Die Barockskulptur ist die Skulptur, die mit dem Barockstil der Zeit zwischen dem frühen 17. und der Mitte des 18. Jahrhunderts verbunden ist. In der Barockskulptur erlangten Figurengruppen eine neue Bedeutung, und es gab eine dynamische Bewegung und Energie menschlicher Formen – sie drehten sich um einen leeren zentralen Wirbel oder griffen nach außen in den umgebenden Raum.

Die Barockskulptur hatte oft mehrere ideale Betrachtungswinkel und spiegelte eine allgemeine Fortsetzung der Renaissance wider, die sich vom Relief zur runden Skulptur abwandte und so gestaltet war, dass sie in der Mitte eines großen Raums platziert werden konnte. Viel Barockskulptur fügte außerskulpturale Elemente hinzu, zum Beispiel verborgene Beleuchtung oder Wasserfontänen oder verschmolzene Skulptur und Architektur, um ein transformatives Erlebnis für den Betrachter zu schaffen. Die Künstler sahen sich wie in der klassischen Tradition, bewunderten jedoch eher die hellenistische und spätere römische Skulptur als die der „klassischeren“ Perioden, wie sie heute zu sehen sind.

Die Barockskulptur folgte der Renaissance- und der manieristischen Skulptur und wurde von der Rokoko-Skulptur und der neoklassischen Skulptur abgelöst. Rom war das früheste Zentrum, in dem der Stil geformt wurde. Der Stil verbreitete sich im übrigen Europa, und insbesondere Frankreich gab im späten 17. Jahrhundert eine neue Richtung. Schließlich breitete es sich über Europa hinaus auf die kolonialen Besitztümer der europäischen Mächte aus, insbesondere in Lateinamerika und auf den Philippinen.

Die protestantische Reformation hatte die religiöse Skulptur in weiten Teilen Nordeuropas fast vollständig zum Erliegen gebracht, und obwohl die weltliche Skulptur, insbesondere für Porträtbüsten und Grabdenkmäler, fortgesetzt wurde, hat das niederländische Goldene Zeitalter keine bedeutende skulpturale Komponente außerhalb der Goldschmiedekunst. Teilweise als direkte Reaktion war die Skulptur im Katholizismus ebenso prominent wie im Spätmittelalter. Statuen von Herrschern und Adligen wurden immer beliebter. Im 18. Jahrhundert wurde viel Skulptur im Barockstil fortgesetzt – der Trevi-Brunnen wurde erst 1762 fertiggestellt. Der Rokoko-Stil war besser für kleinere Werke geeignet.

Ursprünge
Der Barockstil entstand aus der Renaissance-Skulptur, die sich auf die klassische griechische und römische Skulptur stützte und die menschliche Form idealisierte. Dies wurde durch den Manierismus modifiziert, als der Künstler und Gelehrte Giorgio Vasari (1511–1574) die Künstler aufforderte, ihren Werken einen einzigartigen und persönlichen Stil zu verleihen. Der Manierismus führte die Idee von Skulpturen mit starken Kontrasten ein; Jugend und Alter, Schönheit und Hässlichkeit, Männer und Frauen. Der Manierismus führte auch die Figura serpentina ein, die zu einem Hauptmerkmal der Barockskulptur wurde. Dies war die Anordnung von Figuren oder Figurengruppen in einer aufsteigenden Spirale, die dem Werk Leichtigkeit und Bewegung verlieh.

Michelangelo hatte in The Dying Slave (1513–1516) und Genius Victorious (1520–1525) Serpentinenfiguren eingeführt, aber diese Werke sollten von einem einzigen Standpunkt aus gesehen werden. Im späten 16. Jahrhundert Werk des italienischen Bildhauers Giambologna, Die Vergewaltigung der Sabinerinnen (1581–1583). ein neues Element eingeführt; Diese Arbeit sollte nicht von einem, sondern von mehreren Gesichtspunkten aus gesehen und je nach Gesichtspunkt geändert werden. Dies wurde ein sehr verbreitetes Merkmal in der Barockskulptur. Die Arbeit von Giambologna hatte einen starken Einfluss auf die Meister des Barock, insbesondere auf Bernini.

