프로젝트 : 복잡성과 의의 – 지중해에서의 200 명에서 1250 명까지의 패널 페인팅에서의 인간 이미지

오늘날, 패널 페인팅은 인간의 표현이 가장 중요한 작업 중 하나 인 그림의 매체에 대한 우리의 이해를 특징으로합니다. 패널 페인팅의 시작과 그 발전을 가져 오는 기술 요구 사항, 조건 및 제한 요소는이 학제 간 및 획기적인 연구 프로젝트의 주제입니다. 패널 페인팅의 발전 과정에 대한 역사는 고대부터 중세 시대의 대표적인 예를 살펴봄으로써 면밀히 조사 될 것입니다. 이 프로젝트는 육체 톤의 실행에 초점을 맞추고 있습니다. 특정 시간에 특정 효과를 얻기 위해 어떤 기술이 선택 되었습니까? 고대 지식의 전통적인 지식은 어떻게 적응 되었습니까? 기술과 기능 또는 그림의 원래 위치간에 상관 관계가 있습니까? 사회적 변화와 이데올로기 적 교대는 어떻게 반영됩니까?

이탈리아:
Pietre Dure (피렌체 대성당 베네치아 대성당), Florence
Galleria degli Uffizi, 피렌체
빌라 구이 기기 박물관, 루카
피사, 산 마테오 박물관 (Museo Nazionale di San Matteo)
Musei Vaticani, Cittá del Vaticano
수도원 산타 마리아 델 로사리오, 몬테 마리오, 로마
L’ Istituto Superiore per Conservazione 에드 릴 일레 타우로, 로마

독일:
Staatliche Museen Preußischer Kulturbesitz, 베를린 Antikensammlung und Rathgen-Forschungslabor, 베를린
Bonn Akademisches Kunstmuseum
Liebieghaus, Skulpturensammlung, 프랑크푸르트 a. 엠.
디 제덴 미술관, 이징
Staatliche Antikensammlungen und Glyptothek, München
Martin von Wagner Museum, 뷔르츠부르크

이집트:
거룩한 수도원 성 캐서린 마운트 시나이

모든 패널 페인팅은 다양한 사진 기법 (VIS 사진, 긁어 모으는 가벼운 사진, UV 형광 사진 및 적외선 사진)을 사용하여 고해상도로 문서화되었습니다. 그리스도의 십자가 처형 (예 : 산 캐서린 수도원, 시나이 성 수도원, 47 x 25 x 1 cm) 아이콘의 예는 다양한 종류의 정보가 공개되고 문서화 된 방법을 보여줍니다.

안료 이집트 블루의 사용은 적외선 필터 (VIL 사진)를 사용하여 미라 초상화에서 감지되었습니다. 이집트 블루는 가장 오래되고 인위적으로 생산 된 착색제 중 하나입니다.
안료는 VIL 이미지에서 빛을냅니다. 화환의 녹색은 이집트의 파란색과 노란색 색소가 혼합 된 것입니다. 백인의 백인은 이집트 블루 색으로 음영 처리되었습니다. 이 옷에는 이집트 블루도 들어 있습니다.

휴대용 입체 현미경을 현장에서 사용하여 마이크로 스케일에서 패널 페인팅의 복잡한 페인트 레이어를 검사했습니다.

레이어 시퀀스를 명확히하기 위해 작은 페인트 조각을 가져 와서 수지에 묻고 레이어를 가로 질러 깎고 연마합니다. 횡단면에는 그림의 레이어 시퀀스가 ​​표시됩니다. 층은 다양한 광학 현미경 검사 방법에 의해 광학적으로 구별된다. 착색제의 성분은 주 사형 전자 현미경 (SEM)에 의해 분석 될 수있다.

19 세기 동안 여행자, 상인 및 초기 이집트 학자들은 유럽 수집가들의 관심을 끌기 위해 많은 수의 소위 초상화 미라를 가져 왔습니다. 그들은 주로 부피가 큰 방부 처리 된 시체보다는 그림이 그려진 초상화에 관심이있었습니다. 결과적으로 오늘날의 박물관에서는 사망 한 인물의 초상화 만 찾아냅니다. 그리스의 영향을 받아 제 1 세기부터 제 3 세기까지 제국 로마 시대에 이집트의 오아시스에서 초상의 미이라 추세가 나타났습니다.

