo. El Concilio de Trento (1545-1563) otorgó al Papa mayores poderes para guiar la creación artística y expresó una fuerte desaprobación de las doctrinas del humanismo, que habían sido fundamentales para las artes durante el Renacimiento. Durante el pontificado de Pablo V (1605–1621) la iglesia comenzó a desarrollar doctrinas artísticas para contrarrestar el Reformatuon, y encargó a nuevos artistas que las llevaran a cabo.
Caracteristicas
Sus características generales son:
El naturalismo, es decir, la representación de la naturaleza tal como es, sin idealizarla.
Integración en la arquitectura, que proporciona una intensidad dramática.
Esquemas compositivos libres de geometrismo y la proporción equilibrada típica de la escultura del Renacimiento completo. La escultura barroca busca movimiento; se proyecta hacia afuera dinámicamente con líneas de tensión complejas, especialmente la helicoidal o serpentina, y una multiplicidad de planos y puntos de vista. Esta inestabilidad se manifiesta en la inquietud de personajes y escenas, en la amplitud y magnificencia de la ropa, en el contraste de texturas y superficies, a veces en la inclusión de diferentes materiales, todos los cuales producen una fuerte iluminación y efectos visuales.
Representación del desnudo en estado puro, como una acción congelada, lograda mediante una composición asimétrica, donde predominan las formas diagonales y serpentinas, poses inclinadas y oblicuas, escorzos y contornos difusos e intermitentes, que dirigen el trabajo hacia el espectador con gran entusiasmo. expresividad
A pesar de la identificación del barroco con un «arte de la Contrarreforma», apropiado para el sentimiento de devoción popular, la escultura barroca, incluso en los países católicos, tenía una gran pluralidad de temas (religiosos, funerarios, mitológicos, retratos, etc.) .)
La manifestación principal es la estatuaria, utilizada para la decoración de espacios interiores y exteriores de edificios, así como espacios abiertos, tanto privados (jardines) como públicos (plazas). Las fuentes eran de tipo escultórico y encajaban muy bien con el estilo barroco. Particularmente en España, las imágenes y los retablos tuvieron un desarrollo extraordinario.
Bernini y escultura barroca romana
La figura dominante en la escultura barroca fue Gian Lorenzo Bernini (1598–1680). Era hijo de un escultor florentino, Pietro Bernini, quien había sido llamado a Roma por el papa Paul V. El joven Bernini realizó sus primeras obras en solitario a la edad de quince años, y en 1618–25 recibió una importante comisión de estatuas para el villa del cardenal Scipion Borghese. Sus obras, altamente dramáticas, diseñadas para ser vistas desde múltiples puntos de vista y en espiral hacia arriba, tuvieron un inmenso impacto en la escultura europea. Continuó dominando la escultura italiana a través de sus obras sobre fuentes romanas, el Baldequín de San Pedro y la tumba del Papa Alejandro VII en la Basílica de San Pedro, y su conjunto de altar para la Iglesia de Santa-Maria della Vittoria en Roma. Recibió su último encargo de escultura en la fuente de la Fuente del Elefante (1665-1667), seguido de una serie de ángeles para el Puente de Sant Angelo en Roma (1667-1669).
Bernini murió en 1680, pero su estilo influyó en escultores de toda Europa, particularmente en Francia, Baviera, Francia y Austria.
Maderno, Mochi y los otros escultores barrocos italianos.
Las generosas comisiones papales hicieron de Roma un imán para los escultores en Italia y en toda Europa. Decoraron iglesias, plazas y, una especialidad de Roma, las nuevas fuentes populares creadas alrededor de la ciudad por los Papas. Stefano Maderna (1576-1636), originario de Bissone en Lombardía, precedió a la obra de Bernini. Comenzó su carrera haciendo copias en tamaño reducido de obras clásicas en bronce. Su obra principal a gran escala fue una estatua de San Cecile (1600, para la Iglesia de Santa Cecilia en el Trastevere en Roma. El cuerpo del Santo yace extendido, como si estuviera en un sarcófago, evocando una sensación de patetismo.