Ein weiterer wichtiger Einfluss, der zum Barockstil führte, war die katholische Kirche, die im Kampf gegen den Aufstieg des Protestantismus nach künstlerischen Waffen suchte. Das Konzil von Trient (1545–1563) gab dem Papst größere Befugnisse zur Führung des künstlerischen Schaffens und drückte eine starke Ablehnung der Lehren des Humanismus aus, die während der Renaissance für die Künste von zentraler Bedeutung waren. Während des Pontifikats von Paul V. (1605–1621) begann die Kirche, künstlerische Lehren zu entwickeln, um dem Reformatuon entgegenzuwirken, und beauftragte neue Künstler, diese auszuführen.

Eigenschaften
Seine allgemeinen Eigenschaften sind:

Naturalismus, dh Repräsentation der Natur wie sie ist, ohne sie zu idealisieren.
Integration in die Architektur, die für dramatische Intensität sorgt.
Kompositionsschemata frei von Geometrie und dem für die Skulptur der Vollrenaissance typischen ausgewogenen Verhältnis. Die Barockskulptur sucht Bewegung; Es wird dynamisch nach außen projiziert, mit komplexen Spannungslinien, insbesondere der Helix- oder Serpentinenlinie, und einer Vielzahl von Ebenen und Blickwinkeln. Diese Instabilität manifestiert sich in der Unruhe der Charaktere und Szenen, in der Breite und Pracht der Kleidung, im Kontrast von Texturen und Oberflächen, manchmal in der Einbeziehung verschiedener Materialien, die alle starke Licht- und visuelle Effekte erzeugen.
Darstellung des Aktes in seinem reinen Zustand als gefrorene Handlung, erreicht durch eine asymmetrische Komposition, bei der Diagonalen und Serpentinenformen vorherrschen, schräge und schräge Posen, Verkürzungen und diffuse und intermittierende Umrisse, die die Arbeit mit großer Aufmerksamkeit auf den Betrachter lenken Ausdruckskraft.
Trotz der Identifikation des Barock mit einer „Kunst der Gegenreformation“, die dem Gefühl der Volksverehrung angemessen war, hatte die Barockskulptur selbst in katholischen Ländern eine große Vielfalt von Themen (religiös, beerdigend, mythologisch, Porträts usw.). .)
Die Hauptmanifestation ist eine Statue, die für die Dekoration von Innen- und Außenräumen von Gebäuden sowie von Freiflächen, sowohl privaten (Gärten) als auch öffentlichen (Plätzen), verwendet wird. Die Brunnen waren skulptural und passten sehr gut zum Barockstil. Besonders in Spanien hatten die Bilder und Altarbilder eine außergewöhnliche Entwicklung.

Bernini und römische Barockskulptur
Die dominierende Figur in der Barockskulptur war Gian Lorenzo Bernini (1598–1680). Er war der Sohn eines florentinischen Bildhauers, Pietro Bernini, der von Papst Paul V. nach Rom berufen worden war. Der junge Bernini machte seine ersten Soloarbeiten im Alter von fünfzehn Jahren und erhielt 1618–25 einen bedeutenden Auftrag für Statuen für die Villa von Kardinal Scipion Borghese. Seine hochdramatischen Arbeiten, die aus verschiedenen Blickwinkeln betrachtet werden sollten und sich spiralförmig nach oben bewegten, hatten einen immensen Einfluss auf die europäische Skulptur. Er dominierte weiterhin die italienische Skulptur durch seine Arbeiten an römischen Brunnen, dem Baldequin von St. Peter und dem Grab von Papst Alexander VII. Im Petersdom und seinem Altarensemble für die Kirche Santa-Maria della Vittoria in Rom. Er erhielt seinen letzten Auftrag für eine Brunnenskulptur für den Elefantenbrunnen (1665–1667), gefolgt von einer Reihe von Engeln für die Sant Angelo-Brücke in Rom (1667–69).

Bernini starb 1680, aber sein Stil beeinflusste Bildhauer in ganz Europa, insbesondere in Frankreich, Bayern, Frankreich und Österreich.