ISIMAT 프로젝트에서 조사한 모든 미이라 초상화는 독일 박물관 출신입니다. 그들은 회화 기술이나 도상 학적 측면으로 선정되었으며 비슷한 조건에서 조사되었습니다. 미라 초상화는 남성, 여성 및 어린이를 보여줍니다.

시각적 인 특성에 따라 조사 된 골동품 패널 그림은 골동품 템퍼 기술, 불타는 골동품 및 골동품 콜드 왁스 그림의 세 가지 그림 기법에 기인합니다.
Tempera Technique에는 계란, 접착제 또는 잇몸 같은 수성 바인더가 사용되었습니다. 이 색상은 일반적으로 얇게 적용되었습니다. Tempera Technique 외에도 밀랍은 바인더로도 사용되었습니다.

밀랍으로 그림을 그릴 때 적어도 두 가지 기술을 구별 할 수 있습니다.
콜드 왁스 페인팅은 Encaustic과는 다른데, 그 이유는 주로 브러쉬 스트로크 (brushstrokes)를 보여주기 때문이며, 페인팅 과정에서 열과의 재연은 인식 할 수 없기 때문입니다.

encaustic 미이 초상화는 붓질과 가열 도구에서 흔적을 보여줍니다. 녹아 내고 응고 된 색 텍스처의 표면 릴리프는 페인트 레이어가 열로 처리되었음을 나타냅니다. 소위 “cauteria”라고 불리는 다른 형태가 긁어 모으는 빛에서 관찰되었습니다.

이른바 세베 난 톤도 (Severan Tondo)는 황실을 묘사 한 고대에서 유일하게 알려진 패널 페인팅입니다. 토도는 이집트에서 온 미이라 초상화처럼 이집트의 셉 티미 우스 세베루스 (Septimius Severus) (193-211)와 그의 아내 줄리아 도마 (Julia Domna)와 아들 게타 (Geta)와 카라칼라 (Caracalla)를 보여줍니다. 그의 형제의 명령으로 게타의 얼굴이 긁혔습니다. 이와 같은 그림이 그려진 초상화는 고대에서 높은 숫자로 존재했으며 사무실, 상점 및 성지에 매달려있었습니다.

앤티크 템퍼 테크닉 (Andique Tempera Technique)으로 그려진 이른바 세 베란 톤도 (Severan Tondo)는 활기차고 빠르고 경험 많은 페인팅 방법을 보여줍니다. 밝은 색조가 어두운 색조에 사용되어 뒤집혔다. 육체 색조의 모델링은 반투명 페인트의 수많은 레이어를 겹치고 나란히 배치하여 이루어졌습니다. 얇은 유약은 도장 공정 후반에 붓 브러시 스트로크 위에 덧붙여졌습니다. 즉, 이전 레이어가 빛나도록하여 겹쳐서 추가 음영을 만들고 동시에 볼륨과 소성을 유도합니다.

앤티크 템퍼 기법의 눈 그림 레이어의 도식 표현 : 다음의 예를 사용하여 : 2 세기 후반 -200 년경, 남자의 미라 인물, Würzburg, Martin von Wagner-Museum, Inv. H 2196.

AntiquityWritten 원천에서 Antiquity의 페인팅 기술에 대한 출처는 Antiquity의 페인팅 기술에 대한 정보를 바탕으로 다음과 같이 가정합니다. 도구 페인터는 브러시 ( “페니실륨”), “소작농”(가열 될 수있는 금속 주걱), “열 안정성” 포자, 작은 도기 그릇 또는 페인트 상자). 무덤과 폼페이에서 온 화가에게 의심의 여지없이 할당 할 수있는 유일한 고고 학적 발견. (프레스코 화) 화가가 제작 한 가장 인상적인 무덤 인벤토리 중 하나는 런던의 대영 박물관 (British Museum)에있는 Hawara의 작품입니다. 패널 화가는 아직 심각한 인벤토리를 발견하지 못했습니다.

고대 화가들은 어떻게 왁스로 칠 했습니까? 이 질문에 답하기 위해 밀랍을 이용한 회화 기술의 실험적 재구성이 수행되었습니다. 다른 색조의 회화 도료는 나무 패널 위에 가열 금속으로 된 주걱으로 융합되거나 혼합되었습니다. 미라 인물에서 관찰 된 것처럼 길고 균일 한 브러시 스트로크를 만들기 위해, 왁스는 “액체”로 만들어야 만했습니다. 다양한 가공 가능성이 있습니다.