Otro escultor romano importante temprano fue Francesco Mochi (1580-1654), nacido en Montevarchi, cerca de Florencia. Hizo una famosa estatua ecuestre de bronce de Alexander Farnese para la plaza principal de Piacenza (1620-1625), y una vívida estatua de Santa Verónica para la Basílica de San Pedro, tan activa que parece estar a punto de saltar del nicho.
Otros escultores barrocos italianos notables incluyeron a Alessandro Algardi (1598–1654), cuya primera comisión importante fue la tumba del papa León XI en el Vaticano. Fue considerado un rival de Bernini, aunque su trabajo fue similar en estilo. Sus otras obras importantes incluyeron un gran bajorrelieve esculpido del legendario encuentro entre el Papa León I y Atila el Huno (1646–1653), en el que el Papa persuadió a Atila de que no atacara a Roma.
François Duquesnoy (1597-1643), nacido en Flandes, fue otra figura importante del barroco italiano. Era amigo del pintor Poussin, y era especialmente conocido por su estatua de Santa Susana en Santa María de Loreto en Roma, y su estatua de San Andrés (1629-1633) en el Vaticano. Fue nombrado escultor real de Luis XIII de Francia, pero murió en 1643 durante el viaje de Roma a París.
Entre los principales escultores de finales del período se incluyeron Niccolo Salvi (1697–1751), cuyo trabajo más famoso fue el diseño de la Fuente de Trevi (1732–1751). La fuente también contenía obras alegóricas de otros destacados escultores barrocos italianos, incluidos Filippo della Valle Pietro Bracci y Giovanni Grossi. La fuente, en toda su grandeza y exuberancia, representó el acto final del estilo barroco italiano.
Francia
La mayor parte de la escultura barroca francesa tenía la intención de glorificar no a la Iglesia, sino al monarca francés, Luis XIV de Francia, y su sucesor, Luis XV. Gran parte de esto fue producido por los escultores de la nueva Real Academia de Pintura y Escultura, fundada en 1648 y luego supervisada de cerca por Jean-Baptiste Colbert, Ministro de Finanzas del Rey. Los escultores franceses trabajaron en estrecha colaboración con pintores, arquitectos y paisajistas como André Le Notre para crear los efectos escultóricos que se encuentran en el Palacio de Versalles y sus jardines, las otras residencias reales y las estatuas para las nuevas plazas de la ciudad creadas en París y otros Ciudades francesas. Colbert también estableció la Academia Francesa en Roma para que los escultores y pintores franceses pudieran estudiar modelos clásicos.
En la primera parte del período barroco, los escultores franceses fueron influenciados en gran medida por los pintores de Flandes y los Países Bajos. particularmente el manierismo de Giambologna, en lugar de esculpir la Italia. Estos artistas incluyeron a Germain Pilon (1525–1590); Jean Varin (1604–1672) y Jacques Sarrazin (1592–1660). El propio Bernini, en la cima de su fama, llegó a París en 1665 para presentar su propio plan para el Louvre a Louis XIV. Al Rey no le gustaba Bernini o su trabajo, y el plan fue rechazado, aunque Bernini produjo un hermoso busto de Luis XIV ahora en exhibición en el Palacio de Versalles.
Los mejores escultores franceses se dedicaron a hacer estatuas para los jardines de las fuentes del Palacio de Versalles y otras residencias reales. Estos incluyeron a Pierre Puget, Jacques Sarazin, François Girardon, Jean-Baptiste Tuby, Antoine Coysevox y Edme Bouchardon. Guillaume Coustou creó un grupo de caballos particularmente fino para los jardines del castillo de Marly.
En los últimos años de la era barroca, Jean Baptiste Lemoyne (1704–1778), director de la Academia francesa en Roma, fue considerado el mejor escultor rococó, aunque su fama fue eclipsada por su alumno, Jean-Antoine Houdon, quien dirigió el transición de la escultura francesa del barroco al clasicismo.