Maderno, Mochi und die anderen italienischen Barockbildhauer
Großzügige päpstliche Aufträge machten Rom zu einem Magneten für Bildhauer in Italien und in ganz Europa. Sie schmückten Kirchen, Plätze und, eine Spezialität Roms, die beliebten neuen Brunnen, die die Päpste in der ganzen Stadt geschaffen hatten. Stefano Maderna (1576–1636), ursprünglich aus Bissone in der Lombardei, ging der Arbeit von Bernini voraus. Er begann seine Karriere mit verkleinerten Kopien klassischer Werke in Bronze. Sein Hauptwerk war eine Statue der Heiligen Cäcilie (1600) für die Kirche der Heiligen Cäcilie im Trastevere in Rom. Der Körper des Heiligen liegt ausgestreckt wie in einem Sarkophag und ruft ein Gefühl von Pathos hervor.

Ein weiterer früher bedeutender römischer Bildhauer war Francesco Mochi (1580–1654), geboren in Montevarchi bei Florenz. Er fertigte eine berühmte bronzene Reiterstatue von Alexander Farnese für den Hauptplatz von Piacenza (1620–1625) und eine lebendige Statue der Heiligen Veronika für den Petersdom an, die so aktiv ist, dass sie aus der Nische zu springen scheint.

Andere bemerkenswerte italienische Barockbildhauer waren Alessandro Algardi (1598–1654), dessen erster großer Auftrag das Grab von Papst Leo XI. Im Vatikan war. Er galt als Rivale von Bernini, obwohl seine Arbeit einen ähnlichen Stil hatte. Zu seinen weiteren Hauptwerken gehörte ein großes skulptiertes Basrelief des legendären Treffens zwischen Papst Leo I. und Attila dem Hunnen (1646–1653), bei dem der Papst Attila überredete, Rom nicht anzugreifen

François Duquesnoy (1597–1643), geboren in Flandern, war eine weitere wichtige Figur des italienischen Barock. Er war ein Freund des Malers Poussin und besonders bekannt für seine Statue der Heiligen Susanna in Santa Maria de Loreto in Rom und seine Statue des Heiligen Andreas (1629–1633) im Vatikan. Er wurde zum königlichen Bildhauer Ludwigs XIII. Von Frankreich ernannt, starb jedoch 1643 auf der Reise von Rom nach Paris.

Zu den bedeutenden Bildhauern der späten Zeit gehörte Niccolo Salvi (1697–1751), dessen berühmtestes Werk das Design des Trevi-Brunnens (1732–1751) war. Der Brunnen enthielt auch allegorische Werke anderer bekannter italienischer Barockbildhauer, darunter Filippo della Valle Pietro Bracci und Giovanni Grossi. Der Brunnen war in seiner ganzen Pracht und Ausgelassenheit der letzte Akt des italienischen Barockstils.

Frankreich
Der größte Teil der französischen Barockskulptur sollte nicht die Kirche, sondern den französischen Monarchen Ludwig XIV. Von Frankreich und seinen Nachfolger Ludwig XV. Verherrlichen. Ein Großteil davon wurde von den Bildhauern der neuen Royal Academy of Painting and Sculpture hergestellt, die 1648 gegründet und später von Jean-Baptiste Colbert, dem Finanzminister des Königs, genau überwacht wurde. Französische Bildhauer arbeiteten eng mit Malern, Architekten und Landschaftsarchitekten wie André Le Notre zusammen, um die skulpturalen Effekte des Schlosses von Versailles und seiner Gärten, der anderen königlichen Residenzen und der Statuen für neue Stadtplätze in Paris und anderen zu schaffen Französische Städte. Colbert gründete auch die Französische Akademie in Rom, damit französische Bildhauer und Maler klassische Modelle studieren konnten.

Zu Beginn des Barock wurden die französischen Bildhauer weitgehend von den Malern Flanderns und der Niederlande beeinflusst. besonders der Manierismus von Giambologna, anstatt das Italien zu skulptieren. Zu diesen Künstlern gehörten Germain Pilon (1525–1590), Jean Varin (1604–1672) und Jacques Sarrazin (1592–1660). Bernini selbst kam auf dem Höhepunkt seines Ruhms 1665 nach Paris, um Ludwig XIV. Seinen eigenen Plan für den Louvre vorzustellen. Der König mochte Bernini oder sein Werk nicht, und der Plan wurde abgelehnt, obwohl Bernini eine schöne Büste Ludwigs XIV. Produzierte, die jetzt im Schloss von Versailles ausgestellt ist.