밀랍의 정화 및 전처리를위한 개략도

고대 출처의 조리법 Pliny the Elder (자연의 역사, 1 세기) 또는 Dioscorides (재료의 medica, 1 세기)는 재건을위한 기초 역할을했다.
소식통의 설명은 해석의 여지가 많이 남아있다. 예를 들어 바닷물과 왁스가 끓는 왁스가 다른 결과를 초래할 수 있습니다. 회화에 사용 된 제품이 아직 명확하지 않습니다.

미라의 초상화가 여전히 아름답게 보일지라도, 이집트의 기후에서 약 2000 년의 노화가 있은 후에 그 페인트의 밀랍은 크게 바뀌 었습니다. 미라 (mummy) 초상화의 신선한 밀랍과 밀랍의 가스 크로마토 그램은 끓는점이 낮은 성분이 증발되었음을 보여줍니다. 가스 크로마토 그램에서 개별 화합물은 끓는점에 의해 분리됩니다. 휘발성이 더 낮은 성분이 왼쪽에 나타나고, 휘발성이 낮은 화합물이 오른쪽에 나타납니다.
노화로 인한 변경은 마지막 슬라이드에 설명 된 치료에 의해 유도 된 변경에 겹쳐지기 때문에 어떤 제품 (a, b 또는 c)이 처음에 사용되었는지 확실하게 결정할 수 없습니다.

이집트의 마운트 시나이 (Sinai)에있는 성 캐서린의 그리스 정교회 수도원은 6 세기에 설립되었으며 세계에서 가장 오래되고 큰 아이콘 컬렉션 중 하나를 보존합니다. ISIMAT 프로젝트를 위해 2016 년과 2017 년에 2 건의 연구 캠페인이 진행되었습니다.

ISIMAT 프로젝트를 위해 11 개의 패널 그림을 조사했습니다. 그들은 7 세기와 10 세기 사이의 연대 일 수 있습니다. 문체 적으로 그들은 비잔틴 또는 지역 전통에 속합니다. 페인팅 기법은 광학적 기준에 근거하여 중세 온도 기법으로 분류되었습니다.

이 패널에는 십자가 위에서 죽은 그리스도를 가장 잘 묘사 한 그림이 그려져 있습니다. 화가는 죽은 자의 육체를 살아있는 것과는 달리 여성의 모습을 차별화하지 않았다. 분명히, 그의 목표는 그가 인체의 일시성을 특징 짓는 것보다 더 많이 죽음을 극복 한 순간에 그리스도를 묘사하는 것이 었습니다.

다른 초기 아이콘과 마찬가지로 밝은 색상의 페인트 층이 흰색 바탕에 나무 패널 위에 직접 부착되었습니다. 육체의 색조는 황토색을 기본으로합니다. 금 대신에, orpiment를 포함하는 노란 페인트가 사용되었습니다. 패널에는 원래 적용된 프레임이 있었지만 이제는 사라졌습니다.

십자가에 못 박힘을 나타내는이 보존 된 조각의 구성은 황금 지대 앞에서 격리 된 주 그림으로 축소됩니다. 콘스탄티노플에있는 황실에서 사용 된 주인공의 작품과 동일한 품질을 가진 얼굴의 회화 적 개념.

살색 톤은 갈색 녹색 바탕에 칠했다. 그림자는 어두운 반투명 용도에서 갈색, 분홍색 및 흰색 층을 추가하기 전에 어두운 녹색으로 표시되었습니다. 이것은 자연광에 의해 조명 된 3 차원 입체 효과를 만듭니다.

아마도 삼부작의 왼쪽 날개였던이 패널은 시내산 성 캐서린 수도원에서 보존 된 가장 오래된 아이콘 중 하나입니다. 이 그림은 372 명의 성 아길라야스 대주교 (373 명 사망), 가장 영향력있는 교회 교사 중 한 사람으로 여겨지는 알렉산드리아 대주교 (378 명 사망), 가이사랴 주교와 Cappadocia는 3 명의 Cappadocian 교회 아버지 중 한 사람입니다. 세인트 바실의 규칙은 특히 동부 세계에서 수도원 생활의 기초로 간주됩니다. 두 교회 교사 모두 길쭉한 특징과 그들의 지각의 표현적인 묘사가 특징 인 고행의 성도를 구현합니다.