Holanda y Bélgica
Después de separarse de España, las Provincias Unidas predominantemente calvinistas de los Países Bajos produjeron un escultor de renombre internacional; Hendrick de Keyser (1565-1621). También fue el arquitecto principal de Amsterdam y creador de las principales iglesias y monumentos. Su obra escultórica más famosa es la tumba de Guillermo el Silencioso (1614-1622) en Nieuwe Kerk en Delft. La tumba estaba esculpida en mármol, originalmente negro pero ahora blanco, con estatuas de bronce que representaban a Guillermo el Silencioso, Gloria a sus pies y las cuatro Virtudes cardinales en las esquinas. Como la iglesia era calvinista, las figuras femeninas de las virtudes cardinales estaban completamente vestidas de pies a cabeza.
Las partes del sur de los Países Bajos, que permanecieron en gran parte católicas, produjeron un estilo barroco más elaborado más cercano al de Roma. El escultor más destacado fue Artus Quellinus el Viejo, miembro de una familia de escultores y pintores famosos, e hijo de otro escultor, Erasmus Quellinus. Se estableció en Amberes en 1639. Se hizo cercano a Rubens, y su trabajo aplicó muchos de los principios de las composiciones de Rubens a la escultura.
Otro importante escultor barroco belga fue Hendrik Frans Verbrugghen (1654–1724), quien talló esculturas muy elaboradas, llenas de escenas bíblicas, flora y fauna, alegorías y símbolos para los títeres ceremoniales de las catedrales e iglesias en Bruselas, Lovaina, Amberes, Malinas, y otras ciudades
Inglaterra
La escultura barroca temprana en Inglaterra fue influenciada por una afluencia de refugiados de las Guerras de Religión en el continente. Uno de los primeros escultores ingleses en adoptar el estilo fue Nicholas Stone (también conocido como Nicholas Stone the Elder) (1586-1652). Fue aprendiz con otro escultor inglés, Isaak James, y luego en 1601 con el famoso escultor holandés Hendrick de Keyser, quien se había refugiado en Inglaterra. Stone regresó a Holanda con De Keyser, se casó con su hija y trabajó en su estudio en Holanda hasta que regresó a Inglaterra en 1613. Stone adaptó el estilo barroco de los monumentos funerarios, por lo que De Keyser era conocido, particularmente en la tumba de Lady Elizabeth Carey (1617–18) y la tumba de Sir William Curle (1617). Al igual que los escultores holandeses, también adaptó el uso de contrastes de mármol blanco y negro en los monumentos funerarios, cortinas cuidadosamente detalladas, y caras y manos con un notable naturalismo y realismo. Al mismo tiempo que trabajó como escultor, también colaboró como arquitecto con Inigo Jones.
Otra figura importante en la escultura barroca inglesa fue Louis François Roubiliac (1707-1767). Roubiliac nació en Francia, trabajó en el estudio de Nicolas Coustou en París, y en 1730 ganó el gran premio de la Academia Francesa por una escultura de alivio bíblico. Viajó a Inglaterra, se casó con un protestante y decidió que él y su familia estarían más seguros en Inglaterra. En Inglaterra descubrió por casualidad un paquete de billetes, que devolvió a su propietario. El dueño era Edward Walpole, hijo natural del Primer Ministro, quien ayudó a presentar a Roubilac a los mecenas aristocráticos. Sus obras más famosas incluyen un busto del compositor Handel, realizado durante la vida de Handel para el patrón de los Jardines Vauxhall; y la tumba de Joseph y Lady Elizabeth Nightengale (1760). Lady Elizabeth había muerto trágicamente de un falso parto provocado por un rayo en 1731, y el monumento fúnebre capturó con gran realismo el patetismo de su muerte. Sus esculturas y bustos representaban a sus sujetos tal como eran; iban vestidos con ropa ordinaria y se les daban posturas y expresiones naturales, sin pretensiones de heroísmo.
Alemania y el imperio de los Habsburgo
El movimiento barroco floreció especialmente a finales del siglo XVII y principios del siglo XVIII en Alemania y los estados del Imperio de los Habsburgo gobernados desde Viena. Una gran cantidad de iglesias y estatuas habían sido destruidas por los iconoclastas protestantes durante la Reforma y las Guerras de Religión, y se hicieron grandes cantidades de nuevas obras para reemplazarlas. Muchas de las nuevas obras expresaron temas triunfales; Hércules matando a un león, San Miguel matando a un dragón y otros temas que representaron el triunfo de la iglesia católica sobre los protestantes.