Die besten französischen Bildhauer wurden beauftragt, Statuen für die Brunnengärten des Schlosses von Versailles und andere königliche Residenzen herzustellen. Dazu gehörten Pierre Puget, Jacques Sarazin, François Girardon, Jean-Baptiste Tuby, Antoine Coysevox und Edme Bouchardon. Guillaume Coustou schuf eine besonders schöne Gruppe von Pferden für die Gärten des Château de Marly.

In den späteren Jahren des Barock galt Jean Baptiste Lemoyne (1704–1778), Direktor der Französischen Akademie in Rom, als der beste Rokoko-Bildhauer, obwohl sein Ruhm von seinem Schüler Jean-Antoine Houdon, der das leitete, in den Schatten gestellt wurde Übergang der französischen Skulptur vom Barock zum Klassizismus.

Niederlande und Belgien
Nachdem die vorwiegend calvinistischen Vereinigten Provinzen der Niederlande die Herrschaft von Spanien abgebrochen hatten, brachten sie einen Bildhauer von internationalem Ruf hervor. Hendrick de Keyser (1565–1621). Er war auch der Chefarchitekt von Amsterdam und Schöpfer bedeutender Kirchen und Denkmäler. Sein berühmtestes Skulpturenwerk ist das Grab Wilhelms des Schweigenden (1614–1622) in der Nieuwe Kerk in Delft. Das Grab war aus Marmor geformt, ursprünglich schwarz, jetzt aber weiß, mit Bronzestatuen, die Wilhelm den Stille, Ruhm zu seinen Füßen und die vier Kardinaltugenden an den Ecken darstellen. Da die Kirche Calvinistin war, waren die weiblichen Figuren der Kardinaltugenden von Kopf bis Fuß vollständig bekleidet.

Die südlichen Teile der Niederlande, die größtenteils katholisch blieben, brachten einen kunstvolleren Barockstil hervor, der dem Roms näher kam. Der bekannteste Bildhauer war Artus Quellinus der Ältere, Mitglied einer Familie berühmter Bildhauer und Maler und Sohn eines anderen Bildhauers, Erasmus Quellinus. Er ließ sich 1639 in Antwerpen nieder. Er kam Rubens nahe und seine Arbeit wandte viele der Prinzipien der Kompositionen von Rubens auf die Skulptur an.

Ein weiterer wichtiger belgischer Barockbildhauer war Hendrik Frans Verbrugghen (1654–1724), der sehr kunstvolle Skulpturen voller biblischer Szenen, Flora und Fauna, Allegorien und Symbole für die Zeremonienpuppen der Kathedralen und Kirchen in Brüssel, Louvain, Antwerpen, Mechelen, schnitzte. und andere Städte.

England
Die frühbarocke Skulptur in England wurde durch den Zustrom von Flüchtlingen aus den Religionskriegen auf dem Kontinent beeinflusst. Einer der ersten englischen Bildhauer, der diesen Stil übernahm, war Nicholas Stone (auch bekannt als Nicholas Stone the Elder) (1586–1652). Er lernte bei einem anderen englischen Bildhauer, Isaak James, und 1601 bei dem bekannten niederländischen Bildhauer Hendrick de Keyser, der in England Zuflucht gesucht hatte. Stone kehrte mit de Keyser nach Holland zurück, heiratete seine Tochter und arbeitete in seinem Atelier in Holland, bis er 1613 nach England zurückkehrte. Stone adaptierte den Barockstil der Grabdenkmäler, für die de Keyser bekannt war, insbesondere im Grab der Dame Elizabeth Carey (1617–18) und das Grab von Sir William Curle (1617). Wie die niederländischen Bildhauer adaptierte er auch die Verwendung von kontrastierendem Schwarz-Weiß-Marmor in den Grabdenkmälern, sorgfältig detaillierte Vorhänge und fertigte Gesichter und Hände mit einem bemerkenswerten Naturalismus und Realismus an. Zur gleichen Zeit, als er als Bildhauer arbeitete, arbeitete er auch als Architekt mit Inigo Jones zusammen.