이 아이콘은 흰색 바탕 면도없이 페인트됩니다. 밝은 색상은 목재 받침대에 직접 적용되었습니다. haloe 들어 황토와 큰 orpiment 입자를 포함하는 노란색 페인트가 사용되었습니다. 살색 톤은 황토 underpainting의 층에 단지 약간 색깔 (백색, 빨강, 검정 조금 분홍색)를 사용하여 만들어졌다.

로마의 몬테 마리오 (Monte Mario)에있는 산타 마리아 델 로사리오 (Santa Maria del Rosario)의 신의 어머니 (Mother of God)는 독특하고 훌륭하고 높은 화폭으로 그려져있었습니다. 그녀의 인간 시선은 여전히 ​​뷰어를 매료시킵니다. 페인트는 왁스 바인더 (waxy binder)를 기반으로하며 브러시로 도포됩니다. 배경과 후광은 금도금됩니다. 표면에 부분적으로 만 적용된 흰색 gesso 흙은 도금을위한 준비 층 역할을했지만 왁스 같은 페인트는 준비하지 못했습니다.

왁스 색, 황토색 및 분홍색의 육질 색조가 초록색 기본 색상 위에 레이어로 적용되었습니다. 브러시 스트로크는 부분적으로 서로 교차하여 아래쪽 페인트 레이어가 부분적으로 보입니다. 수많은 피부색이 섬세한 피부색의 변화를 형성합니다.

이른바 Salus Populi Romani라고 불리는 1613 년 이래로 산타 마리아 마 죠레 (Santa Maria Maggiore)의 아카펠라 파올 리나 (Cappella Paolina) 바로크 양식의 보관소에 보관되었습니다. 그것은 19 세기 이래 Salus Populi Romani로 알려져 있습니다. 수치는 도금 한 배경 앞에 렌더링됩니다. 또한, 지금은 빨간 후광이 원래 금박을 입혔습니다. 그림은 Tempera Technique에서 실행되었습니다.

녹색 기본 색상 위에 살은 단일 브러시 스트로크로 많은 얇은 페인트 응용 프로그램으로 모델링됩니다. 육체 색조는 그린베이스 레이어가 그림자를 형성 할 수 있도록 섹션에서 생략되었으며 투명한 갈색 페인트 레이어로 깊어졌습니다. 갈색, 주홍 빨강 및 흰색 붓질로 그림이 완성됩니다.

투스카니에서의 패널 페인팅 시험. 피렌체, 피사 및 루카의 패널 그림 : 피렌체, 피사 및 루카의 15 개 패널 회화의 육체 음색에 사용 된 그림 기법을 조사하고 비교했습니다. 페인팅 기술은 페인팅 방법을 통해 전달 되었기 때문에 수많은 페인팅 방법을 연구하는 것이 매우 중요합니다. 그들은 예술가의 방랑과 그들의 회화 관행의 확산에 대한 정보를 제공합니다.

이탈리아의 십자가에서 그리스도의 육신의이 횡단면은 여러 층의 복잡한 형성을 드러낸다. 하얀 살색 톤에 황토색이 녹색으로 채워져 있었다. 상단에는 UV 빛의 밝은 형광으로 식별 할 수있는 바니시가 있습니다.
이 색의 층상화는 모든 육체 색조를 대표하지 않습니다. 중세 토스카니에서는 최소한 세 가지 색조를 그리는 전통이 관찰 될 수 있습니다.

투스카니에서는 다양한 회화 전통을 확인할 수 있습니다. 페인팅의 방법은 착색 된 기본 레이어 위에 육체 톤의 모델링이 발생한다는 사실을 공유합니다. ‘기본 색상’이라고하는이 그림 레이어는 밝은 오렌지 및 노란색 – 분홍색에서 분홍색 및 녹색까지 다양한 색조로 실행됩니다.
기본 색상 위에 모델링은 다양한 황토색에서 흰색 피부색의 혼합, 빛 및 그림자 색상으로 만들어집니다. 기본 색상은 모델링 아래의 위치에 표시되어 있으므로 그림의 일부입니다.