Varios escultores vinieron de los Países Bajos para participar en la reconstrucción. Incluyeron a Hubert Gerhard (1550-1622) de Amsterdam, un estudiante de Giambologna, a quien el banquero alemán Hans Fugger le encargó hacer una fuente monumental para su castillo en Kirchheim. Esta fue la primera fuente de estilo barroco italiano hecha al norte de los Alpes. Gerhard pronto recibió el encargo de hacer una fuente de estilo barroco italiano para la plaza de la ciudad de Augsburgo, y una estatua de San Miguel matando a un dragón para la residencia del príncipe en Munich. Los escultores Hans Krumper (1570–1634), Hans Reichle (1570–1624) y el holandés Adrien de Vries (1545–1626) hicieron monumentales fuentes de bronce y estatuas, llenas de acción y drama, para fachadas de iglesias y plazas. en Baviera
Uno de los escultores alemanes más inusuales del barroco tardío fue Franz Xaver Messerschmidt, conocido tanto por la escultura religiosa como por una serie de retratos esculpidos que representan expresiones extremas.
Balthasar Permoser (1651–1732) pasó catorce años en Italia, de 1675 a 1689, antes de convertirse en escultor de la corte en Dresde. Trabajó en Venecia, Roma y Florencia, y trajo el barroco italiano a Dresde, particularmente en los jardines y la decoración interior del Palacio Zwinger. Su obra más famosa fue una escultura de La apoteosis del príncipe Eugenio de Saboya, el general que había derrotado la invasión de los turcos otomanos. El Príncipe es retratado con su pie sobre un turco derrotado y con los atributos de Hércules. Su púlpito esculpido para la Hofkirche en Drsdsen es otra obra maestra de la escultura barroca.
El teatro más dramático para la escultura barroca en Alemania fue la arquitectura de la iglesia. Retablos particularmente complejos y altares altos. abarrotados de estatuas y subiendo casi los techos, fueron creados por Hans Riechle, Jorg Zurn, Hans Degler y otros artistas. La familia Michael Zürn produjo varias generaciones de escultores muy productivos, haciendo figuras de madera policromada o dorada y estuco. Otros artistas que produjeron retablos notables incluyeron a Thomas Schwanthaler.
En Viena, los últimos años del siglo XVIII produjeron algunas obras extraordinarias, que marcaron la transición del barroco al rococó. Estos incluyeron la Caída de los Ángeles en la Iglesia de San Miguel en Viena, por Karl Georg Merville.
España
El surgimiento del estilo barroco en España, como en Italia, fue impulsado en gran medida por la Iglesia Católica, que lo utilizó durante la Contrarreforma como un arma poderosa contra los protestantes. La gran mayoría de las obras fueron hechas para tumbas, altares y capillas. Al mismo tiempo, el siglo XVII fue un período de declive económico y aislamiento político y cultural; pocos artistas españoles viajaron al extranjero, y solo unos pocos escultores del norte de Europa, especialmente el artista flamenco José de Arce, vinieron a España. Como resultado, el barroco español se desarrolló independientemente del resto de Europa y tenía sus propias características específicas.
La coronación del francés Felipe V, nieto de Luis XIV, como Rey de España, y el debut de la dinastía borbónica a principios del siglo XVIII trajeron un cambio dramático en la política cultural y en el estilo. A partir de entonces, las comisiones de las principales obras de arte fueron controladas por el Rey, no por la iglesia, y la Real Academia de las Artes. como en Francia, determinó los temas, el estilo y los materiales. Este período continuó hasta aproximadamente 1770.
Se encargó un gran número de esculturas para retablos, relicarios y monumentos funerarios en iglesias, así como estatuas para procesiones religiosas. Aparecieron nuevos temas, particularmente obras dedicadas al culto de la Virgen María. El estilo, diseñado para popular, inclinado hacia el realismo. Los materiales más utilizados fueron la madera, pintada con frecuencia en diferentes colores. A partir de alrededor de 1610, apareció un elemento de realismo específicamente español; los escultores dieron a sus estatuas pelucas de cabello real, usaron piezas de cristal para lágrimas, dientes de marfil real y colores de piel pintados con realismo cuidadoso.