Eine weitere wichtige Figur der englischen Barockskulptur war Louis François Roubiliac (1707–1767). Roubiliac wurde in Frankreich geboren, arbeitete im Atelier von Nicolas Coustou in Paris und gewann 1730 den Hauptpreis der Französischen Akademie für eine biblische Reliefskulptur. Er reiste nach England, heiratete einen Protestanten und entschied, dass er und seine Familie in England sicherer sein würden. In England entdeckte er zufällig ein Päckchen Banknoten, das er seinem Besitzer zurückgab. Der Besitzer war Edward Walpole, der leibliche Sohn des Premierministers, der dazu beitrug, Roubilac den aristokratischen Gönnern vorzustellen. Zu seinen berühmtesten Werken gehörte eine Büste des Komponisten Händel, die zu Händels Lebzeiten für den Schutzpatron der Vauxhall Gardens angefertigt wurde; und das Grab von Joseph und Lady Elizabeth Nightengale (1760). Lady Elizabeth war auf tragische Weise an einer falschen Geburt gestorben, die 1731 durch einen Blitzschlag ausgelöst worden war, und das Grabdenkmal hatte das Pathos ihres Todes mit großem Realismus eingefangen. Seine Skulpturen und Büsten zeigten seine Motive so wie sie waren; Sie waren in gewöhnliche Kleidung gekleidet und erhielten natürliche Körperhaltungen und Ausdrucksformen, ohne den Anspruch auf Heldentum.

Deutschland und das Habsburgerreich
Die Barockbewegung blühte vor allem Ende des 17. Jahrhunderts und Anfang des 18. Jahrhunderts in Deutschland und den von Wien aus regierten Staaten des Habsburgerreiches auf. Eine große Anzahl von Kirchen und Statuen war während der Reformation und der Religionskriege von den protestantischen Bilderstürmern zerstört worden, und eine große Anzahl neuer Werke wurde geschaffen, um sie zu ersetzen. Viele der neuen Werke drückten Triumphthemen aus; Herkules tötete einen Löwen, der heilige Michael tötete einen Drachen und andere Themen, die den Triumph der katholischen Kirche über die Protestanten darstellten.

Eine Reihe von Bildhauern kam aus den Niederlanden, um am Wiederaufbau teilzunehmen. Dazu gehörte Hubert Gerhard (1550–1622) aus Amsterdam, ein Schüler von Giambologna, der vom deutschen Bankier Hans Fugger beauftragt wurde, einen monumentalen Brunnen für sein Schloss in Kirchheim zu bauen. Dies war der erste italienische Barockbrunnen nördlich der Alpen. Gerhard wurde bald beauftragt, einen Brunnen im italienisch-barocken Stil für den Augsburger Stadtplatz und eine Statue des hl. Michael zu bauen, der einen Drachen für die Residenz des Fürsten in München tötet. Die Bildhauer Hans Krumper (1570–1634), Hans Reichle (1570–1624) und der in den Niederlanden geborene Adrien de Vries (1545–1626) stellten ähnliche monumentale Bronzebrunnen und Statuen voller Action und Drama für Kirchenfassaden und Stadtplätze her in Bayern.

Einer der ungewöhnlichsten deutschen Bildhauer im Spätbarock war Franz Xaver Messerschmidt, der sowohl für religiöse Skulpturen als auch für eine Reihe skulptierter Porträts mit extremen Ausdrucksformen bekannt war.

Balthasar Permoser (1651–1732) verbrachte von 1675 bis 1689 vierzehn Jahre in Italien, bevor er Hofbildhauer in Dresden wurde. Er arbeitete in Venedig, Rom und Florenz und brachte den italienischen Barock nach Dresden, insbesondere in die Gärten und in die Innenausstattung des Zwingerpalastes. Sein berühmtestes Werk war eine Skulptur der Apotheose von Prinz Eugen von Savoyen, dem General, der die Invasion der osmanischen Türken besiegt hatte. Der Prinz wird mit dem Fuß auf einem besiegten Türken und mit den Eigenschaften des Herkules dargestellt. Seine Skulptur für die Hofkirche in Drsdsen ist ein weiteres Meisterwerk der Barockskulptur.