루카 (Lucca)의 Croce di Berlinghiero에서 온 그리스도의 얼굴은 얇고 밝은 황색 바탕 위에 칠해졌습니다. 이 위에 뺨, 이마와 턱은 매우 훌륭하고 반투명 한 주술로 모델링되었습니다. 더 넓고 불투명 한 흰색 붓 자국이 하이라이트를 형성합니다.
얼굴의 섬세한 모델링은 노란색 투명한 페인트 (유약)의 레이어에 의해 만들어졌습니다. 그림은 마치 금 도금 한 땅 위에 처형 된 것처럼 빛납니다.

Croce di San Sepolcro에있는 그리스도 얼굴의 육체적 색조의 모델링은 짙은 색과 옅은 색의 이중 적용뿐 아니라 황색 황토색의 뺨의 붉은 색부터 분홍색의 기본 색까지 나타납니다.
이 기법은 ‘Schedula diversarum Artium’에 묘사 된 그림 전통에 기반을두고 있습니다.

지우 타 피 사노 (Giunta Pisano)는 차가운 녹색의 기본 층에 그리스도의 얼굴을 모델링했습니다. 밝고 거의 흰색 인 피부색은 훌륭한 브러쉬 스트로크로 칠해졌으며 어두운 부분에서 밝은 부분까지 점차 더 조밀하게 적용되었습니다. 다양한 투명, 짙은 녹색에서 적갈색의 그림자 색상이 부드럽고 회화 적으로 전환됩니다.
차가운 녹색의 기본 색상을 사용한 페인팅 기술은 동양의 것이었을 수 있습니다. 그것은 “Liber columum secundum Magistrum Bernardum”에서 “incarnatura greca”로 묘사됩니다. 이러한 페인팅 방식은 Cennini (14 세기 초반)에서 살점 톤을 그리는 현대 또는 이탈리아 스타일로 처음 명명되었습니다.

14 세기 초 Cennino Cennini는 죽은 사람들, 여기에 그리스도 patiens가 뺨에 붉은 색으로 칠해지지 않을지도 모른다고 설명했습니다.
대조적으로, 붉은 색으로 칠해진 뺨은 마리아와 요한의 육체의 색채를 돋 웁니다.

Berlinghieri는 주황색의 기초 층에 그의 “croce dipinta”의 그리스도 vivens의 살빛 음색을 건축하고있는 동안, 그는 녹색 기본 색깔에 동반하는 숫자를 만들었다.
이 녹색 음색은 Giunta Pisano의 회화 전통과 관련되어서는 안되며, “Schedula diversarum”에서 제공되는 회화 지침이 있어야합니다. 그곳에서 창백하고 고통당하는 사람들의 얼굴을 녹색 바탕색으로 칠하는 방법이 설명되어 있습니다.

이화의 St. Luke Icon (원본 그림)의 횡단면은 육질의 영역에서 갈색 – 녹색 기본 색상을 보여줍니다.
갈색과 녹색의 기본 색을 지닌 육질 색조는 아직 로마와 투스카니의 패널 그림에는 나타나지 않았다.
이 발견은이 회화 스타일이 비잔틴 전통에 뿌리를두고 있다는 논제를 뒷받침한다. 갈색 녹색의 기본 색상은 Phourna의 그리스 화가 Dionysius가 제작 한 “Athos 산 화가의 책”( “Hermeneia”라고도 함)에 설명되어 있습니다.

육체의 색조 표현을위한 그림 기법은 선택된 중세 출처의 구절과 지시와 비교되었습니다.
예술가의 이주와 같은 그림 관행의 시간적 위치와 공간적 보급은 작품뿐만 아니라 서술 된 전통에도 반영됩니다.

12 세기 상반기부터 다양한 출처의 3 권의 책으로 된 백과 사전 기술 컬렉션 인 “Schedula diversarum Artium”

“화가의 책”(그리스어 화가 Dionysius of Phourna)의 “Athos 산 화가의 책”(또한 “Hermeneia”)은 1740 년 이후에 죽었으며 중세 비잔틴 미술의 아이콘 그림 회화

“Liber columum secundum Magistrum Bernardum quomodo debent distemperari et temperari et confici”, 13 세기의 모리 몬도 (밀라노) 출신의 베르나르도 (Bernardo)의 그림 논문

“Il libro dell’arte”, 유명한 화가의 책, Cennino Cennini, 파도바, 14 세기 초

중세 패널 페인팅에서 육체 색조를 그리기위한 최소한 4 가지의 다른 전통이 구별 될 수 있습니다.