Había dos importantes escuelas de escultura española a principios del siglo XVI, la de Castilla y la de Andalucía. El énfasis en la escuela de Castilla estaba más en el sacrificio y el martirio, con un sufrimiento vívido y abundante. La escuela de Andalucía generalmente usaba mayor ornamentación y menos violencia; El infante Cristo y la Virgen María fueron sujetos más frecuentes que en Castilla. El primer centro del estilo de Castilla fue Valladolid, donde residió el rey Felipe III de España desde 1601 hasta 1606. El artista más importante de la primera escuela castellana fue Gregorio Fernández (1576-1636). Sus primeros trabajos mostraron un realismo y naturalismo extraordinarios, mostrando todas las heridas. Su Descendimiento de la Cruz en Valladolid, altamente detallado y realista, fue hecho para ser llevado en procesiones. Su éxito le permitió crear un gran taller con muchos asistentes y realizar obras a gran escala, sobre todo el retablo de la Catedral de Plasencia realizado entre 1625–32, considerado uno de los puntos más importantes del arte español en la primera mitad. del siglo 17
El otro centro temprano de la escultura barroca española fue la ciudad de Sevilla, que se había enriquecido enormemente con la riqueza de las colonias españolas en el Nuevo Mundo. El escultor más importante de la primera escuela de Sevilla fue Juan Martínez Montañés (1568-1649), cuyas obras retrataban el equilibrio y la armonía, con un mínimo de violencia y sangre. Otro importante escultor sevillano fue Pedro Roldán (1624-1699), cuya obra principal fue el fastuoso retablo que representa el descenso de la Cruz de Cristo, realizado para el Hospital de Caidad de Sevilla (1670-1672). La hija de Roldán, Luisa Roldán (1654–1704), también alcanzó fama por su trabajo, y se convirtió en la primera mujer nombrada escultora real en España.
Otros escultores barrocos españoles notables incluyen a Alonso Cano de Granada (1601–1634), quien también estuvo activo como pintor y escultor, y cuyas obras presentaban un naturalismo idealizado. Su alumno, Pedro de Mena (1628-1688), se convirtió en uno de los escultores más importantes de la escuela de Sevilla, con sus estatuas de santos de tamaño real, delicadas y realistas.
A principios del siglo XVIII se crearon varias obras lujosamente barrocas, incluido el altar El Transparente de Narciso Tomé en Toledo, un enorme altar creado de modo que, a medida que cambia la luz, parece moverse. Fue una de las pocas obras en España realizada en bronce y mármol, en lugar de madera. Fue la pieza central de un enorme complejo de arte compuesto por escultura, pintura y arquitectura que ocupa el centro de la Catedral.
Con la llegada al poder de la dinastía borbónica, el centro del mundo del arte se trasladó a Madrid, la fuente de las comisiones reales. El aislamiento del arte español del arte del resto de Europa terminó, con la llegada de artistas franceses e italianos, que fueron invitados a decorar el palacio real. También trajo nuevas obras de arte inclinadas hacia el extremo, incluida la torturada Cabeza de San Pablo de Juan Alonso Villabrille y Ron, junto con obras más delicadas, incluida una escultura de San Florentino de Francisco Salzillo.
El reinado de Carlos III de España (1760–1788) trajo un final abrupto al barroco español y una transición al neoclasicismo. El Rey decretó en 1777 que todas las esculturas y retablos del altar debían ser aprobados previamente por la Real Academia de San Fernando, y que el mármol y la piedra, no la madera, deberían usarse siempre que fuera posible en la escultura.
America latina
El primer escultor y arquitecto barroco que trabajó en América Latina fue Pedro de Noguera (1580-), nacido en Barcelona y aprendiz en Sevilla. En 1619 se mudó al Virreinato del Perú, donde, con Martín Alonso de Mesa, esculpió los coros barrocos de la Catedral Basílica de Lima (1619-).