Das dramatischste Theater für Barockskulpturen in Deutschland war die Kirchenarchitektur. Besonders komplexe Retabeln und Hochaltäre. Hans Riechle, Jörg Zurn, Hans Degler und andere Künstler schufen Statuen, die fast bis zur Decke reichen. Die Familie Michael Zürn brachte mehrere Generationen sehr produktiver Bildhauer hervor, die Figuren aus polychromem oder vergoldetem Holz und Stuck herstellten. Andere Künstler, die bemerkenswerte Retabeln produzieren, waren Thomas Schwanthaler.

In Wien entstanden in den späteren Jahren des 18. Jahrhunderts einige außergewöhnliche Werke, die den Übergang vom Barock zum Rokoko markierten. Dazu gehörte der Fall der Engel in der Wiener St.-Michael-Kirche von Karl Georg Merville.

Spanien
Die Entstehung des Barockstils in Spanien wie in Italien wurde weitgehend von der katholischen Kirche vorangetrieben, die ihn während der Gegenreformation als mächtige Waffe gegen die Protestanten einsetzte. Die überwiegende Mehrheit der Arbeiten wurde für Gräber, Altäre und Kapellen angefertigt. Gleichzeitig war das 17. Jahrhundert eine Zeit des wirtschaftlichen Niedergangs und der politischen und kulturellen Isolation. Nur wenige spanische Künstler reisten ins Ausland, und nur eine Handvoll nordeuropäischer Bildhauer, insbesondere der flämische Künstler José de Arce, kamen nach Spanien. Infolgedessen entwickelte sich der spanische Barock unabhängig vom Rest Europas und hatte seine eigenen spezifischen Merkmale.

Die Krönung des Franzosen Philipp V., des Enkels Ludwigs XIV. Als König von Spanien, und das Debüt der Bourbonen-Dynastie zu Beginn des 18. Jahrhunderts führten zu einer dramatischen Veränderung der Kulturpolitik und des Stils. Danach wurden die Aufträge für bedeutende Kunstwerke vom König, nicht von der Kirche und der königlichen Akademie der Künste kontrolliert. wie in Frankreich bestimmt die Themen, Stil und Materialien. Diese Zeit dauerte bis etwa 1770.

Eine große Anzahl von Skulpturen wurde für Retabeln, Reliquien und Grabdenkmäler in Kirchen sowie Statuen für religiöse Prozessionen in Auftrag gegeben. Es erschienen neue Themen, insbesondere Werke, die dem Kult der Jungfrau Maria gewidmet waren. Der zu populäre Stil neigte zum Realismus. Die am häufigsten verwendeten Materialien waren Holz, das häufig in verschiedenen Farben gestrichen wurde. Ab etwa 1610 erschien ein spezifisch spanisches Element des Realismus; Bildhauer gaben ihren Statuen Perücken aus echtem Haar, verwendeten Kristallstücke für Tränen, Zähne aus echtem Elfenbein und mit sorgfältigem Realismus gemalte Hautfarben.

Im frühen 16. Jahrhundert gab es zwei wichtige Schulen der spanischen Bildhauerei, die von Kastilien und die von Andalusien. Der Schwerpunkt in der kastilischen Schule lag mehr auf Opferbereitschaft und Martyrium mit einer Fülle von lebhaften Leiden. Die Schule von Andalusien verwendete im Allgemeinen mehr Ornamente und weniger Gewalt; Das Christuskind und die Jungfrau Maria waren häufiger Untertanen als in Kastilien. Das erste Zentrum des kastilischen Stils war Valladolid, wo König Philipp III. Von Spanien von 1601 bis 1606 residierte. Der wichtigste Künstler der frühen kastilischen Schule war Gregorio Fernández (1576–1636). Seine frühen Arbeiten zeigten außergewöhnlichen Realismus und Naturalismus und zeigten alle Wunden. Sein Kreuzabstieg in Valladolid, sehr detailliert und realistisch, sollte in Prozessionen durchgeführt werden. Sein Erfolg ermöglichte es ihm, eine große Werkstatt mit vielen Assistenten zu schaffen und sehr großformatige Arbeiten anzufertigen, insbesondere das Retabel der Kathedrale von Plasencia, das zwischen 1625 und 1632 hergestellt wurde und als einer der Höhepunkte der spanischen Kunst in der ersten Hälfte angesehen wurde des 17. Jahrhunderts.