El estilo barroco de la escultura fue transportado a otras partes de América Latina por misioneros españoles y portugueses en el siglo XVIII, quienes comisionaron a artistas locales. Fue utilizado principalmente en iglesias. La Escuela de Quito en Ecuador fue un importante grupo de escultores barrocos. Entre los artistas más destacados de la escuela se incluyen Bernardo de Legarda y Caspicara.
Caspicara (1723-1796) fue un artista ecuatoriano que hizo figuras elegantes y ornamentadas para exhibir en las iglesias. Fue una figura central en lo que se conoce como la Escuela de Quito.
Aleijadinho (1730 o 1738 a 1814), era hijo de un colono portugués y un esclavo africano. Es notable por un grupo de estatuas monumentales de santos de piedra de santos (1800–1805) para el Santuario de Bom Jesus de Matosinhos en Congonhas, ahora Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. También hizo una serie de figuras de la Pasión de tamaño real, que representan los eventos que condujeron a la Crucifixión de Cristo (1780-1790).
Escultura barroca en otros países.
En los Países Bajos, la escultura se hizo relevante, aunque lejos de la pintura. En el sur de los Países Bajos (católicos, pertenecientes a la monarquía hispánica -generalmente genéricamente llamados «Flandes»), donde predominaban las imágenes religiosas destacando la construcción de púlpitos, estos estaban cubiertos con una decoración cada vez mayor que llegaba hasta el siglo XVIII, para construir obras notables en las que la exhibición escultórica ocupa un lugar central frente a su función como mueble litúrgico. Un ejemplo sobresaliente es el púlpito de la catedral de Bruselas debido a Hendrik Frans Verbruggen. Entre los escultores a considerar, se puede nombrar a Jeroen Duquesnoy (Manneken Pis, su hijo François Duquesnoy (que trabajó principalmente en Roma) y Lucas Faydherbe.
En el norte de los Países Bajos (predominantemente protestante, independiente, generalmente conocido genéricamente como «Holanda»), donde destacaba el retrato, sobre bustos o efigies de tumbas lujosamente decoradas, trabajaban Hendrik de Keyser y Rombout Verhuls. Artus Quellinus trabajó en ambas áreas.
En Portugal, como en España, predominó el tallado en madera policromada con un tema religioso. Fray Cipriano da Cruz y Antonio Ferreira se destacaron. Ferreira fue uno de los reconocidos barristas portugueses del siglo XVIII que creó monumentales belenes compuestos por figuras de terracota de pequeño formato.
A principios del siglo XVIII, la riqueza proveniente de las minas brasileñas favoreció la llegada de artistas extranjeros: Claude Laprade, de origen francés, trabajó en Coimbra y Lisboa, mientras que se trajeron obras y artistas italianos para decorar el Palacio Nacional de Mafra. que introdujo los modelos del barroco de estos países en Portugal. Pero fue en el trabajo de tallado que se produjeron las obras más originales. El estilo barroco de los retablos desbordó su área, cubriendo paredes y techos de carpintería dorada.
Y también de la misma manera que España, Portugal exportó a sus colonias los modelos, técnicas y temas en las diferentes artes. El mayor escultor y destacado arquitecto brasileño a caballo entre el barroco y el rococó fue Aleijadinho.
En Polonia, en ese momento unido al Gran Ducado de Lituania, se mantuvo la tradición de la escultura funeraria renacentista, que gradualmente se adaptó al gusto barroco. En la ornamentación de las iglesias, la decoración de estuco y los retablos de esculturas policromadas con vestimentas doradas estaban muy extendidos.
Fue en la segunda mitad del siglo XVIII cuando se desarrolló la escuela de escultura de Lviv en Galitzia, la más destacada del período en el que es posible observar similitudes con la escultura bávara o austriaca. Escultores como Sebastián Fesinger, de ascendencia alemana o Antoni Osiński, produjeron imágenes en composiciones dinámicas con telas plisadas de aspecto metálico muy marcadas. Su figura principal fue Johann Georg Pinsel. En su obra preservada, junto con las características comunes de la escuela, se observa una fuerte carga dramática y una expresividad muy pronunciada.