Das andere frühe Zentrum der spanischen Barockskulptur war die Stadt Sevilla, die durch den Reichtum der spanischen Kolonien in der Neuen Welt stark bereichert worden war. Der wichtigste Bildhauer der frühen Schule in Sevilla war Juan Martínez Montañés (1568–1649), dessen Werke Gleichgewicht und Harmonie mit einem Minimum an Gewalt und Blut darstellten. Ein weiterer wichtiger Bildhauer aus Sevilla war Pedro Roldán (1624–1699), dessen Hauptwerk das aufwendige Retabel war, das den Abstieg vom Kreuz Christi darstellt und für das Hospital de Caidad in Sevilla (1670–72) angefertigt wurde. Die Tochter von Roldán, Luisa Roldán (1654–1704), wurde ebenfalls für ihre Arbeit berühmt und wurde die erste Frau, die in Spanien zur königlichen Bildhauerin ernannt wurde.

Andere bemerkenswerte spanische Barockbildhauer sind Alonso Cano von Grenada (1601–1634), der auch als Maler und Bildhauer tätig war und dessen Werke einen idealisierten Naturalismus aufwiesen. Sein Schüler Pedro de Mena (1628–1688) wurde mit seinen zarten und realistischen lebensgroßen Heiligenstatuen zu einem der wichtigsten Bildhauer der Schule in Sevilla.

Im frühen 18. Jahrhundert entstanden mehrere verschwenderisch barocke Werke, darunter der Altar El Transparente von Narciso Tomé in Toledo, ein riesiger Altar, der so geschaffen wurde, dass er sich bei Lichtwechsel zu bewegen scheint. Es war eines der seltenen Werke in Spanien, das eher aus Bronze und Marmor als aus Holz gefertigt wurde. Es war das Herzstück eines riesigen Kunstkomplexes aus Skulptur, Malerei und Architektur, der das Zentrum der Kathedrale einnimmt.

Mit der Ankunft der Bourbon-Dynastie an der Macht verlagerte sich das Zentrum der Kunstwelt nach Madrid, der Quelle königlicher Aufträge. Die Isolation der spanischen Kunst von der Kunst des übrigen Europas endete mit der Ankunft französischer und italienischer Künstler, die eingeladen wurden, den königlichen Palast zu schmücken. Es brachte auch neue Kunstwerke ins Extreme, darunter das gefolterte The Head of Saint Paul von Juan Alonso Villabrille y Ron sowie feinere Werke, darunter eine Skulptur des Heiligen Florentiner von Francisco Salzillo.

Die Regierungszeit Karls III. Von Spanien (1760–1788) brachte ein abruptes Ende des spanischen Barock und einen Übergang zum Neoklassizismus. Der König verfügte 1777, dass alle Altarskulpturen und Retabeln im Voraus von der Königlichen Akademie von San Fernando genehmigt werden mussten und dass Marmor und Stein, nicht Holz, wann immer möglich für Skulpturen verwendet werden sollten.

Lateinamerika
Der früheste Barockbildhauer und Architekt, der in Lateinamerika arbeitete, war Pedro de Noguera (1580-), der in Barcelona geboren und in Sevilla in der Lehre war. 1619 zog er in das Vizekönigreich Peru, wo er mit Martín Alonso de Mesa die barocken Chorstände der Kathedrale von Lima (1619-) gestaltete.

Der barocke Skulpturenstil wurde im 18. Jahrhundert von spanischen und portugiesischen Missionaren, die lokale Künstler beauftragten, in andere Teile Lateinamerikas transportiert. Es wurde hauptsächlich in Kirchen verwendet. Die Quito-Schule in Ecuador war eine wichtige Gruppe barocker Bildhauer. Prominente Künstler der Schule waren Bernardo de Legarda und Caspicara.

Caspicara (1723–1796) war ein ecuadorianischer Künstler, der elegante und kunstvolle Figuren für die Ausstellung in Kirchen herstellte. Er war eine zentrale Figur in der sogenannten Quito-Schule.

Aleijadinho (1730 oder 1738 bis 1814) war der Sohn eines portugiesischen Kolonisten und eines afrikanischen Sklaven. Er ist bekannt für eine Gruppe monumentaler Specksteinstatuen von Heiligen (1800–1805) für das Santuário de Bom Jesus de Matosinhos in Congonhas, das heute zum UNESCO-Weltkulturerbe gehört. Er fertigte auch eine Reihe lebensgroßer Passionsfiguren an, die die Ereignisse darstellten, die zur Kreuzigung Christi (1780–90) führten.

Barockskulptur in anderen Ländern
In den Niederlanden wurde die Skulptur relevant, wenn auch weit entfernt von der Malerei. In den südlichen Niederlanden (Katholiken, die zur hispanischen Monarchie gehören – gewöhnlich allgemein als „Flandern“ bezeichnet -), wo religiöse Bilder den Bau von Kanzeln hervorhoben, wurden diese mit einer immer stärker werdenden Dekoration bedeckt, die bis weit in das 18. Jahrhundert hinein reichte bemerkenswerte Werke, bei denen die skulpturale Ausstellung vor ihrer Funktion als liturgisches Möbelstück im Mittelpunkt steht. Hervorragendes Beispiel ist die Kanzel des Brüsseler Doms aufgrund von Hendrik Frans Verbruggen. Unter den zu berücksichtigenden Bildhauern sind Jeroen Duquesnoy (Manneken Pis, sein Sohn François Duquesnoy (der hauptsächlich in Rom arbeitete) und Lucas Faydherbe zu nennen.

In den nördlichen Niederlanden (überwiegend protestantisch, unabhängig – üblicherweise allgemein als „Holland“ bezeichnet), wo das Porträt auf Büsten oder Bildnissen verschwenderisch verzierter Gräber auffiel, arbeiteten Hendrik de Keyser und Rombout Verhuls. Artus Quellinus arbeitete in beiden Bereichen.

In Portugal wie in Spanien überwogen polychrome Holzschnitzereien mit religiösem Thema. Fray Cipriano da Cruz und Antonio Ferreira stachen heraus. Ferreira war eine der bekanntesten portugiesischen Barristas des 18. Jahrhunderts, die monumentale Krippen aus kleinformatigen Terrakotta-Figuren schuf.

Zu Beginn des 18. Jahrhunderts begünstigte der Reichtum der brasilianischen Minen die Ankunft ausländischer Künstler: Claude Laprade französischer Herkunft arbeitete in Coimbra und Lissabon, während italienische Werke und Künstler zur Dekoration des Mafra-Nationalpalastes herangezogen wurden. die die Modelle des Barock dieser Länder in Portugal eingeführt. Aber gerade in der Schnitzerei wurden die originellsten Werke produziert. Der Barockstil der Altarbilder überflutete ihre Fläche und bedeckte Wände und Decken mit goldenen Tischlerarbeiten.

Ebenso wie Spanien exportierte Portugal die Modelle, Techniken und Themen der verschiedenen Künste in seine Kolonien. Der größte Bildhauer und herausragende brasilianische Architekt zwischen Barock und Rokoko war Aleijadinho.

In Polen, das zu dieser Zeit dem Großherzogtum Litauen angeschlossen war, wurde die Tradition der Renaissance-Grabskulptur beibehalten, die sich allmählich dem Barockgeschmack anpasste. Bei der Verzierung der Kirchen waren Stuckdekorationen sowie Altarbilder polychromer Skulpturen mit goldenen Gewändern weit verbreitet.

In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts wurde in Galitzia die Skulpturenschule von Lemberg entwickelt, die herausragendste der Zeit, in der Ähnlichkeiten mit der bayerischen oder österreichischen Skulptur beobachtet werden können. Bildhauer wie Sebastián Fesinger deutscher Abstammung oder Antoni Osiński produzierten Bilder in dynamischen Kompositionen mit stark ausgeprägten metallisch aussehenden Falten. Ihre Hauptfigur war Johann Georg Pinsel. In seinem erhaltenen Werk werden neben den Merkmalen, die der Schule gemeinsam sind, eine starke dramatische Ladung und eine sehr ausgeprägte Ausdruckskraft beobachtet.